Polifemo: "Polifemo" (1976)

Según la mitología griega, Polifemo es el hijo de Poseidón y se lo presenta con la imagen de un gigante con un solo ojo en su frente, comúnmente denominado cíclope. Sin embargo, para nuestro rock vernáculo el nombre de Polifemo no está asociado a esto, como así tampoco a la “Odisea” de Homero, sino al grupo que supieron formar David Lebon y Rinaldo Rafanelli entre otros allá por mediados de los ´70 en Argentina.

De las cenizas de la disolución de Sui Generis, acontecida tras los conciertos de despedida del grupo realizado en el estadio Luna Park, surgió Polifemo de forma oficial contando entre sus filas a los mencionados Lebon y Rafanelli sumándole al baterista Juan Rodríguez -también en Sui Generis- y a Ciro Fogliatta -Los Gatos- en teclados. No está demás mencionar para algún desprevenido que piensa que los Sui Generis siempre fueron el dúo García-Mestre, que ya para la época de “Instituciones” -el tercer Lp de la banda- ya eran en sus presentaciones un grupo numeroso. Sin embargo, sería injusto atribuir el simple desenlace o final de un grupo como consecuencia inmediata para la creación de otro como fue Polifemo. 

Esa mecha comenzó a encenderse cuando un año antes, en 1974, a Lebon le ofrecen realizar un concierto en el desaparecido Cine Ritz para lanzar su carrera solista y presentar su flamante primer Lp. No está demás mencionar que la carrera musical de Lebon tenía ya por esos años un CV que despertaba admiración y envidia por parte iguales, ya que además de ser un excelente multiinstrumentista, se había codeado con grupos como Color Humano, Pescado Rabioso y la primera formación de Pappo´s Blues. Para este concierto Lebon se encontraba bastante apesadumbrado por no encontrar una base de músicos como soporte -algo habitual en esa época era que los grupos “prestaran” sus integrantes a otros sin ningún tipo de problema- lo cual casi lo lleva a suspender la presentación. Sin embargo, a días del mismo encuentra en Rafanelli y Rodríguez el combo perfecto para salir a presentarlo. El concierto fue un éxito y la semilla empezó a germinar dando sus frutos luego de la disolución de Sui Generis y convirtiendo lo que era un proyecto, en una realidad como fue Polifemo. 

El estilo de la agrupación fue pensado como un combo de Hard Rock y la verdad que comenzó con el pie derecho al grabar como simple de adelanto un tema que hoy por hoy es el más recordado de su repertorio como es “Suéltate Rock and Roll” de Lebon en el lado A mientras que en la cara opuesta figuraba el muy bueno “Vamos Tranquilos” de Rafanelli. La recepción de este simple fue más que satisfactoria y les asignó un éxito que los hizo crecer en popularidad de forma vertiginosa. Colmaron teatros como el Coliseo y el Gran Rex entre otros y significó un ascenso sin frenos en la carrera del grupo. El próximo simple fue “Oye Dios Que Me Has Dado” y “Buzios Blues” nuevamente de la autoria de Lebon-Rafanelli en respectivas caras del disco.

Más allá de que este segundo adelanto no causo el impacto del primero sirvió para alimentar las expectativas -que ya para ese entonces eran amplias- de lo que sería el primer larga duración de la banda. Sin embargo, el destino suele realizar su propio juego y muchas veces esa expectativa se convierte en algo negativo. Hoy por hoy, con la historia de la agrupación ya consumada es fácil decir que el primer Lp de Polifemo, de nombre homónimo, no estuvo a la altura de sus simples. Sin embargo, sería injusto recaer en esta simpleza de considerar este trabajo como una sombra de lo que fueron los adelantos -varios de los periodistas especializados así lo consideran-, sin embargo, si sería correcto ver como una jugada poco comercial -la cual hoy no sucedería- como es la de no incluir los temas de adelanto que fueron éxito, atentó contra la carrera del grupo. Haciendo un paralelismo con el fútbol es como si un equipo saliera a jugar a la cancha pero teniendo a las figuras del plantel en el banco de suplentes. 

Analizado desde el punto de vista musical también se encuentran varias diferencias de estilos entre el Lp y los adelantos, por ejemplo el simple “Suéltate Rock and Roll”, se presenta como un Hard Rock directo, con aires de Rock and Roll como indica su título y así con los otros temas, variantes más o menos marcadas. También hay que agregarle un detalle para nada menor, no hay que hacer la vista gorda que en el ´76, año de la edición del álbum, ya eran épocas de botas verdes y las presentaciones multitudinarias eran miradas de reojo por la cúpula militar atentando contra el ascenso de cualquier banda en busca de popularidad. Volviendo a lo musical, el Lp “Polifemo” se presenta como una mezcla entre ese Rock and Roll y Hard Rock con mucho hincapié en los teclados rozando por momentos el Rock Progresivo. La composición de los temas siguen siendo de la dupla Lebon-Rafanaelli, aportando el primero el Spinetteano “Doce Caras”, el Progresivo “Tu Forma Real”, el difícil de catalogar “Flotando” y el introspectivo “Tema de los Devotos”. Mientras que Rafanelli aporto el Rock and Roll-Blues de “Que Hago Yo Aquí”, el Hard Rock -allá Deep Purple- de “Dueña del Confort” y el Rock zapada de “Vamos al Campo”. 

Luego de este primer álbum vendría la segunda entrega de Polifemo y después de esto la disolución del grupo, que haría que Lebon formara el efímero grupo Seleste y más adelante formar parte de Seru Giran. Durante la edición de su segundo álbum de 1977, serían años de plomo no sólo para el Rock sino para la Argentina en general, mermando dentro de la música nacional -folclore y rock a la cabeza- la cantidad de material editado y aumentando la persecución artística, pero eso ya es otro tema. Polifemo fue ese gigante del Rock Argentino que quizás por estos días se encuentra más como una banda de culto siéndole esquivo a lo masivo pero que merece ser rescatado por la calidad musical de sus integrantes. 

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Andrew Bird: “Hands of Glory” - Mom & Pop Music

¿Cuantos artistas sacan más de un disco durante un mismo año? Ninguno, aunque vamos a ser generosos porque de seguro hay, vamos a decir casi ninguno. Uno de los que va contra la corriente y que en lo que va de este 2012 ya editó dos álbumes es Andrew Bird. Aún nos estábamos deleitando con el muy bueno “Break It Yourself” que Bird decide editar solo ocho meses después este “Hands of Glory” pero ahora en clave de Folk, Bluegrass y Country. Ya desde el comienzo con “Three White Horses” caemos rendidos ante tanta pureza instrumental y vocal. Sin embargo, todo el Lp recorre estos ritmos, el cantautor de Illionis con su voz apenada y por momentos cálida siente cada canción y nos la transmite. El violín por momentos mágico de Bird quizás no este a la altura de trabajos anteriores pero nunca nos deja de sorprender. Son solo ocho canciones las que encumbran este álbum que nos hace renegar de que dure tan poco. “Hands of Glory” puede no ser novedoso -de hecho no lo es- repasa música que ya tiene muchos años de historia, sin embargo está tan bien ejecutada y con tanta personalidad que lo vuelve uno de los más interesantes discos del año. Un Lp Otoñal o porque no también, para un cálido atardecer campestre. Fecha de Lanzamiento: 30 de Octubre.

