El Blues Británico, también conocido como Blues Blanco, fue la respuesta inglesa al Blues Americano. A comienzos de los ´60, en EE.UU, las grandes figuras del Rock and Roll estaban en retirada cada uno por diversos motivos y ganaron su lugar figuras de un rock/pop edulcorado para Teens que interpretaban canciones de otros. Sin embargo en Inglaterra, gracias a radios piratas se escuchaba Blues, R&B y Rock and Roll, pero no el de rockeros conocidos como Elvis, Little Richard, etc. Sino el de los Bluesmen rurales o urbanos que fueron olvidados y tapados por una sociedad americana que no veía con buenos ojos el advenimiento de esa música. Así, jóvenes que luego formaron sus propios grupos, empezaron a escuchar y a interesarse por esa música “prohibida” que tenía como interpretes a Willie Dixon, Robert Johnson, Elmore James, Muddy Waters, Howlin Wolf, y tantos otros. Así se formaron los primeros grupos de R&B británico como los Stones, Animals o Yardbirds que apuntaban a un público juvenil, mientras que casi de forma paralela existían otros grupos, que apuntaban a una audiencia “menos histérica” y que profesaban el más fiel amor por el Blues. En un principio ejecutándolo con un purismo absoluto, pero que con el paso del tiempo fue ganando en impronta y en actitud imponiendo su propio estilo y sello. Este género se denomino Blues Británico o Blues Blanco y dejo boquiabiertos a la sociedad americana que vio como unos chicos que nacieron a kilómetros del Río Misisipi, supieron interpretar y definir un estilo haciéndolo propio. Acá van cinco discos que definen ese Blues Británico.


J. Mayall & The Bluesbreakers - "The Bluesbreakers With Eric Clapton" 1966

Cuando se menciona a los Bluesbreakers de John Mayall siempre se recae en el dato básico de que por sus filas estuvieron tres de los guitarristas más importantes de los ´60/70 logrando una trilogía de Lp´s indispensables. Dentro de esta cantera de promesas estuvieron Eric Clapton -no requiere demasiada presentación-, Peter Green, quizás la gran promesa trunca del blues blanco, y el niño prodigio Mick Taylor luego futuro miembro de los Stones en los ´70. Hasta acá todo muy lindo, pero no hay que restarle méritos a Mayall por dos cosas, primero por saber rodearse de la gente correcta en pos de fortalecer sus canciones y segundo porque es uno de los principales gestores -aunque su reconocimiento popular no lo acompañe- de llevar al blues a ganarse un lugar dentro de la conservadora sociedad inglesa de los ´60. Una vez más vamos a caer en el ABC de la historia del Blues Blanco inglés -a pesar de que trabajos posteriores de Mayall sean muy buenos también- para reseñar un Lp fundamental en la definición de este estilo como es el disco que realizó con Clapton llamado “Bluesbreakers With Eric Clapton”. Desde la portada ya vemos a “mano lenta” Clapton leyendo un típico comic inglés y nos muestra la liviandad con la que se toma ser la estrella de las seis cuerdas hasta ese momento, contando con el padrinazgo y seguridad que le daba Mayall como líder del grupo. Completaba la formación un también joven John McVie -futuro miembro de los Fleetwood Mac- en el bajo y Hugh Flint en la batería. El Lp comienza con una interpretación del tema “All Your Love” de Dixon que gracias a la guitarra de Clapton y a la voz de Mayall lo convierten en un clásico atemporal. Así se va sucediendo un tema tras otro del más puro amor por el Blues y el R&B, como el instrumental “Hideway”, o el aporte de Mayall con la armónica en “Another Man”. Nombrar una canción por sobre otra en este disco sería ser injustos ya que todas son importantes y excelentes, incluso cuando se corren de los standards y los Bluesbreakers ejecutan las composiciones de Mayall como en “Little Girl” y “Key To Love”. Sin embargo, como todo lo bueno, esto dura poco, solo un disco, ya que luego el inquieto de Clapton decide irse de los Bluesbreakers y formar su propio grupo. De todas maneras, el verdadero artífice de esa maquinaria de blues blanco fue John Mayall que no tardo en recuperarse del golpe y conseguir reemplazo en lo inmediato y seguir regalándonos discos del más puro R&B.

Cream - "Fresh Cream" 1966

La creme de la creme, de esta frase se desprende uno de los nombres mas grandilocuentes dentro del rock, Cream. Sin embargo, más allá de este nombre demaisado egocéntrico, a mediados de los ´60, se formo el primer super grupo de rock para la ejecución de un Rock y Blues furioso, que unos años más adelante sirvió como embrión para el venidero Hard Rock de Led Zeppelin y Deep Purple entre otros. Cream fue un trío, y como bien se sabe, cuantos menos integrantes son algunas veces se hace más difícil cubrir los espacios dentro de un tema, sin embargo sus tres miembros tenían mucha espalda para lograr conseguir esto. Entre sus filas estaban, un ya famoso Eric Clapton -sí una vez más y van…- en la guitarra, luego de su paso los Yardbirds y los Bluesbreakers y dos miembros como Jack Bruce y Ginger Baker que tenían un excelente curriculum que aunque la fama no los haya tocado de cerca eso no quita la calidad de los mismos. Estos dos últimos, venían de una banda muy respetable por esos años pero muy poco popular para la historia moderna como la Graham Bond Organization. El primer Lp que graba Cream quizás no sea el mejor disco de ellos, “Disraeli Gears” su segundo trabajo es quien se lleva estos honores, pero es aquí donde la pasión por el Blues y el R&B empieza a cruzarse con una interpretación y ejecución por parte de sus integrantes que logra llevar este estilo a otro nivel. Las canciones empiezan a dejar de ser de tres minutos de duración -un standard habitual para la época- para pasar a ser grandes jam de improvisación y solos de batería, bajo o guitarra según corresponda. Esto se puede palpar en “Spoonful” de Dixon que dura alrededor de seis minutos, pero aun con esto se nota que lo mejor de Cream estaba por venir ya que a pesar de romper ciertos cánones de la industria musical con la duración de los temas, aún se les notaba que estaban con el freno de mano puesto. Volviendo a lo que se había mencionado más arriba, “Fresh Cream” significó la punta de lanza para muchos próximos grupos que les encantaba el Blues y el Rock, pero que también querían ponerle su propio sello a las interpretaciones, haciéndolos un poco más furiosos en algunos casos o con más técnica en otros y no meras copias de los clásicos de los Bluesmen americanos. Esa urgencia e impronta se percibe desde el primer tema de la placa como es “I Feel Free”, pasando por “N.S.U”, “Sweet Wine”, “Rollin and Thumblin” y terminando con “I´m So Glad”. Luego Cream se volvería un poco más psicodélico en su sonido, acorde con la época, pero es con “Fresh Cream” donde la crema de Inglaterra empieza ya a degustarse.

