Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Muse: “The 2nd Law”- Warner

Si hay una banda que por estos años es amada -e inflada- como odiada -y vilipendiada- hasta el extremo en ambos casos, esos son los Muse. Un grupo que en cada disco tiene que salir a demostrar lo grande que puede ser su sonido -muchas veces ya exagerado- pero que también tiene que explicar una y otra vez lo que pretende ser y que nunca termina de explotar. Los Muse son una banda difícil de encasillar ya desde su estilo musical, el cual muchas veces apunta a ser de obra maestra sólo entendida y comprendida a futuro pero que la cual hoy por hoy a veces peca de ser grandilocuente. Luego de un Lp interesante y muy jugado a la vez como fue “The Resistance” sacan este “The 2nd Law” el cual tiene aires de obra maestra pero que no termina de creérsela pero viéndolo desde otra perspectiva quizás se la crea y mucho. Por momentos quieren y pueden sonar a los Queen de “Innuendo” en “Explorers” o a los U2 de “Zooropa” en “Big Freeze”, a los Radiohead de “Ok Computer” en “Animals”, o al Bowie de “Hours” en “Panic Station” pero en cambio en otras oportunidades se quedan ahí en lo que pueden o podrían llegar a ser a futuro pero que hoy por hoy son un híbrido de todo eso. Ah… sí también esta “Survival” el teatral tema de los Juegos Olímpicos. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Tim Burgess: “Oh No I Love You” -  O Genesis 

Vuelve al disco, en este caso su segundo álbum en solitario, uno de los mejores sobrevivientes de la música inglesa que supo ganarle a las tendencias como es Tim Burgess. Luego de ser uno de los referentes principales al mando de The Charlatans en la movida Madchesteriana y de colarse en la oleada del Brit Pop, Burgess demostró la cintura de un campeón al estar siempre en vigencia aunque  nunca se lleve los laureles. Para este “Oh No I Love You” se tomó su tiempo y esto queda en evidencia por el tiempo que transcurrió entre su primer placa del 2003 y este segundo álbum. El que esté esperando el típico sonido de los Charlatans y la voz nasal de Burgess va a salir defraudado ya que nos encontramos ante un disco despojado de todo el background con el cual se hizo famoso. “Oh No I Love You” es un Lp con retazos Folk, sin ser ortodoxo en este estilo, parte de este sonido se lo debe a la colaboración que tuvo de parte de Lambchop y en la producción de Mark Nevers, viejo conocido del primer mencionado. Sin embargo, encasillarlo en el Folk no sería justo porque el tema “White” -corte del álbum- no lo es para nada, pero convive con canciones como “Hours” la cual tiene un trabajo de cuerdas excelente, la pastoral “Anytime Minutes” y varias más que dejan en claro que este Lp es una aventura musical para Burgess donde puede sacarse el traje de cantante de los Charlatans y hacer lo que se le de la gana sin ataduras. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Jon Spencer Blues Explosion: “Meat + Bone” -  Mom and Pop Music

Después de 8 largos años, los cuales nos hicieron creer que era un adiós definitivo, vuelve Jon Spencer con su Blues Explosion a editar un nuevo álbum. Dispuesto a ganar el terreno que cedió a los White Stripes y a los ahora en boga The Black Keys, vuelve el padre de todos estos con un disco que retoma las riendas de sus trabajos más garageros. “Meat + Bone” es meta palo y a la bolsa, Spencer no se anda con chiquitas y quiere dejar en claro quien es el padre de la criatura de ese Punk-Blues. Spencer vuelve con todos esos detalles que lo hicieron famoso, el riff sucio y cortante, los aullidos de lobo y el Punk Blues más primal. De todas maneras se cuela en el Lp el Funk bien groovero y sucio de “Get Your Pants Off” compitiendo con el clásico sonido de ellos en temas como “Bag of Bones”, “Boot Cut”, “Strange Baby” o “Danger” por citar solo algunos. Si estabas por colgar la campera de cuero y afeitarte las patillas todavía no lo hagas ya que la Explosión de Blues esta de vuelta. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Sly & The Family Stone: "Stand!" (1969)

Ver en estos últimos años bandas de rock de diferentes razas étnicas fusionando sus propias culturas o porque no también ajenas, mezclándose entre sí no ruboriza ni causa ningún tipo de desaprobación. Sí quizás más que nada puede despertar cierta curiosidad ya que este tipo de crossover de culturas goza de buena salud entre los esnobistas de siempre. Sin ir más lejos la Música Balcánica y el Afro Beat son algunos de los estilos que están algo en boga dentro de un mercado consumista y adicto a las tendencias y a lo cool. Estilos que siempre se mantuvieron flotando en su propia atmósfera pero que hoy la industria vuelve a recurrir en algunos casos para “lavarle la cara” al rock. 

Sin embargo, no sólo la fusión de culturas tiene que ver con los estilos musicales sino también con el color de piel. Sabemos el alto grado de persecución que existió y que en cierta medida aún existe en la historia de la humanidad ante las diferencias étnicas y/o de color. Las discriminaciones raciales estuvieron y aún están dentro de cualquier sociedad. La Afroamericana, por citar solo una, siempre fue perseguida por el blanco, hasta que de a poco fue ganando espacio saliendo de ese guetto que los mismos blancos terminaban fortaleciendo al relegarlos y separarlos de la sociedad que ellos creían era la correcta. 

Una década bisagra para esa raza fue la de los ´60 ya que a nivel social, político y cultural supieron dejar en claro sus derechos y esa voz que tantas veces fue callada pudo expresarse. Menudo caldo de cultivo se estaba gestando en esa década para la sociedad Afro ya que tenía una figura política bien marcada a quien seguir para representar sus derechos como fue Martin Luther King el cual además de abogar por la raza de color también profesaba la no violencia. La figura política y social no sólo se cerraba en él sino que también Malcolm X luchaba por la misma gente pero con otros ideales algo  diferentes a los de King. Además, por si todo esto fuera poco, por esos años creció y se fortaleció un movimiento que los identificaba pero el cual tenía su lado positivo-negativo como eran los Panteras Negras. Sin embargo, el cambio social no sólo era por el lado político sino que encumbraba otras fuentes de expresión como el cine y la música entre varios más. 

