Moris: "Fiebre de Vivir" 1978
En muchas ocasiones se puede ser más profeta fuera de su tierra que en su país natal. Esto sucede en todos los ámbitos y el musical no está exento de esto. Un ejemplo que proviene desde nuestro país y que quizás fue más por casualidad que causalidad fue el de Moris en su exilio hacia España escapando de los años de dictadura que se vivían durante la década de los ´70 en Argentina. Cuando se menciona el hecho de casualidad no es para restarle meritos a Moris y mucho menos darle vuelta la cara a lo que se vivía en materia política en nuestro país, sin embargo Moris nunca se esperó para nada el buen recibimiento que tuvo en el país ibérico. Esta buena acogida que tuvo en España se debió a varios motivos, primero porque a finales de los ´70 ese país estaba despertando de un letargo de muchos años de tiranía por el gobierno de Franco y segundo que por consecuencia de esa dictadura existió tal censura que el arte español fue casi nulo en años anteriores. El Rock Español, más allá de tener algunos ejemplos aislados casi no existía, muy a contramano de lo que si se pudo gestar en Argentina a pesar de estar bajo las mismas botas militares a fines de los ´60.
A finales de 1976, uno de los considerados fundadores del Rock Argentino y quizás también el primer cantautor de Rock nacional
-Tanguito también lo fue pero recién llegó a lanzar un Lp post mortem- comenzó a hacer sus valijas ya que podía vislumbrar un panorama bastante incierto y turbio para cualquier artista que quisiera expresarse libremente. Por esos años las sutilezas no eran tenidas muy en cuenta y la opinión que tenían sobre él se lo hicieron saber de forma manifiesta al prohibir de manera violenta un recital que estaba por dar ese año en un teatro porteño. Por estos motivos es que Moris decide emprender un viaje a Madrid junto con su familia para poder continuar con su música. Este no fue el único caso de autoexilio, los Aquelarre
-la banda integrada por los ex Almendra Emilio del Guercio y Rodolfo García- también supo hacer lo mismo durante esos años sin embargo no obtuvieron el resultado esperado.
Hagamos una pausa a este relato para graficar la imagen que se puede tener de Moris en el presente. Para muchos puede ser sólo recordado por la autoría del tema “El Oso”
-emblema del Rock Argentino-, junto con otros temas ya en una segunda línea de éxito como “Ayer Nomás”, “De Nada Sirve” o “Escúchame entre el Ruido”. Sin embargo, durante su exilio en España grabó el Lp “Fiebre de Vivir” que sería para ese país una de las tantas patas fundamentales de ese incipiente Rock Español, pero para nuestro país ese disco se mantuvo durante mucho tiempo entre las sombras y también mucha de la discografía siguiente de Moris a pesar de ser parte de esa cofradía de fundadores del Rock Argentino. Los motivos para esto pueden ser varios y no vamos a analizarlos ahora pero vale rescatar este trabajo dentro de su discografía ya que tiene muchos méritos.
El álbum se editó en 1978 y tiene la particularidad de que Moris pudo sentir esas calles Madrileñas como si fueran suyas, como si se hubiera criado ahí toda la vida. Moris puede tener varios detractores, a los cuales no les agrada demasiado quizás su voz o su forma de composición, pero sabe sacar de una letra costumbrista y mundana un tema destacable como así también graficar calles, trabajos y quehaceres del día a día con una prosa similar al tango. Muchas veces, también corre con el prejuicio de ser
“aburridas” sus canciones, sin embargo su tercer Lp “Fiebre de Vivir”, tiene un pulso bien roquero muy diferente a todo lo que había hecho durante su etapa solista. Deja de lado las letras reflexivas, existenciales y las cambia por unas más sencillas y directas
-de noche, bares, mujeres y diversión- que se vieron influenciadas por el pulso madrileño y lo vivido durante las noches en esa ciudad. Esa simplicidad se vio reflejada en covers de Rock and Roll de los ´50 pero obviamente cantados en castellano como “Zapatos de Gamuza Azul” de Carl Perkins, que tiene el particular estilo de que la palabra zapatos fuera pronunciada como una “S” y no como una “Z” como es la fonética española. Toda una proeza sabiendo lo ortodoxos que suelen ser los españoles con su idioma. La versión de este tema, a pesar de tener esta pronunciación, causó un furor en España pero no fue solo el único cover que tiene la placa ya que el Lp también cuenta con el tema “Que Dije” de Ray Charles, otro punto muy alto del disco.
