Desde hace ya algunos años se viene imponiendo una cierta tendencia y/o moda de “homenajear” y repasar en vivo algunos de los discos más importantes de un artista o banda en cuestión. Con esto, muchas veces se trata de revivir cierta nostalgia por una época o pasado de beneplácito tratando de ser lo más fiel al espíritu en el que salió a la luz ese Lp, o por el contrario, “reflotar” y promocionar de nuevo un trabajo que en el momento de su edición pasó casi desapercibido pero que con el paso del tiempo fue tomando cierto carácter de álbum de culto hasta convertirse en un clásico. Ejemplos hay muchos y de los más variados, desde la gira megalómana de Roger Waters volviendo a presentar “The Wall” -unos años antes hizo lo mismo con “The Dark Side of The Moon”-, por su parte Lou Reed hizo algo similar pero no de carácter mundial sino más bien local, con su oscura obra “Berlin”, también algo parecido hicieron los escoceses de Primal Scream con su manifiesto de llevar la pista de baile al rock con “Screamadelica”, y la lista sigue.

Uno de esos casos, varios años antes de todos los mencionados anteriormente, es el de Love, la banda comandada por el muy buen compositor, pero inestable mentalmente, Arthur Lee. En el año 2003 Lee decide rearmar su vieja agrupación de los ´60 con motivo de salir a ejecutar en vivo uno de los discos más reconocidos de la banda y también de la historia del Rock como es el “Forever Changes” de 1967. Esta reunión, realizada en el Albert Royal Hall de Londres dejó como consecuencia un disco en vivo llamado “The Forever Changes Concert” y además su correspondiente edición en DVD.

Sin embargo, antes de analizar la presentación de este nuevo trabajo nunca está de más repasar la historia de Love. Ellos serían uno de los primeros grupos musicales multirraciales, un dato para nada menor en una época en la que aún existía la discriminación de razas en algunos sectores de la sociedad americana y por la cual el Hippismo abogaba por erradicar. Los Love comenzaron siendo una banda casi de Garage Rock con ciertas inclinaciones hacia la Psicodelia la cual queda de manifiesto en su primer Lp del mismo nombre que la agrupación. Luego vendría su segundo disco más reconocido en trayectoria que sería “Da Capo”, el cual ya deja de lado esa inclinación hacia el Garage Rock para empezar a mostrar un sonido más personal que sería la carta de presentación de ellos diferenciándolos de todos sus contemporáneos. No está demás mencionar que por esos años en la Costa Oeste de EE.UU. y más precisamente en California o Los Ángeles -de donde son los Love- estaba la meca del Hippismo y el Flower Power, sin embargo ellos más allá de compartir contemporaneidad con grupos como The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Country Joe y un largo etc tenían otra propuesta musical, un híbrido entre el Rock, la Psicodelia, el Jazz y ciertas reminiscencias étnicas latinas.

Ya para el año ´67 lanzan “Forever Changes”, el cual tuvo que salir a competir con los hoy “tanques” de “Sgt. Peppers” de The Beatles, el “Are You Experienced” de Jimi Hendrix, el “The Piper at The Gates of Down” de Pink Floyd y el primer trabajo de The Doors. Justamente esta última banda fue recomendada por Lee para el sello Elektra, para secundar a los Love. Sin embargo, es ya sabidos por todos como termino la historia, la banda de Morrison supero con creces a la de Lee pero sin embargo Jimbo nunca ocultó la admiración que tenía por ellos, incluso en más de una oportunidad indicó que deseaba que los Doors fueran por lo menos la mitad de lo que fueron los Love. Luego de varias idas y vueltas y discusiones por doquier, Bryan MacLean, el otro cerebro de la agrupación, decide abandonar la banda y esto hace que Lee disuelva el grupo continuando con el nombre -el cual con estos hechos de Love no tenían nada- pero secundado por músicos de sesión. Los próximos años de Lee irían en picada en cuanto a materia musical y personal ya que entraría en un ostracismo de violencia que lo llevo a la cárcel hasta su posterior salida de prisión para luego presentar esta gira del “Forever Changes” entre otras cosas hasta que su vida llego a su fin en el 2006 a causa de la leucemia.

Volviendo a este “The Forever Changes Concert”, nos muestra a un Lee que a pesar de haber sentido el paso de los años, su prolongada lucha contra esa enfermedad y los cambios de tendencias musicales, se encontraba aún vigente en su performance personal ejecutando un repertorio que no perdió el encanto de su época aún en estos tiempos modernos. Lee ponía una vez más a la maquinaria de Love en funcionamiento y la misma estaba más que aceitada, rodeado de jóvenes músicos decide salir a “girar” su disco más reconocido con el fin de salir un poco del status de culto y ser reconocido por el público masivo. El DVD comienza con “Alone Again Or” con ese sonido de guitarras flamencas y cierta fanfarria mariachi, para luego dejar paso a la sección de cuerdas y vientos que al instante nos hipnotizan por su in crescendo emocional y musical. Luego el recital continua repasando en el mismo orden que el álbum canción por canción como es “A House is Not a Motel”, “Andmoreagain”, “Old Man”, “The Red Telephone”, “Maybe The People Would be The Times Or Between Clark and Hilldale” o “You Set The Scene” entre otras.