Dentro de lo musical, los artistas de color siempre fueron consumidos por su propia gente y también por esos jóvenes Baby Boomers que no tenían el prejuicio que si poseían sus padres. De todas maneras, ver sobre un mismo escenario artistas blancos y negros no era de moneda común y si sucedía no eran bien vistos por ambos sectores de la sociedad. Precisar que grupo de rock fue el primero en subirse a un escenario con una formación de diferentes razas puede ser una tarea quijotesca pero hasta casi superflua. Sin embargo, sí se puede asegurar que a mediados de los ´60 hubo un grupo como fueron los Sly and The Family Stone que fueron una bisagra por su contenido social y cultural en las letras y también por mezclar músicos negros con blancos en una misma banda, una tarea bastante valiente pero integrativa por partes iguales.

El cerebro de la agrupación era el Afroamericano Sly Stone el cual junto con su colectivo humano de músicos se fue abriendo paso dentro de la escena hippie Californiana de esos años a base de Funk, Psicodelia y Rock. Antes de llegar al disco “Stand!”, álbum que para muchos fue su cénit musical -dentro de mi gusto personal también incluiría el siguiente “There's a Riot Goin' On”- los Family Stone habían editado tres Lp´s que poseían temas destacables pero no lograban aún pegar el gran salto. A partir de “Stand!” la historia de Sly Stone cambio para bien pero también para mal, ya que comenzó un constante coqueteo con las drogas duras torciendo su música hacia una impronta cada vez más combativa en sus letras. Claro, la escena social por la que atravesaba EE.UU tampoco era la mejor, la Guerra de Vietnam estaba en 1969 pasando por su capítulo más virulento. Una violencia que no sólo era vivida en el lejano país Asiático sino que también dentro de la misma sociedad, el asesinato de Luther King, la radicalización cada vez más extrema de los Panteras Negras y varias cosas más golpearon por debajo del cinturón a los Americanos, pero eso ya es otro tema.

El éxito de “Stand!” junto con todo lo que estaba sucediendo en la sociedad americana atentó en cierta forma dentro del seno del grupo ya que los prejuicios raciales comenzaron a hacerse cada vez más viscerales, un ejemplo de esto es que los Panteras Negras presionaron a Sly Stone para que las letras del grupo fueran aún más combativas por los derechos Afroamericanos y que además despidiera a todos los miembros blancos que había en la agrupación. Esa sensación de aire denso que se vivía en la agrupación queda en evidencia en el excelente disco “There's a Riot Goin' On”, el cual ya instrumentalmente es más pesado tanto en letras como en música. 

Volviendo a “Stand!” ya desde el tema homónimo al disco que lo abre deja en claro posiciones y posturas, el estribillo clamaba por ponerte de pie por las cosas que creías que eran las correctas. La letra era un llamado a la unión sin distinción de razas y a la destrucción de los prejuicios raciales. El Lp sigue con el excelente “Don´t Call Me Nigger, Whitey”, el cual ahora sí ya desde el título deja en claro la impronta y el mensaje de Sly Stone. “No me llames Negrito, Blanquito” sería la traducción al castellano, aunque luego en la canción el mensaje se invierte marcando la posición imparcial de Stone, defendiendo a las dos razas por igual. No está demás mencionar que el termino Nigger en EE.UU es muy discriminatorio, la definición no es sólo la de Negro por el color, sino que encierra una ofensa aún mayor. El ritmo Funk y machacante no da respiro con “I Want To Take You Higher”, una canción con claras connotaciones a las drogas y al estar puesto, la cual se convirtió en un himno dentro del Festival de Woodstock.

“Somebody´s Watching You” es un bálsamo de tranquilidad luego de tanto desenfreno, un tema instrumentalmente muy bueno con unos arreglos en los bronces excelente. Una canción de ritmo más pausado en comparación con las anteriores pero bailable por igual. “Sing a Simple Song” en cuanto a letra podría estar dentro de sus primeros trabajos pero la calidad instrumental es muy buena y deja en claro cuanta influencia fueron los Family Stone para muchos grupos venideros, no sólo del Soul y el Funk sino también más inclinados al Rock como los Red Hot Chili Peppers o los Jane´s Addiction. Por su parte, “Everyday People” retoma el mensaje social y anti racista, mientras que “Sex Machine” -nada que ver con el tema del “Godfather” James Brown-, es un anticipo de la instrumentación más en clave jam que tendría la agrupación en su posterior trabajo. A lo largo de los 13 minutos que dura el tema, el Funk con el que comienza va cediendo terreno a un Rock más crudo y rudo. El Lp finaliza con “You Can Make It If You Try”, una canción con mensaje positivo que cierra el círculo con el que comenzó el álbum en “Stand!”, indicando que podes conseguir todo lo que te propongas si lo intentas.

“Stand!” estuvo más de 100 semanas en la lista de la Billboard, pero no sólo en estos fríos números hay que fijarse sino en que también fue uno de los primeros discos de Soul/Funk que abrió la conciencia socio-política, como así también fue fuente de inspiración para grupos venideros no sólo de negros sino también de blancos. De todas maneras, uno de los máximos logros es el de haber sido uno de los primeros grupos multirraciales y de ambos sexos dentro del Rock, un detalle para nada menor. 

The Killers: “Battle Born” - Island 

Uno de los regresos más esperados como era el cuarto álbum de los Killers deja en claro que los muchachos de Las Vegas ya no van en piloto automático como en su tercer Lp “Day and Age”, sino que más bien ahora en “Battle Born” ya directamente se bajaron del vehículo y lo dejaron al grupo andando solo. La espera venía siendo amenizada por un muy buen simple de adelanto como es “Runaways”, un tema interesante que quiere volver a revivir los días exitosos de la agrupación de los primeros dos álbumes -plagados de hits inmediatos- pero que está a media marcha en comparación con estos. Sacando esta canción, el disco no trae nada nuevo y está más cerca de ser una continuación de la carrera solista de Brandon Flowers que de los Killers. Sin embargo, ¿no le estaremos pidiendo demasiado a los Killers? Ya la cuota de hits nos la dieron y digamos la verdad, el que esté esperando un disco conceptual o jugado por parte de ellos puede esperar sentado largo rato porque se equivocaron de banda si aguardan eso. Los Killers se auto-repiten una y otra vez, ojo a algunos quizás les gusta eso, pero para ser sinceros cada vez están más cerca de ser The Friendlys que The Killers. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Grizzly Bear: “Shields” - Warp Records