The Rolling Stones: "Ladies & Gentlemen"

Sección nueva, en este caso hacemos una pausa en la reseña de discos, pero nos corremos sólo un poco ya que el leitmotiv de todo esto es la música, pero en este caso vamos a verla, valga la redundancia, en su formato fílmico. Para este debut vamos a aprovechar la reciente edición en DVD del reestreno del film de los Rolling Stones “Ladies & Gentlemen”, ya que por primera vez se lanza de forma oficial este documento que registra la gira de presentación del disco de 1972 “Exile on Main Street”. La película se exhibió en cines en 1974 y desde ese año fue archivada para siempre hasta ver la luz en 2010 totalmente reparada, con una mejora en cuanto a sonido, color e iluminación. Sin embargo, no esta de más mencionar que antes sólo se conseguía en su formato de bootleg, pero sin lugar a dudas es más que bienvenido este DVD. La industria musical, para apalear la competencia desleal que le propicia la piratería, decide editar además de esta “nueva” película, el documental “Stones in Exile” donde muestra a Sus Majestades Satánicas durante la grabación del álbum doble grabado en Francia “Exile on Main Street”. Sin embargo -esto no es todo amigos- también se remasterizó el disco mencionado, se le agregaron bonus tracks y una presentación de lujo para poner la frutilla del postre de este marketing feroz con la salida del DVD “Ladies & Gentlemen”.

En detalle el film reúne las imágenes de cuatro recitales que dieron los Stones en Junio de 1972 en Forth Worth y Houston, EE.UU y muestra al grupo en su pico máximo de plenitud sobre un escenario. Son los poderosos y rockeros Stones de los años ´70, y los muestra muy afilados y unidos a la vez. No está de más mencionar que ellos venían de sufrir varios embates a finales de los 60 con la temprana muerte de Brian Jones y el cimbronazo que significó con esto la partida de uno de los miembros fundadores del grupo y todo su aporte musical. Como así también la persecución policial y fiscal que provenía de su tierra natal, Inglaterra, y como si todo esto fuera poco, la mochila de carga que tenían que llevar de la trágica muerte que se suscitó en el concierto de Altamont también registrado en el film “Gimme Shelter”. Para salir de toda esa onda negativa que los rodeaba los Stones deciden “exiliarse” en un castillo de Francia para grabar su próximo álbum, que a contramano del lugar donde se instalaron suena muy americano, con muchas raíces del Blues, R&B, Honkey Tonk, etc.

“Ladies & Gentlemen” muestra a un Jagger en un estado sobresaliente, saltando y brindando todo en el escenario, dejando bien en claro que se encuentra dentro de los mejores Showman de rock de la historia. Para confirmar que el bocón líder de los Stones se encontraba en todos esos “pequeños detalles” se lo puede ver con varios vestuarios, cada uno de una presentación diferente -todos muy ajustados por cierto- que lo retratan de cuerpo entero como la gran figura de la banda. A su lado se encuentra el alma del grupo, Keith Richards, el cual estaba en plena adicción a las drogas pero que se dio un gusto bien en grande volviendo a la banda a sus inicios musicales pero con más fuerza instrumental. Estos dos estaban apoyados en la base bien firme, pero poco demostrativa de Bill Wyman y en los parches del excelente Charlie Watts. Para lo ultimo dejamos a Mick Taylor, el nuevo integrante que reemplazo al malogrado Brian Jones, que le aportó al sonido de los Stones esa impronta rock que estaban empezando a dejar de lado en su etapa más psicodélica. El nuevo “niño prodigio” de las seis cuerdas aporta tal cual se puede ver en varios temas del film como “Love in Vain” unos solos magníficos y un uso del slide envidiable, congeniando de forma perfecta con Richards en el armado de las guitarras.

Las imágenes del DVD tienen un alto grado de protagonismo en la figura de Jagger y todos sus bailoteos sobre el escenario, mientras que luego se reparten las tomas los demás miembros del grupo. Como punto alto dentro del film hay que indicar que el director sólo se basó en mostrar a la banda y no existe ningún plano al público, cosa que muchas veces molesta si es utilizado este recurso en demasía. También hay un gran juego de cámaras y planos cortos que sirven para mostrar los detalles en la ejecución de los instrumentos. Como se mencionó más arriba, el film es bienvenido para todos los fans de los Stones y del rock en general ya que los muestran bien aceitados y más potentes que nunca.

La lista de los temas está basada en canciones de finales de los ´60 y principios de los ´70, como así también del flamante nuevo disco. El DVD abre bien arriba con “Brown Sugar”, para luego continuar con una larga lista de temas como “Bitch”, “Gimme Shelter”, “Dead Flowers”, “Happy”, “Tumbling Dice”, “Love in Vain”, “Sweet Virginia”, “You Can´t Always Get What You Want”, “All Down The Line”, “Midnight Rambler”, “Bye Bye Johnny”, “Rip This Joint”, “Jumpin Jack Flash” y cierra con “Street Fighting Man”.

Además como Bonus el DVD trae una entrevista hasta ahora inédita realizada a Jagger en el programa “Old Grey Whistle Test” de la TV Británica donde se lo ve jovial, muy locuaz y hablando de varias cosas, como la dupla Lennon-McCartney, el florecer del Glam Rock y la figura de Marc Bolan entre otras cosas que son muy apreciadas por los coleccionistas. Por último, además trae imágenes de un ensayo en donde ejecutan dos temas y una jam. Sin lugar a dudas, “Ladies & Gentlemen” es un DVD que es celebrado dentro de los “rescates” que nos da el tiempo y la industria musical a todos los coleccionistas para ser disfrutado ¿por qué no?, con unos buenos pochoclos.

The Rolling Stones - "Happy"

Don McLean: "American Pie" (1971)

“El día que murió la música”, bajo esta frase, quizás demasiado exagerada y por que no también grandilocuente, se conoce a uno de los más trágicos accidentes que se dieron en la historia del rock. Este título fue acuñado por el cantautor Don McLean en una estrofa de su canción “American Pie” a raíz de la tragedia aérea del 3 de Febrero de 1959 que se llevó la vida de tres referentes de la gestación de los primeros acordes del rock and roll como son Ritchie Valens, creador de “La Bamba”, The Big Booper, y el mas conocido de ellos -quizás también el mas inocente- Buddy Holly. La frase luego fue utilizada como estocada final por parte de la prensa para representar el fin de los ´50 y con ello a los íconos del rock and roll como Elvis Presley que entraba al ejercito en el pico de su carrera, Chuck Berry que fue arrestado, por su parte Little Richard se aboco a la religión, Jerry Lee Lewis también tuvo problemas legales y Buddy Holly sufría este deceso. Sin embargo, la mirada más romántica del título se debe a la figura de Holly, un chico muy tímido, con gafas bien grandes y una imagen de nerd que no despertaba ningún tipo de suspiro por parte de la platea femenina, pero que gracias a la inocencia de sus letras y la visión romántica de las mismas, como así también la composición de sus temas, despertó no sólo en el público la más profunda admiración, sino también por parte de sus contemporáneos y músicos venideros.

