Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Patti Smith: “Banga” - Columbia

Luego de 5 años de su último lanzamiento vuelve la poeta del rock, Patti Smith. Este nuevo Lp la muestra en una espléndida forma, con una voz intacta, la cual no sintió en lo más mínimo el paso del tiempo y algún que otro exceso. El álbum retoma el pulso de sus primeros trabajos, quizás unos escalones por debajo de estos, pero sin duda uno de los mejores de los últimos años. El primer corte es el radial “April Fool” y cierra el disco una versión de “After The Gold Rush” de Neil Young. La vuelta de la cantautora de Rock más Beatnik. Fecha de Lanzamiento: 5 de Junio.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Sigur Ros: “Valtari” - XL Recordings

A estas alturas presentar a una banda como Sigur Ros ya esta demás, la gran mayoría sabe del estilo Post Rock que hacen ellos sin embargo este 2012 trae un nuevo lanzamiento de los islandeses, de nombre “Valtari”. En este último álbum parece que quieren enderezar el timón -tapa con barco fantasma incluida- de las últimas entregas y acercarse más al sonido de sus primeros Lp´s. Escucharlos se sabe que no es una tarea fácil, hay que encontrar el momento y el lugar adecuado, pero si lo haces nunca te van a dejar a la deriva. Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo.

“Ekki Múkk”

Gaz Coombes: “Here Come The Bombs” - EMI 

Sólo faltaba él, Gaz Coombes el cantante y guitarrista de The Supergrass que edite al fin su Lp en solitario, ya que antes lo habían hecho otras figuras del extinto Brit Pop como Damon Albarn, Noel Gallagher, Jarvis Cocker, Brett Anderson y Richard Ashcroft. Ahora sí el pequeño con cara de duende se puede unir a ese grupo del cual la mayoría hace lo mismo que realizaba en su banda pero con la salvedad de que ahora el nombre propio figura en la tapa del disco. Su debut solista es un buen trabajo de Supergrass. Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo.

El Reloj: "El Reloj" (1975)

Bien entrados los ´70, en Argentina, y como respuesta a lo que estaba sucediendo en el mercado anglosajón, empiezan a aparecer grupos de Rock Progresivo, Rock Sinfónico y Hard Rock, con la salvedad de que esos sonidos extranjeros llegaban acá con un retraso de unos años y no con la inmediatez que existe ahora con la globalización, internet y varios etc más. Como siempre sucede, hubo grupos que se destacaron por sobre el resto ya sea por contar con alguna figura ya consagrada o reconocida entre sus filas -a pesar de que nuestro rock vernáculo estaba aún dando sus primeros pasos-, como así también la mutación de la disolución de algunas bandas que en la reagrupación de sus miembros formaron otros grupos. No es un dato menor que la industria discográfica nacional ya empezaba a ver con otros ojos a esa nueva música juvenil y entendió que existía una gran porción de público dispuesto a consumir esos nuevos sonidos. Sin embargo, también se le puede agregar un factor más, que en muchas ocasiones termina siendo primordial, como es la suerte. Algo de esto último fue lo que le falto al comienzo de su carrera a El Reloj, una de las tantas bandas que se formó en la década de los ´70  y que con el correr de los años empezó a ganarse cierto lugar dentro de la historia del Rock Nacional, pero que desde su gestación todo se le hizo cuesta arriba. 

Hoy, a la distancia, el paso de los años empezó a darle el crédito que se merecía la agrupación y el cual le fue algo esquivo durante los ´70 quedando a la sombra de otras bandas de similares características musicales pero con más reconocimiento. Por otra parte, en algunas notas y enciclopedias sobre el Rock Nacional se los suele identificar como los pioneros del Heavy Metal Argentino. Sin embargo, más allá de que su sonido sea considerado duro, estaría más emparentado con un Hard Rock allá Deep Purple con ciertos tintes de Rock Progresivo más que al Metal. Esto queda en evidencia por cuestiones de tiempo-espacio, ya que el Metal no sólo en el ámbito nacional sino en el anglosajón vendría años más tarde. Sin embargo, esa fama de ser uno de los pioneros del rock pesado nacional no fue una característica arrojada al azar, ya que para algunos fueron unos adelantados porque su sonido en vivo era muy contundente aunque por desgracia no quedó del todo plasmado en su primer Lp llamado igual que la banda.

Unas líneas más arriba se mencionó que El Reloj no tuvo en varias ocasiones a la suerte de su lado y para muestra basta un botón ya que unos días antes de comenzar a grabar lo que sería su álbum debut sufrieron un accidente automovilístico que les hizo perder gran parte de sus equipos. De todas maneras, logran entrar al estudio para grabar al fin el Lp pero la suerte les tendería otra mala pasada ya que cuando se empezó a mencionar el arte de tapa del álbum, el grupo quería que estuviera el cuadro “La Persistencia de la Memoria” -más conocido como los relojes blandos- de Salvador Dalí. A pesar de la insistencia de ellos, la compañía discográfica -RCA Victor- se rehusó alegando que debían desembolsar demasiado dinero pagando derechos de autor, imagen etc. Como solución a este conflicto deciden que el baterista de la agrupación, Juan Esposito, dibuje la tapa del álbum. Sin embargo, la portada tal cual como la querían tampoco se editó ya que el dibujo fue reducido a un pequeño cuadrado dentro de un fondo de color negro y en el medio el nombre de la banda en color azul. Este mal gusto por parte de la compañía discográfica logró que esta portada sea considerada por algunos como una de las más feas del Rock Argentino. De todas maneras, el tiempo y la digitalización hicieron justicia ya que hace unos años se reedito su primer trabajo con el dibujo en su tamaño original tal cual como quería la banda.

A pesar de todos estos contratiempos, “El Reloj” es un fiel documento de una banda ajustada cuyo sonido de avanzada sirvió para cimentar algunas de las bases de la música pesada que vendría en nuestro Rock Nacional. Antes de lanzar este Lp, editan en 1973 un primer simple llamado “El Mandato” en la cara A y “Vuelve el Día a Reinar” en la B que ya los presenta bien Hard Rock. El próximo año lanzarían un segundo simple con “Alguien Más en Quien Confiar” -muy Purple, sino chequeen esos teclados- y el sentido “Blues del Atardecer” -con un excelente solo de batería al final-, dos canciones que muestran la evolución musical de la banda. Estos últimos temas ya en una versión diferente y más prolongada en duración se encuentran en su primer Lp. Completan ese álbum “Obertura-El Viejo Serafín”, “Más Fuerte Que el Hombre”, “Hijo del Sol y la Tierra” y “Haciendo Blues y Jazz”.