Luego de un muy buen tercer trabajo como fue “Veckatimest”, el cual les trajo mucho reconocimiento por parte de la prensa especializada no hizo más que aumentar el grado de expectativa para ver con que se despachaban los Grizzly Bear. La espera finalizó con la edición de “Shields”. Un Lp interesante que de seguro se va a encontrar dentro de lo más destacable de este 2012 pero que quizás en un primer momento no sea de una fácil escucha. Esto se debe a que los oriundos de Brooklyn pareciera que siempre están en una búsqueda constante y en la reiteración de las escuchas de cada canción se pueden encontrar detalles que en un primer momento no se tuvieron en cuenta. Todo lo demostrado en “Veckatimest” es en “Shields” donde lo llevan al extremo, es acá donde consolidan su virtuosismo y experimentalidad en busca de nuevos sonidos. “Shields” merece ser escuchado de forma lineal y no por canciones ya que perdería el concepto del álbum y no quedaría en evidencia el grado de complejidad en armonías e instrumentación que tiene. ¿Los Radiohead de esta década?. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Mumford & Sons: “Babel” - Glass Note

“Babel” es el más claro ejemplo de demostrar que si la “pegaste” con un primer álbum para que dejar de lado esa formula si en la reiteración se sacan resultados. Incluso le agregamos un par más de detalles vendibles y tenemos el negocio redondo. Con esto no es pegarle como a una bolsa de papas a “Babel” pero el reciente trabajo de los Mumford & Sons es muy regular y lo peor de todo, obvio. “Babel” es muy lineal pero en un sentido casi uniforme, todo suena igual, las canciones son todos muy similares. El grito en la voz de Marcus, la mandolina bien al frente que llega hasta casi exasperar, eso sí todo lo bueno que hicieron en el primer Lp acá lo vuelven a hacer, pero lo malo es que no hay diferencias entre lo bueno de un trabajo y otro porque casi son iguales. Este Lp pareciera ser el Volumen 2 de “Sigh No More” más que una nueva entrega, no hay nada novedoso, dejan en claro que están muy confortables con el espacio ya ganado, pero si no dan un volantazo urgente en un posible tercer disco más que alcanzar el cielo -por la Torre de Babel- van derechito a estrellarse contra el piso. Fecha de Lanzamiento: 24 de Septiembre.

Band of Horses: “Mirage Rock” - Columbia

“Mirage Rock” es el nombre del cuarto Lp de los oriundos de Seattle Band of Horses el cual los encuentra en muy buena forma. El que venga siguiendo la carrera del grupo va a percibir que en este álbum su sonido es diferente a todo lo anteriormente realizado por ellos. Dejan un poco de lado la pose rockera por un cancionero más emparentado con las baladas y un apego hacia la canción Americana. El cambio no les sienta para nada mal ya que nos regalan canciones con sentimiento como “Slow Cruel Hands of Time”, el toque Country en “Shut-In-Tourist”, el Folk a lá Crosby, Stills, Nash & Young de “Dumpster World” o la Americana bajón en “Heartbreak 101”. De todas maneras el rock de guitarras estridentes aún esta presente con la perfecta canción Pop de “A Little Bibical” o más anclado en el Rock con “Feud” o “Knock Knock” con la que abren el Lp. Para esta lavada de cara los Band of Horses contaron con la presencia del productor Glyn Johns -The Who, Dylan, Clapton-, con el que mutaron pero porque no decir que maduraron su sonido. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Dinosaur Jr: “I Bet on Sky” - Jagjaguwar 

Después de la grata vuelta de los influyentes para muchos -aunque nunca mencionados- Dinosaur Jr los cuales volvieron con todo con discos muy recomendables como “Farm” (2009) o “Beyond” (2007) los vuelve a encontrar este 2012 con un nuevo Lp bajo el brazo como es “I Bet on Sky”. Si vuelven los Dinosaur Jr también regresan las guitarras bien al frente, esos sonidos Noise Rock y varios items más conocidos a lo largo de su historia, sin embargo también hay momento para las baladas en mid-tempo en este nuevo álbum. De esa trilogía de últimos discos quizás “I Bet on Sky” este unos escalones por debajo, también para muchos habrán dejado a un lado ese rock más furioso y ¿ablandarse? un poco en su registro pero sin embargo nunca perdieron la esencia en el espíritu de la banda y esa seguridad de no tener concesiones con la industria musical durante todos estos años, algo que sólo pueden conservar muy pocas agrupaciones. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

The Lumineers: "The Lumineers" (2012)

Seamos sinceros, la crítica comienza desde lo visual, la primera impresión que se tiene de algo, luego pasamos a otro plano, dejamos de lado un poco lo superficial y empezamos a adentrarnos en su interior, en lo de adentro por decirlo de alguna manera. Esto que podría ser el ABC de las relaciones humanas también se ajusta de manera precisa a la escucha de música, siempre hablando por supuesto en su formato físico. Cuando un disco llega a nuestras manos lo primero que hacemos es apreciar la tapa y de ahí surgen un montón de disparadores que nos pueden llevar a mundos de fantasía, ambientes oscuros, bellos paisajes, arte contemporáneo, o simplemente fotografías de la agrupación por citar solo algunos ejemplos. 

Si ya conocemos el historial de la banda y su discografía quizás es más fácil seguir las huellas de su camino en el arte de tapa, sin embargo cuando se nos pone enfrente un grupo novel o viejo aunque desconocido para las masas pero que cuentan con esas pequeñas joyas que la historia se encarga de ocultar como un cofre del tesoro ahí es cuando nuestra cabeza e imaginación puede tomar vuelos inesperados. Una portada puede decir mucho en una primera impresión y después el disco dejar que desear, mientras que en otros casos la sensación que puede despertar una imagen es muy disímil a la música que la acompaña. Como así también puede llevarnos de la mano a adentrarnos en sus sonidos gracias a esas imágenes o fotografías que uno puede disfrutar apreciando los detalles mientras de fondo gira el disco. 

Una de esas contradicciones -no siempre disfuncionales o negativas- de arte de tapa-música son las que tiene el primer trabajo de la joven banda de Folk Rock The Lumineers. Bajo una portada quizás más cercana a un espíritu Dark o Post-Punk gracias a ese recuadro en negro el cual enmarca una fotografía antigua en blanco y negro ya nos da un indicio de por donde puede ir la cosa. Sin embargo, el misterio se termina a los pocos segundos de comenzado el disco ya que las primeras notas suenan a un Bluegrass -2.0 por supuesto- con yeites de Folk Rock los cuales echan por tierra esa previa impresión que se había tenido del arte de tapa. De todas maneras, esos sonidos empiezan a ayudar a definir el concepto de la portada ya que en la misma se aprecia a una niña y una mujer y de fondo una especie de granero de pueblo del interior el cual sirve de guiño cómplice al revalorizar o tratar de dejar en claro el fiel apego del grupo por el Bluegrass más tradicional, por lo menos en la imagen, claro.