Fuera de estas dos versiones de clásicos del Rock and Roll se encuentran temas del mismo corte como “Sábado Noche”, el cual comienza casi acústico para terminar en una explosión eléctrica de rocanrol con una letra bien simple que habla sobre la suerte que tiene un joven un Sábado a la noche el cual ya terminó de trabajar y puede salir por ahí a divertirse. Otras letras simples pero efectivas dentro de ese Rock and Roll pueden ser “Rock de Europa”, “Balanceo del Rock”, “Hoy Como Ayer” y “Rock del Portal”. No todo es Rock eléctrico en este disco, sino que también posee algunas baladas muy empapadas con el aire Madrileño, no sólo por la facilidad de poder retratar con exactitud calles y gente del lugar sino también por tener una composición musical muy catalana. Esto se puede apreciar en temas como “La Ciudad no Tiene Fin”, “Tarde en el Metro” o “Balada de Madrid”.
El
“sonido Moris” puede no ser del agrado de cualquier desprevenido y quizás no genere una empatía de inmediato en un primer momento, muchas pueden ser las razones
-los prejuicios también-, pero más allá de esto no se le puede ser esquivo a un trabajo que aquí en nuestras tierras puede haber pasado desapercibido pero en España fue uno de los pilares para la gestación de un Rock que para finales de los ´70 aún estaba gateando.
5 Discos de Rhythm and Blues Británico que no hay que dejar de tener
The Rolling Stones - "The Rolling Stones" 1964
De todas las bandas que integran esta lista, sin dudas la más longeva y que aún se encuentra en actividad son los Stones. Durante más de cinco décadas los Stones fueron modificando su sonido de acuerdo a los parámetros musicales de moda y los gustos personales del grupo. Pasaron del más tradicional R&B, pero también tuvieron pequeños coqueteos con la Psicodelia, el Soul, el Funk y Punk hasta terminar en el Rock a secas de estos años. Para 1964, año en que se editó el primer Lp de los Stones, los Beatles ya existían y eran un éxito mundial. Sin embargo, mucho antes de que esto sucediera, el sello inglés Decca los había rechazado y estos fueron a parar a un sub-sello como fue Parlophone de EMI perdiéndose con esto la gallina de los huevos de oro. Cuando los Stones se presentaron en las puertas de Decca, los ejecutivos de esta grabadora no tropezaron con la misma piedra dos veces y los ficharon de inmediato. Ya desde un primer momento los presentaron como la contracara de los Fab Four, elegantemente desarreglados y desalineados, con una actitud más provocativa y una forma de tocar un poco más ruda y directa. Eran los chicos malos del rock, sin embargo a pesar de que se los vendió como los rivales de los Beatles, sólo lo fueron en términos de negocios musicales ya que había una muy buena relación entre los integrantes de cada banda. Para muestra sólo basta un botón, ya que los Beatles le cedieron el tema “I Wanna Be Your Man” a los Stones para que estos lo grabaran, ya que quedaba más con el perfil de estos últimos que en los de Liverpool. El primer Lp de los Stones no varía demasiado del común denominador que reinaba por esos años en Inglaterra, un compendio de standards de R&B de bluesmen americanos ejecutados con pasión y energía por jóvenes blancos. Por esos años los sellos discográficos se jugaban por lo seguro -nunca dejaron de hacerlo- y lo que se vendía como pan caliente eran esos temas “prohibidos” que provenían desde la raza negra de los EE.UU y que despertaba el fuego interior de la juventud inglesa. Pero si a todo esto le agregamos que los ejecutantes de esta música eran jóvenes ingleses con cierta presencia atractiva, el negocio era redondo. Los Stones para ese entonces habían recibido toda una catarata de temas de R&B gracias al intercambio de discos que provenían desde las