A pesar de contar con un numeroso público fiel -algo muy clásico en las huestes del Rock Pesado- el Lp pasó algo desapercibido y los motivos pueden ser varios, desde la poca promoción por parte de la compañía discográfica ya que tenía otras bandas con las sacar mayor rédito económico, la nada atrayente portada, la solapada discriminación por la que atravesaron por venir del interior -Rosario- y tener que “competir” con grupos de Buenos Aires y por último algunos problemas dentro del seno de la agrupación. A pesar de esos contratiempos El Reloj lanza el año siguiente un segundo trabajo pero luego de esto se terminaría disolviendo la agrupación y de ahí en más empezaría una serie de reuniones-disoluciones, mientras que como contrapartida, las nuevas actuaciones los van acercando a un público más joven que hoy por hoy los ven como uno de los primeros referentes del Hard Rock y/o Heavy Nacional. 

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Nueva sección hace su debut, en este caso para mencionar algunos de los lanzamientos más destacados de los últimos días. Porque el que avisa no traiciona....

Joey Ramone : “...Ya Know?” - BMG

Beach House: “Bloom” - Sub Pop

Luego de una larga espera de dos años vuelven los Beach House con un nuevo trabajo llamado “Bloom”. Después de haber estado dentro de los mejores discos del 2010 con su anterior Lp, “Teen Dream”, el dúo de Dream Pop y Psicodelia vuelve a repetir la fórmula de su antecesor que tan buenos frutos le ha dado. Sin lugar a dudas será uno de los mejores discos de este 2012. Fecha de Lanzamiento: 15 de Mayo.

Garbage: “Not Your Kind Of People” - Stunvolume

Después de varios años de ausencia -siete para ser más precisos- una de las bandas emblemas del Rock Alternativo de los ´90 vuelve al ruedo cuando menos se lo esperaba. Garbage saca “Not Your Kind of People” repitiendo viejas formulas pero aggiornando su sonido al sonar un poco más electrónicos. “I Hate Love” es el primer corte de este trabajo. Fecha de Lanzamiento: 22 de Mayo.

The Cribs: “In The Belly of The Brazen Bull” - Wichita

Cuantos se pueden dar el lujo de decirle a Johnny Marr -guitarra de The Smiths-, “-Gracias por tus servicios, se que ya no queres formar parte de la banda, pero nosotros tranquilamente podemos seguir adelante sin vos-”. Muy pocas, pero los The Cribs son una de ellas. Este trío inglés con influencias de Garage Rock, Grunge y Power Pop edita su quinto álbum luego de la partida Marr bajo la producción de Steve Albini. Fecha de Lanzamiento: 15 de Mayo.

Tom Tom Club: "Tom Tom Club" (1981)

Hay discos ya editados que si fueran lanzados por estos años serían totalmente contemporáneos a los sonidos de este nuevo milenio y no quedarían en ridículo para nada. Parte de esto se debe a que hay muchos grupos que más allá de tener sonidos “actuales” miran de reojo al pasado tomando conceptos y estilos de este último. Sin embargo, no nos vayamos del verdadero mérito, el haber tenido un sonido de avanzada que aún hoy a la distancia pueda sonar actual y no añejo. Discos de esta índole hay muchos, algunos muy reconocidos, otros no tanto y algunos más que se mantienen como álbumes de culto, reacios a ser reconocidos por las grandes masas como puede ser el primer Lp de los Tom Tom Club. 

Esta banda que en una primera instancia puede ser ubicada como New Wave debido a su origen allá por los tempranos años ´80, fue creada por Tina Weymouth y Chris Frantz, bajista y baterista de los Talking Heads de David Byrne. En una primera instancia fue creado como un grupo paralelo y casi como un proyecto libre en el cual podían entrar y salir sin problema diversos músicos, productores y demás artistas viéndolo como un gran colectivo de ideas y personas. Sin embargo, su primer disco, homónimo a la banda, es un híbrido entre el incipiente Rap que se estaba gestando en Nueva York junto a otros sonidos ya más de discoteca sin llegar a ser Disco, más emparentados con el Funk pero adornados bajo la New Wave. A grandes rasgos una ensalada de sonidos. Lo que sí queda claro es que es un disco de avanzada para la época en que se editó, sirviendo como fuente de inspiración para futuros sonidos y/o estilos. El tiempo lo fue transformando en un álbum de culto y las masas lo fueron olvidando convirtiéndose en uno de esos tantos excelentes discos olvidados.  

Tom Tom Club en su formación se completaba además de los dos Talking Heads, con Adrian Belew en guitarra, Tyrone Downie en teclados, Uziah Thompson en la percusión y las hermanas de Tina Weymouth como coristas, sin dudas este grupo fue un gran colectivo de personas.

En una primera instancia Weymouth y Frantz habían fichado a Lee “Scratch” Perry para la grabación del álbum, sin embargo este nunca se apareció por el estudio. Ante esta falta de faro guía decidieron seguir con el famoso Do It Yourself y que toda la responsabilidad recaiga en ellos. Sin embargo si contaron con la ayuda técnica del -jamaiquino- joven ingeniero de sonido Steven Stanley. La premisa parecería que si o si necesitaban un ingeniero de esas tierras para realizar el Lp y esto tiene muchos fundamentos lógicos en el sonido de la banda ya que tiene raíces Afroamericanas por doquier.

Canciones como “Wordy Rappinghood” hoy a la distancia, más allá de tener cierta reminiscencia a los ´80s pueden codearse con total normalidad entre temas de bandas contemporáneas. Esta canción, fue un prototipo de Rap que luego serviría como fuente de inspiración para varios grupos de este estilo que por esos años eran más vistos como una especie de Dj´s pinchadores o sampleadores de Lp´s más que como artistas en sí mismos. “Genius of Love”, su segundo simple, también de corte bailable, en este caso más New Wave que el anterior también supo cosechar varios elogios. Además de estos temas hay otras muy buenas canciones como “Lorelei”, “Tom Tom Theme”, “L´ Elephant”  o “As Above so Below” más experimentales y con sonidos tribales. “On On On On” es un guiño al Pop pero en “Booming and Zooming” vuelven a las experimentaciones.

Luego de este Lp los Tom Tom Club editaron un siguiente Lp como es “Close To The Bone” pero la novedad ya había pasado y las muy buenas canciones que contenía este primer trabajo no se repitieron en el segundo. De todas maneras este primer álbum de ellos marcó gran parte de los ´80 y buena medida de los ´90 ya que artistas de la talla de 2Pac, Grandmaster Flash & The Furious Five, Ziggy Marley, Coolio y varios más samplearon en sus propios trabajos temas de los Tom Tom Club.