El primer Lp de nombre homónimo al grupo llamado The Lumineers se editó a comienzos de Abril de 2012 y cosechó buenas críticas apenas lanzado gracias a ese primer caballito de batalla que tienen de nombre “Ho Hey”, que detrás de un título insignificante esconde una canción de desamor. 

“-Ho, hey!- -Ho, hey!-” / -Ho!- He estado intentando hacerlo bien, / Hey!- he estado viviendo una vida solitaria. / Ho!- he estado durmiendo aquí en lugar de en otro sitio, / Hey!-he estado durmiendo en mi cama, / Ho!- he estado durmiendo en mi cama -Hey!-”

“-Ho!- Para así mostrarle a mi familia, / Hey!- toda la sangre que sangraría. / Ho!- No sé a dónde pertenezco, / Hey!- no sé dónde me perdí (o equivoqué), / Ho!- pero puedo escribir una canción -Hey!-”

“Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor / Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor -Ho!-”

Apoyados por el respectivo videoclip la canción es de una transparencia instrumental y vocal que lo hacen adictivo sostenidos en una melodía de un Neo Folk Rock pero con muchas aristas al Folk más tradicional. Estos jóvenes de Denver, Colorado se suben a esa pequeña y tímida ola que volvió a formarse por estos años de grupos emparentados con el Folk Rock, ya sea tanto en EE.UU como en el Reino Unido, con los Mumford & Sons como los más en boga de este último.

De todas maneras los Lumineers no sólo quieren ser una canción pegadiza sino que quieren demostrar que están para más y eso ya lo dejan en claro desde la primer canción “Flowers in Your Hair”, cuyo nombre sería del encanto y la satisfacción total para cualquier espíritu hippie que se precie de serlo. En menos de 2 minutos que dura el tema la guitarra y voz de Wesley Schultz ya se nos presenta con todo el slang campestre al que luego se unen batería y respectivos coros como carta de presentación. “Classy Girls” por su parte tiene un interesante arreglo de violines mandolinas y aplausos para recrear una canción de espíritu alegre. En “Submarines” dejan de lado a las guitarras y mandolinas para que el piano tenga el protagonismo total. “Dead Sea” y “Slow it Down” son dos  canciones interesantes que integran la placa las cuales tiene un aire introspectivo y sentimental.  “Stubborn Love” y “Charlie Boy”, tiene en las voces una reverberación que le dan a ese estilo Folk Rock un toque casi más épico a las canciones. Por su parte “Big Parade” continúa con la línea de instrumentación del disco mientras que “Flapper Girl” tiene un aire más de vodevil. Cierra el álbum “Morning Son”, tema con un alto protagonismo en la voz desgarradora, sufrida y sentimental de Schultz que acompañado por una guitarra eléctrica dan el broche final a un disco que tranquilamente puede estar dentro de los mejores del año.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

XX: “Coexist” - Young Turks

Uno de los lanzamientos más esperados del año -sino el más- era el segundo Lp del grupo XX. Quizás la vigilia era más por parte de la prensa especializada que por el publico en general, pero de todas maneras las expectativas que se tenían con el siguiente trabajo de los XX eran muy altas luego de haber cosechado elogios por doquier con su álbum debut. La expectativa por momentos puede acrecentar y fortalecer una cosa o circunstancia mientras que en otras la misma puede ser tan alta que termina siendo contraproducente. No se la pusieron nada fácil a los XX, sin embargo lo que pudiera haber sido un desgaste natural que hiciera que pierdan la frescura de ese álbum debut en “Coexist” se encargan de demostrar que lejos están de haber tenido sólo quince minutos de gracia. El trío chico-chica-chico inglés continúa en la misma senda de ese Dream Pop que le dio tanto crédito pero quizás perfeccionan un poco más su sonido o mejor dicho lo pulen. Uno de los highlights del año. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Vuelve uno de los artistas más inquietos y indescifrables que con el paso del tiempo se va volviendo aún más. Regresa al disco el ex Talking Heads David Byrne pero en este caso en colaboración de la agradable St. Vincent. Hoy ya sabemos que si accedemos a un trabajo de Byrne nos vamos a encontrar con sorpresas varias y nada cercano a lo obvio. La dupla funciona bastante aceitada -ya habían trabajado juntos en el proyecto "Dark Was The Night"-, y cada uno tiene un protagonismo y una figura dentro de cada canción sin pisarse ni sobresalir por encima del otro. Por ejemplo, la voz dulce de St. Vincent se fusiona perfectamente con la experimentalidad de Byrne y sus ritmos bien marcados. Darse cuenta de quien es el autor en cada canción y quien hace las veces de colaborador es una tarea bastante fácil y sencilla de realizar. Temas como “Optimist”, “Lightning” y “Forest Awake” llevan la manufactura de St. Vincent mientras que “I Should Watch TV”, “The One Who Broke Your Heart” o “Dinner for Two” llevan el sello de Byrne. Lo que deja a las claras que se trata de un álbum en conjunto y en colaboración pero que cada uno se destaca por si mismo, un Lp simple pero con alma de “doble”. Lo más cercano -salvando las distancias, diferencias y relaciones personales- al “Double Fantasy” de Lennon-Ono. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Elbow: “Dead in the Boot” - Polydor 

Hace ya unos años los Elbow demostraron que se puede hacer buena música y triunfar sin ser fachero y vendible. Los premios que ganaron por sus dos últimos trabajos, “The Seldom Seen Kid” y “Build a Rocket Boys!” los avalan. En este caso los Manchesterianos de Elbow vuelven al ruedo al editar un nuevo/viejo material. Nuevo porque recopila en un solo disco todos los Lados B que fueron editando en simples a lo largo de toda su carrera y viejo porque son justamente grabaciones hechas años atrás. Siempre se mira con cierta zozobra los compilados de los artistas sin embargo si se trata de un compendio de canciones que no fueron editadas de forma masiva en su momento se celebra con alegría. “Dead in The Boot” -nombre del Lp- sirve también para recorrer junto a la agrupación el cambio y el paso de los años en ellos y la madurez compositiva que fueron logrando a pesar de que el orden de los tracks no es cronológico. Un disco realmente recomendable pero que fiel a toda la discografía de los Elbow, merece de cierto tiempo y adaptación para que termine entrando. Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto.