Para muchos -y en algunos casos están en lo cierto- salir a girar un Lp es un poco una jugarreta para lucrar con la nostalgia de algunos, la curiosidad para otros de saber como sonaba tal o cual artista en la ejecución de su máxima obra, como así también poder facturar todo lo que no pudieron hacer en su momento. Sin embargo, y aún quizás con todos estos factores implicados, siempre es bien recibido si se lleva la presentación de la obra en cuestión con el máximo de los respetos en su puesta en escena, desde lo visual hasta lo auditivo, como es el caso de este “The Forever Changes Concert”.

El primer disco de los Ramones, editado en 1976, fue el puntapié inicial que dio comienzo a toda la escena del Punk en New York. Como hervidero empezarían a aparecer bandas que con similares propuestas o por el contrario, muy diferentes, formarían parte de una escena que sirvió como disparador hacia el Reino Unido y luego hacia todo el mundo. La influencia de los Ramones es muy clara, New York Dolls y The Stooges pero además miraban con muy buenos ojos toda la música que se había gestado en los ´60. Haciendo hincapié en el Bubblegum, el Surf Rock y el Garage Rock hasta llegar a los grupos de chicas producidas por Spector, como The Ronettes y todos sus derivados. El sonido de los Ramones muchas veces fue cuestionado de facilista y hasta de “cuadrado”, sin embargo, ¿cuantos grupos intentaron sonar como ellos y perecieron en el intento? y ni que hablar de que su sonido, a pesar de que en estructura sea el mismo, ha ido variando con el correr de los años. Hoy por hoy, ver a cuatro tipos parados con pose desganada pero a la vez provocadora no nos causaría ninguna impresión, pero para 1976 editar una tapa de esta índole era toda una declaración de principios. Esa tapa, hoy ya ultra comercializada, mostraba a los Ramones tal cual eran, unos flacos que de la no estética hicieron su propia moda, y de su música hicieron su propio manifiesto. Grabado en tan sólo dos días, los Ramones volvieron al rock a su ABC, a sus raíces, sin solos de guitarra ni sobreproducciones de fantasía, sólo impulsados por la guitarra furiosa de tres acordes de Johnny Ramone, la batería Surfer de Tommy, la energía de Dee Dee y la voz tan característica de Joey. Las 14 canciones que integran el álbum, en su mayoría, no superan los dos minutos de duración, pero sin embargo son directas, concretas y transmiten su mensaje en ese tiempo exacto, sin necesitar nada más. Las letras, por su parte son sencillas, contaban lo que les sucedía en el día a día como en “I Don't Wanna Walk Around With You”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “53rd & 3rd”, declaraciones amorosas como “I Wanna Be Your Boyfriend”, “Today Your Love, Tomorrow The World”, cosas más banales y típicas de adolescente como “Let´s Dance” o la fascinación por el cine de Terror clase B en “I Don't Wanna Go Down To The Basement”, además de encontrarse la canción más emblemática de ellos como es “Blitzkrieg Bop” y otras como “Havana Affair”, “Beat on The Brat” o “Judy is a Punk”. Hablar de Punk Rock es hablar de los Ramones.


Television - "Marquee Moon" 1977

Los Television no entrarían dentro de las pautas básica del Punk Rock, letras simples, acordes básicos y velocidad en los temas, sin embargo ellos fueron parte del caldo de cultivo que se gestó desde el CBGB hacia el exterior. Muchos grupos que al principio se los denominó Punk y que integraron ese primer movimiento no pertenecen directamente a ese estilo musical caso Talking Heads, Patti Smith o Blondie, sin embargo se los suele ubicar dentro de esa primera camada de bandas Punk porque de alguna manera lo fueron al “plantarse” con su propuesta y sus ideas. Algo de esto sucedió con los Television, banda emblemática de ese local y la cual no entraría dentro de los cánones o estereotipos del Punk pero su propuesta musical y artística sí tiene el espíritu del Punk. Television firma para Elektra en 1976 y saca su primer Lp un año después llamado “Marquee Moon”. La convulsionada formación de Television contó con el inquieto Richard Hell -luego integrante de Heartbreakers y más adelante solista-, el versátil Tom Verlaine y el preciso Richard Lloyd. El Huracán de personalidades de estos últimos se refleja al instante en los “duelos” de guitarra de ellos. Esto último ya marca un punto de inflexión y diferencia al instante con respecto a los demás grupos Punk a los cuales no se les caía muy seguido un solo de guitarra. La música de Television es indescifrable, asfixiante y enigmática, no puede ser definida bajo un estilo ya que es una especie de Jam de Free Rock y Punk. El disco comienza de menor a mayor con los interesantes “See No Evil” y “Venus”, pero termina de despertarse en “Friction” con esas inquietantes guitarras y explota en “Marquee Moon”, un tema de… ¡11 minutos!, esto hecho por una banda a la que se la proclamaba Punk ya era muy radical. “Elevation” ya era Post Punk antes de que llegue este y “Guilding Light”, “Prove It” y “Ton Curtain” seguían con esas filosas guitarras. Incluso esa música tan personal que crearon los Television no sería la misma sin la desgarrada y sufrida voz de Tom Verlaine. Luego de este disco ellos editarían un segundo Lp -muy interesante también- llamado “Adventure”, el cual siempre va a estar a la sombra de “Marquee Moon” y un tercero y definitivo llamado igual que la agrupación en 1992. El Art Punk de los Television fue único en la escena del CBGB y sus guitarras son la influencia directa de muchas bandas de este nuevo milenio.