zonas portuarias donde los barcos detenían su marcha con productos importados desde los EE.UU. Mientras que también fueron influenciados por las radios piratas que por ese entonces empezaban a florecer con esa “otra música” que no era difundida por las radios comerciales. Por todos estos motivos, este Lp tiene una gran cantidad de covers de R&B como “Route 66”, “I Just Want To Make Love To You”, “Walking The Dog”, “Carol”, “I´m a King Bee”, “Not Fade Away”, “You Can Make If You Try” o “Can I Get a Witness” y sólo tres temas de su autoría como son la instrumental “Now I´ve Got a Witness” y “Little By Little” ambas realizadas bajo el seudónimo de Phelge ya que aún tenían cierta vergüenza o reparo en poner sus apellidos verdaderos. El otro tema es “Tell Me”, este si ya con la firma Jagger-Richards. Luego de este disco los Stones tendrían más composiciones propias que le ganarían terreno a los covers, pero es con este disco con el cual dejaron su huella de R&B.
The Animals - "The Animals" 1964
Primero que nada aclaremos que la portada de este Lp
-el primero de The Animals- es de la edición Americana, muy diferente a la tapa del disco proveniente del Reino Unido. Esto que para muchos sólo puede ser un detalle, en el coleccionismo discográfico es mirado con recelo y pasión por tener las portadas de las diferentes ediciones de un mismo disco. De todas maneras, las diferencias no sólo se encuentran en las diferentes tapas sino también en los distintos títulos que integran la lista de temas de una y otra edición. Esto que a la distancia puede ser visto como un capricho, en la década de los ´60 era de moneda común, pero esto tenía un justificativo. Siempre antes de que un artista o grupo lance un Lp, este debía editar dos o tres simples de éxito para
“testear” el recibimiento del público y asegurarse con esto la venta de los futuros Lp. Si ese grupo o artista lograba rendir esas condiciones recién ahí accedía a grabar ese ansiado Lp pero todos esos temas que lanzó como simple no integrarían ese larga duración salvo cuando este trabajo sea editado en otro mercado donde sí reuniría todos esos temas
-la mayoría de éxito- logrando un producto bien acabado y de fácil venta. Por este motivo, muchos de los temas que en la edición Americana de esos grupos ingleses sí se encuentran, no fueron de la partida en la edición Inglesa. Aclarado esto ya, vale decir que incluso este trabajo se editó dos meses antes que la versión inglesa y cuenta como se detallo más arriba con todos los simples de éxito. El disco arranca con “The House of The Rising Sun” un tema tradicional, realizado por los Animals en una veta bien blusera sostenida por el piano del tecladista Alan Price
-uno de los mejores de la época- y la voz excelente para este tipo de registros de Eric Burdon. Las otras canciones de la placa son al igual que lo que sucede con sus contemporáneos, un compendio de estándares de R&B como “Blue Feeling”, “The Girl Can´t Help It”, “Baby Let Me Take You Home”, “Talkin' 'Bout You”, “Around and Around”, “Gonna Send You Back to Walker”, “Memphis Tennessee” o “I'm Mad Again”. The Animals luego editaría “Animals Tracks” el cual sería el último con Alan Price ya que decide alejarse del grupo y seguir como solista. Luego vendría “Animalism” y después de este cambiarían muchas cosas, el nombre del grupo a Eric Burdon and The New Animals, varios de sus integrantes y el estilo de R&B que siempre caracterizó su sonido mutaría por un rock más psicodélico, bien acorde con los tiempos que se vivían a mediados de los ´60. De todas maneras, The Animals se encuentran dentro de esa cofradía de grupos insignia de R&B inglés siendo uno de los primeros en desembarcar en la denominada
British Invasion que tuvieron los EE.UU.