The Raveonettes: “The Observator” - Vice Records 

Vuelve el dúo Garagero/Surfer más famoso y mainstream de la ultima década. Apoyados durante toda su existencia en sonidos y estéticas bien marcadas en los ´60 pero con una producción 2.0 los daneses de The Raveonettes ahora editan su sexto álbum, “The Observator”. Sin embargo, ya desde la tapa se ve un cambio radical en ellos, una portada fría, desolada y con mucho espíritu dark nos empieza a dar la pauta que hay un cambio en su música. Esto queda en claro ya desde el comienzo del disco en el cual sigue estando la voz etérea de Rose Wagner pero de fondo ya no suena más ese pop sucio pero a la vez contagioso sino que dan paso a melodías más relajadas y ensoñadas. Definitivamente el sonido de los Raveonettes, más allá de conservar sus característicos yeites, con este último Lp da un vuelco definitivo con respecto a todos sus trabajos anteriores. Habrá que ver si sólo se trata de un disco de transición o si ya definitivamente el curso de su camino ha cambiado. -“Love in a Trashcan”, volvé, perdona si alguna vez te dijimos ladri…-. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Calexico: “Algiers” - ANTI Records

Luego de 4 años vuelven los prolíficos y siempre rendidores de Calexico, banda de muy buena calidad compositiva pero que nunca se animó o pudo llegar a dar el gran salto. El encanto que siempre tuvieron los Calexico fueron esos sonidos fronterizos, de Tex-Mex, que aggiornados con una coqueta producción y un encanto 2.0 para masas los volvían cool y modernos. Sin embargo, hace ya unos años pareciera que un poco perdieron su Norte, sin dejar de lado esos sonidos que los volvieron conocidos, la balanza se inclinó un poco más a lo obvio y común y este “Algiers” más allá de tener la impronta de los Calexico queda un poco domesticado. Incluso pareciera que ellos se quieren despegar de lo que los volvió conocidos, ya que el corte elegido del álbum, “Splitter”, pareciera estar lejos de ser un tema de su factoría, a contramano de este corte en el Lp existen temas como la canción instrumental y de nombre homónimo al disco o también “The Vanishing Mind”, “Sinner in The Sea”, “Better and Better” o el latino “No Te Vayas” que son más cercanos al espíritu de la agrupación. Sin embargo, en su conjunto el Lp está bastante lejos de los mejores momentos del grupo ya que su sonido -por desgracia- perdió personalidad. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

The Vaccines: “Come of Age” - Columbia

El calendario de Septiembre se muestra en lo que resta del año, como uno de los meses más calientes en ediciones musicales, más que nada por que es el mes asignado para el lanzamiento de los segundos álbumes de algunas bandas que prometen y que deciden ponerse en juego al demostrar si eran sólo un hype o si tienen con que bancarse la parada. Una de ellas son The Vaccines, la nueva sensación inglesa que lanza “Come of Age”, su segundo Lp luego de haber cosechado elogios por doquier con su primer trabajo. Existe un viejo pero aún vigente mito de que el segundo disco de cualquier grupo siempre es el más difícil de lanzar, más que nada porque tiene que salir a pelear con el duro y difícil rival llamado comparación. Los Vaccines no la tuvieron nada fácil, pero mientras muchos grupos se rompen el marulo buscando un sonido totalmente diferente al del primer álbum para marcar la diferencia y el supuesto “crecimiento”, ellos decidieron pulirse y seguir en la misma senda del anterior Lp. “Come of Age” contiene además de los hasta ahora cortes de “No Hope” y “Teenage Icon”, buenas canciones muy bien producidas, logrando una vibrante continuación que está a la altura de su primer Lp y esto… no es moco de pavo. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Cat Power “Sun” - Matador Records 

“Sun” es el primer disco de Cat Power luego de seis años  de ausencia no solo de material nuevo -sin contar el álbum de covers “Jukebox”- sino también de los escenarios. Luego de un período de depresiones amorosas y discos olvidables, Chan Marshall, más conocida como Cat Power quiere volver a ocupar el pequeño pero muy defendido -por varios de sus fans- lugar de promesa/realidad femenina dentro del Indie. Ahora bien, el primer indicio de que una mujer quiere terminar con todo lo anterior de su vida y empezar a recorrer un nuevo camino lo deja en claro cuando se corta el cabello y este gesto simbólico pero a la vez psicológico en el sexo femenino fue lo que hizo Marshall. Dejemos de lado el look y pasemos a lo musical, “Sun” es un trabajo que la muestra relajada entre canciones que se dejan escuchar fácilmente como “Ruin”, “Cherokee”, “Always on My Own”, “Real Life” o “Nothing But Time”, el cual cuenta con la colaboración de Iggy Pop. El Lp quizás este unos escaloncitos por debajo de trabajos anteriores de ella sin embargo, no es un para nada desechable relanzamiento de su carrera cuando ya todos creíamos que había perdido la brújula. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Animal Collective: “Centipede Hz” - Domino Records

Vuelven los Animal Collective con su noveno disco de estudio, “Centipede Hz”. Luego del hypeado “Merriweather Post Pavilion” el grupo experimental lanza nuevo material bajo el sello Domino Records. Los de Baltimore se quieren despegar un poco de la gema Art Rock Experimental para periodistas como fue el anterior trabajo y acá deciden experimentar aún más. Sin abandonar del todo la estructura Pop el sonido se volvió más indescifrable. Explosiones de sonidos por todos lados, las canciones más allá de estar divididas, casi forman parte de una misma de larga duración. El álbum no es de fácil consumo, esto ya queda en evidencia desde la portada, en la cual sólo se percibe con seguridad la silueta de una boca, mientras que lo demás es casi indescifrable pero sirve como preaviso de lo que contiene en su interior, un cóctel de experimentaciones varias. Quizás lo disfruten los más fieles fans de la agrupación, pero para un oyente casual pueden resultarle molestos e indescifrables los sonidos que se producen por momentos. No hay hits inmediatos, salvo el corte que lejos esta de ser un tema radial, pero claro, si eso es lo que buscan siempre los Animal Collective, ser los más correctamente incorrectos y freaks de la escena musical. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Two Door Cinema Club: “Beacon” - Glass Note 

