Aztec Camera: "High Land, Hard Rain" (1983)

Los sellos discográficos son -¿eran?- esas factorías musicales que siempre estuvieron arraigadas a los músicos y que llevaron de la mano a distintos artistas. Las hay de todo tipo, desde las multinacionales y grandes corporaciones -que hoy por hoy sienten los embates del cambio en el consumo musical-, hasta los pequeños sellos independientes -muchas veces impulsado más desde el corazón que por el rédito económico- los cuales defienden la libertad compositiva del artista por sobre las modas. Ahora bien, el consumidor de música pasajera no recae en estos detalles, quien es el sello que está detrás del artista, que tipo de grupos esta dentro de su catalogo, si existe alguna línea musical dentro de su idiosincrasia, etc. Sin embargo, el oyente ya curtido, quiere y debe saber -por su propia inquietud- que tal sello tiene una línea de artistas musicales en particular, y también debe saber que como así existen bandas que son el ABC del Rock, también hay sellos discográficos que son de referencia básica. 

Por ejemplo, los Beatles y la Parlophone, los Stones en la Decca, los Doors en la Elektra, Led Zeppelin en Atlantic y así con muchos más. Como así también sellos clásicos que se abocaron a determinados estilos musicales, la Motown y su hermana Tamla con el Soul, Stax con el Funk, Sun Records con la prehistoria del Rock grabando a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash entre otros. Como olvidarse del sello 4AD con claro énfasis por el Dream Pop en los ´80 y ampliando su catalogo hasta estos días con artistas como Bon Iver, Rough Trade cubriendo el Punk, Post Punk y sus derivados, Sub Pop que cubrió el Rock Alternativo o Creation Records que fue el trampolín de Inglaterra hacia el Mundo para los grupos de los ´90 en el Reino Unido. Por supuesto, esto fue sólo una pequeña enumeración muy por arriba de algunos sellos y sus particularidades, no hay que dejar de lado los más independientes, los que podrían entrar dentro de la movida del DIY -hacelo vos mismo-, acá incluso existen aún más. Uno de los tantos cuya historia es bien noble a las tradiciones del “Do It Yourself” es la del efímero sello escocés Postcard Records que supo tener entre sus filas a grupos muy interesantes pero muy poco reconocidos en la década del ´80. Bandas como los Orange Juice, Josef K, The Go-Betweens o los Aztec Camera fueron la carta de presentación de ese novel sello que era impulsado bien a pulmón. Por supuesto la competencia no dio tregua y el mismo tuvo que cerrar y varios de estos grupos emigraron hacia otros sellos de más envergadura pero la semilla fue plantada en la Postcard Records. 

A mediados de los ´80 en el Reino Unido uno de los tantos estilos musicales que se forjó en esa década fue el del Jangle Pop, cuya principal referencia eran los grupos de guitarra de los ´60 similares a The Byrds, los cuales tenían un típico sonido en el instrumento de seis cuerdas. Además de esta particularidad tenían un gran apego por la melodía y sus letras eran sobre tortuosos desamores y dudas existenciales varias. Los Aztec Camera, grupo formado por un muy joven -no llegaba a los 20 años- Roddy Frame suele encolumnarse dentro de esa camada de bandas de Jangle Pop. De todas maneras, si hiláramos fino, su primer Lp, “High Land, Hard Rain”, es el único que entraría dentro de este estilo ya que en los siguientes la carrera del grupo variaría de acuerdo a las modas reinantes, pero eso ya es otra historia. 

Su primer disco, hoy a la distancia tiene un sonido que al instante uno puede darse cuenta de la fecha de su elaboración, principios de los ´80, más precisamente 1983. Sin embargo, lo que para muchos puede ser quedarse en una foto antigua en color sepia, en los Aztec Camera los vuelve aún más interesantes ya que enmarca de forma precisa el registro de una época y de un momento. Para muchos pueden ser vistos como una copia trunca de The Smiths, pero son mucho más que eso, primero porque su primer álbum salió antes que el de Morrissey y cía y segundo porque tenían temas -por lo menos en esa primera placa- que los sostenía como una cosa seria. El entramado de guitarras creaba un Pop perfecto, sin estridencias, dulce, pero sin llegar a ser simplón ya que además tenía sonidos exóticos y personales que le de daban su propio sello. Está bien, después cayeron derrotados al no contar con la imagen de crooner indie romántico de Morrissey ni temas que supieran meterse en el inconciente popular de la sociedad. Volviendo al sello Postcard Records, este edita los primeros simples de Aztec Camera pero es con el sello Rough Trade con el que lanzan su primer Lp. 

