Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 3

Alabama Shakes - “Boys & Girls”

Encasillar a los noveles de Alabama Shakes como sólo una banda de revival de R&B sería muy injusto ya que son mucho más que eso, la ejecución de sus instrumentos y la gran voz de Brittany Howard -influenciada por Janis Joplin y Etta James- junto con la buena producción detrás de su primer Lp los ubican como uno de los mejores álbumes debut del año. Un vibrante y emotivo disco que revive lo mejor del R&B, el Soul y el Swamp Rock -vamos el nombre de Alabama no es en vano- pero con personalidad propia. 

Chromatics - “Kill For Love”

Este cuarto trabajo de Chromatics podría ser definido casi como un nuevo comienzo o el primero de una nueva etapa más que una continuación de su discografía. Esto queda de manifiesto en que el único integrante de los miembros originales es el guitarrista Adam Miller pero esto no se termina sólo en la búsqueda de nuevos músicos, sino también de nuevos sonidos y estilos. Este Lp tiene una mezcla de Dream Pop, Shoegaze y Synth Pop en el cual a lo largo de 16 temas forman un concepto que hace necesario escuchar el disco de forma entera y no por canciones. Además de tener interesantes temas propios hacen una versión del “Hey Hey My My” de Neil Young bajo el nombre “Into The Black”.

Dead Can Dance - “Anastasis” 

Después de casi 12 años regresan a la actualidad Brendan Perry y Lisa Gerrard componentes de Dead Can Dance. Este reciente álbum los trae una vez más atmosféricos, etéreos e introspectivos, influenciados como siempre por el Ambient, el Folk más oscuro y el Goth Rock. “Anastasis” tiene un sonido realmente sublime y épico logrado gracias a la muy buena producción de Perry y al binomio vocal que forma junto a Gerrard para que algunos temas que él interpreta suenen oscuros, melancólicos y asfixiantes mientras que en los de ella son barrocos, ensoñados y épicos. Muchos catalogan la música de los Dead Can Dance bajo el rótulo de Dark pero es mucho más que eso, y este nuevo Lp lo deja en claro tomando sonidos de varias etnias mundiales. Apto para Darkies de treinta y largos.

Dr John -"Locked Down" 

Casi como un alquimista pareciera que todo lo que toca Dan Auerbach -Black Keys- lo convierte en oro, o al menos le da una lavadita de cara. Algo de esto sucedió con la carrera del voodo man Dr John, la cual venía tambaleándose y no estaba haciendo pie ya hace largo rato dentro de la industria musical. ¿Que hizo Auerbach? Poner la esencia del Dr a esos pantanosos ritmos de R&B que son de su factoría aggiornandolos con los sonidos de ahora. Una exquisita muestra del más puro y sentido R&B pero en 2.0. La vuelta del satánico Dr John.

Richard Hawley - “Standing at the Sky's Edge”

Todo llega, al menos eso es lo que al fin debe pensar Richard Hawley -ex Pulp- al editar su séptimo disco de estudio y ganarse de una vez por todas el merecido reconocimiento que le era esquivo. Este último Lp lo trae renovado, lejos del crooner rockabillero de trabajos anteriores, ganando mucho más énfasis las ambientaciones psicodélicas y esa densidad instrumental sostenida por su guitarra y la base de fondo de bajo y batería por sobre las orquestaciones a las que nos tenía acostumbrados. Si te gustan los Arctic Monkeys de “Humbug” y todo ese charm de Turner para vocalizar, acá tenés a su musa inspiradora, incluso dicho por él mismo. 

Michael Kiwanuka - “Home Again”

La nueva sensación del Neo Soul al parecer se llama Michael Kiwanuka y tiene material con el cual demostrar su calidad artística. Esto queda de manifiesto en su álbum debut “Home Again” en el cual repasa el legado del Soul de varios grandes como Bill Withers o Al Green a la cabeza, sin embargo no sólo es Soul lo suyo sino que también puede emparentarse o tener influencias en cantautores como John Martyn o Nick Drake. Cuantos nombres de peso para alguien que recién comienza, sin embargo y dejando a estos artistas de lado “Home Again” se presenta bien producido pero lo más importante y que lo destaca por sobre otros es porque es sincero, natural y sentimental.  

Jens Lekman - “I Know What Love Isn´t”

El mundillo del rock y del pop siempre se hace un espacio para los corazones solitarios, esos que salen lastimados por el desamor, un amor no correspondido o por una relación tortuosa que no tuvo un buen final. En este caso el sueco Jens Lekman con su último trabajo nos regala ya desde el título de su álbum su manifiesto al desamor con “I Know What Love Isn´t”. Indie Pop para chicos/as melancólicos y soñadores. Si te gusta Belle and Sebastian, Kings of Convenience o Morrissey, el peladito de Lekman es tu nuevo anti-héroe favorito.

The Lumineers - “The Lumineers”

El Folk Rock hace ya un par de años parece haber vuelto para quedarse dentro de la industria del Rock, eso lo demostró el excelente recibimiento de los álbumes debut de Fleet Foxes o el de Mumford & Sons. Quizás por eso The Lumineers picó en punta también con su primer Lp en el cual sus tres integrantes sobresalieron con un single debut que los ubicó como una de las mejores canciones del 2012. Sin embargo, las canciones que completan la placa también siguen ese mismo camino sonoro. Habrá que ver como les va en una segunda entrega.

 

Melody's Echo Chamber - "Melody's Echo Chamber" 

Una de las caras nuevas de este 2012 viene de Francia y está bancada por los Australianos de Tame Impala, teniendo a su vocalista Kevin Parker como productor del primer Lp de Melody Prochet, la chica detrás del proyecto llamado Melody´s Echo Chamber. ¿De que va este primer Lp? Se ve una gran influencia del Dream Pop de los ´80, con los Cocteau Twins de Liz Fraser a la cabeza, sin ser tan etéreas ni encriptadas sus letras y melodías. Sin embargo, los links no se cierran acá sino que también se la puede asociar a los Stereolab y a Tame Impala, claro. Sí, demasiados nombres de peso para alguien que recién comienza, quizás eso hace que la segunda parte del Lp decaiga un poco pero eso no quita que pueda tener material a futuro. 