Vuelven los irlandeses de Two Door Cinema Club, luego de un rendidor primer Lp como fue “Tourist History” editan “Beacon”. Ya de movida, nos damos cuenta que la línea de su anterior trabajo sigue vigente pero a contramano de este no hay uno o dos temas realmente “gancheros” como en su primera placa. Esto no es un punto negativo sino más bien una realidad, pero que queda solapada por el alto nivel de energía que desprenden siempre sus canciones. La formula hasta ahora es la misma, canciones alegres con punzantes y veloces riffs de guitarra sostenidas por una base de bajo y batería en constante sintonía. Algo cada vez más común dentro de las nuevas bandas que aparecen bajo el eterno brazo acogedor del Indie. Se esperaba un poco más de estos jovencitos luego de un grato primer álbum, de todas formas el Indie Pop para Discotecas lo tenés asegurado. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Wild Nothing: “Nocturne” - Captured Tracks 

Dos años después de su debut con “Gemini”, el cual le trajo un reconocimiento bastante auspicio por parte de la prensa especializada, Jack Tatum, el cerebro de Wild Nothing edita su segundo trabajo con “Nocturne”. Este nuevo álbum es muy deudor del Jangle Pop de esa mítica pero efímera movida musical llamada C-86, teniendo por supuesto mucha relevancia y protagonismo el rasgueo típico de ese estilo en las guitarras. Rodeado también bajo unas atmósferas de Dream Pop el Lp se deja escuchar de forma amena y fácil. Otros grupos también contemporáneos a ellos como DIIV o los Beach Fossils -salvando las distancias en que cada uno tiene su propio estilo- parecieran ser parte de una pequeña movida muy identificada con el Jangle pero también de las atmósferas oníricas y de ensueño que parecieran estar algo de moda. Canciones cristalinas, sensibles y puras es lo que se puede encontrar en “Nocturne”, un disco que se deja escuchar pero que quizás para algunos pueda despertar la frase desganada de “-se,…lindo-”. Fecha de Lanzamiento: 28 de Agosto.

Electric Light Orchestra: "Time" (1981)

La pregunta podría ser: ¿Cuál es el siguiente paso de una banda de rock luego de haber editado su disco más vendedor, popular y que contiene canciones que se metieron en el inconciente de las personas? La respuesta tiene dos opciones, tratar de seguir el camino ya cimentado por ese trabajo y seguir “facturando” repitiendo una y otra vez lo mismo para obtener resultados satisfactorios y económicos o darle la espalda a ese éxito y realizar un trabajo totalmente diferente. Dentro del Rock, algunos grupos decidieron elegir el atajo de la primera opción mientras que otros decidieron inclinarse por la segunda, ejemplos sobran en ambos casos. 

Uno de esos grupos que dejó todas las luces del éxito -o lo encaminó en otra dirección- fueron los Electric Light Orchestra, más conocidos como la ELO, cuando después de editar el ultra vendedor “Discovery”, el cual contenía los hits rendidores -en cualquier fiesta que se precie- como “Shine a Little Love”, “Last Train To London” o “Don´t Bring Me down”, sin dejar de lado incluso hits radiales como “Confusion” o “Midnight Blue” editan el álbum conceptual “Time”. Hagamos una regresión y situémonos en 1979, en materia musical el estilo que era la vedette era la música Disco y muy pocos grupos hicieron la vista gorda a este movimiento y tuvieron sus quince minutos -para algunos se convirtió en mucho más- de coqueteo y affaire con el Disco. Incluso algunos grupos quedaron encasillados injustamente dentro de este movimiento como los Bee Gees y hasta  por ahí nomás la misma ELO. Los Kiss y los Stones tampoco se salvaron y estuvieron a la orden del día con sus respectivas canciones Disco, por supuesto  no todos quedaron tan en ridículo con el paso del tiempo y en algunos casos esas canciones se convirtieron en un clásico de su discografía. 

Ya para comienzos de los ´80 una vez más la industria musical estaba en constante cambio y Jeff Lyne, siempre comandando a la ELO, decide dar una vuelta de timón de 360 grados al editar “Time”, un álbum conceptual que recoge el guante que había hecho con el Lp “Eldorado” a comienzos de los ´70. Esta nueva aventura musical de Lyne fue bastante “jugada” ya que para esa década los discos conceptuales estaban de vuelta ya hace rato porque su época de gracia había culminado hace tiempo. Sin embargo la mente siempre hábil de Lyne no iba a pecar de tan obvia e ingenua, no realizaría un Lp medio densón, largo y con una trama tirando a aburrida como en el  mayor de los casos tienen los álbumes conceptuales, sino todo lo contrario, se trata de una gema Pop, bien moderna, que incluso hoy a la distancia suena contemporáneo. Con unas cuidadas voces -siempre presentes como en todos sus trabajos- vuelven a transitar en algunas canciones ese fiel apego por esos sonidos comúnmente catalogados como Beatlesque, que en más de una vez los comparó con los fabulosos cuatro. Incluso, el desapego de Lyne por todo su anterior trabajo queda en claro ya desde la portada del disco. Es la primera de los nuevos Lp´s que no cuenta con el típico logo del grupo, toda una declaración de un nuevo comienzo para la ELO.

Si “Time” es un álbum conceptual tiene que tener una trama y la misma relata la historia de un hombre que es transportado en el tiempo hasta finales del Siglo XXI. En ese espacio-tiempo queda fascinado por todo lo que lo rodea pero a contramano de esta alegría se siente en desgracia por haber dejado en este viaje a la mujer que ama. Para suplir esto se lo ha dejado con una mujer-robot pero por supuesto no puede reemplazarla porque ella no puede amar y el tampoco puede hacer lo mismo con un robot. Decide terminar con todo esto y pide volver a su tiempo, deseo que le es negado. Como consecuencia de esto emprende una huida con vicisitudes varias hasta que al final es devuelto a su año de origen.