Johnny Thunders and The Heartbreakers - "L.A.M.F" 1977

Todos los estilos musicales tienen su mártir, y el Punk Rock puede ser el que posea la lista más larga de exponentes, entre los cuales se encuentra el caso de Johnny Thunders. Luego de haber editado dos discos con los New York Dolls y ser uno de los guitarristas más influyentes para la naciente movida Punk en America, Thunders se separa de ellos y forma a The Heartbreakers junto a Jerry Nolan de los Dolls y Richard Hell de Television. Esta formación no sería la definitiva ya que Hell decide luego lanzarse como solista. Los Heartbreakers tenían la mística, el nombre y la actitud correcta para triunfar, pero además tenían todos los excesos para que su carrera no llegara demasiado lejos. Algo de esto último sucedió ya que en su corta existencia sólo editaron un disco lanzado en el ´77 -plena efervescencia del Punk-, bajo el nombre de “L.A.M.F” (Like a Mother Fucker). El álbum es pleno Punk Rock sucio, thrasher, furioso y veloz, nada de sobreproducciones, todo meta palo y a la bolsa. El disco comienza con su tema más conocido, “Born To Lose”, el cual de alguna manera ya desde el título y por su energía termina convirtiéndose en una referencia básica del espíritu Punk de esa época. “Baby Talk”, “I Wanna Be Loved” o “One Track Mind”, tienen ese espíritu Dolls pero más desprolijo. La referencia a un amigo de Thunders como es el caso de Dee Dee Ramone se encuentra en la versión de “Chinese Rocks”. Las baladas -siempre en tono Punk- se hacen presente con la stoniana y garagera “It´s Not Enough”, o con “I Love You”. En “Pirate Love” una vez más revisitan un rock sucio y gamberro mientras que en “All By Myself” tiene algunas influencias de los Ramones en las voces. Los Heartbreakers eran una bomba de tiempo y era cuestión de esperar para que haga explosión, cosa que sucedió en muy poco tiempo de vida. Luego Thunders continuaría con una irregular carrera solista -como consecuencia de su adicción a la Heroína- de la cual se destacan algunos Lp´s como puede ser su debut en solitario, “So Alone“. Los ´80 no fueron la mejor década para Thunders, entró en una serie de adicciones sin fin, ingresando a los estudios de grabación sólo para algunas colaboraciones con otras bandas, hasta que en 1991 es encontrado muerto por sobredosis.


Richard Hell and The Voidoids - "Blank Generation" 1977

Richard Hell se lanzo como solista luego de abandonar a los Heartbreakers y mucho antes a los Television. Hell lanzó su disco debut llamado “Blank Generation” en 1977 contando como banda soporte a The Voidoids con la participación de Marc Bell en batería, quien en un futuro cercano sería Marky Ramone, segundo baterista de los Ramones. El estilo de Hell no estaba muy lejos de lo que había hecho con su banda anterior, un sonido sucio, crudo y directo. El tema que da título al álbum, es una de las mejores canciones del Lp y es además de ser la más reconocida de Hell, un tema de referencia básica del Punk neoyorquino, desde la letra que resumía la sensación de esa juventud hasta ese sonido altamente adictivo. De su paso por Television se llevó varias experiencias pero además muchos recursos también, los cuales quedan de manifiesto en temas como “Love Comes in Spurts” o “Liars Beware” en el cual se aprecia la “guerra” de guitarras de Robert Quine y Ivan Julian. El ritmo baja en “Betrayal Takes Two”, una balada que podría estar en cualquier banda de Garage Rock de los ´60. El cover se hace presente con “Walking on The Water”, un tema de los Creedence Clearwater Revival cuando se hacían llamar The Golliwogs, el cual esta un poco lejos de pisarle aunque sea los talones a la banda de John Fogerty. Lo de Hell y sus Voidoids no era todo urgencia, gritos y velocidad sino que también tenían sus temas largos y extensos como en “Another World”, una muestra de Art-Punk. “The Plan”, “New Pleasure”, “Down At The Rock And Roll Club” y “Who Says?” completan un álbum que resume el espíritu de esa juventud Punk americana de esos últimos años ´70. Muchas veces, se asigna a Hell como influencia básica en estética para los venideros grupos ingleses como The Sex Pistols. Esta teoría esta sostenida en que Malcolm McLaren, tomo “prestada” esa estética de remeras rotas, pintadas y emparchadas con alfileres y ganchos de la vestimenta de Hell. “Blank Generation” no fue un disco que haya marcado una bisagra dentro del panorama del Punk Rock, sin embargo sirve para definir la escena Punk del CBGB. Luego de este Lp, Hell editaría “Destiny Street” en 1982 pero ya el mercado musical había cambiado por completo y la sociedad de consumo también.