Uno de los recientes mencionados es Don McLean que dedicó esa canción a Holly más allá de que en futuras entrevistas negara siempre el verdadero significado de la misma. Sin embargo, adjudicarle un sólo sentido a “American Pie” sería sólo ver el árbol y no el bosque, ya que resume parte de la idiosincrasia y de la historia americana. Esto es tan así que “American Pie” fue reconocida como una de las mejores canciones del Siglo XX posicionándose en el puesto N° 5 y acentuando la importancia que tiene como patrimonio musical y cultural para los EE.UU. El tema que abre el disco homónimo, segundo en la discografía de McLean tiene una duración de más de ocho minutos la cual comienza de forma muy tranquila y lenta, acelerándose y tomando ritmo en su mitad y finalizando nuevamente de forma acústica. Que una canción sea la radiografía de la sociedad de un país es una tarea muy difícil de lograr, sin embargo, este tema resume -a su manera- algunos de los hechos más trascendentes que marcaron el pulso de los EE.UU. Muchas estrofas son directas y no requieren de una segunda lectura, mientras que otras necesitan ser miradas con un poco más de atención ya que utiliza metáforas para citar algunos personajes sin utilizar sus nombres.

En la canción algunas de las personas que desfilan en sus menciones son The Rolling Stones, Bob Dylan, Janis Joplin, John Lennon, Karl Marx, The Beatles y la llegada del hombre a la Luna, como así también hechos trágicos que enlutaron al rock y a la sociedad americana como fue el concierto de Altamont brindado por los Stones que tuvo una muerte filmada en el documental “Gimme Shelter” por una gresca entre la cofradía de motoqueros Hell´s Angels y el público. También cita el asesinato macabro que causó Charles Manson a Sharon Tate, esposa del director de cine Roman Polanski junto a otros invitados durante la fiesta que mantenían en su casa, como así también el ya mencionado accidente que sufrió Buddy Holly al caerse la avioneta en la que viajaba.

El disco prosigue con la dulce y arrulladora “Till Tomorrow”, que trasluce y deja ver por su letra la incógnita de un futuro mejor que se plantea McLean sobre el desamor que existe en el mundo. La siguiente canción fue el segundo corte que tuvo el disco y una vez más esta dedicada a una figura con mucha historia en su espalda como es el pintor holandés Vincent Van Gogh. El tema “Vincent” dedicado a uno de los más grandes artistas de la pintura fue injustamente opacado por el éxito que tuvo “American Pie”. Sin embargo es otro de los highlights más interesantes que tiene el Lp. La construcción de la canción tiene una belleza y es perfecta por donde se la mire, desde el tratamiento que tuvo la voz de McLean, pasando por la guitarra y la producción que hubo detrás del mismo, la cual puede sonar simple, despojada de grandes efectos pero tiene esa magia que nos hace pensar que un efecto y un agregado de más la arruinaría.

Las discriminaciones de raza, religión y de genero siempre existieron en todos los ámbitos y el rock no fue indiferente a estos hechos. Si mencionamos de forma puntual el relego que el hombre concedió al rol de la mujer dentro de la sociedad, quitándole derechos, privilegios y adjudicándole sólo ciertas funciones -no vamos a entrar en detalles cuales- dentro del rock también tuvieron que convivir con cierta mirada de reojo y zozobra por parte del sexo masculino. Sin embargo, paralelamente que la mujer iba ganando terreno dentro de la sociedad adjudicándose y “ganando” nuevas funciones que hasta ese momento no existía dentro de la idiosincrasia general, también así lo fueron haciendo dentro de ámbitos estrictamente dominados por los hombres. Uno de ellos es la música rock, el cual siempre es bien visto que sea ejecutado por hombres y se mira con cierto desdén cuando una mujer se sube al escenario. Sin embargo, para muestra basta un botón y existen infinidad de ejemplos de mujeres dentro del rock que supieron ganarse su lugar en la historia como Janis Joplin, Joan Baez, Joni Mitchell, Aretha Franklin, Nina Simone y tantas otras. Hasta ahora bien, sólo mencionamos cantantes solistas, de todas maneras también existieron infinidad de grupos comandados por mujeres cuando la mayoría de la agrupación era del sexo masculino, repasemos Blondie, Siouxie and The Banshees, Fairport Convention, Jefferson Airplane y tantos más. Sin embargo, la nota a continuación hace un repaso de algunos de los tantos grupos que estaban compuestos en su totalidad por mujeres haciéndoseles una tarea para nada fácil el destacarse dentro de un mundo dominado por el sector masculino y como si fuera poco en un ámbito que al comienzo de su historia también estaba integrado sólo por los hombres.


The Runaways

Malcolm McLaren, manager de The Sex Pistols tuvo con ellos su “gran estafa del rock and roll”, sin embargo Kim Fowley con The Runaways tuvo la suya -salvando las distancias y el concepto- en su veta femenina. Aún hoy muchos ven a The Runaways como un grupo “prefabricado”, sin embargo la idea de conquistar el mundo de la música en un grupo integrado solo por mujeres era una propuesta muy jugada y revolucionaria en un ámbito donde la figura masculina era el común denominador. Fowley armo un aparato marketinero alrededor de unas chicas adolescentes vestidas de cuero y las convirtió en estrellas de rock, haciendo mucho hincapié -parte de su estrategia de venta- en la imagen de ellas. Para esto juntó a una casi quinceañera Cherry Currie, luego apodada “Cherry Bomb”, también título del tema más conocido de este grupo, el cual jugaba en su letra con el doble sentido de una nena de papá y mamá que de repente se convierte en una pequeña bomba sexual. Currie tenía la apariencia de una niña pero debajo de esa imagen naif convivía un demonio interior el cual se traslucía con su actitud provocativa y sexual que supo explotar por su forma de vestir y sus movimientos sobre el escenario. La otra figura relevante del grupo fue Joan Jett, la cual era la más rockera de todas por su forma de ejecutar su instrumento, la pose y su forma de ver el grupo -ella nunca considero esto como una banda prefabricada- convirtiéndola en la verdadera alma de la agrupación. El conjunto se completaba con otras tres chicas que no desentonaban pero las más llamativas eran las anteriormente mencionadas. La vida de The Runaways fue escasa, solo duro unos años, pero supo colarse dentro de la explosión punk por su sonido y su imagen desafiante y provocadora ubicándose dentro de la reseña de este estilo en la historia del rock. Sin embargo, su formación musical era más deudora de las melodías Hard Rock que del Punk. Por su parte, Fowley supo “vender” al grupo dentro del mercado Europeo y el Nippon, constituyendo en este último un verdadero boom de ventas ubicándose en el tercer lugar de ventas de productos musicales importados, solo aventajados por Led Zeppelin y Kiss. La formación original sólo editó dos Lps “The Runaways” y “Queens Of Noise”, hasta la partida de Currie por problemas psicológicos y de adicción. El grupo siguió con Joan Jett en la voz principal hasta su disolución de la cual se formaron varios grupos como The Blackhearts o The Bangles entre los mas reconocidos. Mas allá que The Runaways siempre corra con el concepto de grupo “armado”, no hay que quitarle el merito a sus integrantes ya que ejecutaban sus instrumentos ellas y lograron realizar trabajos muy dignos.