El disco abre con “Oblivious”, cuyas guitarras acústicas y una línea de bajo sostenida marcan la melodía de la canción. Unos arreglos con aires de flamenco le dan ese toque personal que junto a la voz personal y romántica de Frame lo volvieron uno de los highlights del grupo. El espíritu si queremos decir alegre se vislumbra en todo el disco y lo dejan en claro ya desde el primer tema. Guitarras de Folk Celta se hacen presente en el inicio de “The Boy Wonders”, las cuales dejan paso a un Pop muy pegadizo. Cambios de ritmo constantes y citas exóticas es lo que nos vamos a encontrar a lo largo de todo el Lp. La voz de desencanto de Frame marcan el pulso en “Walk Out To Winter”, un tema que baja un poco el ritmo del comienzo pero que sigue sosteniendo la gran calidad compositiva. Luego siguen otras dos buenas canciones como “The Bugle Sounds Again” y “We Could Send Letters”, las cuales en tono de balada son más reflexivas y nos muestra a Frame como un muy buen compositor de letras de desamores. 

El Pop vibrante y contagioso vuelve con “Pillar To Post”, un tema emparentado en su sonido a los contemporáneos The Housemartins -sí el grupo de Norman Cook, el de Fatboy Slim-, por su parte “Release” que arranca tímida con un sonido casi en tono de Bossa Nova se convierte al final en un Pop desenfrenado. Cierran el Lp la misteriosa “Lost Outside The Tunnel”, la balada tristona de “Back on Board” y la acústica y sentida “Down The Dip”, la cual sólo cuenta con la guitarra y la voz melancólica de Frame. Luego de este disco la carrera de los Aztec Camera cambiaría en varios aspectos, desde los estilos musicales, adaptándose a las tendencias reinantes con un muy buen Lp como “Stray”, aceptables como “Frestonia” y “Knife” o muy malos como “Dreamland”. Incluso Frame conservaría el nombre del grupo pero en algunos álbumes ya casi se vislumbraba como una carrera solista de él ya que de los miembros originales solo estaba él. 

Postcard Records pasó a mejor historia ya hace rato, sin embargo fue el cobijo para que muchas bandas escocesas -siempre un poco a la sombra de las de Inglaterra- formaran parte de una escena musical que quizás hoy por hoy esté oculta para la mayoría pero que vale la pena rescatar y apreciar además de servir para definir a una de las tantas escenas musicales de los ´80 en el Reino Unido.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Muse: “The 2nd Law”- Warner

Si hay una banda que por estos años es amada -e inflada- como odiada -y vilipendiada- hasta el extremo en ambos casos, esos son los Muse. Un grupo que en cada disco tiene que salir a demostrar lo grande que puede ser su sonido -muchas veces ya exagerado- pero que también tiene que explicar una y otra vez lo que pretende ser y que nunca termina de explotar. Los Muse son una banda difícil de encasillar ya desde su estilo musical, el cual muchas veces apunta a ser de obra maestra sólo entendida y comprendida a futuro pero que la cual hoy por hoy a veces peca de ser grandilocuente. Luego de un Lp interesante y muy jugado a la vez como fue “The Resistance” sacan este “The 2nd Law” el cual tiene aires de obra maestra pero que no termina de creérsela pero viéndolo desde otra perspectiva quizás se la crea y mucho. Por momentos quieren y pueden sonar a los Queen de “Innuendo” en “Explorers” o a los U2 de “Zooropa” en “Big Freeze”, a los Radiohead de “Ok Computer” en “Animals”, o al Bowie de “Hours” en “Panic Station” pero en cambio en otras oportunidades se quedan ahí en lo que pueden o podrían llegar a ser a futuro pero que hoy por hoy son un híbrido de todo eso. Ah… sí también esta “Survival” el teatral tema de los Juegos Olímpicos. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Tim Burgess: “Oh No I Love You” -  O Genesis 