Dead Boys - "Young, Loud and Snotty" 1977

Los Dead Boys fueron la otra cara de la moneda al separarse la banda Rocket From The Tombs, de la cual surgieron dos agrupaciones, Pere Ubu -más inclinados hacia un Punk experimental o Art Punk- y los otros fueron los Dead Boys, cuya impronta fue bien Punk, enérgica y furiosa diferenciándolos de los mencionados anteriormente. Si Inglaterra tenía a Johnny Rotten como la cara visible de la actitud y pose Punk, los americanos tenían a Stiv Bators, cantante de los Dead Boys, como su estandarte. Su primer larga duración editado en el ´77 y llamado “Young, Loud and Snotty” es una muestra del Punk inicial, del más crudo y radical de esos años. Incluso para muchos, este disco dado la velocidad de su ejecución y violencia musical puede ser uno de los referentes para la posterior escena Hardcore. El álbum comienza con el tema más conocido de ellos como es “Sonic Reducer”, el cual podría ser considerado su pequeño Hit. Luego continúan con “All This and More”, un tema más inclinado a un sucio Rock and Roll como en “Ain´t Nothin´ to Do” los cuales son canciones influenciadas de forma directa por el Proto Punk de los New York Dolls o el Garage Rock de los ´60, el cual transitan con “Hey Little Girl” de la banda Syndicate of Sound. El álbum suda sexualidad en sus letras pero desde un lado casi misógino como en el tema “Caught With The Meat in Your Mouth” (Atrapada con la carne en tu boca), canción que sufrió censura ya que su título era bien explícito, mientras que otro eludió la censura en su título pero el mensaje estaba entre sus líneas como en “I Need Lunch” donde la letra dice: “Bebé, yo no necesito el romance, ya sabés nena, yo sólo quiero estar entre tus pantalones, Yo dije, necesito el almuerzo, aliméntame”. Los Dead Boys luego editarían un segundo álbum para más tarde separarse. Stiv Bators continuaría con la música editando un disco solista y formando otra muy buena banda como es The Lords of the New Church ya en una veta más Goth Punk. La vida de excesos de Bators lo llevo a que en 1990 sufriera una conmoción cerebral luego de haber sido atropellado por un auto. El mito o misterio en torno al posterior hecho con su cuerpo es aún incierto, porque algunos aseguran que sus cenizas fueron aspiradas por su novia alimentando con esto el estereotipo de reviente en torno a la estrella de Rock. Los Dead Boys nunca alcanzaron la fama de los Ramones y todos los contemporáneos de la escena del CBGB -entre los cuales no sólo había punks sino también algunos más inclinados hacia el Pop o la venidera New Wave- pero sin embargo, son un fiel ejemplo del Punk Rock de esos primeros años y nunca está demás correrse un poco e investigar a grupos como ellos que también fueron tan importantes para la gestación del Punk Americano.


DISCO BONUS

Plasmatics - "New Hope For The Wretched" 1980

Los Plasmatics, y más precisamente su cantante, Wendy O. Williams eran una banda con un alto impacto visual y sonoro. Esto último sostenido por sus furiosas presentaciones en vivo que incluían explosiones, fuego, una estética Punk apocalíptica -muy emparentada con el film Mad Max- y una alta dosis de erotismo y sexualidad Sado que despertaba la impronta de Williams la cual en más de una vez la vio enredada en conflictos por sus actuaciones en el escenario. Las presentaciones de Plasmatics siempre fueron teatrales ya que en más de una ocasión terminaban sus actos rompiendo un auto a mazazos, volándolo por los aires o chocándolo contra una pared entre varias cosas más. Inclusive la estética de ellos causaba más de una urticaria para algunos, el peinado “mohicano” de Williams, y la vestimenta de cuero transmitían temor pero a la vez sexualidad por parte de ella, la cual en algunas ocasiones terminaba con el pecho descubierto. El primer Lp de Plasmatics, “New Hope For The Wretched”, editado en 1980 aparece varios años después de toda la explosión mundial que fue el Punk manteniendo de forma fiel su espíritu pero emparentándose ya con otros sonidos como el Hardcore o el Metal. De todas maneras, el espíritu del grupo y de Williams representan de forma fiel la esencia Punk de esos primeros años. El disco contiene doce temas en los que se destaca la agresiva y potente voz de Williams acompañada por un Punk visceral, rápido y furioso en canciones como “Tight Black Pants”, “Monkey Suit”, “Living Dead”, “Test Tube Babies”, “Want You Baby”, “Sometimes I…” o “Corruption” entre otros. Luego de este disco, continuarían editando otros inclinándose un poco más hacia el Metal pero sin abandonar esa estética apocalíptica. Más adelante Williams se cortaría sola separándose del grupo. Coquetearía también un poco con el entretenimiento pornográfico en algunas incursiones posteriores, hasta que sus días llegaron a fin con su suicidio el 6 de Abril de 1998. De todas maneras, la impronta, el espíritu y la estética de Williams aún la mantienen como una de las mujeres más influyentes y radicales dentro del Rock.

Muchas veces un artista queda vinculado con un rol o papel si es un actor, o con un estilo de música en particular si es un músico. Esto que puede ser en algún punto algo beneficioso ya que lo encuadra dentro de un estilo para tratar de “explicar” lo que hace, en otras puede resultar hasta perjudicial ya que no se termina de “despegar” de ese rótulo y si lo hiciera puede generar malestar o incomprensión. Uno de estos casos puede ser el de Daniel Melero, aunque este tenga ciertas particularidades como por ejemplo el de que nunca se propuso, ni llego a ser de consumo masivo, obteniendo con esto la tranquilidad de que nadie pudiera reprocharle el ir cambiando de estilo. Sin embargo, y como paradoja, es aún hoy considerado por ese mismo público que a grosso modo lo reconoce como un artista “Tecno”. Esta palabra que allá por los ´80 estaba de moda y que encuadraba todo lo moderno y con maquinitas, hoy ya es en la electrónica la prehistoria de ese movimiento. Volviendo a Melero, más allá de que haya editado discos acompañado sólo por un piano, algunos en un plan más acústico o de canción, u otros simplemente pop, el mote de artista “Tecno” no se lo puede sacar y lo llevará por siempre porque esta dentro del imaginario popular. De todas maneras y como dice el refrán: “hazte fama y échate a dormir”, este rótulo no le cae porque si ya que desde sus inicios siempre estuvo interesado por la música de vanguardia, experimental o electrónica. Incluso esto es tan así que hasta quizás jugando con ese apodo de artista "Tecno" edita un álbum bajo ese nombre en el año 2000.