Jake Bugg: “Jake Bugg” - Mercury Records

En varios medios de música británicos vienen hablando de una nueva revelación musical dentro del Rock. Se sabe que muchas veces, esa gran esperanza termina siendo solo un hype más, pero de todas maneras el debut de ese purrete de 18 primaveras en su haber llamado Jake Bugg se puede colar tranquilamente como uno de los más interesantes del año. Las influencias son varias y están a la orden del día desde Bob Dylan, Donovan, Beatles, Oasis y hasta contemporáneos como Alex Turner o Miles Kane. Lo cual, esto último, nos deja pensando lo veloz que pasa el tiempo que ya el cantante de los Arctic Monkeys y el ex The Rascals son ejemplos a seguir para nuevas generaciones. Canciones de Bluegrass como “Lightning Bolt” o “Trouble Town” se mezclan con las Folk “Simple as This”, “Country Song” pero también aparece el híbrido entre pop-folk allá The Last Shadow Puppets -Turner/Kane- en temas como “Two Fingers”, “Taste It” o “Seen It All”. Para ser justos, el disco se podría dividir en dos partes, la primera muy rendidora mientras que la segunda decae bastante, dando como conclusión que quizás se podrían haber descartado un par de temas. Sin embargo, eso no impide de que por estos momentos se hable mucho en UK de la nueva esperanza británica, y van… Lo que si queda claro es que Turner ya tiene sus Salieris. Fecha de Lanzamiento: 15 de Octubre.

Neil Young: “Psychedelic Pill” - Reprise 

Vuelve un artista que nunca se fue y que estos últimos años está más inquieto que nunca como es Neil Young. Haciendo honor a su apellido parece que el espíritu del viejo Neil se mantiene más joven que nunca ya que no se detiene un instante. A ver repasemos, en el 2010 sacó “Le Noise” un disco de 100% distorsión de guitarras, en el 2012 edita “Americana” el cual reúne viejas canciones con los Crazy Horse y ahora a finales de año lanza “Psychedelic Pill”, el primer álbum con su vieja agrupación luego de nueve años desde “Greendale” del 2003. Ese espíritu libre y hippie sigue más vigente que nunca ya desde el comienzo del Lp con “Driftin' Back” cuya duración es de 27 minutos, pero no se queda solo con esa sino que también “Ramada Inn” o “Walk Like a Giant” son extensas llegando a los ´16. Por supuesto, queda más que en claro que la duración de una canción no hace a la calidad pero lo que deja en claro Young es que respeta su idiosincrasia libre contra cualquier embate de la industria musical que obliga que los temas sean directos, cortos y concisos. El Lp además de ese Free Spirit posee temas cortos y agradables como “Born in Ontario”,  “Twisted Road”  o “For the Love of Man”. “Psychedelic Pill” por supuesto no está a la altura de sus mejores trabajos sin embargo lo encuentra vigente, porque seamos sinceros ¿cuantos artistas hay que tengan más de 30 álbumes en su haber y aún puedan seguir dándole batalla a los carilindos de ahora? Pocos, el viejo Neil es uno de ellos. Fecha de Lanzamiento: 29 de Octubre.

A.C. Newman: “Shut Down the Streets” - Matador Records  

Luego de tres años de su último álbum en solitario retoma las riendas de su carrera solista el fundador de los The New Pornographers Allan Carl Newman. Bajo el nombre “Shut Down The Streets” este nuevo Lp de A.C Newman sin llegar a ser sobresaliente se destaca de inmediato por sobre sus anteriores trabajos. Se puede enmarcar dentro del Pop pero no del alegre sino del cuidado, con melodías delicadas y bonitas. Incluso en las letras gana mucho con respecto a discos anteriores. Acá hay una búsqueda interna, sin llegar a ser bajón, en el cual hay temas para todo lo que lo rodea, desde el consejo al hijo en “There´s Money in New Wave” o la referencia a su madre en “They Should Have Shut Down The Streets”. Los seguidores del grupo canadiense con el cual Newman se hizo -¿conocido?- también tienen un guiño cómplice en “Encyclopedia of Classic Takedowns”, o “Hostages”. El Lp “Shut Down The Streets” tiene melodías delicadas, arreglos cuidados y un espíritu pop que lo vuelve amigable, pero se queda ahí, en un álbum modesto, bien hecho pero de seguro se perderá dentro de la gran ola de opciones musicales que existen, una lástima. Fecha de Lanzamiento: 15 de Octubre.

Aztec Camera: "High Land, Hard Rain" (1983)

Los sellos discográficos son -¿eran?- esas factorías musicales que siempre estuvieron arraigadas a los músicos y que llevaron de la mano a distintos artistas. Las hay de todo tipo, desde las multinacionales y grandes corporaciones -que hoy por hoy sienten los embates del cambio en el consumo musical-, hasta los pequeños sellos independientes -muchas veces impulsado más desde el corazón que por el rédito económico- los cuales defienden la libertad compositiva del artista por sobre las modas. Ahora bien, el consumidor de música pasajera no recae en estos detalles, quien es el sello que está detrás del artista, que tipo de grupos esta dentro de su catalogo, si existe alguna línea musical dentro de su idiosincrasia, etc. Sin embargo, el oyente ya curtido, quiere y debe saber -por su propia inquietud- que tal sello tiene una línea de artistas musicales en particular, y también debe saber que como así existen bandas que son el ABC del Rock, también hay sellos discográficos que son de referencia básica. 

Por ejemplo, los Beatles y la Parlophone, los Stones en la Decca, los Doors en la Elektra, Led Zeppelin en Atlantic y así con muchos más. Como así también sellos clásicos que se abocaron a determinados estilos musicales, la Motown y su hermana Tamla con el Soul, Stax con el Funk, Sun Records con la prehistoria del Rock grabando a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash entre otros. Como olvidarse del sello 4AD con claro énfasis por el Dream Pop en los ´80 y ampliando su catalogo hasta estos días con artistas como Bon Iver, Rough Trade cubriendo el Punk, Post Punk y sus derivados, Sub Pop que cubrió el Rock Alternativo o Creation Records que fue el trampolín de Inglaterra hacia el Mundo para los grupos de los ´90 en el Reino Unido. Por supuesto, esto fue sólo una pequeña enumeración muy por arriba de algunos sellos y sus particularidades, no hay que dejar de lado los más independientes, los que podrían entrar dentro de la movida del DIY -hacelo vos mismo-, acá incluso existen aún más. Uno de los tantos cuya historia es bien noble a las tradiciones del “Do It Yourself” es la del efímero sello escocés Postcard Records que supo tener entre sus filas a grupos muy interesantes pero muy poco reconocidos en la década del ´80. Bandas como los Orange Juice, Josef K, The Go-Betweens o los Aztec Camera fueron la carta de presentación de ese novel sello que era impulsado bien a pulmón. Por supuesto la competencia no dio tregua y el mismo tuvo que cerrar y varios de estos grupos emigraron hacia otros sellos de más envergadura pero la semilla fue plantada en la Postcard Records. 