Jack White - “Blunderbuss” 

Lo que venía esquivando hace ya largo rato -desde el 2007 para ser más precisos- y luego de la disolución de los White Stripes tuvo a Jack White entretenido con proyectos paralelos como The Racounters, Dead Weather y hasta colaboraciones con Danger Mouse entre otros, al final lo encuentra en este 2012 con su primer trabajo solista. “Blunderbuss” es el manifiesto del R&B allá Jack White, o sea su declaración del ya sabido gusto por el Blues Rural, Urbano y todas sus variantes pero con el típico toque de él que es su marca registrada. Para algunos puede ser más de lo mismo, sin embargo la producción musical es eximia.

Bonus:

Grimes - “Visions”

El tercer álbum de Grimes -para muchos su debut ya que era casi desconocida-, despierta sentimientos opuestos. Varios indican que es el disco del año -exagerado-, otros uno de los más flojos -también exagerado-, lo que si queda claro es que algo debe tener, y eso lo vio el muy interesante sello 4AD el cual produjo este Lp. Quizás en un primer momento esa experimentalidad o postura de ser cool en sus videos, presentaciones etc puede pasar de jugarle a favor a en contra en cuestión de segundos. Su álbum “Visions” es parte de esa nueva camada de Electro Pop femenino que se está poniendo tan en boga. El tiempo dirá si sólo tuvo un éxito aislado que la catapulto -“Genesis”- o si realmente tiene material a futuro con que sostenerse. 

Jingle Bells

She & Him - "Baby It´s Cold Outside"

Bob Dylan - "It Must Be Santa"

Merry Christmas Bonus 

Frank Sinatra - "Santa Claus is Comin To Town"

Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 2

Alt-J - “An Awesome Wave”

El nuevo Hype, pero que ya tienen premios reconocidos como los muy bien catalogados Mercury Prize para bancar la parada, son los Alt-J. Bien influenciados por el Afro Indie -de moda por estos días-, el Art-Rock y la Psicodelia, tiene a estos cuatro jóvenes de Brixton como la nueva gran promesa inglesa. Encasillarlos dentro de un estilo sería quedarse corto ya que su yeite radica en la experimentalidad de los sonidos, por momentos demasiado pretencioso. El tiempo dirá si fueron sólo unos pequeños quince minutos de fama los que tuvieron o si su coctel de sonidos puede tener futuro. Ah… si tenes una Mac proba de apretar Alt-J y fijate lo que se forma. 

David Byrne & St. Vincent - “Love This Giant” 

Volvió uno de los artistas más inquietos e indescifrables que con el paso del tiempo se va volviendo aún más. Regresa al disco el ex Talking Heads David Byrne pero en este caso en colaboración de la agradable St. Vincent. Hoy ya sabemos que si accedemos a un trabajo de Byrne nos vamos a encontrar con sorpresas varias y nada cercano a lo obvio. La dupla que forma con St. Vincente funciona bastante aceitada y cada uno tiene un protagonismo y una figura dentro de cada canción sin pisarse ni sobresalir por encima del otro. Lo más cercano -salvando las distancias, diferencias y relaciones personales- al “Double Fantasy” de Lennon-Ono.

Gaz Coombes - “Here Come The Bombs”

Sólo faltaba él, Gaz Coombes el cantante y guitarrista de The Supergrass que edite al fin su Lp en solitario, ya que antes lo habían hecho otras figuras del extinto Brit Pop como Damon Albarn, Noel Gallagher, Jarvis Cocker, Brett Anderson y Richard Ashcroft. Ahora sí el pequeño con cara de duende se puede unir a ese grupo del cual la mayoría hace lo mismo que realizaba en su banda pero con la salvedad de que ahora el nombre propio figura en la tapa del disco. Supergaz.

Django Django - "Django Django"

Los Django Django son una banda que ya desde su nacimiento pinta para ser de culto. A pesar de tener todos los ingredientes para estar de moda con su música Afro, Pop, Electronica y varios etc más y de tener excelentes canciones pueden quedar fácilmente en el olvido y sólo ser recordada como la banda que pudo llegar a ser pero no fue. El tiempo lo dirá. Su único Lp tiene un CV sostenido por tener al hermano del baterista de los Beta Band. Uno de los mejores debuts de este año, lejos.

Father John Misty - “Fear Fun” 

Antes de ser el baterista de los Fleet Foxes, Josh Tillman publicó varios álbumes llenos de canciones acústicas y oscuras, sin embargo parece que se decidió a dar el gran salto al cambiar su nombre por el de Father John Misty y con esto también torcer el destino de Hippie looser a Hippie cool con “Fear Fun”. Un disco vibrante, que transita  la herencia del Folk Americano pero con sonidos bien actuales, incluso hasta más jugados que los con los Fleet Foxes. Por último, la portada del disco nos hace darle pulgares arriba!.

Lotus Plaza - "Spooky Action at a Distance"

Lotus Plaza es el proyecto paralelo que tiene Lockett Pundt guitarrista de los Deerhunter. Con este sería ya el segundo disco de su cosecha y todo lo bueno que demostró en el primero acá lo hace aún mejor. Melodías ensoñadas, mucho Dream Pop y algo de Shoegaze para un disco que quizás para muchos haya pasado desapercibido pero que vale la pena redescubrir.