Ya es sabido por muchos que The Yardbirds contó entre sus filas con tres de los mejores guitarristas del rock en menos de cuatro años como fue Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Mientras que otros saben que de las cenizas de estos, surgieron las bases de lo que fue Led Zeppelin. Sin embargo, muy pocos se detienen a reparar en lo muy influyentes y grandes artistas que fueron apartándose por un momento de todos esos tips que se fueron ganando con el paso del tiempo. Las actuaciones de los Yardbirds eran enérgicas, y tenían una exquisitez para la interpretación de los R&B que rápidamente los impulso como banda de apoyo durante las visitas de los Bluesmen americanos. Con el correr de los meses ya fueron haciéndose de un nombre en el circuito de locales como el Crawdaddy o el Marquee por tener a un excelente guitarrista
-Clapton- pero también por tener un cantante que sin ser descollante, tenía un registro de voz muy particular que lo destacaba de inmediato. Muchos podrán decir que el disco más R&B de los Yardbirds puede ser su primer Lp, “Five Live Yardbirds”, grabado en vivo de forma íntegra. Sin embargo, su primer larga duración de estudio fue este “For Your Love” de 1965 el cual ya no contaba con la participación de Clapton porque el aducía que los Yardbirds se estaban volviendo más Pop. El tema en cuestión, homónimo al disco, puede tener cierto toque pop, sin embargo el resto del disco es uno de los mejores ejemplos del R&B inglés, con toques de Soul y Beat. En el Lp además de encontrarse este tema del compositor Graham Gouldman, se encuentra los excelentes “I'm Not Talking”, “Putty (In Your Hands)”, “I Ain't Got You”, el instrumental “Got to Hurry”, “I Wish You Would”, “A Certain Girl”, el Soul Blanco de “Sweet Music”, “Good Morning Little Schoolgirl”, “My Girl Sloppy” y “I Ain't Done Wrong”, cuya autoría pertenece al cantante Keith Relf.
Los Lp de The Yardbids nunca fueron reconocidos en su magnitud, como una obra en sí misma, sino que siempre tuvieron que conformarse con ser una banda muy rendidora de simples pero no tanto de los larga duración. Esto de a poco se fue corrigiendo con la historia pero existe todavía cierta confusión dentro de la discografía de los Yardbirds, incluso este segundo Lp muchas veces es obviado dentro de la discografía de ellos. Quizás parte de esta confusión se deba al recambio de guitarristas de forma tan rápida, quien sabe, lo que si es seguro es que “For Your Love” es uno de los mejores discos de esa primer oleada de R&B inglés.
