Película: "Alta Fidelidad". Escenario: Tienda de Discos. Diálogo: “Ahora mismo voy a vender cinco copias de The Beta Band, observa”. Esto anterior fue lo que dice el antihéroe que personifica John Cusack en la citada película a su presente amigo. A continuación casi de forma automática y como si sus mentes estuvieran dominadas los allí presentes comienzan a cabecear al ritmo de la canción y a preguntarle que es lo que está sonando. Seguido a esto sucede lo ya conocido y habitual, vende cinco discos, fin de la escena. La recreación de dicha película no es dato menor ni aislado sino que deja bien en claro que muchas veces nos movemos por lo que puede estar ocurriendo en ese momento y si eso es algo fuera de lo común, raro o como quieran llamarlo, aún mejor. Cuando salió The Beta Band fue una propuesta vanguardista que en su momento no terminó de ser bien digerida la cual nunca los volvió masivos, cuyos factores pueden ser muchos y no los vamos a mencionar ahora, pero fueron durante un tiempo la nueva sensación musical. Sin embargo, cuantas veces caemos rendidos ante lo novedoso, si se puede llamar así, o lo que parece vanguardista que nos hace saltar sin red al vacío poniendo nuestra fe y confianza en grupos que luego se diluyen en la nada. Sabemos que el Hype siempre existió y seguirá existiendo pero es algo inevitable, un mal necesario que sin el no podemos vivir, porque es el disparador de discusiones, objeciones, encantos, etc. 

En este caso, todo lo dicho anteriormente cae como anillo al dedo con la novel banda Django Django, la cual tiene como link directo a The Beta Band ya que su baterista y líder David McLean, es el hermano menor de de John McLean tecladista de dicha agrupación. Por supuesto y como ocurre en la mayoría de los casos, el hermano menor es influenciado por el mayor y aprende de este último todo lo que vio e asimilo durante su formación como individuo. La comparación con The Beta Band es inevitable -aunque haya diferencias- y hasta el momento siguen sus pasos, ya que en algunos medios musicales son vistos como la nueva sensación, por supuesto el final de la historia nos lo irán contando ellos mismos.  

El primer Lp de esta banda oriunda de Escocia es de esos discos de ahora, los cuales no entran en ningún estilo en particular, y causan más de un dolor de cabeza para los críticos y oyentes que suelen rotular en tal o cual estilo a las agrupaciones. Esto se basa en que ya con más de 50 años de existencia el Rock suele reformarse, reformularse y mutarse en nuevos/viejos estilos, teniendo estos nuevos artistas una gran paleta de sonidos para poder trabajar. 

La música de Django Django, se presenta ya desde el comienzo, como excéntrica o extravagante y esto se debe a la mezcla de estilos de toda índole que hay en ellos, a saber Folk, Pop, Garage Rock, Kraut Rock, Dance, Psicodelia, Surf y hasta Árabe entre muchas más encolumnadas bajo un Rock bailable tan de moda por estos años. La portada con ese indescifrable logo/símbolo sobre unas dunas ya se nos presenta difícil de digerir y poco atrayente porque no también. Incluso con sólo ver la tapa uno no puede saber de que va la cosa, ya que no hay ninguna pista, ni el más mínimo detalle de la música que habrá en su interior.

Esa duda empieza a despejarse o quizás a enmarañarse aún más ya desde el primer tema, “Introduction”, que con sus sonidos futuristas, cantos de pájaros y luego una reminiscencia a los Soundtracks de películas de Westerns dejan en claro el  trip psicodélico al cual nos vamos a someter. “Hail Bop” con su gancho Electro-Pop es la carta de presentación la cual cambia de inmediato con el Garage Rock en plan electrónico en “Default”. “Firewater” sigue en esa línea 60´s aggiornada, y luego viene “Waveforms”, Electro-Pop con un mantra hipnótico por sus sonidos envolventes y exóticos. “Zumm Zumm” tiene un dejo de baile tribal africano, por supuesto siempre mezclado con la electrónica como es de esperar. Luego de temas como “Hand of Man” y “Love´s Dart” los cuales no agregan mucho más o quizás completan lo ya mostrado, aparece “Wor” el cual nos sitúa en un lisérgico Lejano Oeste pero arriba de una tabla de Surf. Otro tema interesante ya en una clave más pop con un nuevo guiño a los ´60 aparece “Storm” y “Life´s a Beach”. La música Árabe se hace presente con el instrumental “Skies Over Cairo” y cierra el álbum el Electro-Pop de “Silver Rays”.