Vuelve al disco, en este caso su segundo álbum en solitario, uno de los mejores sobrevivientes de la música inglesa que supo ganarle a las tendencias como es Tim Burgess. Luego de ser uno de los referentes principales al mando de The Charlatans en la movida Madchesteriana y de colarse en la oleada del Brit Pop, Burgess demostró la cintura de un campeón al estar siempre en vigencia aunque  nunca se lleve los laureles. Para este “Oh No I Love You” se tomó su tiempo y esto queda en evidencia por el tiempo que transcurrió entre su primer placa del 2003 y este segundo álbum. El que esté esperando el típico sonido de los Charlatans y la voz nasal de Burgess va a salir defraudado ya que nos encontramos ante un disco despojado de todo el background con el cual se hizo famoso. “Oh No I Love You” es un Lp con retazos Folk, sin ser ortodoxo en este estilo, parte de este sonido se lo debe a la colaboración que tuvo de parte de Lambchop y en la producción de Mark Nevers, viejo conocido del primer mencionado. Sin embargo, encasillarlo en el Folk no sería justo porque el tema “White” -corte del álbum- no lo es para nada, pero convive con canciones como “Hours” la cual tiene un trabajo de cuerdas excelente, la pastoral “Anytime Minutes” y varias más que dejan en claro que este Lp es una aventura musical para Burgess donde puede sacarse el traje de cantante de los Charlatans y hacer lo que se le de la gana sin ataduras. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Jon Spencer Blues Explosion: “Meat + Bone” -  Mom and Pop Music

Después de 8 largos años, los cuales nos hicieron creer que era un adiós definitivo, vuelve Jon Spencer con su Blues Explosion a editar un nuevo álbum. Dispuesto a ganar el terreno que cedió a los White Stripes y a los ahora en boga The Black Keys, vuelve el padre de todos estos con un disco que retoma las riendas de sus trabajos más garageros. “Meat + Bone” es meta palo y a la bolsa, Spencer no se anda con chiquitas y quiere dejar en claro quien es el padre de la criatura de ese Punk-Blues. Spencer vuelve con todos esos detalles que lo hicieron famoso, el riff sucio y cortante, los aullidos de lobo y el Punk Blues más primal. De todas maneras se cuela en el Lp el Funk bien groovero y sucio de “Get Your Pants Off” compitiendo con el clásico sonido de ellos en temas como “Bag of Bones”, “Boot Cut”, “Strange Baby” o “Danger” por citar solo algunos. Si estabas por colgar la campera de cuero y afeitarte las patillas todavía no lo hagas ya que la Explosión de Blues esta de vuelta. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Sly & The Family Stone: "Stand!" (1969)

Ver en estos últimos años bandas de rock de diferentes razas étnicas fusionando sus propias culturas o porque no también ajenas, mezclándose entre sí no ruboriza ni causa ningún tipo de desaprobación. Sí quizás más que nada puede despertar cierta curiosidad ya que este tipo de crossover de culturas goza de buena salud entre los esnobistas de siempre. Sin ir más lejos la Música Balcánica y el Afro Beat son algunos de los estilos que están algo en boga dentro de un mercado consumista y adicto a las tendencias y a lo cool. Estilos que siempre se mantuvieron flotando en su propia atmósfera pero que hoy la industria vuelve a recurrir en algunos casos para “lavarle la cara” al rock. 

Sin embargo, no sólo la fusión de culturas tiene que ver con los estilos musicales sino también con el color de piel. Sabemos el alto grado de persecución que existió y que en cierta medida aún existe en la historia de la humanidad ante las diferencias étnicas y/o de color. Las discriminaciones raciales estuvieron y aún están dentro de cualquier sociedad. La Afroamericana, por citar solo una, siempre fue perseguida por el blanco, hasta que de a poco fue ganando espacio saliendo de ese guetto que los mismos blancos terminaban fortaleciendo al relegarlos y separarlos de la sociedad que ellos creían era la correcta. 