Purity Ring - “Shrines” 

Hace ya un tiempo a esta parte el gran sello 4AD, entre otras cosas cuna del más exquisito Dream Pop de los ´80, parece querer darle otro espacio en su catalogo -siempre en la vanguardia- a nuevos artistas con estilos más bailables y algo más amigables en su sonido. Que el dúo chico-chica de Purity Ring sea editado por ellos habla de esa búsqueda. Los Purity Ring tienen en su Lp debut algo de Dream Pop, pero por sobre todo un Electro Pop algo descartable luego de varios usos o mejor dicho escuchas. Su sonido está radicado en lo cristalino de las voces, por momentos etéreas y muy rendidoras, mientras que en otras suenan casi a Pop Adolescente creando cierta confusión y como consecuencia despertar más de un enojo o duda de que se está escuchando. Para el debate.

Sigur Ros - “Valtari” 

A estas alturas presentar a una banda como Sigur Ros ya esta demás, la gran mayoría sabe del estilo Post Rock que hacen ellos sin embargo este 2012 trajo un nuevo lanzamiento de los islandeses, de nombre “Valtari”. En este último álbum parece que quieren enderezar el timón -tapa con barco fantasma incluida- de las últimas entregas y acercarse más al sonido de sus primeros Lp´s. Escucharlos se sabe que no es una tarea fácil, hay que encontrar el momento y el lugar adecuado, pero si lo haces nunca te van a dejar a la deriva.

Spiritualized - “Sweet Heart, Sweet Light” 

Luego de haber luchado contra una dura enfermedad que casi le cuesta la vida vuelve Jason Pierce con un disco bien maduro y que deja en claro porque los Spiritualized son una banda clave del Post Rock. Este disco lo encuentra renovado, hasta joven en su música, activo y con ganas de mostrarse. Además del vibrante corte “Hey Jane” que deja a más de un joven pseudo rockero con la mandíbula al piso, puede ser la puerta de entrada a los discos anteriores, ya que es de fácil escucha y no tan encriptada como otros.

Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 1

Ya se acerca un nuevo fin de año y empiezan a aparecer por todos lados las listas de lo mejor del mismo en varios rubros, algunos de por si bastantes insólitos y por supuesto el ámbito musical no es la diferencia para confeccionar una lista de lo más interesante o trascendente de este 2012, y no indico mejores porque esto es muy subjetivo. Por estos motivos, los discos de más abajo se encuentran ubicados en orden alfabético y no por puestos o en orden decreciente como suelen aparecer en muchas listas, como para quitarle cierta presión vió… Acá va la primera parte -de tres- de algunos de los Discos más interesantes del 2012:

Después de haber estado dentro de los mejores discos del 2010 con su anterior Lp “Teen Dream”, el dúo de Dream Pop y Psicodelia vuelve a repetir la fórmula de su antecesor que tan buenos frutos le ha dado con “Bloom”, para muchos un escalón por debajo del anterior, para otros una continuación de este, más allá de esto es lejos uno de los más interesantes trabajos del año.

"Wild"

Grizzly Bear - “Shields” 

Luego de un muy buen tercer trabajo como fue “Veckatimest”, el cual les trajo mucho reconocimiento por parte de la prensa especializada no hizo más que aumentar el grado de expectativa para ver con que se despachaban los Grizzly Bear. La espera finalizó con la edición de “Shields”. Todo lo demostrado en “Veckatimest” es en “Shields” donde lo llevan al extremo, es acá donde consolidan su virtuosismo y experimentalidad en busca de nuevos sonidos. “Shields” merece ser escuchado de forma lineal y no por canciones ya que perdería el concepto del álbum y no quedaría en evidencia el grado de complejidad en armonías e instrumentación que tiene. ¿Los Radiohead de esta década?.

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros - “Here” 

El colectivo humano y musical que integran Edward Sharpe y su conjunto ya había logrado cierta resonancia en el 2009 cuando estos freaks californianos lanzaron su álbum debut “Up From Below”. Este año los trajo con un nuevo Lp bajo el brazo y el cóctel de estilos musicales sigue siendo el mismo, Folk, Psicodelia, Música Balcánica -tan de moda por estos días-, Soul y varios más. Definitivamente "Here" es la música ideal para un trip.

The Vaccines - “Come of Age”

La nueva sensación inglesa llamada The Vaccines lanzó “Come of Age”, su segundo Lp luego de haber cosechado elogios por doquier con su primer trabajo. Los Vaccines no la tuvieron nada fácil, pero mientras muchos grupos se rompen el marulo buscando un sonido totalmente diferente al del primer álbum para marcar la diferencia y el supuesto “crecimiento”, ellos decidieron pulirse y seguir en la misma senda del anterior Lp. “Come of Age” contiene además de los cortes de “No Hope” y “Teenage Icon”, buenas canciones muy bien producidas, logrando una vibrante continuación que está a la altura de su primer Lp y esto… no es moco de pavo.

Wild Nothing - “Nocturne” 

Dos años después de su debut con “Gemini”, el cual le trajo un reconocimiento bastante auspicio por parte de la prensa especializada, Jack Tatum, el cerebro de Wild Nothing editó su segundo trabajo “Nocturne”. Este nuevo álbum es muy deudor del Jangle Pop de esa mítica pero efímera movida musical llamada C-86, teniendo por supuesto mucha relevancia y protagonismo el rasgueo típico de ese estilo en las guitarras. Rodeado también bajo unas atmósferas de Dream Pop el Lp se deja escuchar de forma amena y fácil. Canciones cristalinas, sensibles y puras es lo que se puede encontrar en “Nocturne”.

Neil Young - “Psychedelic Pill” 

Vuelve un artista que nunca se fue y que estos últimos años está más inquieto que nunca como es Neil Young que lanzó este “Psychedelic Pill” el primer álbum con su vieja agrupación -Crazy Horse- luego de nueve años desde “Greendale” del 2003. Ese espíritu libre y hippie sigue más vigente que nunca ya desde el comienzo del Lp con “Driftin' Back” cuya duración es de 27 minutos, pero no se queda solo con esa sino que también “Ramada Inn” o “Walk Like a Giant” son extensas llegando a los ´16. El Lp además de ese Free Spirit posee temas cortos y agradables como “Born in Ontario”, “Twisted Road” o “For the Love of Man”. ¿Cuantos artistas hay que tengan más de 30 álbumes en su haber y aún puedan seguir dándole batalla a los carilindos de ahora? Pocos, el viejo Neil es uno de ellos.