The Slits

El punk fue quizás el estilo que mejor supo aceptar las diferencias de géneros abriéndole la puerta de la igualdad de derechos al sexo femenino. Incluso estilos y sub-estilos posteriores siguieron llevando en alto la bandera de la integridad de las mujeres dentro del rock. Esto se puede vislumbrar de forma clara en grupos como Blondie, Plasmatics, Siouxie and The Banshees o X-Ray Spex, que contaban con integrantes femeninas dentro de ellos y que además como si fuera poco incluso eran sus líderes y voz principal. Sin embargo, un grupo netamente formado por mujeres fueron The Slits que con su disco “Cut” de 1979 se encuentran en una posición de culto dentro de la escena punk inglesa. Al comienzo de su carrera, y en plena explosión del punk, The Slits sonaba muy primal, rústico y no tenía grandes motivos para destacarse, sin embargo con el correr de los años y cambios en su formación fueron adoptando y recreando otros estilos abriendo su panorama compositivo. Con la salida de Palmolive, baterista original de la agrupación, y el futuro ingreso de Budgie, más tarde integrante de los Banshees, las canciones logran tener otro aire y no el sonido machacante y monótono de sus primeros temas. Esta apertura de sonidos hace que el grupo abrace con fervor ritmos Afro junto con un gran interés por el Dub y el Reggae. De todas maneras, estos estilos no ocultaban el verdadero contenido del mensaje directo que conllevaban sus letras. Varias de las canciones suponen un punto de inflexión y un corte de manga importante a los roles impuestos a las mujeres hasta ese entonces, sin caer en la simple propaganda feminista, haciendo sólo uso de la ironía. La banda conjugaba unos ritmos festivos con armonías discordantes apoyados en la voz con gorjeos casi indescifrables de la alemana Ari Up. Por otra parte, la portada de su debut, también fue motivo de polémica, ya que las mostraba como unas Amazonas, llenas de barro y sólo tapando sus partes púdicas con unos pedazos de tela. Hoy a la distancia, la impronta y el legado que dejaron ellas fue muy importante dentro de la movida del Do It Yourself y abrieron el camino de la igualdad femenina dentro de la jungla dominada por el sexo masculino a machetazos, cual Amazonas.


The Shaggs

Si Frank Zappa y Kurt Cobain en respectivas entrevistas dijeron que tal disco es uno de los mejores de la historia uno puede pensar en muchos trabajos pero sin embargo, nadie pero absolutamente nadie, va a pensar en un grupo de hermanas que formaron una banda llamada The Shaggs y que en realidad es uno de los peores discos de la historia. Sabemos que muchas veces los artistas durante sus entrevistas dicen muchas cosas para llamar la atención y para reírse del entrevistador o también por el revuelo que puede llegar a causar sus dichos a futuro, sin embargo con esto engañaron a muchos ilusos que fueron en pos de encontrarse con poco menos que el cáliz sagrado en forma de Lp. Todo lo contrario, el disco es realmente muy malo, tanto en ejecución de sus instrumentos como en armonías vocales, sin embargo gracias a las declaraciones anteriores es hoy visto como un álbum de culto, sólo para fetichistas y coleccionistas. Como si todo esto fuera poco, la historia de cómo se grabo el Lp no es para nada despreciable y hasta puede llegar a ser ridícula o bizarra. Todo comienza con Austin Wiggin, un trabajador del estado de New Hampshire que en su juventud tuvo la predicción de una bruja que le dijo a su madre “Tu hijo se casará con una mujer pelirroja, tendrá dos hijos antes de que mueras y sus hijas formarán un famoso grupo musical”. Las dos primeras predicciones se cumplieron a rajatabla y ¿que hizo nuestro antihéroe? Hacer que sus hijas formen un grupo que los lleve a la fama y les salve su economía para siempre. Sin embargo -pequeño detalle- no sabían cantar, no eran lindas (la tapa lo demuestra) y no sabían ejecutar ni una sola nota. Sin embargo, Austin no se iba a rendir tan fácilmente y les compró instrumentos, contrató a una profesora de canto y como si fuera poco pagó para que grabaran el disco “Philosophy of The World” de 1969. La repercusión que tuvo el Lp fue escasa y/o nula, lo que causo la disolución del grupo y la rotura del sueño que tuvo Austin de consagrar a sus hijas. El disco suena muy primitivo, sin el menor arreglo de los instrumentos y con ninguna armonía vocal. De todas maneras, hoy ya corrió demasiada agua bajo el puente y ya muy pocas cosas nos puedan llamar la atención, pero a principios de la década del ´70 sonar así era muy de avanzada, y no estaba ni cerca de los cánones de la música de ese momento, lástima que esto no fue intencional sino por sus propias limitaciones.


The Liverbirds

Cuatro integrantes, peinados con flequillo y que provienen de Liverpool, ¿de quien estamos hablando?. Hasta ahora de The Beatles, pero ¿y si le agregamos que sus integrantes son todas mujeres?, la respuesta se nos complica un poco hasta que mencionamos a The Liverbirds, un combo que provenía de esa portuaria ciudad inglesa pero que muy a diferencia de la mayoría de todos los conjuntos de comienzos de los ´60, estaba conformado por integrantes femeninas. Esto no es un detalle menor ya que en aquellos días, las chicas como mucho cantaban, pero rara vez se atrevían a formar una banda y ejecutar sus propios instrumentos.
The Liverbirds se formaron en 1963 y un año después debutaron en The Cavern, ¿les suena este lugar?, pero esto no es todo en su comparación con The Beatles, ellas también fueron a probar suerte y a foguearse a Alemania, más precisamente a Hamburgo al igual que ellos. Allí en el Star Club de Hamburgo empezaron a tocar el r&b de Chicago que tan de moda estaba en Londres. Sin embargo, en su Liverpool natal no eran consideradas ni tenidas en cuenta, por lo que decidieron radicarse en Alemania hasta el final de su carrera. El primer Lp de The Liverbirds salió a la luz en 1965 y se llamó “Star Club Show, Vol. 4”, ya que el mismo se grabó en directo y las mostraba bien crudas y enérgicas, basando su repertorio con versiones de standards de r&b y rock and roll, pero con escasos temas propios. Sin embargo, a medida que iban mejorando instrumentalmente también lo iban haciendo con sus propias composiciones. Esto desencadenó en la grabación de un segundo Lp, “More Of The Liverbirds” de 1966 que se nos regala temas con una veta más pop como “He´s Something Else” pero sin perder la esencia de r&b que las caracterizaba. El grupo fue y es un digno competidor de cualquier banda del Mersey Beat de principios de los ´60, sin embargo hoy son una banda de culto ya que no se encuentran ni siquiera dentro de las menciones de los grupos ingleses de esa década, y además les juega en contra el prejuicio que les genera ser un grupo sólo de chicas. Por el contrario, y para hacer un poco de justicia, actualmente se ha editado un recopilatorio en CD llamado “From Merseyside To Hamburg”, que reúne todas las grabaciones realizadas por ellas que vale la pena investigar.