Dentro de esa explosión de artistas, estilos y ganas de mostrarse como fueron los ´80 en el ámbito musical, Melero fue el líder de una banda que estaría dentro de los puntales de esa movida electrónica-pop en nuestro país. Dicho esto último más que nada porque no se puede precisar con exactitud que un artista haya sido el faro a seguir ya que por ejemplo Charly García a principios de esa década editaba “Clics Modernos” un disco de avanzada para nuestras tierras trayendo consigo toda la movida New Wave americana, y ni hablar de la banda por excelencia de ese estilo como fueron los Virus. Sin embargo, la banda de Melero, Los Encargados, se encontraban haciendo un estilo distinto a ellos pero también emparentado no sólo por ser contemporáneos sino también por compartir una forma de producir canciones con un sonido típico de esa década. Los Encargados sólo editaron un Lp llamado “Silencio” de 1986, sin embargo pudo haberse editado mucho antes, ya que fue grabado allá por el 82-83 pero no vio la luz hasta el año en el que Maradona y cía ganaban el Mundial de fútbol. Esta demora atento contra el grupo ya que el disco se había quedado un par de cuerpos por detrás con respecto al sonido de otras agrupaciones que seguían apareciendo los cuales estaban con otra movida musical o habían pulido su sonido. Definitivamente el mercado musical estaba cambiando incluso dentro de esa misma década. Un detalle para nada menor es que para ese entonces, la vuelta de la democracia trajo consigo una inyección de ánimo y festividad a la sociedad y dentro de la música esto se palpaba de inmediato.

Hoy por hoy, el respeto musical está casi establecido, un artista puede pararse sobre un escenario con su propuesta siendo “respetado” por un público totalmente opuesto que fue a ver a otra agrupación dentro de un mismo festival. Sin embargo, en los ´80 esto aún estaba muy lejos de que eso suceda y grupos como Los Encargados o Virus sólo por citar algunos no eran muy bien vistos ganándose en las presentaciones masivas más de algún naranjazo o monedazo por la cabeza.

Los Encargados contó con la colaboración, ya desde sus comienzos, de Mario Siperman -futuro tecladista de Los Fabulosos Cadillacs- y la participación esporádica de Richard Coleman -Fricción/7 Delfines-, Ulises Butrón -Metrópoli/Zas- y Willy Crook -Redonditos de Ricota-, pero la formación definitiva sería la de Alejandro Fiori en guitarras y Hugo Foigelman en batería electrónica y sintetizadores además de por supuesto Daniel Melero en voz y teclados.

Debido a la falta de edición de material grabado, Melero empieza a dedicarse a una función que hasta el día de la fecha es la que realiza además de músico, como es la de productor. Sin embargo, para el año ´86 se edita el demorado “Silencio” el cual además de contar con una foto de tapa bien artística jugando con claroscuros cuenta con varias canciones interesantes. Acá se encuentra la versión original de “Trátame Suavemente”, popularizada tres años antes por Soda Stereo, la cual hace que más de uno crea que la de Los Encargados es un cover. Esta versión a diferencia de la de Cerati y cía quizás no tenga el “gancho” de éxito que la de Soda pero a la vez tiene unos arreglos más sofisticados que la anterior y por supuesto teniendo ese sonido bien típico de los ´80. Fuera de esta perlita para detallistas, se encuentran temas interesantes como “Orbitando”, “Sangre en el Volcán” y “Creo que Estamos Bailando”, más inclinados hacia el Pop o el Synth Pop, mientras que también tiene canciones más emparentadas a grupos como Devo o Human League en “Un Disparo de Luz”, “Ni un Minuto Más” o “Región”. También hay lugar para algunos más introspectivos en “Líneas” o “Planeta Agua”, pero también hubo más de un resbalón en “Le Caine”, “Vida Vacía” o “Villegas”, ya que su experimentalidad no termina de comprenderse. Sin embargo, más allá de esos posibles traspiés, “Silencio” es hoy considerado un disco de culto no sólo a nivel nacional sino también de forma internacional ya que representa una muestra auditiva de esos primeros trazos de un Synth Pop argentino que nunca terminó de explotar o que fue muy poco comprendido.

¿Cuantas veces al mencionar o pensar en un músico se nos viene a la par y de la mano su instrumento musical? Por ejemplo, al pensar en Hendrix al instante se nos aparece su guitarra Stratocaster, con Elton John su piano y así las equivalencias continúan. Uno de esos artistas que también es reconocido de inmediato por la utilización de su instrumento musical -el cual es más que exótico para algunos- es Augustus Pablo. Está bien, Pablo nunca tendrá el reconocimiento ni la masividad de los mencionados anteriormente pero esto no le resta calidad a su obra. Este jamaiquino popularizo el uso de la melódica dentro del Reggae, el cual a pesar de tener un sonido muy noble y característico siempre fue visto como un instrumento para niños los cuales lograban con esto tener su primer contacto con la música.