Por último cabe mencionar que en el 2009 se lanzó en versión Deluxe la reedición de este primer trabajo contando con todo el disco original, simples como el “Under The Boardwalk” -no tiene desperdicio-, varios remixes y el segundo Lp “Close To The Bone” editado por primera vez en formato CD junto con Bonus y varios remixes más como para empacharse bailando con su música. 

The Kinks: "Something Else" (1967)

Hay grupos de rock que no serían lo mismo si su origen, ciudad y/o país natal fuera distinto al que lo fue en la realidad. Por ejemplo, ¿alguien se podría imaginar a unos Beatles americanos o a unos Beach Boys ingleses? Por supuesto la historia del Rock no hubiera sido la misma. Uno de los tantos grupos que lleva sus raíces marcadas a fuego y siente orgullo de su origen, no sin esto tener una visión crítica de sus antepasados y la sociedad que lo rodea, son The Kinks. Ellos al mando de Ray Davies fueron son y serán uno de los grupos insignia de la Inglaterra de los ´60 y buena parte de los ´70, cosechando más de un Lp excelente en su extensa discografía, la cual llego hasta fines del siglo pasado. La pluma de Davies más allá de tener cierta crítica mordaz hacia sus tradiciones, cultura e historia siempre fue acompañada por cierta nostalgia y apego a las viejas tradiciones inglesas que sólo una persona nacida y criada en suelo británico podría crear. Por supuesto dicha faceta no aparece de la noche a la mañana y esto lo fue puliendo disco tras disco hasta llegar a “Something Else”, primer Lp de una larga lista de excelentes discos que hoy a la distancia son todos indispensables. 

Situémonos en tiempo y espacio en el cual fue concebido este álbum. El año fue 1967, año clave para la historia del Rock tanto en EE.UU como en Inglaterra, sin embargo sólo abordemos a este último. Fue el año del “Sgt. Peppers” de los Beatles y todas sus respuestas psicodélicas en grupos contemporáneos a ellos que vieron a este álbum como el faro a seguir. Luego los ácidos y todo el Swingin London harían lo restante. De forma paralela salía y sobre el suelo que lo supo cobijar como hijo adoptivo el “Are You Experienced” de Jimi Hendrix, disco que cambiaría por completo el rol del guitarrista. Por si fuera poco empezaban a aparecer los primeros pesados del Rock con un sonido un poco más duro como Led Zeppelin, Deep Purple o los oscuros Black Sabbath, como así también unos noveles y experimentales Pink Floyd entre varios más. No quedaba más remedio que aceptar sin concesiones ese amanecer de nuevos sonidos o seguir escribiendo su propia historia de acuerdo a sus propios sonidos. Esto último fue algo de lo que hicieron los Kinks, y tan mal no les fue. 

La búsqueda y comprensión de los hechos de la vida cotidiana y los personajes que la crean siempre fue de máximo interés para Ray Davies y es a partir de este disco donde da rienda suelta al análisis de la sociedad que lo rodea. Por supuesto, algo de esto ya se podía vislumbrar en “Face To Face”, su anterior trabajo pero es con este “Something Else” donde comienza su etapa más prolífica. 

Editado bajo el sello Pye Records y producido a la par por Davies y Shel Tamy (The Who-The Kinks-The Easybeats), el grupo confecciona 13 temas, que entre delicados y sutiles arreglos nos muestran pequeñas viñetas de la vida cotidiana con los habituales sueños y desilusiones que posee la misma.

El Lp abre con “David Watts”, tema que luego versionarían los The Jam, el cual retrata el deseo de un personaje de ser otro al cual todo le salía de maravillas, era el mejor en lo que hacía, tenía a todas la chicas atrás de él y varios etc más. El ritmo frenético del tema anterior baja con “Death of a Clown” tema compuesto por Ray Davies y su hermano Dave Davies, el cual empezaba a tomarle el gustito a la composición. Con un ritmo entre trágico y vodevilesco traza esa ironía de la alegría que personifica la figura del payaso con la tristeza que también puede guardar en su interior al saber de que el Circo que fue su vida ya no existe más.

/ “Mi maquillaje se ha secado y se resquebraja en mi mejilla / Ahogo mis penas en whisky ginebra / El látigo del domador de leones no se agita ya más / los leones no lucharán y los tigres no rugirán” / 

/ “Así que bebamos por la muerte del payaso / Me ayudará alguien a disolver esta multitud / Bebamos todos por la muerte del payaso” / 

/ “La vieja pitonisa yace muerta en el suelo / Ya nadie necesita que le adivinen el futuro / El amaestrador de insectos está postrado de rodillas / Buscando en vano pulgas fugadas” /

Más adelante Ray Davies retrata en “Two Sisters” la historia de dos hermanas de personalidades bien marcadas y diferentes -una bohemia y liberal, la otra ama de casa y tradicionalista-, mostrando el deseo de una de tener la vida de la otra.

/ “Sylvilla se miraba en el espejo / Percilla miraba en la lavadora / y en las duras tareas que comporta el matrimonio / Estaba muy celosa de su hermana / y de su libertad, y de sus jóvenes amigos” / 

/ “Sylvilla miraba en el armario / Percilla miraba a la sartén / y a los huevos con tocino / y al desayuno preparado / Estaba muy celosa de su hermana / y de su modo de vida / y de su lujoso apartamento / Estaba muy celosa de su hermana” /

/ “Lanzó lejos los platos sucios para ser libre de nuevo / sus revistas semanales solo para ser libre de nuevo / y llevó a los niños a la guardería para ser libre de nuevo / Percilla vió a sus pequeños y decidió / entonces que estaba mucho mejor / que la chica inconformista y rebelde que su hermana había sido / No más celos de su hermana” /

“No Return” en ritmo de Bossa nos da una muestra del espíritu inquieto de Ray Davies ya que incluyó en un disco de habla inglesa sonidos salidos del Brasil. “Harry Rag” nuevamente revisita el ritmo vodevilesco y de taberna en una canción que nos tendrá cantando a los gritos su estribillo. “Tin Soldier Man”, es otro de esos clásicos de su discografía y esto se basa además de tener una letra irónica la cual retrata de forma pintoresca a una típica familia castrense de clase media con todos sus problemas cotidianos, un muy buen arreglo musical sostenido por una sección de vientos y unos arreglos vocales excelentes.