Prince: "Purple Rain"

A mediados de los ´80 hubo dos grandes referentes musicales ineludibles dentro de la música Pop, que vendieron millones de discos, y su imagen fue difundida, explotada y comercializada a más no poder. Ellos fueron Michael Jackson, el cual apuntó a un mercado consumidor quizás con un aire más infantil o naif en su música y estética, esto lejos esta de desmerecer toda la gran carrera del ex Jackson 5, sólo que en contraposición se encontraba Prince -¿su Némesis de los ´80?- el cual tenía una imagen estética y musical más inclinada a lo sexual, por lo tanto su público seguidor tenía un par de años más que el de Jackson. 

La grandeza de un solista o grupo lo enmarcaba además de la gran cantidad de discos vendidos, si el o los artistas en cuestión eran llevados al Cine. Si trascendían la barrera de la música y accedían a poder filmar una película ya sea parodia de sus vidas, seguimiento de una gira o la reproducción de una historia ficticia era porque la cosa ya era seria. El grado del peso dentro del consumo popular ya tenía grandes escalas y se tenía que seguir explotando el fenómeno que comenzó dentro del ambiente musical hacia otros rubros. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones, The Monkees y Kiss entre varios más, dejaron sus huellas en las cintas fílmicas con mayor o menor cintura para esquivar los tomates dentro del cine. Michael Jackson con la indescifrable y aburrida “Moonwalker” en 1988 tuvo lo suyo mientras que Prince con la aceptable “Purple Rain” en 1984 también dejó su aporte. Más allá de los resultados actorales de cada uno no hay que hacer la vista gorda y dejar pasar de largo la aceptación total que tuvo por parte de sus fans en ese momento y que el revival -cada vez más habitual- de la nostalgia por esa década siempre los vuelve a poner en boga.  

Sin embargo, y mucho más por estos días de acefalía de Mega estrellas musicales, es casi una utopia pensar en la posibilidad de que un artista pueda vender grandes cantidades de discos y además realizar un film. Motivos hay varios pero el que siempre va a estar en primer lugar es el irremediable paso del tiempo que además de avejentarnos modifica rutinas, tendencias y consumos entre varias cosas más. Con el advenimiento de internet y la posibilidad de tener desde una foto, la filmación de una actuación o una canción en cuestión de nuestro artista favorito a la vuelta de la esquina o mejor dicho al alcance de un click del mouse, hizo que todo sea más fácil de obtener y conseguir pero se perdió ese encanto y misterio de poder ver a nuestros ídolos por revistas o alguna que otra aparición televisiva de forma esporádica alimentando la ansiedad y expectativa. Ni hablar si estos realizaban alguna película, sólo lo podías ver en el Cine y si eras “tecnológico” después podías ir al videoclub y llevarte el VHS -que en paz descanse- de ese film para verlo durante unas horas más hasta que se acabara el tiempo del alquiler.

La globalización hizo que se modificaran, entre varias cosas más, los modos de consumo, por tal motivo realizar un film promocionando a un artista en particular dejó de ser el negocio que quizás era hasta hace unos años donde el acceso a esa información era en cuentagotas y sólo para algunos pocos.

Volviendo a encausar la dirección de esta nota y ahora sí enfocándonos en el film “Purple Rain” se puede decir con total certeza de que se trata del momento bisagra y clave del músico también como conocido bajo ese indescifrable símbolo, una más de las tantas excentricidades de Prince. Antes de lanzar el disco “Purple Rain”, Prince había editado el revolucionario “1999”, un Lp que marcó el pulso de lo que sería el Pop en los ´80, pero además fue el álbum que definió por completo su sonido, dándole una impronta personal y marcando su propio estilo. Fusionó el Funk, el Soul, el Rock y el Pop llevándolo a los sintetizados ´80 de modo tal que creó un estilo propio y particular, imitado desde ahí en más hasta el hartazgo pero nunca igualado. Sin embargo, sería con “Purple Rain” y por supuesto luego el simple de la canción homónima la que lo llevaría al estrellato. Escuchar este Lp hoy en día es adentrarse en la máquina del tiempo. El sonido está totalmente anclado en los ´80 y lo que sería una lástima en algunos álbumes vuelve a “Purple Rain” como a tantos otros, un registro inexorable para definir una década. El disco fue lanzado meses antes del estreno de la película y tuvo 4 simples que se posicionaron en los primeros puestos. De todas maneras, el film se puede considerar como un videoclip de larga duración ya que alrededor de una historia ficticia la cual tiene como protagonista a Prince van interpretándose temas del álbum en cuestión. La trama de la película es bastante simple, es una fábula semi autobiográfica de la vida de un artista con un ego bien alto -bastante similar a la vida real- que tiene una banda de acompañamiento la cual es una agrupación fija de uno de los boliches de moda, pero no le basta sólo con esto sino que también desea trascender y ser famoso. En el medio, y como sostén del film se encuentra la banda rival de nuestro pequeño héroe, una chica que conoce de la que se enamora, un padre golpeador, y un final de redención a toda orquesta.

El disco comienza con “Let´s Go Crazy” un rock de sintetizadores bien arriba con un solo de guitarra excelente. Luego baja el ritmo con “Take Me With You” y sigue con la balada “The Beautiful Ones”, la cual promediando el final de la canción alcanza el clímax. “Computer Blue” y “Darling Nikki” no aportan demasiado pero no desentonan con lo hecho anteriormente. Luego vendría otro clásico de la discografía de Prince, “When Doves Cry” en la cual el juego de voces -cosa que nos tiene acostumbrados Prince- y el buen aporte de los teclados lo convierten en el segundo tema más destacado del disco. Sigue “I Would Die 4 You” y “Baby I´m a Star” que completan el álbum hasta llegar al final del Lp y del film con la canción más esperada, la lacrimógena y futuro clásico de todos los tiempos “Purple Rain”. El clímax de esta canción va in crescendo, ayudada por la genial voz de Prince -grititos y gemidos incluídos-, el solo de guitarra, la base precisa de batería y bajo de fondo y los teclados aportando detalles.