Las Cosas Lindas, el nombre del grupo dista mucha de lo que en realidad fueron, unos auténticos salvajes en escena. Las actuaciones de The Pretty Things realmente eran incendiarias, tenían mucha energía y una crudeza en escena que podía dejar boquiabierto a más de uno. Esto se debía mucho al gran showman que era Phil May. Dejaba todo sobre el escenario y dentro del circuito muchas veces fue comparado con Mick Jagger por varios motivos ya que mezclaba por partes iguales arrogancia, desenfreno y sexualidad. Comentario aparte merece el largo de su pelo el cual era mucho más abundante que el común denominador de sus contemporáneos. Esto hoy a la distancia puede ser hasta naif, pero para esa época podía causar bastante malestar dentro de la sociedad bien habiente. Sin embargo, tal cual como sucedió con los Stones que tenían a la dupla compositiva Jagger-Richards, en los Pretty Things se encontraba Dick Taylor, un guitarrista que también supo integrar la prehistoria de los Stones mucho antes de que estos sacaron algún simple. Taylor ya tenía un background que venía de la escuela del Jazz y el más ortodoxo R&B. De todos los grupos mencionados, los Pretty Things fueron los que tuvieron un R&B más crudo y furioso, esto queda de manifiesto ya en su primer Lp del mismo nombre de la agrupación y se refuerza con este segundo trabajo, “Get The Picture?”. Aquí la urgencia de ese primer álbum sigue estando pero esta más contenida y la ejecución de los temas mejora considerablemente convirtiéndose en un disco de más fácil escucha. Para el año 1965, en el cual se produjo la edición de este Lp, los grupos podían cada vez más introducir composiciones propias y dejar un poco más de lado los estándares de R&B. Por este motivo no es de extrañar que esta placa cuente casi con la mitad de composiciones propias de ellos y no covers como se venía haciendo años atrás. “You Don´t Believe Me”, “Buzz The Jerk”, “Get The Picture?”, “Can´t Stand The Pain” y “We´ll Play House” son canciones que llevan la firma de los Pretty Things. Completan el disco la excelente “Rainin´ in My Heart”, la Garagera “You'll Never Do It Baby”, “I Had a Dream”, “I Want Your Love”, “London Town”, “Cry to Me” y “Gonna Find a Substitute”. Los que son fanáticos de los Stones de la primera época y no conozcan a The Pretty Things, se pueden encontrar de parabienes ya que descubrirán un grupo excelente, con varias similitudes a los Jagger y Cía pero con una personalidad bien marcada que les valió una longevidad de dos décadas. Los Pretty Things, al igual que muchos grupos, no hicieron oídos sordos de los ritmos de moda que el paso del tiempo iba imponiendo y ellos fueron mutando de acuerdo a sus intereses y personalidades logrando muy buenos trabajos a futuro como “Emotions”, “S.F. Sorrow” o “Parachute” alejándolos en mayor o menor medida de ese primer R&B.
Otro de los grupos que supo interpretar ese R&B proveniente de América con total pasión pero poniendo también su sello distintivo fueron los Manfred Mann, el cual debe este nombre a su tecladista. Ellos no fueron la excepción e hicieron sus primeros
“porotos” en el Club Crawdaddy o el Marquee y tampoco se alejaron de lo ya realizado por sus contemporáneos en cuanto a la grabación de los temas. En su primer Lp de 1964, “The Five Faces of Manfred Mann”, las canciones son una mezcla de composiciones propias junto a estándares básicos de R&B. Aquí se encuentran temas como “Smokestack Lightning”, “Hoochie Coochie” o el “I´ve Got My Mojo Working”, clásicos dentro de los clásicos de los cuales salen bien parados gracias a la buena voz de Paul Jones. Esto mencionado no es un detalle menor, ya que todos estos grupos realizaban covers de los bluesmen de América, sin embargo trataban muchas veces de ejecutar temas o buscar interpretes no tan conocidos para hacer más
“propias” esas canciones. Sin embargo, los Manfred Mann eligieron siempre temas más conocidos dentro de su repertorio, ganando con esto una empatía más inmediata pero también una comparación al instante con el interprete original. De todas maneras también poseían temas de su autoría como el que lleva la firma de ellos como “Don´t Ask Me What I Say”, “”What You Gonna Do?”, “I´m Your Kingpin”, “Mr. Anello”, “”Without You” o “You´ve Got to Take It”. A diferencia de otros grupos contemporáneos, los Manfred Mann utilizaban saxos en su formación, no de forma estable porque no aparece dentro de las fotos del disco pero si en los temas de estudio. El grupo seguiría siempre bajo ese R&B clásico, sin embargo sufriría cambios en su formación, el cantante Paul Jones abandonaría la banda y en su reemplazo ingresaría Mike D´Abo. También ingresaría el bajista Klaus Voorman virando con el ingreso de estos dos últimos hacia un sonido más Pop. A pesar de esto la banda nunca logró despegar y siempre se mantuvo entre las sombras de otros grupos, sin embargo sería injusto no mencionarlos como uno de los puntales del R&B Británico.