“Situation Vacant” en los tres minutos que dura la canción retrata de manera tragicómica una historia familiar en la que una suegra bastante arpía destruye el feliz matrimonio de su hija y nuestro antihéroe en cuestión. 

/ “Suzy y Johnny eran felices / ganaban lo suficiente para pagar la renta / pero la suegra de Johnny tenía demasiada ambición / y esto molestaba mucho a Johnny” / 

/ “Así que para mantener a su pequeña madre satisfecha / fue y compro el clasificado semanal / todo por la paz y el bien de la tranquilidad / Johnny renunció a su posición / solo para complacer a su suegra” / 

/ “Así que dejó el trabajo en el que había estado toda su vida / renunció y le dio la espalda al subsidio de desempleo / Ahora el está buscando ofertas de trabajo” / 

El próximo tema es “Love Me Till The Sun Shines”, canción que al igual que “Funny Face” es de la autoría del menor de los Davies, Dave, el cual empezaba a mostrarse dentro de la banda no sólo como guitarrista. Comentario aparte, las peleas entre hermanos dentro de un mismo grupo no comenzaron con los Gallagher, los Davies ya empezaron a hacer escuela en esto desde mucho antes, pero eso ya es otra historia. La época en que se editó el Lp era plena efervescencia de la Psicodelia y más allá de que los Kinks siempre dirigieron su propia nave a pesar del paso de épocas, modas y demás etc, siempre miraron de reojo lo que sucedía a su alrededor y para muestra basta un botón con el tema dedicado al Sol en “Lazy Old Sun”. 

Toda la idiosincrasia, cultura y tradición británica queda plasmada en el brillante tema Pop “Afternoon Tea”. Que más british que el famoso té de la tarde y esto no podía ser mejor llevado a cabo que con el ingenio de Davies para representar esa típica viñeta inglesa. Otra gema Pop con aires campestres es “End of The Season”, una balada con cierto tinte nostálgico y romántico cuya letra está dedicada a esos amores perdidos de estación. 

El final del álbum está reservado para una de las canciones más reconocidas de toda su discografía como es “Waterloo Sunset”. Otra perfecta canción Pop por donde se la mire, las melodías de sus guitarras, las armonías vocales y por supuesto su letra. La cual retrata a un Londres que está atardeciendo y que a pesar de ser un día más para cualquiera, con sus horas picos y las prisas de las personas para llegar a destino, dos enamorados se encuentran para verse, deteniendo el tiempo y todo lo que ocurre a su alrededor convirtiéndolo en su pequeño paraíso. “Waterloo Sunset” es hoy vista a la distancia como una de las mejores canciones del Pop Británico de los ´60 y fue versionado infinidad de veces por los más variados artistas. 

Más allá de que hoy “Something Else” sea considerado como un indiscutible no sólo dentro de la discografía de los Kinks sino también dentro de la historia del Rock, en su momento no la pasó tan bien y quedó a la sombra de otros trabajos ya que la crítica musical estaba más enamorada de otros sonidos más en boga. Sin embargo, el paso del tiempo muchas veces se encarga de poner las cosas en el lugar que se merecen y esto queda en evidencia en que ya hace algunos años atrás, los Kinks empezaron a tener una mayor relevancia, la cual los acerca, de a poco, al público más masivo.

Película: "Alta Fidelidad". Escenario: Tienda de Discos. Diálogo: “Ahora mismo voy a vender cinco copias de The Beta Band, observa”. Esto anterior fue lo que dice el antihéroe que personifica John Cusack en la citada película a su presente amigo. A continuación casi de forma automática y como si sus mentes estuvieran dominadas los allí presentes comienzan a cabecear al ritmo de la canción y a preguntarle que es lo que está sonando. Seguido a esto sucede lo ya conocido y habitual, vende cinco discos, fin de la escena. La recreación de dicha película no es dato menor ni aislado sino que deja bien en claro que muchas veces nos movemos por lo que puede estar ocurriendo en ese momento y si eso es algo fuera de lo común, raro o como quieran llamarlo, aún mejor. Cuando salió The Beta Band fue una propuesta vanguardista que en su momento no terminó de ser bien digerida la cual nunca los volvió masivos, cuyos factores pueden ser muchos y no los vamos a mencionar ahora, pero fueron durante un tiempo la nueva sensación musical. Sin embargo, cuantas veces caemos rendidos ante lo novedoso, si se puede llamar así, o lo que parece vanguardista que nos hace saltar sin red al vacío poniendo nuestra fe y confianza en grupos que luego se diluyen en la nada. Sabemos que el Hype siempre existió y seguirá existiendo pero es algo inevitable, un mal necesario que sin el no podemos vivir, porque es el disparador de discusiones, objeciones, encantos, etc. 

En este caso, todo lo dicho anteriormente cae como anillo al dedo con la novel banda Django Django, la cual tiene como link directo a The Beta Band ya que su baterista y líder David McLean, es el hermano menor de de John McLean tecladista de dicha agrupación. Por supuesto y como ocurre en la mayoría de los casos, el hermano menor es influenciado por el mayor y aprende de este último todo lo que vio e asimilo durante su formación como individuo. La comparación con The Beta Band es inevitable -aunque haya diferencias- y hasta el momento siguen sus pasos, ya que en algunos medios musicales son vistos como la nueva sensación, por supuesto el final de la historia nos lo irán contando ellos mismos.  

El primer Lp de esta banda oriunda de Escocia es de esos discos de ahora, los cuales no entran en ningún estilo en particular, y causan más de un dolor de cabeza para los críticos y oyentes que suelen rotular en tal o cual estilo a las agrupaciones. Esto se basa en que ya con más de 50 años de existencia el Rock suele reformarse, reformularse y mutarse en nuevos/viejos estilos, teniendo estos nuevos artistas una gran paleta de sonidos para poder trabajar. 

La música de Django Django, se presenta ya desde el comienzo, como excéntrica o extravagante y esto se debe a la mezcla de estilos de toda índole que hay en ellos, a saber Folk, Pop, Garage Rock, Kraut Rock, Dance, Psicodelia, Surf y hasta Árabe entre muchas más encolumnadas bajo un Rock bailable tan de moda por estos años. La portada con ese indescifrable logo/símbolo sobre unas dunas ya se nos presenta difícil de digerir y poco atrayente porque no también. Incluso con sólo ver la tapa uno no puede saber de que va la cosa, ya que no hay ninguna pista, ni el más mínimo detalle de la música que habrá en su interior.