Una década bisagra para esa raza fue la de los ´60 ya que a nivel social, político y cultural supieron dejar en claro sus derechos y esa voz que tantas veces fue callada pudo expresarse. Menudo caldo de cultivo se estaba gestando en esa década para la sociedad Afro ya que tenía una figura política bien marcada a quien seguir para representar sus derechos como fue Martin Luther King el cual además de abogar por la raza de color también profesaba la no violencia. La figura política y social no sólo se cerraba en él sino que también Malcolm X luchaba por la misma gente pero con otros ideales algo  diferentes a los de King. Además, por si todo esto fuera poco, por esos años creció y se fortaleció un movimiento que los identificaba pero el cual tenía su lado positivo-negativo como eran los Panteras Negras. Sin embargo, el cambio social no sólo era por el lado político sino que encumbraba otras fuentes de expresión como el cine y la música entre varios más. 

Dentro de lo musical, los artistas de color siempre fueron consumidos por su propia gente y también por esos jóvenes Baby Boomers que no tenían el prejuicio que si poseían sus padres. De todas maneras, ver sobre un mismo escenario artistas blancos y negros no era de moneda común y si sucedía no eran bien vistos por ambos sectores de la sociedad. Precisar que grupo de rock fue el primero en subirse a un escenario con una formación de diferentes razas puede ser una tarea quijotesca pero hasta casi superflua. Sin embargo, sí se puede asegurar que a mediados de los ´60 hubo un grupo como fueron los Sly and The Family Stone que fueron una bisagra por su contenido social y cultural en las letras y también por mezclar músicos negros con blancos en una misma banda, una tarea bastante valiente pero integrativa por partes iguales.

El cerebro de la agrupación era el Afroamericano Sly Stone el cual junto con su colectivo humano de músicos se fue abriendo paso dentro de la escena hippie Californiana de esos años a base de Funk, Psicodelia y Rock. Antes de llegar al disco “Stand!”, álbum que para muchos fue su cénit musical -dentro de mi gusto personal también incluiría el siguiente “There's a Riot Goin' On”- los Family Stone habían editado tres Lp´s que poseían temas destacables pero no lograban aún pegar el gran salto. A partir de “Stand!” la historia de Sly Stone cambio para bien pero también para mal, ya que comenzó un constante coqueteo con las drogas duras torciendo su música hacia una impronta cada vez más combativa en sus letras. Claro, la escena social por la que atravesaba EE.UU tampoco era la mejor, la Guerra de Vietnam estaba en 1969 pasando por su capítulo más virulento. Una violencia que no sólo era vivida en el lejano país Asiático sino que también dentro de la misma sociedad, el asesinato de Luther King, la radicalización cada vez más extrema de los Panteras Negras y varias cosas más golpearon por debajo del cinturón a los Americanos, pero eso ya es otro tema.

El éxito de “Stand!” junto con todo lo que estaba sucediendo en la sociedad americana atentó en cierta forma dentro del seno del grupo ya que los prejuicios raciales comenzaron a hacerse cada vez más viscerales, un ejemplo de esto es que los Panteras Negras presionaron a Sly Stone para que las letras del grupo fueran aún más combativas por los derechos Afroamericanos y que además despidiera a todos los miembros blancos que había en la agrupación. Esa sensación de aire denso que se vivía en la agrupación queda en evidencia en el excelente disco “There's a Riot Goin' On”, el cual ya instrumentalmente es más pesado tanto en letras como en música. 