A mediados de los ´80 en el Reino Unido uno de los tantos estilos musicales que se forjó en esa década fue el del Jangle Pop, cuya principal referencia eran los grupos de guitarra de los ´60 similares a The Byrds, los cuales tenían un típico sonido en el instrumento de seis cuerdas. Además de esta particularidad tenían un gran apego por la melodía y sus letras eran sobre tortuosos desamores y dudas existenciales varias. Los Aztec Camera, grupo formado por un muy joven -no llegaba a los 20 años- Roddy Frame suele encolumnarse dentro de esa camada de bandas de Jangle Pop. De todas maneras, si hiláramos fino, su primer Lp, “High Land, Hard Rain”, es el único que entraría dentro de este estilo ya que en los siguientes la carrera del grupo variaría de acuerdo a las modas reinantes, pero eso ya es otra historia. 

Su primer disco, hoy a la distancia tiene un sonido que al instante uno puede darse cuenta de la fecha de su elaboración, principios de los ´80, más precisamente 1983. Sin embargo, lo que para muchos puede ser quedarse en una foto antigua en color sepia, en los Aztec Camera los vuelve aún más interesantes ya que enmarca de forma precisa el registro de una época y de un momento. Para muchos pueden ser vistos como una copia trunca de The Smiths, pero son mucho más que eso, primero porque su primer álbum salió antes que el de Morrissey y cía y segundo porque tenían temas -por lo menos en esa primera placa- que los sostenía como una cosa seria. El entramado de guitarras creaba un Pop perfecto, sin estridencias, dulce, pero sin llegar a ser simplón ya que además tenía sonidos exóticos y personales que le de daban su propio sello. Está bien, después cayeron derrotados al no contar con la imagen de crooner indie romántico de Morrissey ni temas que supieran meterse en el inconciente popular de la sociedad. Volviendo al sello Postcard Records, este edita los primeros simples de Aztec Camera pero es con el sello Rough Trade con el que lanzan su primer Lp. 

El disco abre con “Oblivious”, cuyas guitarras acústicas y una línea de bajo sostenida marcan la melodía de la canción. Unos arreglos con aires de flamenco le dan ese toque personal que junto a la voz personal y romántica de Frame lo volvieron uno de los highlights del grupo. El espíritu si queremos decir alegre se vislumbra en todo el disco y lo dejan en claro ya desde el primer tema. Guitarras de Folk Celta se hacen presente en el inicio de “The Boy Wonders”, las cuales dejan paso a un Pop muy pegadizo. Cambios de ritmo constantes y citas exóticas es lo que nos vamos a encontrar a lo largo de todo el Lp. La voz de desencanto de Frame marcan el pulso en “Walk Out To Winter”, un tema que baja un poco el ritmo del comienzo pero que sigue sosteniendo la gran calidad compositiva. Luego siguen otras dos buenas canciones como “The Bugle Sounds Again” y “We Could Send Letters”, las cuales en tono de balada son más reflexivas y nos muestra a Frame como un muy buen compositor de letras de desamores. 

El Pop vibrante y contagioso vuelve con “Pillar To Post”, un tema emparentado en su sonido a los contemporáneos The Housemartins -sí el grupo de Norman Cook, el de Fatboy Slim-, por su parte “Release” que arranca tímida con un sonido casi en tono de Bossa Nova se convierte al final en un Pop desenfrenado. Cierran el Lp la misteriosa “Lost Outside The Tunnel”, la balada tristona de “Back on Board” y la acústica y sentida “Down The Dip”, la cual sólo cuenta con la guitarra y la voz melancólica de Frame. Luego de este disco la carrera de los Aztec Camera cambiaría en varios aspectos, desde los estilos musicales, adaptándose a las tendencias reinantes con un muy buen Lp como “Stray”, aceptables como “Frestonia” y “Knife” o muy malos como “Dreamland”. Incluso Frame conservaría el nombre del grupo pero en algunos álbumes ya casi se vislumbraba como una carrera solista de él ya que de los miembros originales solo estaba él. 

Postcard Records pasó a mejor historia ya hace rato, sin embargo fue el cobijo para que muchas bandas escocesas -siempre un poco a la sombra de las de Inglaterra- formaran parte de una escena musical que quizás hoy por hoy esté oculta para la mayoría pero que vale la pena rescatar y apreciar además de servir para definir a una de las tantas escenas musicales de los ´80 en el Reino Unido.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Muse: “The 2nd Law”- Warner

Si hay una banda que por estos años es amada -e inflada- como odiada -y vilipendiada- hasta el extremo en ambos casos, esos son los Muse. Un grupo que en cada disco tiene que salir a demostrar lo grande que puede ser su sonido -muchas veces ya exagerado- pero que también tiene que explicar una y otra vez lo que pretende ser y que nunca termina de explotar. Los Muse son una banda difícil de encasillar ya desde su estilo musical, el cual muchas veces apunta a ser de obra maestra sólo entendida y comprendida a futuro pero que la cual hoy por hoy a veces peca de ser grandilocuente. Luego de un Lp interesante y muy jugado a la vez como fue “The Resistance” sacan este “The 2nd Law” el cual tiene aires de obra maestra pero que no termina de creérsela pero viéndolo desde otra perspectiva quizás se la crea y mucho. Por momentos quieren y pueden sonar a los Queen de “Innuendo” en “Explorers” o a los U2 de “Zooropa” en “Big Freeze”, a los Radiohead de “Ok Computer” en “Animals”, o al Bowie de “Hours” en “Panic Station” pero en cambio en otras oportunidades se quedan ahí en lo que pueden o podrían llegar a ser a futuro pero que hoy por hoy son un híbrido de todo eso. Ah… sí también esta “Survival” el teatral tema de los Juegos Olímpicos. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Tim Burgess: “Oh No I Love You” -  O Genesis 

Vuelve al disco, en este caso su segundo álbum en solitario, uno de los mejores sobrevivientes de la música inglesa que supo ganarle a las tendencias como es Tim Burgess. Luego de ser uno de los referentes principales al mando de The Charlatans en la movida Madchesteriana y de colarse en la oleada del Brit Pop, Burgess demostró la cintura de un campeón al estar siempre en vigencia aunque  nunca se lleve los laureles. Para este “Oh No I Love You” se tomó su tiempo y esto queda en evidencia por el tiempo que transcurrió entre su primer placa del 2003 y este segundo álbum. El que esté esperando el típico sonido de los Charlatans y la voz nasal de Burgess va a salir defraudado ya que nos encontramos ante un disco despojado de todo el background con el cual se hizo famoso. “Oh No I Love You” es un Lp con retazos Folk, sin ser ortodoxo en este estilo, parte de este sonido se lo debe a la colaboración que tuvo de parte de Lambchop y en la producción de Mark Nevers, viejo conocido del primer mencionado. Sin embargo, encasillarlo en el Folk no sería justo porque el tema “White” -corte del álbum- no lo es para nada, pero convive con canciones como “Hours” la cual tiene un trabajo de cuerdas excelente, la pastoral “Anytime Minutes” y varias más que dejan en claro que este Lp es una aventura musical para Burgess donde puede sacarse el traje de cantante de los Charlatans y hacer lo que se le de la gana sin ataduras. Fecha de Lanzamiento: 1 de Octubre.