Tanto el Lp como el film, sirvió para que la figura de Prince como ícono Pop creciera a escalas logrando un sonido único, revisitado en muchos discos de Neo R&B y Neo Soul de estos años. Los fríos números indican que en 1984 Prince fue por unas semanas número 1 en todos los formatos. Encabezó el ranking de singles con “When Doves Cry”, llego a la cima de discos vendidos con el Lp “Purple Rain” y fue éxito de taquilla con el film del mismo nombre. Estos números, por supuesto siempre hablando de EE.UU, en Argentina la figura de Prince nunca pego demasiado.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

The Weeknd: “Trilogy” - Universal

Los tiempos de consumo musical hace rato que cambiaron, todo lo que antes sólo se conseguía en cuevas o disquerías especializadas con la llegada de internet el camino a conocer y obtener material de una banda o artista tomo un atajo. Más que nada -para generaciones Sub-20- el consumo musical sólo se consigue de esta manera, sin embargo el formato físico CD-Vinilo aún le da batalla a los Mp3. El ejemplo inmediato es con el artista Abel Tesfaye más conocido como The Weeknd, el cual el año pasado revolucionó blogs y páginas musicales varias al lanzar sólo de forma digital y como descarga gratuita sus tres mixtapes -“House of Balloons”, “Thursday” y “Echoes of Silence”- de forma periódica. Sin embargo, -“…el dinero no es todo, pero como ayuda”-, el sello Universal lo convenció para firmar con ellos y lanzar un álbum llamado “Trilogy” que recopila sus tres trabajos. Por supuesto que esto trajo cataratas de quejas por parte de sus seguidores y por parte de los defensores del libre consumo y bla bla bla. Volviendo a este “Trilogy”, además de estar todas las canciones de los tres mixtapes anteriores hay temas nuevos como “Valerie” o “Twenty Eight”. El misterio de quien estaba detrás de ese proyecto llamado The Weekend, quien o quienes eran, como lucían y varias preguntas más ya fue develado hace rato, restándole gracia a la propuesta. Sin embargo, nadie podrá quitarle esa pequeña fama que consiguió al presentarse como un artista “clandestino” dentro de estos tiempos digitales. Fecha de Lanzamiento: 13 de Noviembre.

Crystal Castles: “III” - Casablanca

Vuelven los Crystal Castles con un nuevo trabajo bajo el brazo, en este caso el tercero, llamado -originalmente- “III”. El reciente álbum sigue en la misma línea de los anteriores, no trae ninguna novedad, siguen apoyándose en ese híbrido de rock-punk-pop electrónico con uso y abuso del vocoder, ese sintetizador de voces tan de  moda por estos años. Quizás están un poco más densos, oscuros y asfixiantes en sus ritmos con respecto a sus anteriores trabajos y eso lo dejan en claro ya desde el título de algunos temas como “Plague” -simple adelanto-, “Wrath of God” o “Child I Will Hurt You”. Quizás el disco puede estar hecho para estos tiempos modernos que corren en los cuales la canción individual es la vedette por sobre el disco entero ya que al escuchar las canciones de forma separada puede resultar atractivo pero reproducir el álbum de principio a fin quizás resulte tedioso o monótono. Los que esperaban más de lo mismo están de parabienes, porque en la fórmula de reiterar canciones los Crystal Castles no perdieron la brújula, sin embargo el que esperaba un atisbo de originalidad saldrá defraudado. Fecha de Lanzamiento: 13 de Noviembre.

Clinic: “Free Reign” - Domino Records

Si decimos Liverpool lo primero que se nos viene a la cabeza son los Fab Four y sus flequillos, también podemos pensar en el equipo de fútbol de esa ciudad inglesa, pero quizás de a poco muy de a poco nuestro inconsciente podría empezar a codificar a los Clinic al decir Liverpool. Esta banda ya va por su séptimo disco, el más reciente “Free Reign”, -y aún así continúan en el anonimato para muchos-, en el cual desplegan un Post-Rock con aires de Art Rock que busca influencias varias como Spacemen 3 -“See Saw”-, Silver Apples -“Sun and the Moon”-, Suicide -“King Kong”, “You”- y hasta el Krautrock -“Seamless Boogie Woogie”- de Kraftwerk. Los Clinic y sus barbijos -chequear como se presentan en vivo- estuvieron alimentando la escena independiente en UK ya desde principios de década. Pareciera que con este “Free Reign” llegó quizás el momento para reconocer a una de las bandas más interesantes de esta década. Fecha de Lanzamiento: 13 de Noviembre.

Polifemo: "Polifemo" (1976)

Según la mitología griega, Polifemo es el hijo de Poseidón y se lo presenta con la imagen de un gigante con un solo ojo en su frente, comúnmente denominado cíclope. Sin embargo, para nuestro rock vernáculo el nombre de Polifemo no está asociado a esto, como así tampoco a la “Odisea” de Homero, sino al grupo que supieron formar David Lebon y Rinaldo Rafanelli entre otros allá por mediados de los ´70 en Argentina.

De las cenizas de la disolución de Sui Generis, acontecida tras los conciertos de despedida del grupo realizado en el estadio Luna Park, surgió Polifemo de forma oficial contando entre sus filas a los mencionados Lebon y Rafanelli sumándole al baterista Juan Rodríguez -también en Sui Generis- y a Ciro Fogliatta -Los Gatos- en teclados. No está demás mencionar para algún desprevenido que piensa que los Sui Generis siempre fueron el dúo García-Mestre, que ya para la época de “Instituciones” -el tercer Lp de la banda- ya eran en sus presentaciones un grupo numeroso. Sin embargo, sería injusto atribuir el simple desenlace o final de un grupo como consecuencia inmediata para la creación de otro como fue Polifemo. 