Sin embargo, Pablo lo adoptó como su sello personal y lo utilizó a lo largo de toda su carrera en cada uno de sus discos y presentaciones. No está demás aclarar que mucho material -si no es la mayoría- de las cosas que se producen o produjeron en Jamaica fueron lanzadas como simples y algunas de esos “tesoros” pueden llegar a ser casi arqueológicos ya que se encuentran deteriorados o simplemente se perdieron. Así también sucede con los Lp, no todos los artistas de ese país cuentan con un catalogo discográfico bien definido y ordenado, mucho de esto debido a la falta de un mercado que más allá de un alcance local no sabía y además no tenía el presupuesto necesario para su explotación internacional. Hubo casos aislados de éxitos que provenían de la isla pero fueron efímeros hasta la llegada de Marley que más o menos y a duras pernas ordenó el mercado musical de ese país.

Lo mencionado anteriormente no es un dato para nada menor ya que dentro de la discografía de Pablo se encuentran trabajos de muy buena calidad pero la cantidad de material grabado no está bien definida ya que en ese momento se editaban cosas sin tener un registro demasiado catalogado. Incluso, si a esto le agregamos que el estilo que abrazó Pablo desde un principio fue el Dub, la cosa se pone un poco más complicada aún. El Dub es ese estilo que nació como un Lado B de los temas cantados que aparecían justamente en la primera cara de los discos pero en este caso de forma puramente instrumental. Así de a poco fue creciendo hasta llegar a la madurez logrando tener canciones propias y no sólo las versiones instrumentales de algunos temas, convirtiéndose además como parte de un estilo dentro del Reggae. Continuando con lo anterior, dentro del Dub se encuentran muchos artistas reconocidos como es el caso de Lee Perry o King Tubby por mencionar sólo a dos de los más renombrados, pero sin embargo, el que pueda decir con seguridad que tiene o conoce todo el catalogo discográfico de ellos de seguro esta mintiendo. Esto debido a la cantidad de material grabado y re-grabado por ellos en varios formatos y con distintas instrumentaciones, haciendo de esto una tarea muy difícil el seguir sus huellas musicales.

Por supuesto que existen muy buenos Lp´s de ellos que supieron ganarle a los famosos compilados que reúnen un puñado de sus canciones, como es el caso del “East of The River Nile” de Augustus Pablo, el cual además de haber gozado de cierta popularidad en su tiempo, es de seguro una muy buena puerta de acceso para conocer su obra. Mencionar alguna de las canciones que integran el disco por sobre otra sería ser injusto con la obra en sí misma, ya que el Dub más allá de tener alguna que otra canción reconocida, fue hecho para ser escuchado en su totalidad, siendo una música corporal y espiritual. Así van desfilando temas como “Natural Way”, “Nature Dub”, “Unfinished Melody”, “Jah Light”, “Memory of The Ghetto”, “East of The River Nile” -quizás la canción más reconocida de Pablo- o “Addis-A-Baba”. Los años anteriores a la edición de este Lp como los inmediatamente posteriores son considerados los más prolíficos en su carrera destacándose trabajos como “This is Augustus Pablo”, “King Tubby Meets Rockers Uptown” u “Original Rockers”.

Luego de este trabajo seguirían varios más pero quizás uno de los más reconocidos sea la colaboración que tuvo una vez más con King Tubby en “Rockers Meets King Tubbys in a Fire House” de 1980. Los ´80 no serían una buena década para Pablo pero continuó editando álbumes hasta que, el 18 de Mayo de 1999, a los 45 años de edad, su vida llegó a su fin por consecuencia de un cáncer el cual sufría ya hace tiempo. Sin embargo, como legado queda su música y mucho material para seguir conociendo a este artista y a ese estilo musical que lo vio nacer, el Dub.

Cuántos discos se realizaron desde la desesperanza, la melancolía o el sufrimiento, exhibiéndose de espaldas al mundo pero mostrando sus sentimientos más profundos a flor de piel. La respuesta es muchos. Pero, ¿cuantos bajo este concepto se convirtieron en la obra máxima de una banda y además la influencia directa para muchos grupos contemporáneos y venideros?. En este caso, pocos.

Algo de esto último sucedió con el cuarto álbum de los Mercury Rev, “Deserter´s Songs”, el cual se puede catalogar como una especie de “renacimiento” dentro de su carrera. Luego de recorrer y batallar buena parte de los ´90 en el medio de la corriente del denominado Rock Alternativo, los Mercury Rev se reinventaron con un sonido más sofisticado y elaborado que los alejaban de las raíces que los vieron nacer. Sin embargo, todo cambio drástico nunca es bien visto desde un primer momento por temor a lo “nuevo y desconocido”. Algo de esto sucedió con los seguidores de sus inicios, los cuales no comprendieron el motivo del giro hacia las orquestaciones, las melodías ensoñadas o etéreas, como así también la forma de expresar sus sentimientos más profundos en letras que ponían al descubierto la fragilidad de sus sueños y/o anhelos.

Parte de esos cambios se debieron a que ya no contaban entre sus filas con el cantante David Baker -presente en los primeros trabajos de la agrupación- cuya deserción dejó más incertidumbres que certezas. Algo similar le estaba ocurriendo a una banda contemporánea a ellos y además “amiga” como son los Flaming Lips. Es más, Jonathan Donahue, ya había colaborado con los Lips mientras seguía formando parte de Mercury Rev. Sin embargo, el verdadero motor de esa transformación y/o cambio fue Dave Fridmann, bajista de los Mercury Rev el cual se puso el traje de productor y “creó” un sonido similar para obras de grupos similares pero a la vez disímiles entre ellos. El sonido de “Deserter´s Songs” luego lo adoptarían, un año más tarde, los Flaming Lips con “Soft Bulletin” y así sucesivamente hasta su disco más reconocido, “Yoshimi Battles The Pink Robots”. De todas maneras, ese sonido también se encontrarían en trabajos de grupos no tan similares como Mogwai, The Delgados o Sparklehorse por nombrar algunos.