Jon Spencer Blues Explosion: “Meat + Bone” -  Mom and Pop Music

Después de 8 largos años, los cuales nos hicieron creer que era un adiós definitivo, vuelve Jon Spencer con su Blues Explosion a editar un nuevo álbum. Dispuesto a ganar el terreno que cedió a los White Stripes y a los ahora en boga The Black Keys, vuelve el padre de todos estos con un disco que retoma las riendas de sus trabajos más garageros. “Meat + Bone” es meta palo y a la bolsa, Spencer no se anda con chiquitas y quiere dejar en claro quien es el padre de la criatura de ese Punk-Blues. Spencer vuelve con todos esos detalles que lo hicieron famoso, el riff sucio y cortante, los aullidos de lobo y el Punk Blues más primal. De todas maneras se cuela en el Lp el Funk bien groovero y sucio de “Get Your Pants Off” compitiendo con el clásico sonido de ellos en temas como “Bag of Bones”, “Boot Cut”, “Strange Baby” o “Danger” por citar solo algunos. Si estabas por colgar la campera de cuero y afeitarte las patillas todavía no lo hagas ya que la Explosión de Blues esta de vuelta. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Sly & The Family Stone: "Stand!" (1969)

Ver en estos últimos años bandas de rock de diferentes razas étnicas fusionando sus propias culturas o porque no también ajenas, mezclándose entre sí no ruboriza ni causa ningún tipo de desaprobación. Sí quizás más que nada puede despertar cierta curiosidad ya que este tipo de crossover de culturas goza de buena salud entre los esnobistas de siempre. Sin ir más lejos la Música Balcánica y el Afro Beat son algunos de los estilos que están algo en boga dentro de un mercado consumista y adicto a las tendencias y a lo cool. Estilos que siempre se mantuvieron flotando en su propia atmósfera pero que hoy la industria vuelve a recurrir en algunos casos para “lavarle la cara” al rock. 

Sin embargo, no sólo la fusión de culturas tiene que ver con los estilos musicales sino también con el color de piel. Sabemos el alto grado de persecución que existió y que en cierta medida aún existe en la historia de la humanidad ante las diferencias étnicas y/o de color. Las discriminaciones raciales estuvieron y aún están dentro de cualquier sociedad. La Afroamericana, por citar solo una, siempre fue perseguida por el blanco, hasta que de a poco fue ganando espacio saliendo de ese guetto que los mismos blancos terminaban fortaleciendo al relegarlos y separarlos de la sociedad que ellos creían era la correcta. 

Una década bisagra para esa raza fue la de los ´60 ya que a nivel social, político y cultural supieron dejar en claro sus derechos y esa voz que tantas veces fue callada pudo expresarse. Menudo caldo de cultivo se estaba gestando en esa década para la sociedad Afro ya que tenía una figura política bien marcada a quien seguir para representar sus derechos como fue Martin Luther King el cual además de abogar por la raza de color también profesaba la no violencia. La figura política y social no sólo se cerraba en él sino que también Malcolm X luchaba por la misma gente pero con otros ideales algo  diferentes a los de King. Además, por si todo esto fuera poco, por esos años creció y se fortaleció un movimiento que los identificaba pero el cual tenía su lado positivo-negativo como eran los Panteras Negras. Sin embargo, el cambio social no sólo era por el lado político sino que encumbraba otras fuentes de expresión como el cine y la música entre varios más. 

Dentro de lo musical, los artistas de color siempre fueron consumidos por su propia gente y también por esos jóvenes Baby Boomers que no tenían el prejuicio que si poseían sus padres. De todas maneras, ver sobre un mismo escenario artistas blancos y negros no era de moneda común y si sucedía no eran bien vistos por ambos sectores de la sociedad. Precisar que grupo de rock fue el primero en subirse a un escenario con una formación de diferentes razas puede ser una tarea quijotesca pero hasta casi superflua. Sin embargo, sí se puede asegurar que a mediados de los ´60 hubo un grupo como fueron los Sly and The Family Stone que fueron una bisagra por su contenido social y cultural en las letras y también por mezclar músicos negros con blancos en una misma banda, una tarea bastante valiente pero integrativa por partes iguales.

El cerebro de la agrupación era el Afroamericano Sly Stone el cual junto con su colectivo humano de músicos se fue abriendo paso dentro de la escena hippie Californiana de esos años a base de Funk, Psicodelia y Rock. Antes de llegar al disco “Stand!”, álbum que para muchos fue su cénit musical -dentro de mi gusto personal también incluiría el siguiente “There's a Riot Goin' On”- los Family Stone habían editado tres Lp´s que poseían temas destacables pero no lograban aún pegar el gran salto. A partir de “Stand!” la historia de Sly Stone cambio para bien pero también para mal, ya que comenzó un constante coqueteo con las drogas duras torciendo su música hacia una impronta cada vez más combativa en sus letras. Claro, la escena social por la que atravesaba EE.UU tampoco era la mejor, la Guerra de Vietnam estaba en 1969 pasando por su capítulo más virulento. Una violencia que no sólo era vivida en el lejano país Asiático sino que también dentro de la misma sociedad, el asesinato de Luther King, la radicalización cada vez más extrema de los Panteras Negras y varias cosas más golpearon por debajo del cinturón a los Americanos, pero eso ya es otro tema.

El éxito de “Stand!” junto con todo lo que estaba sucediendo en la sociedad americana atentó en cierta forma dentro del seno del grupo ya que los prejuicios raciales comenzaron a hacerse cada vez más viscerales, un ejemplo de esto es que los Panteras Negras presionaron a Sly Stone para que las letras del grupo fueran aún más combativas por los derechos Afroamericanos y que además despidiera a todos los miembros blancos que había en la agrupación. Esa sensación de aire denso que se vivía en la agrupación queda en evidencia en el excelente disco “There's a Riot Goin' On”, el cual ya instrumentalmente es más pesado tanto en letras como en música. 

Volviendo a “Stand!” ya desde el tema homónimo al disco que lo abre deja en claro posiciones y posturas, el estribillo clamaba por ponerte de pie por las cosas que creías que eran las correctas. La letra era un llamado a la unión sin distinción de razas y a la destrucción de los prejuicios raciales. El Lp sigue con el excelente “Don´t Call Me Nigger, Whitey”, el cual ahora sí ya desde el título deja en claro la impronta y el mensaje de Sly Stone. “No me llames Negrito, Blanquito” sería la traducción al castellano, aunque luego en la canción el mensaje se invierte marcando la posición imparcial de Stone, defendiendo a las dos razas por igual. No está demás mencionar que el termino Nigger en EE.UU es muy discriminatorio, la definición no es sólo la de Negro por el color, sino que encierra una ofensa aún mayor. El ritmo Funk y machacante no da respiro con “I Want To Take You Higher”, una canción con claras connotaciones a las drogas y al estar puesto, la cual se convirtió en un himno dentro del Festival de Woodstock.

“Somebody´s Watching You” es un bálsamo de tranquilidad luego de tanto desenfreno, un tema instrumentalmente muy bueno con unos arreglos en los bronces excelente. Una canción de ritmo más pausado en comparación con las anteriores pero bailable por igual. “Sing a Simple Song” en cuanto a letra podría estar dentro de sus primeros trabajos pero la calidad instrumental es muy buena y deja en claro cuanta influencia fueron los Family Stone para muchos grupos venideros, no sólo del Soul y el Funk sino también más inclinados al Rock como los Red Hot Chili Peppers o los Jane´s Addiction. Por su parte, “Everyday People” retoma el mensaje social y anti racista, mientras que “Sex Machine” -nada que ver con el tema del “Godfather” James Brown-, es un anticipo de la instrumentación más en clave jam que tendría la agrupación en su posterior trabajo. A lo largo de los 13 minutos que dura el tema, el Funk con el que comienza va cediendo terreno a un Rock más crudo y rudo. El Lp finaliza con “You Can Make It If You Try”, una canción con mensaje positivo que cierra el círculo con el que comenzó el álbum en “Stand!”, indicando que podes conseguir todo lo que te propongas si lo intentas.