Esa mecha comenzó a encenderse cuando un año antes, en 1974, a Lebon le ofrecen realizar un concierto en el desaparecido Cine Ritz para lanzar su carrera solista y presentar su flamante primer Lp. No está demás mencionar que la carrera musical de Lebon tenía ya por esos años un CV que despertaba admiración y envidia por parte iguales, ya que además de ser un excelente multiinstrumentista, se había codeado con grupos como Color Humano, Pescado Rabioso y la primera formación de Pappo´s Blues. Para este concierto Lebon se encontraba bastante apesadumbrado por no encontrar una base de músicos como soporte -algo habitual en esa época era que los grupos “prestaran” sus integrantes a otros sin ningún tipo de problema- lo cual casi lo lleva a suspender la presentación. Sin embargo, a días del mismo encuentra en Rafanelli y Rodríguez el combo perfecto para salir a presentarlo. El concierto fue un éxito y la semilla empezó a germinar dando sus frutos luego de la disolución de Sui Generis y convirtiendo lo que era un proyecto, en una realidad como fue Polifemo. 

El estilo de la agrupación fue pensado como un combo de Hard Rock y la verdad que comenzó con el pie derecho al grabar como simple de adelanto un tema que hoy por hoy es el más recordado de su repertorio como es “Suéltate Rock and Roll” de Lebon en el lado A mientras que en la cara opuesta figuraba el muy bueno “Vamos Tranquilos” de Rafanelli. La recepción de este simple fue más que satisfactoria y les asignó un éxito que los hizo crecer en popularidad de forma vertiginosa. Colmaron teatros como el Coliseo y el Gran Rex entre otros y significó un ascenso sin frenos en la carrera del grupo. El próximo simple fue “Oye Dios Que Me Has Dado” y “Buzios Blues” nuevamente de la autoria de Lebon-Rafanelli en respectivas caras del disco.

Más allá de que este segundo adelanto no causo el impacto del primero sirvió para alimentar las expectativas -que ya para ese entonces eran amplias- de lo que sería el primer larga duración de la banda. Sin embargo, el destino suele realizar su propio juego y muchas veces esa expectativa se convierte en algo negativo. Hoy por hoy, con la historia de la agrupación ya consumada es fácil decir que el primer Lp de Polifemo, de nombre homónimo, no estuvo a la altura de sus simples. Sin embargo, sería injusto recaer en esta simpleza de considerar este trabajo como una sombra de lo que fueron los adelantos -varios de los periodistas especializados así lo consideran-, sin embargo, si sería correcto ver como una jugada poco comercial -la cual hoy no sucedería- como es la de no incluir los temas de adelanto que fueron éxito, atentó contra la carrera del grupo. Haciendo un paralelismo con el fútbol es como si un equipo saliera a jugar a la cancha pero teniendo a las figuras del plantel en el banco de suplentes. 

Analizado desde el punto de vista musical también se encuentran varias diferencias de estilos entre el Lp y los adelantos, por ejemplo el simple “Suéltate Rock and Roll”, se presenta como un Hard Rock directo, con aires de Rock and Roll como indica su título y así con los otros temas, variantes más o menos marcadas. También hay que agregarle un detalle para nada menor, no hay que hacer la vista gorda que en el ´76, año de la edición del álbum, ya eran épocas de botas verdes y las presentaciones multitudinarias eran miradas de reojo por la cúpula militar atentando contra el ascenso de cualquier banda en busca de popularidad. Volviendo a lo musical, el Lp “Polifemo” se presenta como una mezcla entre ese Rock and Roll y Hard Rock con mucho hincapié en los teclados rozando por momentos el Rock Progresivo. La composición de los temas siguen siendo de la dupla Lebon-Rafanaelli, aportando el primero el Spinetteano “Doce Caras”, el Progresivo “Tu Forma Real”, el difícil de catalogar “Flotando” y el introspectivo “Tema de los Devotos”. Mientras que Rafanelli aporto el Rock and Roll-Blues de “Que Hago Yo Aquí”, el Hard Rock -allá Deep Purple- de “Dueña del Confort” y el Rock zapada de “Vamos al Campo”. 

Luego de este primer álbum vendría la segunda entrega de Polifemo y después de esto la disolución del grupo, que haría que Lebon formara el efímero grupo Seleste y más adelante formar parte de Seru Giran. Durante la edición de su segundo álbum de 1977, serían años de plomo no sólo para el Rock sino para la Argentina en general, mermando dentro de la música nacional -folclore y rock a la cabeza- la cantidad de material editado y aumentando la persecución artística, pero eso ya es otro tema. Polifemo fue ese gigante del Rock Argentino que quizás por estos días se encuentra más como una banda de culto siéndole esquivo a lo masivo pero que merece ser rescatado por la calidad musical de sus integrantes. 

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Andrew Bird: “Hands of Glory” - Mom & Pop Music

¿Cuantos artistas sacan más de un disco durante un mismo año? Ninguno, aunque vamos a ser generosos porque de seguro hay, vamos a decir casi ninguno. Uno de los que va contra la corriente y que en lo que va de este 2012 ya editó dos álbumes es Andrew Bird. Aún nos estábamos deleitando con el muy bueno “Break It Yourself” que Bird decide editar solo ocho meses después este “Hands of Glory” pero ahora en clave de Folk, Bluegrass y Country. Ya desde el comienzo con “Three White Horses” caemos rendidos ante tanta pureza instrumental y vocal. Sin embargo, todo el Lp recorre estos ritmos, el cantautor de Illionis con su voz apenada y por momentos cálida siente cada canción y nos la transmite. El violín por momentos mágico de Bird quizás no este a la altura de trabajos anteriores pero nunca nos deja de sorprender. Son solo ocho canciones las que encumbran este álbum que nos hace renegar de que dure tan poco. “Hands of Glory” puede no ser novedoso -de hecho no lo es- repasa música que ya tiene muchos años de historia, sin embargo está tan bien ejecutada y con tanta personalidad que lo vuelve uno de los más interesantes discos del año. Un Lp Otoñal o porque no también, para un cálido atardecer campestre. Fecha de Lanzamiento: 30 de Octubre.