Parte de ese “nuevo” sonido se debía a la orquestación de fondo, esa especie de Dream Pop Psicodélico pero que por sobre todo tenía un alto protagonismo en la voz de Jonathan Donahue. Ese falsete casi a punto de quebrarse por alcanzar una última nota, transmitía emoción, sinceridad y melancolía, algo que también supo adoptar Wayne Coyne en los Lips. “Deserter´s Songs” se convirtió en un referente que sentó las bases para muchas bandas posteriores a ellos de los denominados grupos indie. Sin embargo, hoy quizás a la distancia, álbumes y grupos posteriores tengan más reconocimiento que ellos.

El Lp comienza con “Holes”, una canción etérea, de voz ensoñada con un arreglo orquestal de fondo magistral. El ambiente melancólico, sentimental y hasta cósmico que tiene el tema lo convierte en uno de los mejores temas no sólo del disco sino también quizás de la década de los ´90. El arreglo final con los bronces dentro de una banda catalogada como de Rock Alternativo también era toda una declaración de cambio.

Luego de ese comienzo es muy difícil mantener esa calidad sin embargo, el tema siguiente es “Tonite It Shows”, una canción con aires de banda de sonido de dibujos animados que continúa con el muy buen arreglo de fondo de la primera canción. “Endlessly” tiene un sonido fantasmagórico en las voces y teclados, casi como si fuera un Theremin, instrumento característico en los antiguos films de terror el cual servía para personificar algún espíritu maligno que estaba por atacar al protagonista en cuestión. Sin embargo, como contrapuesto, en el medio del tema hay una especie de villancico navideño lo cual nos muestra que la mente experimental y compositiva de los Mercury Rev podía tomar mucho vuelo.

El Intermezzo de esos tres temas sería “I Collect Coins” que con un sonido de radio antigua nos conduce a otro de los highlights del álbum como es “Opus 40”. La estructura del tema es similar a los anteriores tanto en voces como en instrumentaciones pero tiene un espíritu más esperanzador que las pasadas canciones. Si el agregado de bronces en “Holes” desconcertó a más de algún fan del rock alternativo “Hudson Line” lo dejaría nocaut por su estructura de tintes jazzeros.

Luego sigue el instrumental, oscuro y terrorífico “The Happy End” el cual también funcionaría como una especie de división para comenzar a recorrer el último tramo del álbum. Las últimas canciones serían “Goddess on a Highway” que suena similar en las voces a los Kinks de los ´70. “The Funny Bird” es cósmica en su sonido y voces, la cual luego revienta con la estridencia de sus guitarras. El siguiente es el instrumental “Pick Up If You´re There”, el cual continúa con el Space Rock del tema anterior. Cuando más o menos empezamos a comprender de que va el álbum los Mercury Rev nos desconciertan una vez más con la festiva y bailable “Delta Sun Bottleneck Stomp” que cierra el Lp.

Para muchos puede llegar a ser un disco desparejo en algunos sentidos para ser considerado un clásico, un Lp con muchas pretensiones para otros, o también un álbum revolucionario y de influencia para algunos más, pero sin embargo, de lo que se puede estar seguro es que “Deserter´s Songs” se trata de un disco que cambió no sólo el sonido de un grupo, sino de varios más, y eso no es poca cosa. Se encuentra a la sombra -quizás de forma injusta- de varios discos de los ´90 pero es correcto darle su justo lugar dentro de los mejores álbumes que cerraron el fin de una década y como si fuera poco, el fin de un siglo con un panorama musical en el rock no demasiado alentador. “Desertor´s Songs”, un manifiesto de canciones inconformes o por qué no, de Canciones Desertoras.

Atlas Sound - Parallax

El alargado y flaco -sufre del Síndrome de Marfán- Bradford Cox, ya hace rato está tomando bastante en serio su alter ego denominado Atlas Sound cuando no está junto a su banda Deerhunter. Lo que empezó siendo casi un pasatiempo y una forma de editar lo que no podía junto a su grupo, cada vez está más firme y establecido. “Parallax” se muestra natural, con transparencias y sin rodeos. A pesar de haberse editado recientemente se abre paso y se destaca por su aire sentimental e introspectivo pero con ganas de mostrarse a la vez.


Beady Eye - Different Gear, Still Speeding

Seamos sinceros, luego de la separación de Oasis el que la tenía más difícil era Liam. Con la disolución de la banda, Noel se llevaba su valija de hits hacia nuevos horizontes y dejaba a su hermano menor a la buena suerte de su voz -de frases estiradas- y su gran bocota llena de escándalos. Con su primer disco Liam nos cierra la nuestra a más de uno y quizás hasta le ganó la pulseada a su hermano -un poco Noel ya nos aburrió con más de lo mismo- porque más allá de no tener grandes novedades sonoras este trabajo de Liam nos hace rockear y eso no está nada mal en estos tiempos modernos.


Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part Two

Después de 7 años de un largo silencio -en el medio transcurrió la recuperación del cáncer de Adam Yauch- volvieron los B-Boys. Este nuevo trabajo de ellos los trae de vuelta al ruedo y de la mejor forma con un álbum ecléctico en su sonido. Desde el Dub Step de “Don´t Play no Game That I Can´t Win” con Santigold, pasando por el Hip Hop furioso de “Say It” -link directo de So What´cha Want-, el Funk con “Nonstop Disco Powerback” y así varios más como el “Make Some Noise” -link a Sure Shot- y si a todo esto le agregamos el corto de veinte minutos de “Fight For Your Right Revisited” se agradece la vuelta de estos Beach Boys recargados.