L7 - Babes in Toyland

A principios de la década de los ´90, en EE.UU. se formo un movimiento musical feminista llamado Riot Grrrl creado por mujeres. Sin embargo, adjudicar la creación de este genero al mero hecho de que fue formado por grupos integrados en su totalidad o mayoría por mujeres es restarle importancia a la impronta y huella que dejaron para un sector muchas veces oprimido. Es que tuvo un concepto, muchas veces intelectual, otras veces más combativo, para representar y/o defender los derechos femeninos como así también luchar por la aceptación de parejas del mismo sexo. Las letras no sólo estaban centradas en el machismo que puede haber en todos los ámbitos, sino que también hablaban sobre la finalización de los estereotipos propios de la mujer tradicional, todo ello apoyado en la música y en multitud de fanzines donde se propagaban todas estas ideas. En cuanto al estilo musical, este movimiento abrazó los conceptos de la filosofía punk y el Do It Yourself, y se mezcló dentro del grunge que reinó durante los primeros años de los ´90 en EE.UU. Algunas de las bandas mas representantes de este genero son L7, Babes in Toyland, Bratmobile, Bikini Kill, etc. Las L7 se formaron durante la alternativa década de los ´80 en EE.UU., más precisamente en Los Angeles y supieron colarse dentro de esa escena para luego junto con otras bandas similares a ellas formar una propia que representara a las mujeres dentro del rock. Como dato histórico, la revista Rolling Stone eligió su segundo disco de 1992, “Bricks Are Heavy”, como uno de los 150 álbumes indispensables para entender la década de los 90. Otro de los grupos representativos de este estilo fueron las ya mencionadas Babes in Toyland, que en sus comienzos y aun sin llamarse de ésa manera, se encontraba una muy joven Courtney Love. Como dato para los coleccionistas, existe una grabación muy temprana de Love con esta primera formación en formato de Mini Lp. Sin embargo, ya es sabido y conocido el temperamento que tiene ella decidiendo luego de algunas peleas internas alejarse de la banda y formar otra agrupación llamada Hole. Las otras integrantes siguen con el proyecto cambiando su nombre por el que conocemos grabando más adelante varios discos, pero quizás el más reconocido sea el tercer larga duración llamado “Fontanelle” de 1992. Hoy el movimiento Riot Grrrl aún se encuentra vigente, quizás no con la explosión contenida que fue a comienzos de los ´90, pero todavía existen bandas que siguen luchando por la igualdad de género y de derechos.

Sumo: "Divididos Por La Felicidad" (1985)

“Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver”, esta frase supuestamente atribuida al malogrado actor James Dean, se puede ajustar a muchos ejemplos de seres que se entregaron a la vida dejando cuerpo y alma en ello. Vivieron todo de forma acelerada y a pasos agigantados, muchos incluso fueron una bisagra y torcieron lo que se venía realizando -cada uno en su ámbito- hasta ese momento. Dentro del rock existen muchos ejemplos, pero en este caso vamos a mencionar una figura que allá por los años ´80 marco a fuego a toda una generación y que aún hoy lo sigue haciendo en generaciones futuras, nos referimos al italiano más argentino que supimos tener, Luca Prodan.

Muchos podrán decir -con fundamentos lógicos- que la figura de alguien que ya no se encuentra entre los vivos y que desparece en su momento más álgido se magnifica aún más, llevándolo en algunos casos a la posición de semi-dios. Por supuesto, alimenta más el mito una figura que se marcha en el puntal de su carrera siendo aún joven, que alguien ya retirado de la escena y con varios años encima. Sin embargo, más allá de esto hay que ser justos y reconocer que Luca ya sea por su impronta, imagen, prosa en sus letras, y tantas otras cosas más fue el principal estandarte de pegarle una patada al tablero de todo lo que se venia haciendo en materia musical en la Argentina a principios de los ´80. Repasemos, en EE.UU. y el Reino Unido el Rock Sinfónico ya era parte del pasado y era considerado música para “dinosaurios”, y a comienzos de esta década el punk ya había nacido, explotado y… ¿muerto?, y a su vez éste había mutado a la New Wave y Post Punk. Incluso paralelamente estaba el New Romantic, el Synth Pop y tantos otros estilos más. Sin embargo, por nuestras pampas, aún seguíamos escuchando el Rock Progresivo.

De todas maneras, no hay que ser indiferente a lo que nos estaba sucediendo como país en materia político y social, que redujo drásticamente la edición de nuestra industria musical, ya sea por exilios, censura o persecuciones. De todas formas, en el Under se estaba formando un caldo de cultivo, impulsado por varios grupos, entre ellos Sumo que tuvieron por consecuencia de la Guerra de Malvinas un gran espaldarazo al prohibirse la reproducción radial de música en inglés y la consecuente difusión de nuestra música desde el folklore hasta el rock. Más allá de este “apoyo” que tuvieron los grupos nacionales, sería muy injusto menospreciar el impulso de cambio que significo Sumo como grupo dentro de la historia del rock argentino por el sólo hecho de la difusión de música nacional.


Empecemos, Luca se escapó de Inglaterra, dejando atrás sus estudios y el infierno que estaba viviendo por la adicción a la Heroína, pero trajo consigo un bagaje musical muy importante como mochila ya que había estado en Londres durante la gestación del Punk y el futuro Post Punk. Antes de su instalación definitiva en Buenos Aires y mucho antes de la formación de Sumo, supo recalar en las Sierras de Córdoba que sirvieron como un bálsamo liberador. Un detalle para nada menor de esa liberación de Luca es que el era un extranjero y veía todo bajo una mirada objetiva y no tenía ningún reparo -escudado quizás por no pertenecer a nuestra tierra- en decir las cosas de la forma más cruda y con un dejo de ironía-humor que de a poco iban alimentado su figura.

Unos párrafos más arriba dijimos que él quizás era el italiano más argentino que tuvimos y esto queda avalado por el cariño y amor que profesaba de forma tácita hacia nuestro lunfardo. Sentía, reconocía y vivía situaciones o palabras como propias, incluso sin saber demasiado bien lo que significaban. Muchas veces, Luca retrató y pintó en forma de canción situaciones cotidianas como si hubiera nacido aquí y fuera más argentino que el Tango y el Obelisco juntos, tocando las fibras más intimas de todos y asombrándonos hoy a la distancia como supo retratar un cuadro típico de la poesía costumbrista nacional como es “Mañana en el Abasto”, entre otras canciones. Luca salió del paradigma de la estrella de rock que estaba establecido, rompiendo los moldes también con su imagen e impronta. Hoy ver a alguien con la cabeza rapada no le llama la atención a nadie, incluso es visto como “cool”, sin embargo hasta ese momento nadie en su sano juicio hubiera pensado en raparse la cabeza. Con esto Luca sabía que iba a romper los moldes establecidos pero también deja en claro la aceptación personal de él ante la caída de su cabello, y esto no es un detalle menor, ya que lo muestra totalmente liberado y despojado de cualquier tendencia, acercándose con esto y con su ideología, al denominado chabón de barrio.

Ahora sí, hablando propiamente del primer disco oficial de Sumo, recordemos que antes habían sacado un casete de distribución en sus shows que fue “Corpiños en la Madrugada”, debemos decir que fue el primer álbum de Post Punk en la Argentina. En “Divididos Por La Felicidad”, Luca reproduce todo lo aprendido en Inglaterra, desde el Punk, el Post Punk y el Reggae, un estilo que por primera vez era abordado de forma seria, con autoridad y autenticidad por un grupo nacional. Todo en este disco es innovador, desde la temática hasta el tratamiento rítmico y la voz, urgente, inmediata y desaforada de Luca -magnificada por el uso de una cámara de eco a cinta- cantando en un perfecto inglés y en un castellano imperfecto que lo retrata de cuerpo entero y convierte esta falencia o defecto en una marca de fábrica. Sin embargo, sería injusto sólo resaltar la figura de Prodan, ya que también se encuentra un saxo demente, totalmente libre y sin riendas comandado por Roberto Pettinato, la precisión rítmica de Alberto “Superman” Troglio en los parches y de Diego Arnedo en bajo, mientras que Ricardo Mollo y Germán Daffunchio proporcionaban el brillo necesario con sus guitarras a cada tema.