Them - "Them Again" 1966
Los Them provenían de Irlanda y tuvieron a uno de los mejores cantantes de la historia del Rock, Van Morrison. Junto a este sacaron dos Lp, “Them” y “Them Again”, luego Morrison se iría para continuar con una prolífica y excelente carrera solista, mientras que los restantes integrantes editaron dos discos más y algunos se abrieron para formar otro grupo de similares características llamado The Belfast Gypsies. El primer Lp de los Them tenía un tema que es considerado uno de los baluartes del Garage Rock como es “Gloria” el cual fue versionado por decenas de grupos de todas las décadas pero quedó muy identificado dentro del repertorio de la cantante Patti Smith que le daría una vuelta de tuerca al tema en cuestión. El segundo Lp de los Them al igual que el primero, tiene un repertorio dominado por temas de R&B, un incipiente Soul Blanco
-que luego sería explotado por Van Morrison en su etapa solista-, Jazz y Blues. Un dato sobresaliente y de color es que participa como arreglador un aún ignoto Jimmy Page como sesionista. Dentro del repertorio de temas que encumbra el Lp hay temas de la firma de Morrison como “Could You Would You”, “Call My Name”, “My Lonely Sad Eyes” o “Hey Girl”. Dentro de los standards clásicos que solían realizar estos grupos, uno de los puntos más altos son “I Put a Spell on You”, excelente versión del tema de Screamin Jay Hawkins, “Out of Sight” de James Brown, “It´s All Over Now Baby Blue” de Bob Dylan, “I Got a Woman” de Ray Charles o “Hello Josephine” de Fats Domino. El registro vocal de Van Morrison era muy especial, calzaba justo tanto para los temas del más puro R&B como de Soul, Folk o Garage. A pesar que la carrera de los Them sólo duro muy poco tendría que estar más valorada ya que no encabezan con demasiada asiduidad las listas de grupos que exportaron ese R&B hacia el todo el mundo. A contramano de esto, la carrera solista de Van Morrison
-a pesar de no gozar con éxitos descomunales de venta- es muy valorada dentro de la crítica especializada.
Mumford & Sons: Sigh No More (2009)
En estos últimos años, uno de los géneros musicales que volvió a estar
“de moda” en los mercados anglosajones es el Folk Rock, en cada una de sus vertientes y formatos. Vuelve a estar de
“moda” pero en realidad nunca lo estuvo, ni siquiera allá por la década de los primeros ´70 cuando desde el Reino Unido se colaban grupos y cantautores Folk dentro del repertorio del rock y el pop. Esto es celebrado por los amantes de las melodías ricas en contenido y textura, con arreglos e instrumentaciones no tan comunes dentro del rock y por sobretodo dejando de lado la imagen de “macho” duro para toparse con una no tan reacia y un sonido más sentimental. Este oleaje de nuevos baluartes o camada del Folk, tiene de acuerdo a gustos propios y raíces geográficas, diferentes ejemplos que van desde los Fleet Foxes, pasando por los Noah and The Whale, Band of Horses, Grizzly Bear, Kings of Convenience y una larga lista de etcéteras que los diferencia en su concepto, formación instrumental y varias más dentro del mismo género. Sin embargo, esta especie de renacer del Folk también es celebrado por los mercados y la crítica especializada ya que pueden inflar y desinflar a su conveniencia a las nuevas bandas que vayan apareciendo.
Uno de los últimos
“descubrimientos” son los Mumford & Sons, una banda que lanzó su primer disco en el 2009, pero que ayudada con el espaldarazo que fue ganar dos premios Grammy, un Brit Award y toda la publicidad que obtuvo por parte de las revistas de música anglo, logró posicionarse como la “nueva futura banda del momento”. Toda una contradicción esa frase pero así es. Ojo, el álbum debut de la banda inglesa tampoco está como para echarle tierra ni mucho menos, se puede rescatar y apreciar cosas muy valorables dentro del mismo.