“Stand!” estuvo más de 100 semanas en la lista de la Billboard, pero no sólo en estos fríos números hay que fijarse sino en que también fue uno de los primeros discos de Soul/Funk que abrió la conciencia socio-política, como así también fue fuente de inspiración para grupos venideros no sólo de negros sino también de blancos. De todas maneras, uno de los máximos logros es el de haber sido uno de los primeros grupos multirraciales y de ambos sexos dentro del Rock, un detalle para nada menor. 

The Killers: “Battle Born” - Island 

Uno de los regresos más esperados como era el cuarto álbum de los Killers deja en claro que los muchachos de Las Vegas ya no van en piloto automático como en su tercer Lp “Day and Age”, sino que más bien ahora en “Battle Born” ya directamente se bajaron del vehículo y lo dejaron al grupo andando solo. La espera venía siendo amenizada por un muy buen simple de adelanto como es “Runaways”, un tema interesante que quiere volver a revivir los días exitosos de la agrupación de los primeros dos álbumes -plagados de hits inmediatos- pero que está a media marcha en comparación con estos. Sacando esta canción, el disco no trae nada nuevo y está más cerca de ser una continuación de la carrera solista de Brandon Flowers que de los Killers. Sin embargo, ¿no le estaremos pidiendo demasiado a los Killers? Ya la cuota de hits nos la dieron y digamos la verdad, el que esté esperando un disco conceptual o jugado por parte de ellos puede esperar sentado largo rato porque se equivocaron de banda si aguardan eso. Los Killers se auto-repiten una y otra vez, ojo a algunos quizás les gusta eso, pero para ser sinceros cada vez están más cerca de ser The Friendlys que The Killers. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Grizzly Bear: “Shields” - Warp Records

Luego de un muy buen tercer trabajo como fue “Veckatimest”, el cual les trajo mucho reconocimiento por parte de la prensa especializada no hizo más que aumentar el grado de expectativa para ver con que se despachaban los Grizzly Bear. La espera finalizó con la edición de “Shields”. Un Lp interesante que de seguro se va a encontrar dentro de lo más destacable de este 2012 pero que quizás en un primer momento no sea de una fácil escucha. Esto se debe a que los oriundos de Brooklyn pareciera que siempre están en una búsqueda constante y en la reiteración de las escuchas de cada canción se pueden encontrar detalles que en un primer momento no se tuvieron en cuenta. Todo lo demostrado en “Veckatimest” es en “Shields” donde lo llevan al extremo, es acá donde consolidan su virtuosismo y experimentalidad en busca de nuevos sonidos. “Shields” merece ser escuchado de forma lineal y no por canciones ya que perdería el concepto del álbum y no quedaría en evidencia el grado de complejidad en armonías e instrumentación que tiene. ¿Los Radiohead de esta década?. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

Mumford & Sons: “Babel” - Glass Note

“Babel” es el más claro ejemplo de demostrar que si la “pegaste” con un primer álbum para que dejar de lado esa formula si en la reiteración se sacan resultados. Incluso le agregamos un par más de detalles vendibles y tenemos el negocio redondo. Con esto no es pegarle como a una bolsa de papas a “Babel” pero el reciente trabajo de los Mumford & Sons es muy regular y lo peor de todo, obvio. “Babel” es muy lineal pero en un sentido casi uniforme, todo suena igual, las canciones son todos muy similares. El grito en la voz de Marcus, la mandolina bien al frente que llega hasta casi exasperar, eso sí todo lo bueno que hicieron en el primer Lp acá lo vuelven a hacer, pero lo malo es que no hay diferencias entre lo bueno de un trabajo y otro porque casi son iguales. Este Lp pareciera ser el Volumen 2 de “Sigh No More” más que una nueva entrega, no hay nada novedoso, dejan en claro que están muy confortables con el espacio ya ganado, pero si no dan un volantazo urgente en un posible tercer disco más que alcanzar el cielo -por la Torre de Babel- van derechito a estrellarse contra el piso. Fecha de Lanzamiento: 24 de Septiembre.

Band of Horses: “Mirage Rock” - Columbia

“Mirage Rock” es el nombre del cuarto Lp de los oriundos de Seattle Band of Horses el cual los encuentra en muy buena forma. El que venga siguiendo la carrera del grupo va a percibir que en este álbum su sonido es diferente a todo lo anteriormente realizado por ellos. Dejan un poco de lado la pose rockera por un cancionero más emparentado con las baladas y un apego hacia la canción Americana. El cambio no les sienta para nada mal ya que nos regalan canciones con sentimiento como “Slow Cruel Hands of Time”, el toque Country en “Shut-In-Tourist”, el Folk a lá Crosby, Stills, Nash & Young de “Dumpster World” o la Americana bajón en “Heartbreak 101”. De todas maneras el rock de guitarras estridentes aún esta presente con la perfecta canción Pop de “A Little Bibical” o más anclado en el Rock con “Feud” o “Knock Knock” con la que abren el Lp. Para esta lavada de cara los Band of Horses contaron con la presencia del productor Glyn Johns -The Who, Dylan, Clapton-, con el que mutaron pero porque no decir que maduraron su sonido. Fecha de Lanzamiento: 17 de Septiembre.

Dinosaur Jr: “I Bet on Sky” - Jagjaguwar 

Después de la grata vuelta de los influyentes para muchos -aunque nunca mencionados- Dinosaur Jr los cuales volvieron con todo con discos muy recomendables como “Farm” (2009) o “Beyond” (2007) los vuelve a encontrar este 2012 con un nuevo Lp bajo el brazo como es “I Bet on Sky”. Si vuelven los Dinosaur Jr también regresan las guitarras bien al frente, esos sonidos Noise Rock y varios items más conocidos a lo largo de su historia, sin embargo también hay momento para las baladas en mid-tempo en este nuevo álbum. De esa trilogía de últimos discos quizás “I Bet on Sky” este unos escalones por debajo, también para muchos habrán dejado a un lado ese rock más furioso y ¿ablandarse? un poco en su registro pero sin embargo nunca perdieron la esencia en el espíritu de la banda y esa seguridad de no tener concesiones con la industria musical durante todos estos años, algo que sólo pueden conservar muy pocas agrupaciones. Fecha de Lanzamiento: 18 de Septiembre.

The Lumineers: "The Lumineers" (2012)

Seamos sinceros, la crítica comienza desde lo visual, la primera impresión que se tiene de algo, luego pasamos a otro plano, dejamos de lado un poco lo superficial y empezamos a adentrarnos en su interior, en lo de adentro por decirlo de alguna manera. Esto que podría ser el ABC de las relaciones humanas también se ajusta de manera precisa a la escucha de música, siempre hablando por supuesto en su formato físico. Cuando un disco llega a nuestras manos lo primero que hacemos es apreciar la tapa y de ahí surgen un montón de disparadores que nos pueden llevar a mundos de fantasía, ambientes oscuros, bellos paisajes, arte contemporáneo, o simplemente fotografías de la agrupación por citar solo algunos ejemplos. 