El álbum comienza con la primer canción compuesta por Luca en castellano, “La Rubia Tarada” (cuyo título original era “Una Noche en New York City”, dedicada en desaprobación a la discoteca del mismo nombre). El ritmo disco que tiene la canción es el instrumento exacto para ironizar a las discotecas y su ambiente frívolo, de plástico y “careta”. Unas breves frases cantadas además de Luca por Geniol -el mimo/clown que hacía sus performances en el medio de los shows de Sumo- definen una situación, con su respectivo ambiente, encuentro y desenlace.


“La rubia tarada, bronceada, aburrida / me dice "Por qué te pelaste?" / Y yo "Por el asco que da tu sociedad. / Por el pelo de hoy ¿cuánto gastaste?" / Un pseudo punkito, con el acento finito / quiere hacer el chico malo. / Tuerce la boca, se arregla el pelito, / se toma un trago y vuelve a Belgrano”.


Luca sabía captar el pulso de la sociedad a pesar de provenir de otro país y retrata una escena y una rivalidad constante de la sociedad entre los llamados “chetos”, con la gente más humilde y trabajadora en la frase:


“Basta! Me voy, rumbo a la puerta / y después al boliche a la esquina / a tomar una ginebra con gente despierta. / Esta si que es Argentina!”


El otro tema en castellano tiene letra del Indio Solari. Esta historia viene de una vez que Luca fue con Pettinato a un ensayo de Los Redondos y encontró esta letra que describe con dramatismo, una situación limite, carnal y visceral que es atemporal pero que también puede retratar una época nefasta de nuestra historia.


“Una mujer, una mujer atrás, / una mujer atrás de un vidrio empañado. / Pero no, mejor no hablar de ciertas cosas. / No, mejor no hablar de ciertas cosas”.


Es una letra muy directa a contramano de la prosa que habitualmente utiliza Solari, pero sin embargo encierra muchos aspectos psicológicos.


“Un tornado, un tornado, un tornado... / Un tornado arrasó a mi ciudad y a mí jardín primitivo. / Un tornado arrasó a tu ciudad y a tu jardín primitivo. / Pero no, mejor no hablar de ciertas cosas / no, mejor no hablar de ciertas cosas”.

Antes dijimos que este Lp de Sumo es la primer huella del Post Punk en Argentina, sin embargo recaer en ese estilo sólo sería menospreciar al trabajo y no entender para nada su concepto de mente abierta que transmitió Luca. El Reggae con temas como “Regtest”, “El Reggae de Paz y Amor” y “Kaya”, junto con “No Acabes” -el cual muestra bases del Dub- eran dos estilos que provenían de Jamaica pero que eran muy bien vistos y aceptados dentro de la gestación y explosión punk inglesa de la cual Luca supo captar con atención de sus días en Londres. Por su parte, el tema homónimo al trabajo es un homenaje explícito a Joy Division, grupo del cual Prodan siempre mostró admiración como así también por su cantante Ian Curtis. “Mula Plateada” es todo un avance dentro del rock argentino por sus claras influencias de ritmos étnicos de varias regiones mundiales, cuando incluso en la música anglosajona la World Music aún era una novedad.“Debede” es otra esquirla más de estilos variados que conviven dentro del álbum, tiene una base Funk, con mezcla de New Wave, cuya letra en inglés retrata una vez más la movida nocturna de la discoteca y su superficialidad, utilizando al final de la canción una palabra muy nuestra, de esas que tanto le gustaban pronunciar a Luca y que dicha por su imperfecto castellano suena simpática. Por último “No Duermas Mas” con su ritmo de marcha deja entrever cierto folklore latino en contraposición de su lírica en inglés.

Sumo, sin proponérselo produjo un quiebre en la música y en la historia del rock argentino dentro de un país que venía de muchos años de botas militares, una guerra sin sentido y daba sus primeros bostezos luego de un largo sueño con el despertar de la primavera democrática y tuvo a Luca como uno de los tantos grandes maestros de ceremonia que tuvo el rock argentino en los ´80.

Siempre nuestros ojos u oídos tienden a observar o escuchar lo que proviene de la música anglosajona, con énfasis en los dos mercados más importantes, EE.UU. y el Reino Unido. A veces miramos nuestro propio ombligo, al observar lo que proviene -en cuenta gotas- desde nuestro país, pero en muy pocas oportunidades nos detenemos a tratar de revisar lo que sucede en otros países en cuanto a lo musical. Uno de esos mercados siempre interesantes, como tantos otros, es el francés.

De todas maneras, como puede suceder con la música anglosajona, la música francesa no profesa un solo estilo en particular sino que muy por el contrario, se va moviendo de acuerdo al contexto social y cultural en el que nace o se forma cada grupo. Sin embargo, lo que marca siempre la diferencia en ellos es el charming típico que logran conseguir en sus canciones, en parte obtenido por el encanto y el romanticismo que tiene el acento de su lengua. Con esto anteriormente mencionado dejamos en claro que no es lo mismo Jacques Brel que los contemporáneos Phoenix, aunque todos provengan del país galo.

Sin embargo, cada país tiene su héroe en singular o plural y en este caso Francia no es esquivo a esto teniendo como referente básico al príncipe oscuro, el poeta maldito, Serge Gainsbourg. Se lo considera a la distancia un genio y provocador ya que supo enfrentarse a los tabúes tanto de la industria musical como a la de la sociedad. Uno de esos tantos quiebres en los límites fue cuando grabó su canción más reconocida “Je T´aime… Moi Non Plus”, la cual tuvo la colaboración de la femme fattal Brigitte Bardot realizando sonidos que simulaban un orgasmo femenino. Sin embargo, Bardot ya tenía toda una imagen ganada para mediados de los ´60 y decidió que no se editara este tema con su voz ya que temía que perjudicara su carrera, teniendo que ser lanzada la misma con los gemidos de Jane Birkin la cual en un futuro cercano sería pareja de Gainsbourg. Al momento de salir, la canción ya causo revuelo al ser considerada como pornográfica, llegando incluso “esta ofensa” hasta los pasillos del Vaticano. Estas roturas de límites más allá de lo musical también iban de la mano en la “pose” que tenía Gainsbourg.

La imagen de señorito aristocrático que tenía en sus comienzos fue convirtiéndose paulatinamente a la de casi un ermitaño, despeinado, desarreglado y con barba de algunos días. Sin embargo, esta imagen muy al contrario del denominador común lo que causó fue alimentar cada vez más su misterio e impronta. Incluso, esta fama fue en constante crecimiento por los affaires que tuvo entre otras con las mujeres citadas anteriormente. Fue desde la imagen, hasta lo cosechado musicalmente, la gran venganza de los feos ya que al comienzo de su carrera y ya en la puerta de su trigésimo aniversario de vida era la burla de la crítica hasta los comienzos de la denominada música Yé-Yé con la supo abrirse camino a la fama. A principios de los ´70 comenzaría una época fructífera en su carrera grabando varios discos de corte conceptual, entre los cuales se encuentra su obra máxima, “Histoire de Melody Nelson” de 1971.