Jake Bugg: “Jake Bugg” - Mercury Records

En varios medios de música británicos vienen hablando de una nueva revelación musical dentro del Rock. Se sabe que muchas veces, esa gran esperanza termina siendo solo un hype más, pero de todas maneras el debut de ese purrete de 18 primaveras en su haber llamado Jake Bugg se puede colar tranquilamente como uno de los más interesantes del año. Las influencias son varias y están a la orden del día desde Bob Dylan, Donovan, Beatles, Oasis y hasta contemporáneos como Alex Turner o Miles Kane. Lo cual, esto último, nos deja pensando lo veloz que pasa el tiempo que ya el cantante de los Arctic Monkeys y el ex The Rascals son ejemplos a seguir para nuevas generaciones. Canciones de Bluegrass como “Lightning Bolt” o “Trouble Town” se mezclan con las Folk “Simple as This”, “Country Song” pero también aparece el híbrido entre pop-folk allá The Last Shadow Puppets -Turner/Kane- en temas como “Two Fingers”, “Taste It” o “Seen It All”. Para ser justos, el disco se podría dividir en dos partes, la primera muy rendidora mientras que la segunda decae bastante, dando como conclusión que quizás se podrían haber descartado un par de temas. Sin embargo, eso no impide de que por estos momentos se hable mucho en UK de la nueva esperanza británica, y van… Lo que si queda claro es que Turner ya tiene sus Salieris. Fecha de Lanzamiento: 15 de Octubre.

Neil Young: “Psychedelic Pill” - Reprise 

Vuelve un artista que nunca se fue y que estos últimos años está más inquieto que nunca como es Neil Young. Haciendo honor a su apellido parece que el espíritu del viejo Neil se mantiene más joven que nunca ya que no se detiene un instante. A ver repasemos, en el 2010 sacó “Le Noise” un disco de 100% distorsión de guitarras, en el 2012 edita “Americana” el cual reúne viejas canciones con los Crazy Horse y ahora a finales de año lanza “Psychedelic Pill”, el primer álbum con su vieja agrupación luego de nueve años desde “Greendale” del 2003. Ese espíritu libre y hippie sigue más vigente que nunca ya desde el comienzo del Lp con “Driftin' Back” cuya duración es de 27 minutos, pero no se queda solo con esa sino que también “Ramada Inn” o “Walk Like a Giant” son extensas llegando a los ´16. Por supuesto, queda más que en claro que la duración de una canción no hace a la calidad pero lo que deja en claro Young es que respeta su idiosincrasia libre contra cualquier embate de la industria musical que obliga que los temas sean directos, cortos y concisos. El Lp además de ese Free Spirit posee temas cortos y agradables como “Born in Ontario”,  “Twisted Road”  o “For the Love of Man”. “Psychedelic Pill” por supuesto no está a la altura de sus mejores trabajos sin embargo lo encuentra vigente, porque seamos sinceros ¿cuantos artistas hay que tengan más de 30 álbumes en su haber y aún puedan seguir dándole batalla a los carilindos de ahora? Pocos, el viejo Neil es uno de ellos. Fecha de Lanzamiento: 29 de Octubre.

A.C. Newman: “Shut Down the Streets” - Matador Records  

Luego de tres años de su último álbum en solitario retoma las riendas de su carrera solista el fundador de los The New Pornographers Allan Carl Newman. Bajo el nombre “Shut Down The Streets” este nuevo Lp de A.C Newman sin llegar a ser sobresaliente se destaca de inmediato por sobre sus anteriores trabajos. Se puede enmarcar dentro del Pop pero no del alegre sino del cuidado, con melodías delicadas y bonitas. Incluso en las letras gana mucho con respecto a discos anteriores. Acá hay una búsqueda interna, sin llegar a ser bajón, en el cual hay temas para todo lo que lo rodea, desde el consejo al hijo en “There´s Money in New Wave” o la referencia a su madre en “They Should Have Shut Down The Streets”. Los seguidores del grupo canadiense con el cual Newman se hizo -¿conocido?- también tienen un guiño cómplice en “Encyclopedia of Classic Takedowns”, o “Hostages”. El Lp “Shut Down The Streets” tiene melodías delicadas, arreglos cuidados y un espíritu pop que lo vuelve amigable, pero se queda ahí, en un álbum modesto, bien hecho pero de seguro se perderá dentro de la gran ola de opciones musicales que existen, una lástima. Fecha de Lanzamiento: 15 de Octubre.

Aztec Camera: "High Land, Hard Rain" (1983)

Los sellos discográficos son -¿eran?- esas factorías musicales que siempre estuvieron arraigadas a los músicos y que llevaron de la mano a distintos artistas. Las hay de todo tipo, desde las multinacionales y grandes corporaciones -que hoy por hoy sienten los embates del cambio en el consumo musical-, hasta los pequeños sellos independientes -muchas veces impulsado más desde el corazón que por el rédito económico- los cuales defienden la libertad compositiva del artista por sobre las modas. Ahora bien, el consumidor de música pasajera no recae en estos detalles, quien es el sello que está detrás del artista, que tipo de grupos esta dentro de su catalogo, si existe alguna línea musical dentro de su idiosincrasia, etc. Sin embargo, el oyente ya curtido, quiere y debe saber -por su propia inquietud- que tal sello tiene una línea de artistas musicales en particular, y también debe saber que como así existen bandas que son el ABC del Rock, también hay sellos discográficos que son de referencia básica. 