Esa duda empieza a despejarse o quizás a enmarañarse aún más ya desde el primer tema, “Introduction”, que con sus sonidos futuristas, cantos de pájaros y luego una reminiscencia a los Soundtracks de películas de Westerns dejan en claro el  trip psicodélico al cual nos vamos a someter. “Hail Bop” con su gancho Electro-Pop es la carta de presentación la cual cambia de inmediato con el Garage Rock en plan electrónico en “Default”. “Firewater” sigue en esa línea 60´s aggiornada, y luego viene “Waveforms”, Electro-Pop con un mantra hipnótico por sus sonidos envolventes y exóticos. “Zumm Zumm” tiene un dejo de baile tribal africano, por supuesto siempre mezclado con la electrónica como es de esperar. Luego de temas como “Hand of Man” y “Love´s Dart” los cuales no agregan mucho más o quizás completan lo ya mostrado, aparece “Wor” el cual nos sitúa en un lisérgico Lejano Oeste pero arriba de una tabla de Surf. Otro tema interesante ya en una clave más pop con un nuevo guiño a los ´60 aparece “Storm” y “Life´s a Beach”. La música Árabe se hace presente con el instrumental “Skies Over Cairo” y cierra el álbum el Electro-Pop de “Silver Rays”.

Hasta el momento la banda ya editó tres simples, con sus respectivos videos que son “Default”, “Waveforms” y “Wor”, sin embargo el trabajo funciona más como un conjunto para ser escuchado -varias veces- y ser comprendido en su totalidad.  

Los Django Django -que nombrecito-, con su primer trabajo ya se metieron en el bolsillo a las revistas musicales que todos los meses crean el próximo Hype a seguir. Ahora les falta la tarea más dura, hacer lo mismo con el público. Sin embargo de lo que se puede estar seguro es que si habría una segunda parte del film “Alta Fidelidad”, los Django Django serían la nueva banda para que John Cusack atrape a sus presas-clientes ávidos de nuevos sonidos.

5 Discos de 2-Tone (Ska Inglés) que no hay que dejar de tener

Si hay una banda emblema que llevó en alto la bandera del 2-Tone y fue punta de lanza del Ska Inglés en cuanto a éxito esos son los Madness. El Lp debut de ellos mezcla ese sonido proveniente de Jamaica pero con un sello personal y una impronta inglesa bien marcada. La estética, no sólo de ellos, sino también la de sus videos deja en claro que lo suyo no sólo es la música sino también el humor tan típico inglés. Estos dos matices, el sonido de Ska mucho más festivo, con un uso y abuso pero en su justa medida de los saxos y piano junto a esos gags tan ingleses crearon una escena y un movimiento que tendría a los Madness en primera fila pero secundados por muchos grupos más con una propuesta similar. Incluso, y no es un dato para nada menor, estas bandas provenían de los suburbios londinenses, de clase obrera y trabajadora ganándose el apoyo de una juventud que estaba en las mismas condiciones que ellos y que deseaba volver a revalorizar ciertas tradiciones inglesas mostrándose orgulloso de su país. La estética de ellos junto a la de sus seguidores debía mucho de los Rude Boys de Jamaica, anteojos negros y sombreros entre varias cosas más pero empezaron a ponerle su sello propio usando tiradores, camisas Ben Sherman y borcegos, más emparentados con la clase obrera, de donde provenían ellos.

No está demás mencionar que la escena del 2-Tone se sostuvo también por esa mezcla de estilos musicales y culturales que había en los guettos londinenses, como el Punk, el Mod, el Rockabilly, el Skinhead Reggae, etc. “One Step Beyond” arranca con el tema homónimo al disco, un clásico de su repertorio que en realidad es un cover del jamaiquino Prince Buster. Luego siguen con “My Girl”, un tema que baja los decibeles del primero casi al tono de balada pero a lo Madness. El Ska vuelve a decir presente con la canción “Night Boat To Cairo”. Estos tres mencionados tuvieron su respectivo Videoclip y todos estuvieron ubicados dentro de los 10 primeros del Chart Británico. Algunos de los temas que completan el muy necesario Lp son, “Believe Me”, “Land of Hope and Glory”, “The Prince” -canción homenaje a Prince Buster-, el instrumental “Tarzan Nuts”, el clásico dentro de su repertorio “Bed and Breakfast Man” y “They Call It Madness”, otro clásico de Buster que incluso sirvió para bautizar a la banda. Madness luego editaría varios discos más en la misma línea pero quizás ninguno tan popular como este primer Lp, aunque vendrían varios simples más de éxito. Incluso, el legado que dejaron no sólo tuvo sus frutos en Inglaterra, sino en todo el mundo, y Argentina no fue la excepción. 

Si Madness le puso el cuerpo a la movida 2-Tone dándole un reconocimiento mundial, los The Specials fueron el alma de la movida. Esto último no es un calificativo elegido al azar sino que esto queda fundamentado en que ellos fueron el primer grupo en grabar bajo el sello 2-Tone, el cual debía su nombre a la forma de vestirse típica de esas bandas utilizando los tonos de blanco y negro, pero también derivaba su concepto en la integración racial del público y grupos. No nos olvidemos que para finales de los ´70 Inglaterra estaba recibiendo, mayormente en los suburbios londinenses, la llegada de Jamaiquinos que se escapaban de su país natal los cuales terminaron mezclándose entre la juventud británica. Estos Jamaiquinos, la gran mayoría Rude Boys, empezaron a frecuentar reductos encontrándose con otros grupos de jóvenes como los Mods y/o los primeros Punks. De ese caldo de cultivo se gestó el Ska Inglés y los The Specials fueron de los más tradicionalistas de la movida 2-Tone. La vestimenta de lucir trajes en dos tonos junto a otros accesorios era una mezcla de los Mods con los Rude Boys. Incluso la apertura racial y cultural que el Ska y el Skinhead Reggae -movimiento gestado en Inglaterra- tuvo en el público, también se hizo presente en los The Specials, siendo estos una de las primeras bandas multirraciales. Estos muchachos de Coventry lanzaron su primer Lp en 1979 el cual contó con varios clásicos de su repertorio como es el festivo “Monkey Man”, original de Toots and The Maytals, luego versionado por varios más incluida Amy Winehouse. Otra referencia básica es el “A Message To You Rudy” de Dandy Livingstone, un Rocksteady dedicado a los Rude Boys. Entre ellos se mezclaban canciones como “Doesn´t Make It Alright” o “Concrete Jungle” que reflejaban los momentos turbios por los que estaba atravesando Inglaterra, un desempleo masivo y la violencia urbana entre varios problemas más. Otros temas que integran la placa son “Too Much Too Young”, “Blank Expresion”, “Nite Klub” o “Too Hot” entre varios más. Para la grabación de este Lp los The Specials contaron con la colaboración de una figura importante del Ska Jamaiquino como es Rico Rodríguez en los instrumentos de viento y la mirada en la producción de un joven Elvis Costello que priorizaba ante todo la energía del grupo en el sonido del álbum. Luego The Specials editaría un también muy necesario segundo Lp, “More Specials”, pero luego se iría diluyendo la calidad en sus siguientes trabajos.