“Time” abre con “Prologue”, una voz robotizada que ya nos avisa del viaje a una nueva dimensión, la cual sigue con “Twilight” una canción Pop perfecta, con voces bien cuidadas y un ritmo contagioso y alegre. Por su parte “Yours Truly, 2095”, “From The End of The World”, “Here is The News” o “Another Hearts Breaks” exploran los sonidos de moda como la New Wave o el Synth Pop. Sin embargo, el regreso a esas melodías cuasi progresivas y de voces perfectas, lo encontramos en los excelentes “Ticket To The Moon”, “Rain is Falling” o “21st. Century Man”. Otros ritmos que se encuentran en “Time” pueden ser el Reggae Blanco -también explotado por esos años- de “The Lights Go Down”,  o el Pop Radial de “The Way Life´s Meant To Be” y el Rockabilly de “Hold on Tight”, temas más emparentados al sonido que haría en años venideros con el mega grupo The Travelling Wilburys. 

Jeff Lyne, a la distancia, siempre miro de reojo los últimos trabajos de la ELO, discos buenos pero menores comparados con la discografía de la banda. Sin embargo, es injusto que “Time” sea posicionado en este escalafón, un Lp que tuvo que lidiar con la sombra del exitoso “Discovery” pero que en materia musical ofrece mucho sin pedir nada a cambio. Un álbum injustamente subvalorado y pasado siempre por alto dentro de la discografía de ellos y mucho más si hablamos del gusto popular. Sin embargo nunca es tarde para redescubrirlo. 

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Bloc Party: “Four” - Frenchkiss 

Luego de cuatro años y después de esa aventura solista de parte de Kele Okereke en el 2010, vuelven los Bloc Party con un nuevo trabajo bajo el brazo cuando incluso todavía mucho no se los extrañaba. Este cuarto Lp llamado en un derrotero de creatividad como “Four” intentará recuperar la senda que comenzaron en 2005 y que dejaron a medio camino por peleas internas. Es un disco gritón y en el cual pareciera que quieren abarcar varios estilos, aunque quizás mejor dicho bandas, porque intentan sonar en algunas ocasiones a varias de las que hoy por hoy pueden estar en boga. “Four” no trae muchas novedades y quizás la falla es que las canciones no tienen un hilo conductor, suenan más como una cosa individual. De todas maneras los Bloc Party ya tienen unos quince minutitos -quizás menos- de fama los cuales logran que sean mencionados como una de las “vueltas esperadas”, para los de veintipico claro… Fecha de Lanzamiento: 21 de Agosto.

Yeasayer: “Fragrant World” - Secretly Canadian  

Después de un buen trabajo como fue su segundo Lp “Odd Blood” y unos aun mejores comentarios provenientes de los medios musicales especializados, los Yeasayer editan “Fragant World”, el tercero de estudio. Estos Neoyorquinos continúan por esa senda de Electro Pop y New Wave, sin embargo, este nuevo trabajo los encuentra más experimentales, pero desde el lado de la búsqueda y esto en algunas ocasiones puede tener resultados desastrosos o por lo menos indefinidos, y esto último es lo que le sucedió a ellos. Facturan un trabajo que difícilmente pueda quedar dentro de la memoria de los discos del año y por supuesto ya ni hablemos de entrar dentro de los mejores. Ya con la primera escucha se pueden apreciar unas voces muy procesadas y una decena de canciones que no posee ningún gancho destacable, más allá de que el tema “Henrietta” sea el corte. Definitivamente se quedaron sin nafta. Fecha de Lanzamiento: 21 de Agosto.

Nude Beach: “II” - Fat Possum 

Llamar un primer disco como “II” cuando por supuesto nunca sacaron el “I” es de jodidos, pero no de tipos duros y con cara de pocos amigos, sino más bien en el sentido de molestos. Ahora bien, y como para hacer un poco más difícil la cuestión deciden llamarse Nude Beach -playa nudista-, hagan el trabajito de arrojar esa palabra en Google y se van a encontrar con de todo menos con la banda en cuestión. Recogiendo el guante de la playa, al parecer este trío el único contacto que puede tener con la playa es por fotos o algún que otro viajecito porque provienen de la gris Nueva York. ¿De que va su debut? Es una mezcla de Rock con Pop y algo de Punk, con gancho y en donde la producción y el arreglo de las voces y guitarras está a la orden del día. Por momentos suenan a un Elvis Costello de la época con los Attractions. Fecha de Lanzamiento: 14 de Agosto.

Ariel Pink's Haunted Graffiti: “Mature Themes” - 4AD Records  

El siempre exquisito sello 4AD Records cada vez más abre su catálogo a diferentes tipos de artistas, ya no sólo enfocado al Dream Pop y al Shoegaze, estilos por los que se hizo reconocido. En este caso vuelve a apostar por uno de los personajes más freaks que hay en la actualidad en el ambiente musical como es Ariel Pink. Este segundo Lp vuelve a contener canciones que repasan lo mejor de ciertas décadas como el Pop de los ´60, algo del Glam de los ´70 y el Synth Pop más berretón de los ´80. Sin embargo de la mezcla de este cóctel de estilos no sale muy airoso porque pareciera que los temas fueran demos y no canciones ya terminadas -claro, el buscó esto- y termina siendo una lástima porque algunas de las mismas si hubieran estado producidas de otra forma el resultado sería un poco más agradable. En fin, otro artista más que para muchos prometía pero que termina confundido dentro de su nube de experimentalidad. Fecha de Lanzamiento: 21 de Agosto.

Nuevos Lanzamientos... Cortitos y al pie...

Turbonegro: “Sexual Harassment” - Volcom 

Cinco años después de “Retox” -y cuando ya todos creíamos que era el final de la banda- vuelven los noruegos de Turbonegro con un nuevo Lp bajo el brazo. Hasta el más fiel seguidor de los escandinavos al enterarse de la partida de su característico vocalista Hank Von Helvete pensaba que la carta de defunción estaba por escribirse, sin embargo un tubo de oxígeno llamado Tony Silvester, se calza la no fácil tarea de reemplazarlo en las voces. Las odiosas y siempre necesarias comparaciones están a la orden del día ya que la teatralidad y el glam que aportaba Helvete lo han dejado un poco de lado pero consiguieron un poco más de crudeza y fuerza. “-Suena como Lemmy (Motorhead) viajando en primera clase-”, al parecer esas fueron las palabras de Euroboy para con su nuevo compañero de banda. Los cambios siempre son difíciles de aceptar, habrá que esperar a la sentencia del tiempo para tener un veredicto final. Fecha de Lanzamiento: 7 de Agosto.