Hasta el momento la banda ya editó tres simples, con sus respectivos videos que son “Default”, “Waveforms” y “Wor”, sin embargo el trabajo funciona más como un conjunto para ser escuchado -varias veces- y ser comprendido en su totalidad.  

Los Django Django -que nombrecito-, con su primer trabajo ya se metieron en el bolsillo a las revistas musicales que todos los meses crean el próximo Hype a seguir. Ahora les falta la tarea más dura, hacer lo mismo con el público. Sin embargo de lo que se puede estar seguro es que si habría una segunda parte del film “Alta Fidelidad”, los Django Django serían la nueva banda para que John Cusack atrape a sus presas-clientes ávidos de nuevos sonidos.

5 Discos de 2-Tone (Ska Inglés) que no hay que dejar de tener

Si hay una banda emblema que llevó en alto la bandera del 2-Tone y fue punta de lanza del Ska Inglés en cuanto a éxito esos son los Madness. El Lp debut de ellos mezcla ese sonido proveniente de Jamaica pero con un sello personal y una impronta inglesa bien marcada. La estética, no sólo de ellos, sino también la de sus videos deja en claro que lo suyo no sólo es la música sino también el humor tan típico inglés. Estos dos matices, el sonido de Ska mucho más festivo, con un uso y abuso pero en su justa medida de los saxos y piano junto a esos gags tan ingleses crearon una escena y un movimiento que tendría a los Madness en primera fila pero secundados por muchos grupos más con una propuesta similar. Incluso, y no es un dato para nada menor, estas bandas provenían de los suburbios londinenses, de clase obrera y trabajadora ganándose el apoyo de una juventud que estaba en las mismas condiciones que ellos y que deseaba volver a revalorizar ciertas tradiciones inglesas mostrándose orgulloso de su país. La estética de ellos junto a la de sus seguidores debía mucho de los Rude Boys de Jamaica, anteojos negros y sombreros entre varias cosas más pero empezaron a ponerle su sello propio usando tiradores, camisas Ben Sherman y borcegos, más emparentados con la clase obrera, de donde provenían ellos.

No está demás mencionar que la escena del 2-Tone se sostuvo también por esa mezcla de estilos musicales y culturales que había en los guettos londinenses, como el Punk, el Mod, el Rockabilly, el Skinhead Reggae, etc. “One Step Beyond” arranca con el tema homónimo al disco, un clásico de su repertorio que en realidad es un cover del jamaiquino Prince Buster. Luego siguen con “My Girl”, un tema que baja los decibeles del primero casi al tono de balada pero a lo Madness. El Ska vuelve a decir presente con la canción “Night Boat To Cairo”. Estos tres mencionados tuvieron su respectivo Videoclip y todos estuvieron ubicados dentro de los 10 primeros del Chart Británico. Algunos de los temas que completan el muy necesario Lp son, “Believe Me”, “Land of Hope and Glory”, “The Prince” -canción homenaje a Prince Buster-, el instrumental “Tarzan Nuts”, el clásico dentro de su repertorio “Bed and Breakfast Man” y “They Call It Madness”, otro clásico de Buster que incluso sirvió para bautizar a la banda. Madness luego editaría varios discos más en la misma línea pero quizás ninguno tan popular como este primer Lp, aunque vendrían varios simples más de éxito. Incluso, el legado que dejaron no sólo tuvo sus frutos en Inglaterra, sino en todo el mundo, y Argentina no fue la excepción. 