Comencemos, más allá que puede estar un poco o demasiado “inflado”, el Folk Británico venía de capa caída y más allá que salían grupos de este estilo desde la isla, ninguno llevaba la bandera de este genero tan en alto, ya que sus ritmos se mezclaban con el Indie logrando una mezcla más moderna y juvenil. En cambio, por ahora los Mumford & Sons más allá de tener cierto gancho comercial, tienen a sus canciones empapadas con las raíces del Folk inglés. Esto ya queda de manifiesto en los instrumentos que ejecutan, guitarra, banjo, mandolina, chelo, dobro, acordeón, trompeta y un cuidado arreglo vocal y coral. Con esto, se acercan más al Folk Tradicional y a las canciones de campiña y Bluegrass. También hay que ser justos e indicar que estos chicos tampoco están inventando nada nuevo, la banda irlandesa The Pogues ya venía haciendo más o menos lo mismo muchos años antes, pero no nos podemos quedar sólo en el pasado, si la fórmula se puede volver a procesar para lanzar un producto decente bienvenido sea.
En el rincón de los detractores se encuentran aquellos que los acusan de ser obvios, de poca autenticidad y de tener canciones reiterativas o muy similares entre sí. Si hay que ser objetivos y analizar su primer larga duración “Sigh No More”, se puede encontrar con un grupo muy respetable tanto instrumental como vocal, que le da al Folk Británico una lavada de cara y que sirve para que un público adolescente se acerque a un estilo no muy juvenil ya desde su nacimiento. Sin embargo, por el otro lado, el disco comienza con muy buenas composiciones pero va perdiendo su peso y concepto, hasta terminar siendo reiterativo y repetitivo promediando el final del mismo. Entonces, este “Sigh No More” puede terminar estando dentro de los mejores discos del año, pero difícilmente pueda estar dentro de los mejores de la década. De todas maneras, no todas son pálidas, ya que en este disco se pueden encontrar con temas muy interesantes que pueden hacerte pasar un buen rato. Quizás la banda tenga un futuro promisorio, o quizás desaparezca con más pena que gloria, pero su primer disco nos da en su justa medida
-no mucho más- una base donde ellos puedan continuar con su carrera.
La banda esta integrada por Marcus Mumford, voz líder y la cara más visible del grupo donde su apellido forma la primera palabra de la agrupación. Completan la formación Winston Marshall en banjo, Ben Lovett en los teclados y Ted Dwane en el contrabajo haciendo la parte
“& Sons” del nombre, y los cuales obviamente no pueden ser nunca los hijos de Mumford ya que comparten entre ellos el mismo promedio de edad. Este nombre
“familiar” es un guiño que hacen hacia todos esos grupos de Bluegrass y Tradición Folk donde realmente eran bandas familiares y sus nombres derivaban del árbol genealógico de sus integrantes.
El disco conjuga melodías con ciertos aires épicos, coros que incluso están por encima de la voz principal los cuales sirven para darle un aire distinto y distintivo a sus canciones, instrumentaciones urgentes, combativas, tradicionales, que se mezclan entre letras existencialistas, citas bíblicas, pasajes pastorales, y festividades tradicionales embebidas en alcohol. Así el álbum abre con el tema que da título al disco y que de alguna manera va a ser el sonido de todo el trabajo. Canciones que van subiendo en emotividad y que van ganando en suspenso y dramatismo hasta el final. Otras buenas canciones del trabajo son “The Cave”, “Winter Winds”, “Roll Away Your Stone”, “Little Lion Man”, “Dust Bowl Dance“ o “Awake my Soul”.
Por último, y un dato para nada menor resta decir que “Sigh No More” esta producido por Marcus Dravs, el mismo que estuvo atrás del elogiado “Suburbs” de los Arcade Fire o el “Viva la Vida” de Coldplay realizado junto a Brian Eno. Dravs le da cierto toque similar y épico a cada una de sus producciones, las cuales quedan de manifiesto en los trabajos mencionados.