Si ya conocemos el historial de la banda y su discografía quizás es más fácil seguir las huellas de su camino en el arte de tapa, sin embargo cuando se nos pone enfrente un grupo novel o viejo aunque desconocido para las masas pero que cuentan con esas pequeñas joyas que la historia se encarga de ocultar como un cofre del tesoro ahí es cuando nuestra cabeza e imaginación puede tomar vuelos inesperados. Una portada puede decir mucho en una primera impresión y después el disco dejar que desear, mientras que en otros casos la sensación que puede despertar una imagen es muy disímil a la música que la acompaña. Como así también puede llevarnos de la mano a adentrarnos en sus sonidos gracias a esas imágenes o fotografías que uno puede disfrutar apreciando los detalles mientras de fondo gira el disco. 

Una de esas contradicciones -no siempre disfuncionales o negativas- de arte de tapa-música son las que tiene el primer trabajo de la joven banda de Folk Rock The Lumineers. Bajo una portada quizás más cercana a un espíritu Dark o Post-Punk gracias a ese recuadro en negro el cual enmarca una fotografía antigua en blanco y negro ya nos da un indicio de por donde puede ir la cosa. Sin embargo, el misterio se termina a los pocos segundos de comenzado el disco ya que las primeras notas suenan a un Bluegrass -2.0 por supuesto- con yeites de Folk Rock los cuales echan por tierra esa previa impresión que se había tenido del arte de tapa. De todas maneras, esos sonidos empiezan a ayudar a definir el concepto de la portada ya que en la misma se aprecia a una niña y una mujer y de fondo una especie de granero de pueblo del interior el cual sirve de guiño cómplice al revalorizar o tratar de dejar en claro el fiel apego del grupo por el Bluegrass más tradicional, por lo menos en la imagen, claro.

El primer Lp de nombre homónimo al grupo llamado The Lumineers se editó a comienzos de Abril de 2012 y cosechó buenas críticas apenas lanzado gracias a ese primer caballito de batalla que tienen de nombre “Ho Hey”, que detrás de un título insignificante esconde una canción de desamor. 

“-Ho, hey!- -Ho, hey!-” / -Ho!- He estado intentando hacerlo bien, / Hey!- he estado viviendo una vida solitaria. / Ho!- he estado durmiendo aquí en lugar de en otro sitio, / Hey!-he estado durmiendo en mi cama, / Ho!- he estado durmiendo en mi cama -Hey!-”

“-Ho!- Para así mostrarle a mi familia, / Hey!- toda la sangre que sangraría. / Ho!- No sé a dónde pertenezco, / Hey!- no sé dónde me perdí (o equivoqué), / Ho!- pero puedo escribir una canción -Hey!-”

“Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor / Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor -Ho!-”

Apoyados por el respectivo videoclip la canción es de una transparencia instrumental y vocal que lo hacen adictivo sostenidos en una melodía de un Neo Folk Rock pero con muchas aristas al Folk más tradicional. Estos jóvenes de Denver, Colorado se suben a esa pequeña y tímida ola que volvió a formarse por estos años de grupos emparentados con el Folk Rock, ya sea tanto en EE.UU como en el Reino Unido, con los Mumford & Sons como los más en boga de este último.

De todas maneras los Lumineers no sólo quieren ser una canción pegadiza sino que quieren demostrar que están para más y eso ya lo dejan en claro desde la primer canción “Flowers in Your Hair”, cuyo nombre sería del encanto y la satisfacción total para cualquier espíritu hippie que se precie de serlo. En menos de 2 minutos que dura el tema la guitarra y voz de Wesley Schultz ya se nos presenta con todo el slang campestre al que luego se unen batería y respectivos coros como carta de presentación. “Classy Girls” por su parte tiene un interesante arreglo de violines mandolinas y aplausos para recrear una canción de espíritu alegre. En “Submarines” dejan de lado a las guitarras y mandolinas para que el piano tenga el protagonismo total. “Dead Sea” y “Slow it Down” son dos  canciones interesantes que integran la placa las cuales tiene un aire introspectivo y sentimental.  “Stubborn Love” y “Charlie Boy”, tiene en las voces una reverberación que le dan a ese estilo Folk Rock un toque casi más épico a las canciones. Por su parte “Big Parade” continúa con la línea de instrumentación del disco mientras que “Flapper Girl” tiene un aire más de vodevil. Cierra el álbum “Morning Son”, tema con un alto protagonismo en la voz desgarradora, sufrida y sentimental de Schultz que acompañado por una guitarra eléctrica dan el broche final a un disco que tranquilamente puede estar dentro de los mejores del año.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

XX: “Coexist” - Young Turks

Uno de los lanzamientos más esperados del año -sino el más- era el segundo Lp del grupo XX. Quizás la vigilia era más por parte de la prensa especializada que por el publico en general, pero de todas maneras las expectativas que se tenían con el siguiente trabajo de los XX eran muy altas luego de haber cosechado elogios por doquier con su álbum debut. La expectativa por momentos puede acrecentar y fortalecer una cosa o circunstancia mientras que en otras la misma puede ser tan alta que termina siendo contraproducente. No se la pusieron nada fácil a los XX, sin embargo lo que pudiera haber sido un desgaste natural que hiciera que pierdan la frescura de ese álbum debut en “Coexist” se encargan de demostrar que lejos están de haber tenido sólo quince minutos de gracia. El trío chico-chica-chico inglés continúa en la misma senda de ese Dream Pop que le dio tanto crédito pero quizás perfeccionan un poco más su sonido o mejor dicho lo pulen. Uno de los highlights del año. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Vuelve uno de los artistas más inquietos y indescifrables que con el paso del tiempo se va volviendo aún más. Regresa al disco el ex Talking Heads David Byrne pero en este caso en colaboración de la agradable St. Vincent. Hoy ya sabemos que si accedemos a un trabajo de Byrne nos vamos a encontrar con sorpresas varias y nada cercano a lo obvio. La dupla funciona bastante aceitada -ya habían trabajado juntos en el proyecto "Dark Was The Night"-, y cada uno tiene un protagonismo y una figura dentro de cada canción sin pisarse ni sobresalir por encima del otro. Por ejemplo, la voz dulce de St. Vincent se fusiona perfectamente con la experimentalidad de Byrne y sus ritmos bien marcados. Darse cuenta de quien es el autor en cada canción y quien hace las veces de colaborador es una tarea bastante fácil y sencilla de realizar. Temas como “Optimist”, “Lightning” y “Forest Awake” llevan la manufactura de St. Vincent mientras que “I Should Watch TV”, “The One Who Broke Your Heart” o “Dinner for Two” llevan el sello de Byrne. Lo que deja a las claras que se trata de un álbum en conjunto y en colaboración pero que cada uno se destaca por si mismo, un Lp simple pero con alma de “doble”. Lo más cercano -salvando las distancias, diferencias y relaciones personales- al “Double Fantasy” de Lennon-Ono. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Elbow: “Dead in the Boot” - Polydor 

Hace ya unos años los Elbow demostraron que se puede hacer buena música y triunfar sin ser fachero y vendible. Los premios que ganaron por sus dos últimos trabajos, “The Seldom Seen Kid” y “Build a Rocket Boys!” los avalan. En este caso los Manchesterianos de Elbow vuelven al ruedo al editar un nuevo/viejo material. Nuevo porque recopila en un solo disco todos los Lados B que fueron editando en simples a lo largo de toda su carrera y viejo porque son justamente grabaciones hechas años atrás. Siempre se mira con cierta zozobra los compilados de los artistas sin embargo si se trata de un compendio de canciones que no fueron editadas de forma masiva en su momento se celebra con alegría. “Dead in The Boot” -nombre del Lp- sirve también para recorrer junto a la agrupación el cambio y el paso de los años en ellos y la madurez compositiva que fueron logrando a pesar de que el orden de los tracks no es cronológico. Un disco realmente recomendable pero que fiel a toda la discografía de los Elbow, merece de cierto tiempo y adaptación para que termine entrando. Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto.