Si Madness le puso el cuerpo a la movida 2-Tone dándole un reconocimiento mundial, los The Specials fueron el alma de la movida. Esto último no es un calificativo elegido al azar sino que esto queda fundamentado en que ellos fueron el primer grupo en grabar bajo el sello 2-Tone, el cual debía su nombre a la forma de vestirse típica de esas bandas utilizando los tonos de blanco y negro, pero también derivaba su concepto en la integración racial del público y grupos. No nos olvidemos que para finales de los ´70 Inglaterra estaba recibiendo, mayormente en los suburbios londinenses, la llegada de Jamaiquinos que se escapaban de su país natal los cuales terminaron mezclándose entre la juventud británica. Estos Jamaiquinos, la gran mayoría Rude Boys, empezaron a frecuentar reductos encontrándose con otros grupos de jóvenes como los Mods y/o los primeros Punks. De ese caldo de cultivo se gestó el Ska Inglés y los The Specials fueron de los más tradicionalistas de la movida 2-Tone. La vestimenta de lucir trajes en dos tonos junto a otros accesorios era una mezcla de los Mods con los Rude Boys. Incluso la apertura racial y cultural que el Ska y el Skinhead Reggae -movimiento gestado en Inglaterra- tuvo en el público, también se hizo presente en los The Specials, siendo estos una de las primeras bandas multirraciales. Estos muchachos de Coventry lanzaron su primer Lp en 1979 el cual contó con varios clásicos de su repertorio como es el festivo “Monkey Man”, original de Toots and The Maytals, luego versionado por varios más incluida Amy Winehouse. Otra referencia básica es el “A Message To You Rudy” de Dandy Livingstone, un Rocksteady dedicado a los Rude Boys. Entre ellos se mezclaban canciones como “Doesn´t Make It Alright” o “Concrete Jungle” que reflejaban los momentos turbios por los que estaba atravesando Inglaterra, un desempleo masivo y la violencia urbana entre varios problemas más. Otros temas que integran la placa son “Too Much Too Young”, “Blank Expresion”, “Nite Klub” o “Too Hot” entre varios más. Para la grabación de este Lp los The Specials contaron con la colaboración de una figura importante del Ska Jamaiquino como es Rico Rodríguez en los instrumentos de viento y la mirada en la producción de un joven Elvis Costello que priorizaba ante todo la energía del grupo en el sonido del álbum. Luego The Specials editaría un también muy necesario segundo Lp, “More Specials”, pero luego se iría diluyendo la calidad en sus siguientes trabajos.

The Selecter - "Too Much Pressure" 1980

El tercer grupo que cerraría ese triángulo de grupos insignia del 2-Tone serían The Selecter. Casi como un hijo reconocido de The Specials nació esta agrupación y esto se debía a que estéticamente, en el uso de su indumentaria, las dos bandas eran muy similares  como así también en la convivencia multirracial de sus integrantes. Incluso, ese padrinazgo también queda de manifiesto en la grabación de su primer Lp, ya que The Selecter aprovechaba las horas nocturnas del estudio de grabación que dejaban libre The Specials para trabajar en su álbum. La mezcla multirracial que había en The Selecter no la tuvo ningún otro grupo de esta movida, ya que entre sus filas estaban además de ingleses, un anglo-nigeriano como era su cantante Pauline Black, un Ghanés y varios Jamaiquinos más. The Selecter salió al mercado editando un simple que contenía quizás sus dos más reconocidas canciones como son “On My Radio” y “Too Much Pressure” grabado por supuesto bajo el sello 2-Tone. No está demás mencionar que lo que comenzó siendo un nombre de un sello con el tiempo se terminó aceptando y adoptando para mencionar a todos los grupos que se encolumnaban dentro de la segunda oleada del Ska, en este caso en Inglaterra, diferenciándose de su original en Jamaica. 

Debido a la alta repercusión de su primer sencillo, The Selecter graba su primer Lp llamado “Too Much Pressure” el cual además de contener esta canción se encontraba “Three Minute Hero”, “Out on The Streets”, “Everyday”, “They Make Me Mad”, “Street Feeling” y varias más donde mezclaban el Ska Jamaiquino pero en su versión 2-Tone -más festiva que el Ska original- junto al Rocksteady de los ´60. Luego de este primer Lp la formación iría cambiando y grabarían algunos discos más, sin embargo ninguno estuvo a la altura de su primera entrega. Más allá de esto, The Selecter se encuentra como uno de los indispensables para comprender lo que significó la movida 2-Tone junto a otros grupos ya en una segunda línea, no por falta de calidad, sino porque no llegaron a grabar un Lp como The Bodysnatchers.