Los Mumford & Sons no han inventado nada ni son los nuevos salvadores del Folk Rock Británico como se los quiere vender, sin embargo han hecho un decente primer disco que los deja en una muy buena posición y con un gran futuro a la vista. Nunca viene mal toparse con viejos-nuevos sonidos ejecutados con pasión y respeto por la historia, sin embargo, de ellos depende seguir escribiendo la suya, su propia historia.
Hagamos una pausa a este relato para graficar la imagen que se puede tener de Moris en el presente. Para muchos puede ser sólo recordado por la autoría del tema “El Oso” -emblema del Rock Argentino-, junto con otros temas ya en una segunda línea de éxito como “Ayer Nomás”, “De Nada Sirve” o “Escúchame entre el Ruido”. Sin embargo, durante su exilio en España grabó el Lp “Fiebre de Vivir” que sería para ese país una de las tantas patas fundamentales de ese incipiente Rock Español, pero para nuestro país ese disco se mantuvo durante mucho tiempo entre las sombras y también mucha de la discografía siguiente de Moris a pesar de ser parte de esa cofradía de fundadores del Rock Argentino. Los motivos para esto pueden ser varios y no vamos a analizarlos ahora pero vale rescatar este trabajo dentro de su discografía ya que tiene muchos méritos.
El álbum se editó en 1978 y tiene la particularidad de que Moris pudo sentir esas calles Madrileñas como si fueran suyas, como si se hubiera criado ahí toda la vida. Moris puede tener varios detractores, a los cuales no les agrada demasiado quizás su voz o su forma de composición, pero sabe sacar de una letra costumbrista y mundana un tema destacable como así también graficar calles, trabajos y quehaceres del día a día con una prosa similar al tango. Muchas veces, también corre con el prejuicio de ser “aburridas” sus canciones, sin embargo su tercer Lp “Fiebre de Vivir”, tiene un pulso bien roquero muy diferente a todo lo que había hecho durante su etapa solista. Deja de lado las letras reflexivas, existenciales y las cambia por unas más sencillas y directas -de noche, bares, mujeres y diversión- que se vieron influenciadas por el pulso madrileño y lo vivido durante las noches en esa ciudad. Esa simplicidad se vio reflejada en covers de Rock and Roll de los ´50 pero obviamente cantados en castellano como “Zapatos de Gamuza Azul” de Carl Perkins, que tiene el particular estilo de que la palabra zapatos fuera pronunciada como una “S” y no como una “Z” como es la fonética española. Toda una proeza sabiendo lo ortodoxos que suelen ser los españoles con su idioma. La versión de este tema, a pesar de tener esta pronunciación, causó un furor en España pero no fue solo el único cover que tiene la placa ya que el Lp también cuenta con el tema “Que Dije” de Ray Charles, otro punto muy alto del disco.
Fuera de estas dos versiones de clásicos del Rock and Roll se encuentran temas del mismo corte como “Sábado Noche”, el cual comienza casi acústico para terminar en una explosión eléctrica de rocanrol con una letra bien simple que habla sobre la suerte que tiene un joven un Sábado a la noche el cual ya terminó de trabajar y puede salir por ahí a divertirse. Otras letras simples pero efectivas dentro de ese Rock and Roll pueden ser “Rock de Europa”, “Balanceo del Rock”, “Hoy Como Ayer” y “Rock del Portal”. No todo es Rock eléctrico en este disco, sino que también posee algunas baladas muy empapadas con el aire Madrileño, no sólo por la facilidad de poder retratar con exactitud calles y gente del lugar sino también por tener una composición musical muy catalana. Esto se puede apreciar en temas como “La Ciudad no Tiene Fin”, “Tarde en el Metro” o “Balada de Madrid”.