The Raveonettes: “The Observator” - Vice Records 

Vuelve el dúo Garagero/Surfer más famoso y mainstream de la ultima década. Apoyados durante toda su existencia en sonidos y estéticas bien marcadas en los ´60 pero con una producción 2.0 los daneses de The Raveonettes ahora editan su sexto álbum, “The Observator”. Sin embargo, ya desde la tapa se ve un cambio radical en ellos, una portada fría, desolada y con mucho espíritu dark nos empieza a dar la pauta que hay un cambio en su música. Esto queda en claro ya desde el comienzo del disco en el cual sigue estando la voz etérea de Rose Wagner pero de fondo ya no suena más ese pop sucio pero a la vez contagioso sino que dan paso a melodías más relajadas y ensoñadas. Definitivamente el sonido de los Raveonettes, más allá de conservar sus característicos yeites, con este último Lp da un vuelco definitivo con respecto a todos sus trabajos anteriores. Habrá que ver si sólo se trata de un disco de transición o si ya definitivamente el curso de su camino ha cambiado. -“Love in a Trashcan”, volvé, perdona si alguna vez te dijimos ladri…-. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Calexico: “Algiers” - ANTI Records

Luego de 4 años vuelven los prolíficos y siempre rendidores de Calexico, banda de muy buena calidad compositiva pero que nunca se animó o pudo llegar a dar el gran salto. El encanto que siempre tuvieron los Calexico fueron esos sonidos fronterizos, de Tex-Mex, que aggiornados con una coqueta producción y un encanto 2.0 para masas los volvían cool y modernos. Sin embargo, hace ya unos años pareciera que un poco perdieron su Norte, sin dejar de lado esos sonidos que los volvieron conocidos, la balanza se inclinó un poco más a lo obvio y común y este “Algiers” más allá de tener la impronta de los Calexico queda un poco domesticado. Incluso pareciera que ellos se quieren despegar de lo que los volvió conocidos, ya que el corte elegido del álbum, “Splitter”, pareciera estar lejos de ser un tema de su factoría, a contramano de este corte en el Lp existen temas como la canción instrumental y de nombre homónimo al disco o también “The Vanishing Mind”, “Sinner in The Sea”, “Better and Better” o el latino “No Te Vayas” que son más cercanos al espíritu de la agrupación. Sin embargo, en su conjunto el Lp está bastante lejos de los mejores momentos del grupo ya que su sonido -por desgracia- perdió personalidad. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

The Vaccines: “Come of Age” - Columbia

El calendario de Septiembre se muestra en lo que resta del año, como uno de los meses más calientes en ediciones musicales, más que nada por que es el mes asignado para el lanzamiento de los segundos álbumes de algunas bandas que prometen y que deciden ponerse en juego al demostrar si eran sólo un hype o si tienen con que bancarse la parada. Una de ellas son The Vaccines, la nueva sensación inglesa que lanza “Come of Age”, su segundo Lp luego de haber cosechado elogios por doquier con su primer trabajo. Existe un viejo pero aún vigente mito de que el segundo disco de cualquier grupo siempre es el más difícil de lanzar, más que nada porque tiene que salir a pelear con el duro y difícil rival llamado comparación. Los Vaccines no la tuvieron nada fácil, pero mientras muchos grupos se rompen el marulo buscando un sonido totalmente diferente al del primer álbum para marcar la diferencia y el supuesto “crecimiento”, ellos decidieron pulirse y seguir en la misma senda del anterior Lp. “Come of Age” contiene además de los hasta ahora cortes de “No Hope” y “Teenage Icon”, buenas canciones muy bien producidas, logrando una vibrante continuación que está a la altura de su primer Lp y esto… no es moco de pavo. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Cat Power “Sun” - Matador Records 

“Sun” es el primer disco de Cat Power luego de seis años  de ausencia no solo de material nuevo -sin contar el álbum de covers “Jukebox”- sino también de los escenarios. Luego de un período de depresiones amorosas y discos olvidables, Chan Marshall, más conocida como Cat Power quiere volver a ocupar el pequeño pero muy defendido -por varios de sus fans- lugar de promesa/realidad femenina dentro del Indie. Ahora bien, el primer indicio de que una mujer quiere terminar con todo lo anterior de su vida y empezar a recorrer un nuevo camino lo deja en claro cuando se corta el cabello y este gesto simbólico pero a la vez psicológico en el sexo femenino fue lo que hizo Marshall. Dejemos de lado el look y pasemos a lo musical, “Sun” es un trabajo que la muestra relajada entre canciones que se dejan escuchar fácilmente como “Ruin”, “Cherokee”, “Always on My Own”, “Real Life” o “Nothing But Time”, el cual cuenta con la colaboración de Iggy Pop. El Lp quizás este unos escaloncitos por debajo de trabajos anteriores de ella sin embargo, no es un para nada desechable relanzamiento de su carrera cuando ya todos creíamos que había perdido la brújula. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Animal Collective: “Centipede Hz” - Domino Records

Vuelven los Animal Collective con su noveno disco de estudio, “Centipede Hz”. Luego del hypeado “Merriweather Post Pavilion” el grupo experimental lanza nuevo material bajo el sello Domino Records. Los de Baltimore se quieren despegar un poco de la gema Art Rock Experimental para periodistas como fue el anterior trabajo y acá deciden experimentar aún más. Sin abandonar del todo la estructura Pop el sonido se volvió más indescifrable. Explosiones de sonidos por todos lados, las canciones más allá de estar divididas, casi forman parte de una misma de larga duración. El álbum no es de fácil consumo, esto ya queda en evidencia desde la portada, en la cual sólo se percibe con seguridad la silueta de una boca, mientras que lo demás es casi indescifrable pero sirve como preaviso de lo que contiene en su interior, un cóctel de experimentaciones varias. Quizás lo disfruten los más fieles fans de la agrupación, pero para un oyente casual pueden resultarle molestos e indescifrables los sonidos que se producen por momentos. No hay hits inmediatos, salvo el corte que lejos esta de ser un tema radial, pero claro, si eso es lo que buscan siempre los Animal Collective, ser los más correctamente incorrectos y freaks de la escena musical. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Two Door Cinema Club: “Beacon” - Glass Note 

Vuelven los irlandeses de Two Door Cinema Club, luego de un rendidor primer Lp como fue “Tourist History” editan “Beacon”. Ya de movida, nos damos cuenta que la línea de su anterior trabajo sigue vigente pero a contramano de este no hay uno o dos temas realmente “gancheros” como en su primera placa. Esto no es un punto negativo sino más bien una realidad, pero que queda solapada por el alto nivel de energía que desprenden siempre sus canciones. La formula hasta ahora es la misma, canciones alegres con punzantes y veloces riffs de guitarra sostenidas por una base de bajo y batería en constante sintonía. Algo cada vez más común dentro de las nuevas bandas que aparecen bajo el eterno brazo acogedor del Indie. Se esperaba un poco más de estos jovencitos luego de un grato primer álbum, de todas formas el Indie Pop para Discotecas lo tenés asegurado. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.