The English Beat - "I Just Can´t Stop It" 1980

Otro de los grupos que formó parte de esa oleada de Ska Inglés son los The Beat, conocidos también como The English Beat, ya que también existió un grupo llamado sólo The Beat -de Los Ángeles- y para no crear confusión en muchas ocasiones se menciona a este grupo de Ska con la anteposición de The English. Esta agrupación originaria de Birmingham, al igual que muchos grupos de esta movida también supo tener algún que otro integrante de etnia Jamaiquina. El sello 2-Tone fue el encargado de editar sus primeros simples como fue “Tears of a Clown” pero luego decidieron cortarse solos y editar su primer trabajo de manera independiente. Su primer Lp, “I Just Can´t Stop It”, es una mezcla de estilos que no sólo suenan a Ska, sino que se abren más al Pop, algo de Soul, Mod Revival, Punk y Reggae, sin embargo, pertenecieron a esa camada de grupos denominados 2-Tone. Los English Beat, serían de todas las bandas mencionadas, los menos puristas dentro de este movimiento pero fueron parte de esa escena. Incluso, este primer Lp de ellos, es muy similar en su sonido al “Reggatta de Blanc” (Reggae de Blancos) de The Police, el cual sirvió para crear una próxima pero pequeña escena llamada Reggae Blanco con UB40 y porque no, The English Beat a la cabeza. Dentro del disco se pueden encontrar temas “Rough Rider” compuesto por Eddie Grant en su etapa por The Equals, “Can’t Get Used To Losing You”, una canción más inclinada al Rocksteady, “Stand Down Margaret”, dedicado a la Dama de Hierro Margaret Thatcher, poniendo de manifiesto la postura política que profesaban ellos y muchos de los jóvenes de esa época los cuales se encontraban descontentos con la ideología de la Primer Ministro. Varios estilos musicales se conjugan en este trabajo como el Rocksteady en “Jackpot”, el Mod Revival en “Best Friend” o “Two Swords” temas que suenan a The Jam. Luego de este Lp The English Beat editaría dos álbumes más que continuarían en la misma línea del primero pero que fueron diluyéndose así como también el Ska Inglés empezó a ceder terreno ante los nuevos estilos musicales que vendrían. 

Bad Manners - "Ska N´ B" 1980

Los Bad Manners son y serán recordados por el alto protagonismo y la redonda figura de su líder y vocalista Douglas Trendle, más conocido como Buster Bloodvessel. Este declarado Skinhead junto a su grupo Bad Manners, forma parte de esa oleada de grupos llamada 2-Tone. Sin embargo, ellos tenían algunas diferencias con esas bandas de esa movida ya que su estética era la de la no estética, se subían al escenario como se vestían en cualquier día de sus vidas. El tono humorístico que siempre rondaba en el Ska Inglés tuvo con el gordo Bloodvessel a uno de sus máximos referentes. Todo esto apoyado por las expresiones de escapado de una clínica psiquiátrica y/o muecas que hacía con su cara, como sacar la lengua de forma constante en sus presentaciones. Por otra parte, este movimiento siempre tuvo un fuerte apoyo por parte de la juventud obrera-trabajadora, que veía a estas bandas como un espejo en el cual reflejarse, pero los héroes de su clase fueron y serán los Bad Manners. No está demás recordar que por esos años, fines de los ´70, principios de los ´80, la clase trabajadora de Inglaterra estaba recibiendo varios embates aumentando la tasa de desempleo y las diferencias sociales, las cuales se vieron reflejadas en varias letras no sólo del Punk sino de cualquier estilo contemporáneo como el Ska Inglés. La idiosincrasia Skin de Bloodvessel, de revalorizar tradiciones inglesas y de sentirse orgulloso de su país muchas veces fueron confundidas por algunos sectores con posturas políticas y/o pensamientos de Ultra Derecha. Incluso, como para aportarle más confusión a la cosa, su postura ideológica nunca terminó de quedar del todo clara. Dejemos de lado esto y enfoquémonos a lo estrictamente musical, ya que su primer Lp “Ska N´ B”, es una mezcla de estilos que van desde el Ska, el Rockabilly y el Skinhead Reggae. Temas como “Ne Ne, Na Na, Na Na, Nu, Nu”, “Special Brew”, “Inner London Violence”, el cover “Woolly Bully” o los auto referenciales “Fatty Fatty” y “Lip Up Fatty” que se reían de la gordura de Bloodvessel convierten a este álbum en un indispensable no sólo para entender lo que fue la movida 2-Tone, sino también para comprender un proceso social en Inglaterra. 