The Selecter - "Too Much Pressure" 1980

El tercer grupo que cerraría ese triángulo de grupos insignia del 2-Tone serían The Selecter. Casi como un hijo reconocido de The Specials nació esta agrupación y esto se debía a que estéticamente, en el uso de su indumentaria, las dos bandas eran muy similares  como así también en la convivencia multirracial de sus integrantes. Incluso, ese padrinazgo también queda de manifiesto en la grabación de su primer Lp, ya que The Selecter aprovechaba las horas nocturnas del estudio de grabación que dejaban libre The Specials para trabajar en su álbum. La mezcla multirracial que había en The Selecter no la tuvo ningún otro grupo de esta movida, ya que entre sus filas estaban además de ingleses, un anglo-nigeriano como era su cantante Pauline Black, un Ghanés y varios Jamaiquinos más. The Selecter salió al mercado editando un simple que contenía quizás sus dos más reconocidas canciones como son “On My Radio” y “Too Much Pressure” grabado por supuesto bajo el sello 2-Tone. No está demás mencionar que lo que comenzó siendo un nombre de un sello con el tiempo se terminó aceptando y adoptando para mencionar a todos los grupos que se encolumnaban dentro de la segunda oleada del Ska, en este caso en Inglaterra, diferenciándose de su original en Jamaica. 

Debido a la alta repercusión de su primer sencillo, The Selecter graba su primer Lp llamado “Too Much Pressure” el cual además de contener esta canción se encontraba “Three Minute Hero”, “Out on The Streets”, “Everyday”, “They Make Me Mad”, “Street Feeling” y varias más donde mezclaban el Ska Jamaiquino pero en su versión 2-Tone -más festiva que el Ska original- junto al Rocksteady de los ´60. Luego de este primer Lp la formación iría cambiando y grabarían algunos discos más, sin embargo ninguno estuvo a la altura de su primera entrega. Más allá de esto, The Selecter se encuentra como uno de los indispensables para comprender lo que significó la movida 2-Tone junto a otros grupos ya en una segunda línea, no por falta de calidad, sino porque no llegaron a grabar un Lp como The Bodysnatchers.

The English Beat - "I Just Can´t Stop It" 1980

Otro de los grupos que formó parte de esa oleada de Ska Inglés son los The Beat, conocidos también como The English Beat, ya que también existió un grupo llamado sólo The Beat -de Los Ángeles- y para no crear confusión en muchas ocasiones se menciona a este grupo de Ska con la anteposición de The English. Esta agrupación originaria de Birmingham, al igual que muchos grupos de esta movida también supo tener algún que otro integrante de etnia Jamaiquina. El sello 2-Tone fue el encargado de editar sus primeros simples como fue “Tears of a Clown” pero luego decidieron cortarse solos y editar su primer trabajo de manera independiente. Su primer Lp, “I Just Can´t Stop It”, es una mezcla de estilos que no sólo suenan a Ska, sino que se abren más al Pop, algo de Soul, Mod Revival, Punk y Reggae, sin embargo, pertenecieron a esa camada de grupos denominados 2-Tone. Los English Beat, serían de todas las bandas mencionadas, los menos puristas dentro de este movimiento pero fueron parte de esa escena. Incluso, este primer Lp de ellos, es muy similar en su sonido al “Reggatta de Blanc” (Reggae de Blancos) de The Police, el cual sirvió para crear una próxima pero pequeña escena llamada Reggae Blanco con UB40 y porque no, The English Beat a la cabeza. Dentro del disco se pueden encontrar temas “Rough Rider” compuesto por Eddie Grant en su etapa por The Equals, “Can’t Get Used To Losing You”, una canción más inclinada al Rocksteady, “Stand Down Margaret”, dedicado a la Dama de Hierro Margaret Thatcher, poniendo de manifiesto la postura política que profesaban ellos y muchos de los jóvenes de esa época los cuales se encontraban descontentos con la ideología de la Primer Ministro. Varios estilos musicales se conjugan en este trabajo como el Rocksteady en “Jackpot”, el Mod Revival en “Best Friend” o “Two Swords” temas que suenan a The Jam. Luego de este Lp The English Beat editaría dos álbumes más que continuarían en la misma línea del primero pero que fueron diluyéndose así como también el Ska Inglés empezó a ceder terreno ante los nuevos estilos musicales que vendrían. 

Bad Manners - "Ska N´ B" 1980

Los Bad Manners son y serán recordados por el alto protagonismo y la redonda figura de su líder y vocalista Douglas Trendle, más conocido como Buster Bloodvessel. Este declarado Skinhead junto a su grupo Bad Manners, forma parte de esa oleada de grupos llamada 2-Tone. Sin embargo, ellos tenían algunas diferencias con esas bandas de esa movida ya que su estética era la de la no estética, se subían al escenario como se vestían en cualquier día de sus vidas. El tono humorístico que siempre rondaba en el Ska Inglés tuvo con el gordo Bloodvessel a uno de sus máximos referentes. Todo esto apoyado por las expresiones de escapado de una clínica psiquiátrica y/o muecas que hacía con su cara, como sacar la lengua de forma constante en sus presentaciones. Por otra parte, este movimiento siempre tuvo un fuerte apoyo por parte de la juventud obrera-trabajadora, que veía a estas bandas como un espejo en el cual reflejarse, pero los héroes de su clase fueron y serán los Bad Manners. No está demás recordar que por esos años, fines de los ´70, principios de los ´80, la clase trabajadora de Inglaterra estaba recibiendo varios embates aumentando la tasa de desempleo y las diferencias sociales, las cuales se vieron reflejadas en varias letras no sólo del Punk sino de cualquier estilo contemporáneo como el Ska Inglés. La idiosincrasia Skin de Bloodvessel, de revalorizar tradiciones inglesas y de sentirse orgulloso de su país muchas veces fueron confundidas por algunos sectores con posturas políticas y/o pensamientos de Ultra Derecha. Incluso, como para aportarle más confusión a la cosa, su postura ideológica nunca terminó de quedar del todo clara. Dejemos de lado esto y enfoquémonos a lo estrictamente musical, ya que su primer Lp “Ska N´ B”, es una mezcla de estilos que van desde el Ska, el Rockabilly y el Skinhead Reggae. Temas como “Ne Ne, Na Na, Na Na, Nu, Nu”, “Special Brew”, “Inner London Violence”, el cover “Woolly Bully” o los auto referenciales “Fatty Fatty” y “Lip Up Fatty” que se reían de la gordura de Bloodvessel convierten a este álbum en un indispensable no sólo para entender lo que fue la movida 2-Tone, sino también para comprender un proceso social en Inglaterra. 