Volviendo a “Stand!” ya desde el tema homónimo al disco que lo abre deja en claro posiciones y posturas, el estribillo clamaba por ponerte de pie por las cosas que creías que eran las correctas. La letra era un llamado a la unión sin distinción de razas y a la destrucción de los prejuicios raciales. El Lp sigue con el excelente “Don´t Call Me Nigger, Whitey”, el cual ahora sí ya desde el título deja en claro la impronta y el mensaje de Sly Stone. “No me llames Negrito, Blanquito” sería la traducción al castellano, aunque luego en la canción el mensaje se invierte marcando la posición imparcial de Stone, defendiendo a las dos razas por igual. No está demás mencionar que el termino Nigger en EE.UU es muy discriminatorio, la definición no es sólo la de Negro por el color, sino que encierra una ofensa aún mayor. El ritmo Funk y machacante no da respiro con “I Want To Take You Higher”, una canción con claras connotaciones a las drogas y al estar puesto, la cual se convirtió en un himno dentro del Festival de Woodstock.

“Somebody´s Watching You” es un bálsamo de tranquilidad luego de tanto desenfreno, un tema instrumentalmente muy bueno con unos arreglos en los bronces excelente. Una canción de ritmo más pausado en comparación con las anteriores pero bailable por igual. “Sing a Simple Song” en cuanto a letra podría estar dentro de sus primeros trabajos pero la calidad instrumental es muy buena y deja en claro cuanta influencia fueron los Family Stone para muchos grupos venideros, no sólo del Soul y el Funk sino también más inclinados al Rock como los Red Hot Chili Peppers o los Jane´s Addiction. Por su parte, “Everyday People” retoma el mensaje social y anti racista, mientras que “Sex Machine” -nada que ver con el tema del “Godfather” James Brown-, es un anticipo de la instrumentación más en clave jam que tendría la agrupación en su posterior trabajo. A lo largo de los 13 minutos que dura el tema, el Funk con el que comienza va cediendo terreno a un Rock más crudo y rudo. El Lp finaliza con “You Can Make It If You Try”, una canción con mensaje positivo que cierra el círculo con el que comenzó el álbum en “Stand!”, indicando que podes conseguir todo lo que te propongas si lo intentas.

“Stand!” estuvo más de 100 semanas en la lista de la Billboard, pero no sólo en estos fríos números hay que fijarse sino en que también fue uno de los primeros discos de Soul/Funk que abrió la conciencia socio-política, como así también fue fuente de inspiración para grupos venideros no sólo de negros sino también de blancos. De todas maneras, uno de los máximos logros es el de haber sido uno de los primeros grupos multirraciales y de ambos sexos dentro del Rock, un detalle para nada menor. 

The Killers: “Battle Born” - Island 

Uno de los regresos más esperados como era el cuarto álbum de los Killers deja en claro que los muchachos de Las Vegas ya no van en piloto automático como en su tercer Lp “Day and Age”, sino que más bien ahora en “Battle Born” ya directamente se bajaron del vehículo y lo dejaron al grupo andando solo. La espera venía siendo amenizada por un muy buen simple de adelanto como es “Runaways”, un tema interesante que quiere volver a revivir los días exitosos de la agrupación de los primeros dos álbumes -plagados de hits inmediatos- pero que está a media marcha en comparación con estos. Sacando esta canción, el disco no trae nada nuevo y está más cerca de ser una continuación de la carrera solista de Brandon Flowers que de los Killers. Sin embargo, ¿no le estaremos pidiendo demasiado a los Killers? Ya la cuota de hits nos la dieron y digamos la verdad, el que esté esperando un disco conceptual o jugado por parte de ellos puede esperar sentado largo rato porque se equivocaron de banda si aguardan eso. Los Killers se auto-repiten una y otra vez, ojo a algunos quizás les gusta eso, pero para ser sinceros cada vez están más cerca de ser The Friendlys que The Killers. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Grizzly Bear: “Shields” - Warp Records