Si hay un director de cine que le fascina tanto el séptimo arte como la música de rock ese es sin lugar a dudas Martin Scorsese. Dentro de su gran repertorio de films tiene varias dedicadas a la música como por ejemplo “Shine a Light” -de los Rolling Stones-, “No Direction Home” -documental de Bob Dylan-, “Living in The Material World” -documental sobre George Harrison-, un encaminado proyecto sobre la biografía de Frank Sinatra y por último, aunque en realidad es el primero de todos los nombrados anteriormente, “The Last Waltz” dedicado al concierto de despedida del grupo canadiense The Band. Este concierto que fue filmado en 1976 es aún hoy considerado por varios críticos, entre ellos la revista Rolling Stone, como una de las mejores películas de Rock de todos los tiempos. No está demás mencionar que en el año del estreno de este celuloide, 1978, Scorsese venía de estar en la cresta de la ola con el film “Taxi Driver”, candidata al Oscar como Mejor Película en el ´76, mientras que la misma suerte correría con “Toro Salvaje” en el ´80, dejando en claro el momento prolífico por el que estaba atravesando. 

Volviendo a “The Last Waltz”, cuya traducción sería El Ultimo Vals, Scorsese retrata el concierto-despedida de The Band el 23 de Noviembre de 1976 en el salón de baile Bill Graham de Winterland en San Francisco. Sin embargo, este film no se reduce sólo a mostrar a la banda tocando sino que también tiene fragmentos de entrevistas a sus integrantes convirtiéndolo en una especie de documental. De todas maneras, el gran valor o status de culto que ubica a este DVD como uno de los mejores de la historia en su género son los invitados de lujo que tiene. La lista es larga, Bob Dylan -quien tuvo a The Band como banda de apoyo en su vuelco hacia el Rock eléctrico-, Eric Clapton, Neil Young -algunos de The Band colaboraron en sus discos-, Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Diamond, Emmylou Harris, Muddy Waters, The Staples, Ringo Starr, Ron Wood, Dr. John, Paul Butterfield y su primer padrino en la industria musical, Ronnie Hawkins, ya que ellos comenzaron siendo The Hawks la banda soporte de sus shows.  

No está demás realizar una breve descripción de la historia de The Band. La cara visible siempre fue la del guitarrista Robbie Robertson, sin embargo sus otros integrantes fueron indispensables para lograr ese sonido personal como es el caso de Richard Manuel, Rick Danko y Levon Helm, estos tres alternaban las voces principales en varios temas pero además eran multiinstrumentistas pudiendo rotar sus posiciones en beneficio de cada canción. Además de estos cuatro había un quinto integrante como es Garth Hudson, el mayor de ellos, el cual era visto dentro de la banda como un faro a seguir por sus conocimientos musicales, aunque no tuviera el carisma de sus otros integrantes sobre el escenario. The Band antes de modificar su nombre por este último, comenzó su carrera siendo participe en las giras de Ronnie Hawkins para luego continuar como banda soporte de Dylan a mediados de los ´60. The Band no la tuvo nada fácil porque tuvo que soportar los años más radicales  y violentos del público de Dylan que no veía con buenos ojos la “traición” de ser un cantautor Folk hacia el Rock eléctrico. Incluso también lo acompañaron en su etapa de “desaparición” de los medios masivos cuando tuvo su accidente en motocicleta el cual lo recluyo durante cierto tiempo y del cual hay varias grabaciones como el “The Basement Tapes”, pero eso ya es otra historia. 

Los The Band intentarían cortar ese cordón lanzando su primer Lp “Music From The Big Pink”, un álbum dedicado a las raíces de la música tradicional Americana en épocas de ácidos lisérgicos, resacas de Flower Power y caleidoscopios de colores que provenían de la Costa Oeste. Luego de este Lp lo seguiría un álbum de nombre homónimo a la agrupación -de muy buena calidad- pero después quizás se estancarían un poco en los siguientes trabajos. 