Un poco más arriba habíamos hablado de su constante intento de provocación y este Lp tiene como argumento una historia delicada y controvertida como es la relación entre un hombre ya entrado en años, con una joven que acababa de dejar la pubertad. El morbo que pueda llegar a despertar el tema de La Lolita no es algo nuevo ya que años antes el mismo también se puso sobre el tapete con el film de Stanley Kubrick, sin embargo la diferencia que tenía éste con la historia de Gainsbourg es que el disco rozaba sospechosamente lo autobiográfico.

El Lp sigue un hilo conductor que va entrelazando cada uno de los temas relatando una historia que comienza con nuestro protagonista masculino, el cual conduce su automóvil por una carretera hasta que de repente este atropella a alguien. Al bajarse del coche ve que se trata de una joven llamada Melody Nelson que sólo sufrió algunas contusiones pero se encuentra bien. Nuestro protagonista la levanta en sus brazos desencadenando de forma instantánea un amor desenfrenado e intenso. Melody va aprendiendo lo que es el amor en una especie de lujuria entre onírica y psicodélica en la habitación de un hotel representado en una especie de ¡¿museo de arte?!. Sin embargo lo que intenta representar Gainsbourg con esto es que la belleza de la joven se puede comparar con las grandes obras artísticas. Esto deja en claro que a partir de ahí más allá de convertirse ella en su musa, la relación termina siendo obsesiva, enfermiza y porque no, retorcida también. Luego de varias canciones que representan el acto sexual que mantienen los protagonistas, la historia llega a su punto final de una manera radical, cruda y extrema. El avión en el que Melody viajaba, sola sin acompañamiento de su pareja masculina, se estrella en la Selva desapareciendo para siempre de la vida de Gainsbourg, arrebatándole y truncándole la existencia a una joven que recién empezaba a vivirla, pero por sobretodo poniendo fin a la relación de amor-obsesión que tenía nuestro protagonista al esfumársele su joven razón de vivir como si hubiera sido solo un sueño. En las biografías que se pueden leer sobre Gainsbourg comparan la historia fantástica de Melody Nelson con la relación por momentos ideal, mientras que en otros tantos tortuosa que supo tener con Jane Birkin.

Muchos discos sirven para crear climas, sin embargo otros necesitan ser escuchados bajo un determinado clímax, sino perderían su verdadera esencia y encanto. “Histoire de Melody Nelson” es uno de ésos álbumes prohibidos que no es para ser escuchado en cualquier circunstancia, incluso sin saber la verdadera historia que encierra cada una de sus estrofas. Letras personales convertidas en canciones de lujuria, sueños, deseos y obsesión, todo esto encumbrado por el acento francés de Gainsbourg que nos impulsa nuestro libido. Mención aparte hay que hacer con respecto a la portada del álbum, el cual tiene a Jane Birkin descalza, con el torso desnudo y tapándose sólo con un muñeco, el cual sirve para graficar el morbo masculino por excelencia de la imagen de la nena pura e inocente, con curiosidad por conocer lo prohibido dejando atrás la pubertad.

Sin lugar a dudas este Lp no es un disco de fácil ingreso al mundo de la música del país marsellés, sin embargo si es visto y escuchado desde una óptica individualista e intimista es un verdadero viaje de ida que sirve para recorrer las diferentes sensaciones y estados de ánimo de cada oyente convirtiéndolo en un verdadero infaltable.

El término Madchester debe su nombre en primer lugar a razones geográficas debido a que las bandas de este estilo surgían de esa ciudad inglesa y segundo porque le dieron una vuelta de tuerca al cambiar una letra convirtiéndola en “loco” a esa mezcla de estilos que fusionaba el rock de guitarras con la psicodelia de los ´60 -y sus respectivos trips- junto con la incipiente música House que estaba naciendo de las fiestas electrónicas a finales de los ´80 y principios de los ´90.


The Stone Roses - "The Stone Roses" 1989

Los Stone Roses tenían todo para conquistar el mundo, canciones cancheras, arrogantes, mucha personalidad, juventud y una larga lista de etcéteras. Sin embargo, el éxito tempranero, la impericia del sello discográfico y la necesidad urgente por parte de la prensa británica de descubrir a la “gran banda nueva” que represente a Inglaterra ante el mundo, hizo que la carrera de ellos durara sólo dos discos oficiales. Este disco debut de 1989 representa de manera muy fiel a esa movida que se denomino Madchester. Este Lp marcó el camino a seguir para muchos grupos posteriores, incluso con más ventas de discos que los Stone Roses, pero que aún así son muy deudores de la apertura musical y de estilos que inciaron estos. Toda esa generación de grupos que luego se denomino Brit Pop, no sería la misma si no fuera por el aporte que significo este álbum. La arrogancia, una impronta bien marcada y la descontracturada pose que tenía tanto Ian Brown como los otros integrantes arriba del escenario, sirvieron para gestar la futura escena del Reino Unido en los ´90 que enorgulleciera a los ingleses como así lo fue en los ´60 con la denominada British Invasion. Para demostrar esto el álbum arranca bien auspicioso con “I Wanna Be Adored”, el cual además de ser my explícito en su lírica en el deseo por la adoración, marca el pulso de todo el disco. En el Lp se mezcla el pop psicodélico y lisérgico de los ´60, con el folk de guitarras muy allá The Byrds con ritmos bailables como “She Bangs The Drums” o “Elephant Stone”, la pequeña rave de 9 minutos que se va formando en la jam final de “I Am The Resurrection” o también la funk-psicodélica de “Folls Gold”. La figura de Ian Brown quizas sea la cara más llamativa de los Stone Roses, sin embargo el disco no hubiera sido ni la mitad parte de bueno sino fuera por la guitarra de John Squire con sus precisos arreglos en los momentos correctos y esa forma de tocar que tan bien se complementaba con la voz líder de Brown. Sin las seis cuerdas de Squire nos perderíamos de preciosos temas como “Waterfall”, “Shoot Down” o “This is The One” sólo por mencionar algunos.