Por ejemplo, los Beatles y la Parlophone, los Stones en la Decca, los Doors en la Elektra, Led Zeppelin en Atlantic y así con muchos más. Como así también sellos clásicos que se abocaron a determinados estilos musicales, la Motown y su hermana Tamla con el Soul, Stax con el Funk, Sun Records con la prehistoria del Rock grabando a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash entre otros. Como olvidarse del sello 4AD con claro énfasis por el Dream Pop en los ´80 y ampliando su catalogo hasta estos días con artistas como Bon Iver, Rough Trade cubriendo el Punk, Post Punk y sus derivados, Sub Pop que cubrió el Rock Alternativo o Creation Records que fue el trampolín de Inglaterra hacia el Mundo para los grupos de los ´90 en el Reino Unido. Por supuesto, esto fue sólo una pequeña enumeración muy por arriba de algunos sellos y sus particularidades, no hay que dejar de lado los más independientes, los que podrían entrar dentro de la movida del DIY -hacelo vos mismo-, acá incluso existen aún más. Uno de los tantos cuya historia es bien noble a las tradiciones del “Do It Yourself” es la del efímero sello escocés Postcard Records que supo tener entre sus filas a grupos muy interesantes pero muy poco reconocidos en la década del ´80. Bandas como los Orange Juice, Josef K, The Go-Betweens o los Aztec Camera fueron la carta de presentación de ese novel sello que era impulsado bien a pulmón. Por supuesto la competencia no dio tregua y el mismo tuvo que cerrar y varios de estos grupos emigraron hacia otros sellos de más envergadura pero la semilla fue plantada en la Postcard Records. 

A mediados de los ´80 en el Reino Unido uno de los tantos estilos musicales que se forjó en esa década fue el del Jangle Pop, cuya principal referencia eran los grupos de guitarra de los ´60 similares a The Byrds, los cuales tenían un típico sonido en el instrumento de seis cuerdas. Además de esta particularidad tenían un gran apego por la melodía y sus letras eran sobre tortuosos desamores y dudas existenciales varias. Los Aztec Camera, grupo formado por un muy joven -no llegaba a los 20 años- Roddy Frame suele encolumnarse dentro de esa camada de bandas de Jangle Pop. De todas maneras, si hiláramos fino, su primer Lp, “High Land, Hard Rain”, es el único que entraría dentro de este estilo ya que en los siguientes la carrera del grupo variaría de acuerdo a las modas reinantes, pero eso ya es otra historia. 

Su primer disco, hoy a la distancia tiene un sonido que al instante uno puede darse cuenta de la fecha de su elaboración, principios de los ´80, más precisamente 1983. Sin embargo, lo que para muchos puede ser quedarse en una foto antigua en color sepia, en los Aztec Camera los vuelve aún más interesantes ya que enmarca de forma precisa el registro de una época y de un momento. Para muchos pueden ser vistos como una copia trunca de The Smiths, pero son mucho más que eso, primero porque su primer álbum salió antes que el de Morrissey y cía y segundo porque tenían temas -por lo menos en esa primera placa- que los sostenía como una cosa seria. El entramado de guitarras creaba un Pop perfecto, sin estridencias, dulce, pero sin llegar a ser simplón ya que además tenía sonidos exóticos y personales que le de daban su propio sello. Está bien, después cayeron derrotados al no contar con la imagen de crooner indie romántico de Morrissey ni temas que supieran meterse en el inconciente popular de la sociedad. Volviendo al sello Postcard Records, este edita los primeros simples de Aztec Camera pero es con el sello Rough Trade con el que lanzan su primer Lp. 

El disco abre con “Oblivious”, cuyas guitarras acústicas y una línea de bajo sostenida marcan la melodía de la canción. Unos arreglos con aires de flamenco le dan ese toque personal que junto a la voz personal y romántica de Frame lo volvieron uno de los highlights del grupo. El espíritu si queremos decir alegre se vislumbra en todo el disco y lo dejan en claro ya desde el primer tema. Guitarras de Folk Celta se hacen presente en el inicio de “The Boy Wonders”, las cuales dejan paso a un Pop muy pegadizo. Cambios de ritmo constantes y citas exóticas es lo que nos vamos a encontrar a lo largo de todo el Lp. La voz de desencanto de Frame marcan el pulso en “Walk Out To Winter”, un tema que baja un poco el ritmo del comienzo pero que sigue sosteniendo la gran calidad compositiva. Luego siguen otras dos buenas canciones como “The Bugle Sounds Again” y “We Could Send Letters”, las cuales en tono de balada son más reflexivas y nos muestra a Frame como un muy buen compositor de letras de desamores. 

El Pop vibrante y contagioso vuelve con “Pillar To Post”, un tema emparentado en su sonido a los contemporáneos The Housemartins -sí el grupo de Norman Cook, el de Fatboy Slim-, por su parte “Release” que arranca tímida con un sonido casi en tono de Bossa Nova se convierte al final en un Pop desenfrenado. Cierran el Lp la misteriosa “Lost Outside The Tunnel”, la balada tristona de “Back on Board” y la acústica y sentida “Down The Dip”, la cual sólo cuenta con la guitarra y la voz melancólica de Frame. Luego de este disco la carrera de los Aztec Camera cambiaría en varios aspectos, desde los estilos musicales, adaptándose a las tendencias reinantes con un muy buen Lp como “Stray”, aceptables como “Frestonia” y “Knife” o muy malos como “Dreamland”. Incluso Frame conservaría el nombre del grupo pero en algunos álbumes ya casi se vislumbraba como una carrera solista de él ya que de los miembros originales solo estaba él. 

Postcard Records pasó a mejor historia ya hace rato, sin embargo fue el cobijo para que muchas bandas escocesas -siempre un poco a la sombra de las de Inglaterra- formaran parte de una escena musical que quizás hoy por hoy esté oculta para la mayoría pero que vale la pena rescatar y apreciar además de servir para definir a una de las tantas escenas musicales de los ´80 en el Reino Unido.