Volviendo a este “The Last Waltz” la lista de temas son los siguientes: “Up on Cripple Creek”, “The Shape I´m In”, “Who Do You Love” con Ronnie Hawkins, “It Makes No Difference”, “Such a Night” con Dr. John, “Helpless” con Neil Young, “Stagefright”, “The Weight” con The Staples, “The Night They Drove Old Dixie Down”, “Dry Your Eyes” con Neil Diamond, “Coyote” con Joni Mitchell, “Mystery Train” con Paul Butterfield, “Mannish Boy” con Muddy Waters, “Further on up The Road” con Eric Clapton, “Evangeline” con Emmylou Harris, “Ophelia”, “Caravan” con Van Morrison, “Forever Young” y “Baby Let me Follow You Down” con Bob Dylan y por último “I Shall Be Released” con todos los invitados anteriores más Ron Wood y Ringo Starr. 

Poder reunir a semejantes “bestias” del Rock de seguro no fue una tarea nada fácil. Más allá de que por esa época no había tanta tiranía por parte de las compañías discográficas de ceder a su estrella para que cante en otro disco y los egos de ellos quizás estuvieran un poco más aplacados que al día de la fecha, hay varias aristas dentro de esta filmación. Al parecer, Dylan en el momento de la grabación de este recital, se encontraba haciendo lo mismo filmando una película, la cual puso en vilo su participación en este concierto hasta último momento. Dylan según parece temía que el film de Scorsese pudiera opacar su película, sin embargo el peso de la historia junto a su “viejo” grupo pudo más. La forma y/o manera de filmación de Scorsese para este film fue hecha con varias cámaras, las cuales enriquecen el documento y sirven para ahondar en todos los detalles, ya sea en el duelo de guitarras entre Clapton y Robertson, las miradas de este último con Bob Dylan, la Jam a contraluz que tienen en el tema junto a Emmylou Harris, el magnetismo que genera Muddy Waters o la impronta y energía de Van Morrison entre varias cosas más.

Sin dudas “The Last Waltz”, tal cual como dice en su comienzo, “este film debe ser reproducido en alto volumen”, se trata además de un gran registro musical, un perfecto documento para poder apreciar a algunos grandes del Rock en su momento más álgido de sus carreras. No por nada debajo de su título, como epígrafe, se encuentra la frase “la mejor de todas las películas de rock”.

"It Makes no Difference" 

"Ophelia"

"Caravan" con Van Morrison

"I Shall Be Released" The Band with Friends

Neil Young: "On The Beach" (1974)

La gran mayoría de los grupos y/o solistas que tuvieron o tienen varias décadas de actividad en su haber están más propensos a poseer dentro de su discografía un álbum “maldito”. Esto último puede leerse de varias formas, desde un disco oscuro dentro de su historia, un Lp que por diversos motivos fuera o es ignorado por parte de la crítica o el público, como así también que su concepción este encumbrada por letras depresivas y/o deprimentes que tengan que ver con el momento personal del artista en cuestión, y la lista de explicaciones al concepto de disco “maldito” sigue.

Incluso, en algunas ocasiones, pueden encontrarse todas estas como es el caso del disco “On The Beach” de Neil Young. La discografía de Young es muy extensa y debido a esto a tenido grandes momentos -los ´60 y ´70-, algunos traspiés -década del ´80-, un resurgimiento -los ´90- y dentro de su vasta historia hubo un período personal que fue bastante oscuro cosechando más de algún que otro disco “maldito”. Veamos, el Lp en vivo “Times Fade Away” desde su edición en 1973 hasta ahora se encuentra descatalogado y nunca fue editado en CD. La misma suerte estaba corriendo este “On The Beach” -el cual lo sigue en cronología histórica-, ya que nunca fue bien visto por el propio Young porque revisitaba un período por el que no quería recordar. El vinilo había dejado de fabricarse y sólo subsistió en formato cassette hasta que en el año 2003 recién volvió a las tiendas de discos en CD.

Esta curiosa historia sobre su edición ya convierten a “On The Beach” en un disco “maldito” por excelencia, sin embargo esto no acaba acá ya que existen más motivos para seguir edificando y construyendo ese misterio en torno a este álbum. En el momento de su edición, 1974, Young pasaba por un período depresivo ya que había perdido, a causa de las drogas, a su gran amigo y guitarrista Danny Whitten, integrante de los Crazy Horse, la banda de acompañamiento durante sus giras. Por tal motivo, el aire que se respira en el álbum es de decepción, depresión y reproche.