Si hay un director de cine que le fascina tanto el séptimo arte como la música de rock ese es sin lugar a dudas Martin Scorsese. Dentro de su gran repertorio de films tiene varias dedicadas a la música como por ejemplo “Shine a Light” -de los Rolling Stones-, “No Direction Home” -documental de Bob Dylan-, “Living in The Material World” -documental sobre George Harrison-, un encaminado proyecto sobre la biografía de Frank Sinatra y por último, aunque en realidad es el primero de todos los nombrados anteriormente, “The Last Waltz” dedicado al concierto de despedida del grupo canadiense The Band. Este concierto que fue filmado en 1976 es aún hoy considerado por varios críticos, entre ellos la revista Rolling Stone, como una de las mejores películas de Rock de todos los tiempos. No está demás mencionar que en el año del estreno de este celuloide, 1978, Scorsese venía de estar en la cresta de la ola con el film “Taxi Driver”, candidata al Oscar como Mejor Película en el ´76, mientras que la misma suerte correría con “Toro Salvaje” en el ´80, dejando en claro el momento prolífico por el que estaba atravesando. 

Volviendo a “The Last Waltz”, cuya traducción sería El Ultimo Vals, Scorsese retrata el concierto-despedida de The Band el 23 de Noviembre de 1976 en el salón de baile Bill Graham de Winterland en San Francisco. Sin embargo, este film no se reduce sólo a mostrar a la banda tocando sino que también tiene fragmentos de entrevistas a sus integrantes convirtiéndolo en una especie de documental. De todas maneras, el gran valor o status de culto que ubica a este DVD como uno de los mejores de la historia en su género son los invitados de lujo que tiene. La lista es larga, Bob Dylan -quien tuvo a The Band como banda de apoyo en su vuelco hacia el Rock eléctrico-, Eric Clapton, Neil Young -algunos de The Band colaboraron en sus discos-, Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Diamond, Emmylou Harris, Muddy Waters, The Staples, Ringo Starr, Ron Wood, Dr. John, Paul Butterfield y su primer padrino en la industria musical, Ronnie Hawkins, ya que ellos comenzaron siendo The Hawks la banda soporte de sus shows.  

No está demás realizar una breve descripción de la historia de The Band. La cara visible siempre fue la del guitarrista Robbie Robertson, sin embargo sus otros integrantes fueron indispensables para lograr ese sonido personal como es el caso de Richard Manuel, Rick Danko y Levon Helm, estos tres alternaban las voces principales en varios temas pero además eran multiinstrumentistas pudiendo rotar sus posiciones en beneficio de cada canción. Además de estos cuatro había un quinto integrante como es Garth Hudson, el mayor de ellos, el cual era visto dentro de la banda como un faro a seguir por sus conocimientos musicales, aunque no tuviera el carisma de sus otros integrantes sobre el escenario. The Band antes de modificar su nombre por este último, comenzó su carrera siendo participe en las giras de Ronnie Hawkins para luego continuar como banda soporte de Dylan a mediados de los ´60. The Band no la tuvo nada fácil porque tuvo que soportar los años más radicales  y violentos del público de Dylan que no veía con buenos ojos la “traición” de ser un cantautor Folk hacia el Rock eléctrico. Incluso también lo acompañaron en su etapa de “desaparición” de los medios masivos cuando tuvo su accidente en motocicleta el cual lo recluyo durante cierto tiempo y del cual hay varias grabaciones como el “The Basement Tapes”, pero eso ya es otra historia. 

Los The Band intentarían cortar ese cordón lanzando su primer Lp “Music From The Big Pink”, un álbum dedicado a las raíces de la música tradicional Americana en épocas de ácidos lisérgicos, resacas de Flower Power y caleidoscopios de colores que provenían de la Costa Oeste. Luego de este Lp lo seguiría un álbum de nombre homónimo a la agrupación -de muy buena calidad- pero después quizás se estancarían un poco en los siguientes trabajos. 

Volviendo a este “The Last Waltz” la lista de temas son los siguientes: “Up on Cripple Creek”, “The Shape I´m In”, “Who Do You Love” con Ronnie Hawkins, “It Makes No Difference”, “Such a Night” con Dr. John, “Helpless” con Neil Young, “Stagefright”, “The Weight” con The Staples, “The Night They Drove Old Dixie Down”, “Dry Your Eyes” con Neil Diamond, “Coyote” con Joni Mitchell, “Mystery Train” con Paul Butterfield, “Mannish Boy” con Muddy Waters, “Further on up The Road” con Eric Clapton, “Evangeline” con Emmylou Harris, “Ophelia”, “Caravan” con Van Morrison, “Forever Young” y “Baby Let me Follow You Down” con Bob Dylan y por último “I Shall Be Released” con todos los invitados anteriores más Ron Wood y Ringo Starr. 

Poder reunir a semejantes “bestias” del Rock de seguro no fue una tarea nada fácil. Más allá de que por esa época no había tanta tiranía por parte de las compañías discográficas de ceder a su estrella para que cante en otro disco y los egos de ellos quizás estuvieran un poco más aplacados que al día de la fecha, hay varias aristas dentro de esta filmación. Al parecer, Dylan en el momento de la grabación de este recital, se encontraba haciendo lo mismo filmando una película, la cual puso en vilo su participación en este concierto hasta último momento. Dylan según parece temía que el film de Scorsese pudiera opacar su película, sin embargo el peso de la historia junto a su “viejo” grupo pudo más. La forma y/o manera de filmación de Scorsese para este film fue hecha con varias cámaras, las cuales enriquecen el documento y sirven para ahondar en todos los detalles, ya sea en el duelo de guitarras entre Clapton y Robertson, las miradas de este último con Bob Dylan, la Jam a contraluz que tienen en el tema junto a Emmylou Harris, el magnetismo que genera Muddy Waters o la impronta y energía de Van Morrison entre varias cosas más.

Sin dudas “The Last Waltz”, tal cual como dice en su comienzo, “este film debe ser reproducido en alto volumen”, se trata además de un gran registro musical, un perfecto documento para poder apreciar a algunos grandes del Rock en su momento más álgido de sus carreras. No por nada debajo de su título, como epígrafe, se encuentra la frase “la mejor de todas las películas de rock”.