Luego de un muy buen tercer trabajo como fue “Veckatimest”, el cual les trajo mucho reconocimiento por parte de la prensa especializada no hizo más que aumentar el grado de expectativa para ver con que se despachaban los Grizzly Bear. La espera finalizó con la edición de “Shields”. Un Lp interesante que de seguro se va a encontrar dentro de lo más destacable de este 2012 pero que quizás en un primer momento no sea de una fácil escucha. Esto se debe a que los oriundos de Brooklyn pareciera que siempre están en una búsqueda constante y en la reiteración de las escuchas de cada canción se pueden encontrar detalles que en un primer momento no se tuvieron en cuenta. Todo lo demostrado en “Veckatimest” es en “Shields” donde lo llevan al extremo, es acá donde consolidan su virtuosismo y experimentalidad en busca de nuevos sonidos. “Shields” merece ser escuchado de forma lineal y no por canciones ya que perdería el concepto del álbum y no quedaría en evidencia el grado de complejidad en armonías e instrumentación que tiene. ¿Los Radiohead de esta década?. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Mumford & Sons: “Babel” - Glass Note

“Babel” es el más claro ejemplo de demostrar que si la “pegaste” con un primer álbum para que dejar de lado esa formula si en la reiteración se sacan resultados. Incluso le agregamos un par más de detalles vendibles y tenemos el negocio redondo. Con esto no es pegarle como a una bolsa de papas a “Babel” pero el reciente trabajo de los Mumford & Sons es muy regular y lo peor de todo, obvio. “Babel” es muy lineal pero en un sentido casi uniforme, todo suena igual, las canciones son todos muy similares. El grito en la voz de Marcus, la mandolina bien al frente que llega hasta casi exasperar, eso sí todo lo bueno que hicieron en el primer Lp acá lo vuelven a hacer, pero lo malo es que no hay diferencias entre lo bueno de un trabajo y otro porque casi son iguales. Este Lp pareciera ser el Volumen 2 de “Sigh No More” más que una nueva entrega, no hay nada novedoso, dejan en claro que están muy confortables con el espacio ya ganado, pero si no dan un volantazo urgente en un posible tercer disco más que alcanzar el cielo -por la Torre de Babel- van derechito a estrellarse contra el piso. Fecha de Lanzamiento: 24 de Septiembre.

Band of Horses: “Mirage Rock” - Columbia

“Mirage Rock” es el nombre del cuarto Lp de los oriundos de Seattle Band of Horses el cual los encuentra en muy buena forma. El que venga siguiendo la carrera del grupo va a percibir que en este álbum su sonido es diferente a todo lo anteriormente realizado por ellos. Dejan un poco de lado la pose rockera por un cancionero más emparentado con las baladas y un apego hacia la canción Americana. El cambio no les sienta para nada mal ya que nos regalan canciones con sentimiento como “Slow Cruel Hands of Time”, el toque Country en “Shut-In-Tourist”, el Folk a lá Crosby, Stills, Nash & Young de “Dumpster World” o la Americana bajón en “Heartbreak 101”. De todas maneras el rock de guitarras estridentes aún esta presente con la perfecta canción Pop de “A Little Bibical” o más anclado en el Rock con “Feud” o “Knock Knock” con la que abren el Lp. Para esta lavada de cara los Band of Horses contaron con la presencia del productor Glyn Johns -The Who, Dylan, Clapton-, con el que mutaron pero porque no decir que maduraron su sonido. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Dinosaur Jr: “I Bet on Sky” - Jagjaguwar 

Después de la grata vuelta de los influyentes para muchos -aunque nunca mencionados- Dinosaur Jr los cuales volvieron con todo con discos muy recomendables como “Farm” (2009) o “Beyond” (2007) los vuelve a encontrar este 2012 con un nuevo Lp bajo el brazo como es “I Bet on Sky”. Si vuelven los Dinosaur Jr también regresan las guitarras bien al frente, esos sonidos Noise Rock y varios items más conocidos a lo largo de su historia, sin embargo también hay momento para las baladas en mid-tempo en este nuevo álbum. De esa trilogía de últimos discos quizás “I Bet on Sky” este unos escalones por debajo, también para muchos habrán dejado a un lado ese rock más furioso y ¿ablandarse? un poco en su registro pero sin embargo nunca perdieron la esencia en el espíritu de la banda y esa seguridad de no tener concesiones con la industria musical durante todos estos años, algo que sólo pueden conservar muy pocas agrupaciones. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.