Happy Mondays - "Pills n´ Thrills and Bellyaches" 1990

El nombre de la banda ya dice todo, ¿quien en su sano juicio puede pensar en Lunes Felices? Bien, los Happy Mondays ya con esta declaración en forma de nombre de grupo dejan en claro que lo de ellos no tiene golpes bajos, de reflexión o concientización social. Todo lo contrario ellos aportarían todo el desenfreno, diversión y baile que se le puede pedir a la movida madchesteriana. Sin duda alguna, ellos junto con los Stone Roses, fueron la punta de lanza de este estilo con la diferencia que los Happy Mondays tenían ritmos más bailables, más cercanos a la venidera música House que también se estaba gestando en el club The Hacienda en Manchester a principios de los ´90 en Inglaterra. Ellos son de todos los grupos que surgieron de esta ciudad inglesa, los que están más emparentados con las futuras raves electrónicas y uno de los que mejor pudieron hacer la conexión entre el rock y la electrónica. No por nada, su tercer larga duración “Pills n´ Thrills and Bellyaches”, cuya traducción es “Píldoras, emociones y dolores de Estomago”, fue producido entre otros por el Dj de música electrónica Paul Oakenfold. Volviendo al tema del título, el mismo no es menos importante si se tiene en cuenta que a la par de la gestación de toda la cultura rave también empezaba a cambiar el mercado y consumo de las nuevas drogas de moda como en este caso fueron las pastillas de éxtasis. Bajo todo éste coctel de estupefacientes y rock bailable se grabo este disco que es el más reconocido dentro de la discografía del grupo. El Lp ya arranca bien arriba con “Kinky Afro” y nos pone a mover las caderas con su ritmo bailable, mientras que en “God´s Cop” la base y el groove que se crea comandado por la voz de Shaun Ryder no nos deja aflojar y relajar. Así el disco va pasando entre una mezcla de rock de guitarras, psicodelia, funk, soul, conjugandose cada uno de ellos y no teniendo miedo a romper barreras y encasillarse en un estilo en particular. Entre esta mixtura de estilos se encuentra el groove lisérgico de “Loose Fit”, el funk y soul para blancos de “Dennis and Louis”, el mantra bailable entre percusiones y flautas de “Bob Yer´s Uncle” o la electrónica en clave Holligan de “Step On” y “Holiday”. Así se hace más divertido comenzar los lunes con Ryder y los suyos como background musical.


Inspiral Carpets - "Life" 1990

El triangulo de grupos importantes del sonido Madchester se cierra con los Inspiral Carpets y su primer disco “Life” de 1990. Con este larga duración se dan a conocer sobresaliendo de éste álbum varios temas como “This is How it Feels”, que arranca ya con el infeccioso teclado y una marchosa base de batería que lo vuelven adictivo. Esta canción empieza a girar de forma constante en las radios y logra posicionarse en el puesto N° 2 del chart inglés. Con este tema y durante todo el disco se puede apreciar que los Inspiral Carpets además de hacer hincapié en la parte musical del Lp existía un gran respeto por las letras, de corte más social, como en este caso en el cual retratan la tensa relación en la vida cotidiana de una familia con sus hijos, todo esto edulcorado bajo una melodía pop. Otros temas que sobresalen en este Lp son “She Comes in The Fall” o “Real Thing” en los cuales existe una base comandada por el órgano Hammond que recuerda mucho a los grupos de rock de los ´60. En el álbum también se encuentran temas de corte más introspectivo como “Move” o “Sun Don´t Shine”, el cual retrata de forma muy fiel el espíritu opresivo en el cual se encontraba la juventud obrera e industrial de Manchester a comienzos de ésa década, también amalgamado por una melodía muy dulce. Los Inspiral Carpets se diferenciaban de sus contemporáneos porque no sonaban tan bailables como los Happy Mondays, ni tan lisérgicos o ensoñados como los Stone Roses, por el contrario se mostraban más directos y porque no también más agresivos o rockeros que sus pares. En sus canciones no había tanto groove o climax como en los demás grupos pero a base de canciones rock con letras de corte más social o desilusiones amorosas, supieron ubicarse en los primeros lugares de los charts. Los Inspiral Carpets editarían más discos después de éste, sin embargo ninguno pudo lograr alcanzar el éxito que cosecharon con “Life” obligándolos a separarse en 1994.


The Charlatans UK - "Some Friendly" 1990

Los Charlatans fueron el grupo que mejor pudo sortear los embates del tiempo y no morir sólo dentro de la movida Madchester. Esto es tan así que aún hoy, 20 años después de este primer larga duración la banda comandada por Tim Burgess, se encuentra vigente y con disco nuevo en el mercado. Incluso los Charlatans luego de que la prensa inglesa presentara el certificado de defuncion a la movida madchesteriana, supieron colarse detrás de la aparición de nuevos grupos que conformaron el Brit Pop, la nueva niña mimada de los tabloides ingleses. Llevar mas de veinte años de carrera no es fácil para ningún grupo y ellos no fueron la excepción ya que su discografía puede ser considerada como irregular en cuanto a calidad. De todas maneras, “Some Friendly” de 1990, formo parte de esos tres o cuatro años en los cuales la esperanza inglesa estaba puesta en la ciudad obrera de Manchester y en la movida que se estaba generando en ella. El hit inmediato del Lp que los hizo escalar posiciones en el ranking fue “The Only One I Know” el cual conjuga el rock de guitarras con ritmos bailables comandados por una voz casi cansina y ensoñada, muy típico de los ritmos madchesterianos. Luego de este tema el álbum cuenta con otras canciones interesantes como “White Shirt” o “Sproston Green” que también tienen una veta bailable en sus ritmos. Hay temas más introspectivos como “Opportunity”, “109 pt2” o “Flower”, que siendo justos hacen trastabillar un poco el tono y el espíritu del disco, tornándose un poco irregular y sin demasiado brillo. Quizás los Charlatans supieron tener mejores trabajos posteriores pero, más allá de esto, tanto la voz de Burgess, como los ritmos bailables que aparecen en el Lp sirven para redondear y definir el sonido Madchester. Muchos podrán decir que son una copia de menor calidad de los Stone Roses, de todas maneras cuando el disco hace pie en algunos temas pueden competir con ellos de una forma más que digna.


EMF - "Schubert Dip" 1991

Los EMF fueron los One Hit Wonders de la escena de principios de los 90 en Inglaterra a fuerza de su caballito de batalla llamado “Unbeliavable”. Sin embargo el disco “Schubert Dip” de 1991 transita por ritmos similares a esta canción pero no pudieron salir de la espiral que se formo con su canción más reconocida a nivel mundial. A los EMF se los emparenta siempre a un ritmo más dance y a una estética más juvenil -esto queda más que evidente en su forma de vestir y peinados- que a los grupos de Manchester y a la movida que se genero en esta ciudad. Sin embargo en sus raíces electrónicas, rock de guitarras, sampleos y varios etcéteras se le puede encontrar cierta conexión con los Happy Mondays. El Lp siempre se encuentra bien arriba en cuanto a lo musical y es apto para cualquier pista de baile, desde el hit “Unbelievable”, “I Believe” o “Children”, mientras que temas como “Long Summer Days” o “Lies” bajan el desenfreno bailable. El álbum de los EMF esta muy lejos de ser una bisagra en lo musical, sin embargo aporta un granito de arena más para poder entender un estilo que fue concebido de la gestación entre el rock y la electrónica. La vida del grupo no sería de una muy larga duración, sólo editaron dos discos más después de éste, pero “Schubert Dip” fue la piedra fundacional de ellos y la carta de presentación que tuvieron para darse a conocer. Para muchos los EMF no están dentro de la movida madchesteriana, y eso puede ser correcto si se los observa desde una mirada más ortodoxa, sin embargo atrás de los nombres más reconocidos de éste estilo, en una segunda línea aparecen los EMF, The Soup Dragons, The Mock Turtles, The Farm y varios más que le dieron, cada uno a su manera, forma a la música de fondo del Reino Unido de principios de los ´90. Como apostilla, no está demás marcar como curiosidad que los EMF pudieron llegar a tener -salvando las distancias- una banda muy influenciada por ellos en la Argentina como lo fue Martes Menta, banda comandada por Ariel Minimal mucho antes de Pez y de su paso por Los Fabulosos Cadillacs.