"It Makes no Difference" 

"Ophelia"

"Caravan" con Van Morrison

"I Shall Be Released" The Band with Friends

Neil Young: "On The Beach" (1974)

La gran mayoría de los grupos y/o solistas que tuvieron o tienen varias décadas de actividad en su haber están más propensos a poseer dentro de su discografía un álbum “maldito”. Esto último puede leerse de varias formas, desde un disco oscuro dentro de su historia, un Lp que por diversos motivos fuera o es ignorado por parte de la crítica o el público, como así también que su concepción este encumbrada por letras depresivas y/o deprimentes que tengan que ver con el momento personal del artista en cuestión, y la lista de explicaciones al concepto de disco “maldito” sigue.

Incluso, en algunas ocasiones, pueden encontrarse todas estas como es el caso del disco “On The Beach” de Neil Young. La discografía de Young es muy extensa y debido a esto a tenido grandes momentos -los ´60 y ´70-, algunos traspiés -década del ´80-, un resurgimiento -los ´90- y dentro de su vasta historia hubo un período personal que fue bastante oscuro cosechando más de algún que otro disco “maldito”. Veamos, el Lp en vivo “Times Fade Away” desde su edición en 1973 hasta ahora se encuentra descatalogado y nunca fue editado en CD. La misma suerte estaba corriendo este “On The Beach” -el cual lo sigue en cronología histórica-, ya que nunca fue bien visto por el propio Young porque revisitaba un período por el que no quería recordar. El vinilo había dejado de fabricarse y sólo subsistió en formato cassette hasta que en el año 2003 recién volvió a las tiendas de discos en CD.

Esta curiosa historia sobre su edición ya convierten a “On The Beach” en un disco “maldito” por excelencia, sin embargo esto no acaba acá ya que existen más motivos para seguir edificando y construyendo ese misterio en torno a este álbum. En el momento de su edición, 1974, Young pasaba por un período depresivo ya que había perdido, a causa de las drogas, a su gran amigo y guitarrista Danny Whitten, integrante de los Crazy Horse, la banda de acompañamiento durante sus giras. Por tal motivo, el aire que se respira en el álbum es de decepción, depresión y reproche.

Incluso, ya desde la tapa del Lp, la cual en una primera ojeada puede parecer pintoresca, naif o porque no alegre, en realidad tiene un concepto que dista mucho de la diversión. En la misma se puede ver a Young parado mirando hacia el mar y de espaldas a una mesa con sombrilla y dos reposeras. Esto es un claro mensaje hacia el libertinaje de la Costa Oeste dándole la espalda a la fama y al reconocimiento -su disco anterior “Harvest” lo llevó a esto- rechazando e ironizando a todo aquel que se hubiera convertido en algo superficial. El Cadillac sepultado bajo la arena es una clara alusión irónica a la imagen de jolgorio eterno que se tiene de este automóvil dentro de una pileta representando el despilfarro y el “reviente” cuando se alcanza cierto nivel de fama.

En el momento de su edición, el disco no tuvo una buena aceptación por parte del público como así también por parte de la crítica especializada -todos esperaban un “Harvest 2”-, sin embargo el tiempo se encargó de ubicar a este Lp como uno de los mejores dentro de su discografía. De todas maneras, el rótulo de disco “maldito” nadie se lo puede robar. De forma segura se puede indicar que este es uno de los trabajos -junto con “Tonight´s The Night”- de los más oscuros de su discografía donde las letras son un fiel reflejo por lo que su alma estaba pasando por esos días. Estos dos álbumes fueron grabados casi de una forma un poco cruda y alternó sesiones irregulares donde Young utilizó varios músicos de sesión y algunos invitados, variando sus instrumentos a los cuales les daba unos arreglos poco pulidos. Parte de esta “desprolijidad” se debió a que por esos días el consumo de estupefacientes por parte de él fue en aumento debido a su depresión.

El Lp abre con “Walk On”, el cual -como toda la cara A del álbum- tiene un ritmo alegre que contrasta con la ironía de su letra. Se ríe de si mismo y casi con una mirada cínica expresa su deseo de seguir viviendo y peleándola día a día. “See The Sky About To Rain”, se presenta como una balada en tono Country con Young sentado en el piano refiriéndose a esas cosas simples de la vida como es quedarse sentado a ver el cielo a punto de llover apreciando la belleza que lo rodea. En esta canción ejecuta la batería el integrante de The Band, Levon Helm, mientras que en el siguiente tema, Rick Danko, también miembro de ese grupo, lo hace en el bajo. Ese tema es “Revolution Blues”, el cual está inspirado en el asesino Charles Manson contando también con la colaboración en guitarra rítmica de un viejo compañero de ruta como es David Crosby. La letra de esta canción significó más de un dolor de cabeza para Young ya que detrás de esos tajantes acordes se esconde una letra llena de ira, rabia y furia que tiene como objetivo a los falsos Hippies “ricachones de fin de semana” que veían esto sólo como un movimiento de tendencia más que una filosofía de vida. “For The Turnstiles” es una mezcla entre el Country con el Folk el cual tiene a Young tocando el banjo.

El Blues se hace presente con “Vampire Blues” dedicado de forma explícita a la industria del petróleo. Estamos llegando al final del disco y quizás a sus mejores canciones o por lo menos las más sentimentales y/o desgarradoras. Ese trío final comienza con el tema que da título al álbum el cual en forma de canción es su declaración acerca de la soledad que produce la fama. En este tema, otro viejo conocido se hace presente como es Graham Nash en este caso en el piano. Por su parte, “Motion Pictures”, al igual que la mayoría de sus canciones de este álbum tiene un objetivo, y en este caso es la relación amorosa con la que acababa de terminar. El Lp lo cierra “Ambulance Blues”, otra sentida canción donde la voz dulce pero a la vez tan personal y sufrida que tiene Young le dan cuerpo y espíritu al tema.

Más allá de haber estado descatalogado durante tanto tiempo, como así también tener en su prosa una de las letras más depresivas de su discografía y haber sido basureado en el momento de su edición, “On The Beach” se encuentra como uno de los preferidos por parte de los seguidores más acérrimos de Young. Parte de ese halo de misterio y mística que lo ubicaron como un disco “maldito” lo envuelve toda la historia que se encuentra detrás de él volviéndolo quizás más atractivo e interesante, porque lo fácil y sin esfuerzo no tiene gracia, ¿no?.