Dead Can Dance: “Anastasis” - Pias America

Después de casi 12 años regresan a la actualidad Brendan Perry y Lisa Gerrard componentes de Dead Can Dance. Este reciente álbum los trae una vez más atmosféricos, etéreos e introspectivos, influenciados como siempre por el Ambient, el Folk más oscuro y el Goth Rock. Este tipo de reuniones que en muchos casos puede ser una suerte de tajada económica en ellos se convierte en un relanzamiento en su historia que comenzó allá a principios de los ´80. “Anastasis” tiene un sonido realmente sublime y épico logrado gracias a la muy buena producción de Perry y al binomio vocal que forma junto a Gerrard para que algunos temas que él interpreta suenen oscuros, melancólicos y asfixiantes mientras que en los de ella son barrocos, ensoñados y épicos. Muchos catalogan la música de los Dead Can Dance bajo el rótulo de Dark pero es mucho más que eso, y este nuevo Lp lo deja en claro tomando sonidos de varias etnias mundiales. Apto para Darkies de treinta y largos. Fecha de Lanzamiento: 14 de Agosto.

Spector: “Enjoy it While it Lasts” - Polydor  

Una nueva banda que va directo a parar al lugar del ya tan amplio y abarcativo Indie Rock -¿hasta donde se va a estirar este estilo?-, pero en este caso es la misma banda la que decide ponerse en ese espacio sin enojarse y/o refunfuñar y para muestra basta un botón sino miren el comienzo del video “Celestine”. Estos londinenses para no andarse con chiquitas decidieron bautizarse como Spector, haciendo honor por supuesto pero mucho más para llamar la atención, al utilizar el apellido del famoso y pistolero productor musical. Los estilos musicales -sí claro, el Indie también- van desde la New Wave y el sonido Revival del Pop de los ´80. Los Spector suenan ya de antemano a muchas bandas que están hoy en boga y ellos se suben a ese tren. Ahora cabe preguntarnos, ¿está mal?. De seguro que no si al menos nos hacen olvidar de lo cotidiano y nos contagian con un poco de diversión o baile en la sangre. Hasta el momento tienen tres cortes, el ya mencionado y los muy buenos “Grey Shirt & Tie” o “Chevy Thunder”. Indispensables para los fans de The Killers, Franz Ferdinand, The Vaccines y derivados. Fecha de Lanzamiento: 14 de Agosto.

Alabama Shakes: "Boys & Girls" (2012)

Si hay un estilo musical que siempre lleva con orgullo y bien en alto la bandera de sus raíces ese es el Rock Sureño proveniente de EE.UU. Sea cual fuera la agrupación, tenga una historia detrás de sus espaldas o fuera una novel banda, siempre muestran sus tradiciones sin ruborizarse y sin vergüenza de ser tomados en más de una ocasión como una suerte de Hillbilly Bears -Sí, esos dibujitos de los Osos Montañeses-, una comparación por demás ofensiva y de la cual incluso proviene desde un sector de la misma sociedad Americana. Pero esto ya es harina de otro costal. Desde Athens, Alabama, aparece un cuarteto liderado por una voz -de raíces afro- muy interesante como es la de Brittany Howard la cual se sitúa entre el grito desgarrador de Janis Joplin -porque no también de Robert Plant- y la delicadeza de Etta James o Aretha Franklin para darle rienda suelta a un combo de R&B, Soul y Blues bajo el nombre de Alabama Shakes. 

No se estaría descubriendo nada nuevo si se afirmara que por estos años hay una suerte de revival del Soul y R&B, ejemplos hay para tirar para arriba, y lo que los hace destacarse es el detalle de las muy buenas producciones que hay detrás de ellos. Todo medido hasta el más mínimo detalle. Hoy por hoy un tema contemporáneo suena viejo pero con una calidad sonora impecable. Esto último, al igual que a los Alabama Shakes, le sucede a muchos solistas y/o grupos que miran hacia el pasado para realizar su música pero amparados en el destacado avance que hay por estos años dentro de la producción musical.

Editado este año bajo el nombre de “Boys and Girls” y con una austera tapa pero con unos coquetos detalles en relieve se edita el primer Lp de ellos, el cual gira en torno a un pulido R&B y Soul con ciertos toques de Southern Rock. El álbum abre con “Hold On” -una cruza entre Creedence con los Kings of Leon- y sigue con “I Found You”, una declaración de amor hacia su pareja en ritmo de Northern Soul. También se encuentra la contagiosa “Hang Loose”, y las souleras “Rise To The Sun” y “I Ain´t The Same” que también se destacan con unos interesantes arreglos de guitarra con punteos incluidos. Uno de los cortes como es “You Ain´t Alone” y “Heartbreaker”, se destacan por la gran voz de Howard que tiene claras influencias a Otis Redding en su forma de cantar, pudiendo plasmar todo el espíritu y emoción del Soul de sellos “madre” como son Motown y Stax. Bajo un tono más clásico e introspectivo, sin dejar la cadencia del Soul, aparece “Coin´ To The Party” o “Be Mine”. 

Apadrinados en cierta forma por Jack White -giraron con él-, los Alabama Shakes pueden ser vistos como un revival más de los tantos que están apareciendo por estos días. Sin embargo, sería injusto caer sólo en esto porque tienen varios motivos para destacarse, uno de ellos la sentida voz de Howard y la muy buena base que conforma el resto de la agrupación. “Boys and Girls” está empapado de cierta nostalgia prestada, ya que estos chicos de veintitantos juegan a eso, sin embargo esto no es una ofensa sino un halago por tratar de recrear un momento mágico. 

El álbum puede gustarle a cualquier oído ávido de una música con sentimiento sin embargo puede también convertirse con el transcurso de las escuchas en un disco más ya que no aporta novedades que no se hayan hecho antes ya que se trata de una propuesta basada en el R&B y Soul bien purista. De todas maneras, el nervio motor y juvenil para “caer” bien por estos años no lo han dejado al descubierto y tienen una frescura y energía que los vuelve interesantes. Los Alabama Shakes se encuentran dentro de las tantas bandas Revelación de este año gracias a la buena recepción que tuvo este “Boys and Girls”, sin embargo el tiempo tendrá el veredicto final y dirá si pudieron mantenerse o si sólo fueron un agradable oasis de nostalgia dentro de una tan desértica escena musical. De todas maneras, por las dudas desempolvemos y tengamos a mano los infalibles Lp´s “Lady Soul”, “At Last”, “The Dock of The Bay” o “Cheap Thrills”, nunca se sabe cuando podremos volver a necesitar de sus servicios.