Incluso, ya desde la tapa del Lp, la cual en una primera ojeada puede parecer pintoresca, naif o porque no alegre, en realidad tiene un concepto que dista mucho de la diversión. En la misma se puede ver a Young parado mirando hacia el mar y de espaldas a una mesa con sombrilla y dos reposeras. Esto es un claro mensaje hacia el libertinaje de la Costa Oeste dándole la espalda a la fama y al reconocimiento -su disco anterior “Harvest” lo llevó a esto- rechazando e ironizando a todo aquel que se hubiera convertido en algo superficial. El Cadillac sepultado bajo la arena es una clara alusión irónica a la imagen de jolgorio eterno que se tiene de este automóvil dentro de una pileta representando el despilfarro y el “reviente” cuando se alcanza cierto nivel de fama.

En el momento de su edición, el disco no tuvo una buena aceptación por parte del público como así también por parte de la crítica especializada -todos esperaban un “Harvest 2”-, sin embargo el tiempo se encargó de ubicar a este Lp como uno de los mejores dentro de su discografía. De todas maneras, el rótulo de disco “maldito” nadie se lo puede robar. De forma segura se puede indicar que este es uno de los trabajos -junto con “Tonight´s The Night”- de los más oscuros de su discografía donde las letras son un fiel reflejo por lo que su alma estaba pasando por esos días. Estos dos álbumes fueron grabados casi de una forma un poco cruda y alternó sesiones irregulares donde Young utilizó varios músicos de sesión y algunos invitados, variando sus instrumentos a los cuales les daba unos arreglos poco pulidos. Parte de esta “desprolijidad” se debió a que por esos días el consumo de estupefacientes por parte de él fue en aumento debido a su depresión.

El Lp abre con “Walk On”, el cual -como toda la cara A del álbum- tiene un ritmo alegre que contrasta con la ironía de su letra. Se ríe de si mismo y casi con una mirada cínica expresa su deseo de seguir viviendo y peleándola día a día. “See The Sky About To Rain”, se presenta como una balada en tono Country con Young sentado en el piano refiriéndose a esas cosas simples de la vida como es quedarse sentado a ver el cielo a punto de llover apreciando la belleza que lo rodea. En esta canción ejecuta la batería el integrante de The Band, Levon Helm, mientras que en el siguiente tema, Rick Danko, también miembro de ese grupo, lo hace en el bajo. Ese tema es “Revolution Blues”, el cual está inspirado en el asesino Charles Manson contando también con la colaboración en guitarra rítmica de un viejo compañero de ruta como es David Crosby. La letra de esta canción significó más de un dolor de cabeza para Young ya que detrás de esos tajantes acordes se esconde una letra llena de ira, rabia y furia que tiene como objetivo a los falsos Hippies “ricachones de fin de semana” que veían esto sólo como un movimiento de tendencia más que una filosofía de vida. “For The Turnstiles” es una mezcla entre el Country con el Folk el cual tiene a Young tocando el banjo.

El Blues se hace presente con “Vampire Blues” dedicado de forma explícita a la industria del petróleo. Estamos llegando al final del disco y quizás a sus mejores canciones o por lo menos las más sentimentales y/o desgarradoras. Ese trío final comienza con el tema que da título al álbum el cual en forma de canción es su declaración acerca de la soledad que produce la fama. En este tema, otro viejo conocido se hace presente como es Graham Nash en este caso en el piano. Por su parte, “Motion Pictures”, al igual que la mayoría de sus canciones de este álbum tiene un objetivo, y en este caso es la relación amorosa con la que acababa de terminar. El Lp lo cierra “Ambulance Blues”, otra sentida canción donde la voz dulce pero a la vez tan personal y sufrida que tiene Young le dan cuerpo y espíritu al tema.

Más allá de haber estado descatalogado durante tanto tiempo, como así también tener en su prosa una de las letras más depresivas de su discografía y haber sido basureado en el momento de su edición, “On The Beach” se encuentra como uno de los preferidos por parte de los seguidores más acérrimos de Young. Parte de ese halo de misterio y mística que lo ubicaron como un disco “maldito” lo envuelve toda la historia que se encuentra detrás de él volviéndolo quizás más atractivo e interesante, porque lo fácil y sin esfuerzo no tiene gracia, ¿no?.