Wild Nothing: “Nocturne” - Captured Tracks 

Dos años después de su debut con “Gemini”, el cual le trajo un reconocimiento bastante auspicio por parte de la prensa especializada, Jack Tatum, el cerebro de Wild Nothing edita su segundo trabajo con “Nocturne”. Este nuevo álbum es muy deudor del Jangle Pop de esa mítica pero efímera movida musical llamada C-86, teniendo por supuesto mucha relevancia y protagonismo el rasgueo típico de ese estilo en las guitarras. Rodeado también bajo unas atmósferas de Dream Pop el Lp se deja escuchar de forma amena y fácil. Otros grupos también contemporáneos a ellos como DIIV o los Beach Fossils -salvando las distancias en que cada uno tiene su propio estilo- parecieran ser parte de una pequeña movida muy identificada con el Jangle pero también de las atmósferas oníricas y de ensueño que parecieran estar algo de moda. Canciones cristalinas, sensibles y puras es lo que se puede encontrar en “Nocturne”, un disco que se deja escuchar pero que quizás para algunos pueda despertar la frase desganada de “-se,…lindo-”. Fecha de Lanzamiento: 28 de Agosto.

Electric Light Orchestra: "Time" (1981)

La pregunta podría ser: ¿Cuál es el siguiente paso de una banda de rock luego de haber editado su disco más vendedor, popular y que contiene canciones que se metieron en el inconciente de las personas? La respuesta tiene dos opciones, tratar de seguir el camino ya cimentado por ese trabajo y seguir “facturando” repitiendo una y otra vez lo mismo para obtener resultados satisfactorios y económicos o darle la espalda a ese éxito y realizar un trabajo totalmente diferente. Dentro del Rock, algunos grupos decidieron elegir el atajo de la primera opción mientras que otros decidieron inclinarse por la segunda, ejemplos sobran en ambos casos. 

Uno de esos grupos que dejó todas las luces del éxito -o lo encaminó en otra dirección- fueron los Electric Light Orchestra, más conocidos como la ELO, cuando después de editar el ultra vendedor “Discovery”, el cual contenía los hits rendidores -en cualquier fiesta que se precie- como “Shine a Little Love”, “Last Train To London” o “Don´t Bring Me down”, sin dejar de lado incluso hits radiales como “Confusion” o “Midnight Blue” editan el álbum conceptual “Time”. Hagamos una regresión y situémonos en 1979, en materia musical el estilo que era la vedette era la música Disco y muy pocos grupos hicieron la vista gorda a este movimiento y tuvieron sus quince minutos -para algunos se convirtió en mucho más- de coqueteo y affaire con el Disco. Incluso algunos grupos quedaron encasillados injustamente dentro de este movimiento como los Bee Gees y hasta  por ahí nomás la misma ELO. Los Kiss y los Stones tampoco se salvaron y estuvieron a la orden del día con sus respectivas canciones Disco, por supuesto  no todos quedaron tan en ridículo con el paso del tiempo y en algunos casos esas canciones se convirtieron en un clásico de su discografía. 

Ya para comienzos de los ´80 una vez más la industria musical estaba en constante cambio y Jeff Lyne, siempre comandando a la ELO, decide dar una vuelta de timón de 360 grados al editar “Time”, un álbum conceptual que recoge el guante que había hecho con el Lp “Eldorado” a comienzos de los ´70. Esta nueva aventura musical de Lyne fue bastante “jugada” ya que para esa década los discos conceptuales estaban de vuelta ya hace rato porque su época de gracia había culminado hace tiempo. Sin embargo la mente siempre hábil de Lyne no iba a pecar de tan obvia e ingenua, no realizaría un Lp medio densón, largo y con una trama tirando a aburrida como en el  mayor de los casos tienen los álbumes conceptuales, sino todo lo contrario, se trata de una gema Pop, bien moderna, que incluso hoy a la distancia suena contemporáneo. Con unas cuidadas voces -siempre presentes como en todos sus trabajos- vuelven a transitar en algunas canciones ese fiel apego por esos sonidos comúnmente catalogados como Beatlesque, que en más de una vez los comparó con los fabulosos cuatro. Incluso, el desapego de Lyne por todo su anterior trabajo queda en claro ya desde la portada del disco. Es la primera de los nuevos Lp´s que no cuenta con el típico logo del grupo, toda una declaración de un nuevo comienzo para la ELO.

Si “Time” es un álbum conceptual tiene que tener una trama y la misma relata la historia de un hombre que es transportado en el tiempo hasta finales del Siglo XXI. En ese espacio-tiempo queda fascinado por todo lo que lo rodea pero a contramano de esta alegría se siente en desgracia por haber dejado en este viaje a la mujer que ama. Para suplir esto se lo ha dejado con una mujer-robot pero por supuesto no puede reemplazarla porque ella no puede amar y el tampoco puede hacer lo mismo con un robot. Decide terminar con todo esto y pide volver a su tiempo, deseo que le es negado. Como consecuencia de esto emprende una huida con vicisitudes varias hasta que al final es devuelto a su año de origen.

“Time” abre con “Prologue”, una voz robotizada que ya nos avisa del viaje a una nueva dimensión, la cual sigue con “Twilight” una canción Pop perfecta, con voces bien cuidadas y un ritmo contagioso y alegre. Por su parte “Yours Truly, 2095”, “From The End of The World”, “Here is The News” o “Another Hearts Breaks” exploran los sonidos de moda como la New Wave o el Synth Pop. Sin embargo, el regreso a esas melodías cuasi progresivas y de voces perfectas, lo encontramos en los excelentes “Ticket To The Moon”, “Rain is Falling” o “21st. Century Man”. Otros ritmos que se encuentran en “Time” pueden ser el Reggae Blanco -también explotado por esos años- de “The Lights Go Down”,  o el Pop Radial de “The Way Life´s Meant To Be” y el Rockabilly de “Hold on Tight”, temas más emparentados al sonido que haría en años venideros con el mega grupo The Travelling Wilburys. 

Jeff Lyne, a la distancia, siempre miro de reojo los últimos trabajos de la ELO, discos buenos pero menores comparados con la discografía de la banda. Sin embargo, es injusto que “Time” sea posicionado en este escalafón, un Lp que tuvo que lidiar con la sombra del exitoso “Discovery” pero que en materia musical ofrece mucho sin pedir nada a cambio. Un álbum injustamente subvalorado y pasado siempre por alto dentro de la discografía de ellos y mucho más si hablamos del gusto popular. Sin embargo nunca es tarde para redescubrirlo.