Danger Mouse & Daniele Luppi - Rome

El cada vez más reconocido productor Danger Mouse (Gorillaz y Gnarls Barkley entre otros) se unió con el compositor italiano Daniele Luppi y juntos crearon esta obra que podría definirse como una Banda de Sonido de película sin film alguno. Inspirado en los Soundtracks de Spaghetti Western de los 60 vía Ennio Morricone, “Rome”, debe su nombre a la ciudad donde fue grabado y cuenta con la colaboración de Norah Jones y Jack White. Un trabajo más que interesante y que no se debe dejar pasar por alto.


Foster The People - Torches

Los Foster The People gracias a su caballito de batalla “Pumped Up Kids”, se hicieron conocidos y la “pegaron” ganándose el lugar de poseer uno de los mejores singles del año. Dejando de lado esto, su disco tiene otras canciones muy interesantes como “Houdini” o “Helena Beat” que hoy por hoy los vuelve adictivos para un sábado por la noche. De todas maneras, su tarea más difícil es conservarse en el tiempo y pasar la complicada prueba de los famosos “quince minutos de fama”.


Girls - Father, Son, Holy Ghost

Todo el Hype que se había formado en torno a ellos con su primer disco no estaba tan errado ya que en este segundo Lp los Girls lo vuelven a hacer. Hay de todo y para todos los gustos en este segundo álbum, desde un guiño gigante a Deep Purple en “Die” hasta el playero Surfer y contagioso “Honey Bunny”. Pero en el medio hay más, el Dream Pop de guitarras en “Alex”, la introspección y delicadeza en “Just a Song”, el romanticismo en “Saying I Love You” y así siguen las canciones y estilos. Un álbum que aunque sea uno de los más interesantes de este año puede pasar desapercibido y sería una lástima.


Iron & Wine - Kiss Each Other Clean

Quizás para la crítica no sea el mejor disco del barbudo Indie Samuel Beam pero siempre es recibida con los brazos abiertos esa delicada forma de componer -con tantos detalles- junto a esa sentimental voz. Para muchos sea más de lo mismo dentro de la discografía suya pero esas canciones de aire primaveral y día soleado nunca fallan ni se deben despreciar.


M83 - Hurry Up, We’re Dreaming

Probablemente los M83 con este disco hayan conseguido gracias a la canción “Midnight City” su tan ansiado Hit luego de tanto tiempo. Sin embargo, el que quiera encontrar un tema similar como este en el siguiente disco se va a decepcionar un poco ya que es doble este álbum y necesita de una escucha más atenta que la de un Hit radial.


Panda Bear - Tomboy

El parate de el colectivo animal de sonidos de Animal Collective -valga la redundancia- tiene a Noah Lennox como uno de los máximos beneficiarios ya que con este nuevo disco puede seguir demostrando toda la mezcla de estilos y sonidos que hay dentro de su cabeza. Para ordenar o desordenar la mente de Lennox el álbum está producido por Sonic Boom (ex Spacemen 3) y con esto deja en claro de que la experimentalidad -un poco más contenida que antes- está a la orden del día.


Real Estate - Days

Lo que tocan los Real Estate lo hacen e hicieron muchos grupos antes que ellos o sea que por el lado de lo novedoso puntos no van a ganar. Sin embargo donde si se llevan los porotos es con su música ya que se termina convirtiendo adictiva y se deja escuchar el disco entero sin sobresaltos. Esos temas cancinos y relajados con aires de verano y esas voces con reverb contagian de inmediato convirtiendo a “Days” en un disco que cuando termine lo vas a poner de nuevo de forma automática.


The Horrors - Skying

¿Los Horrors van a seguir cambiando disco a disco o en algún momento se van a detener y plantar bandera de algún estilo en particular? Esto no es una crítica negativa sino una realidad ya que en su debut hicieron Garage Rock, en el segundo hicieron Shoegaze y ahora con este último es Post Punk y Pop de los ´80. Los Horrors con su música -más allá de su constante mención a grupos pasados- siempre tienen motivos para que se hable de ellos y esto no está mal si lo que hacen está ejecutado con calidad.


The Weekend - House of Balloons

Los Weeknd sacaron su primer Lp sólo por internet. El mismo, sólo se puede conseguir así ya que colgaron el álbum en su web y no se encuentra por ninguna disquería. Sin embargo, esto no es un impedimento para ser uno de los discos más interesantes del año. Desde la tapa ya nos muestran de que va su interior, una música nocturna, algo prohibida y por sobre todo sexual. Desde un Neo R&B, Dub Step y algo de Hip Hop son algunos de los estilos que se encuentran en el álbum. Apto para escuchar a oscuras.


TV on The Radio - Nine Types of Light

Que una banda ya transite su quinto disco y que aún no pueda ser encasillado en un estilo en particular puede hablar de ellos muy bien o muy mal. Con los TV on The Radio sucede la primera opción ya que nos habla de una banda inconformista, dispuesta a tomar riesgos sin medir las consecuencias. A pesar de sus diez años de carrera siguen sonando frescos como la primera vez con su expresión de Art-Rock, pero los encontramos más calmos y maduros.


Youth Lagoon - The Year of Hibernation

Cómo cambió el hecho de grabar y producir un álbum. Antes era todo mucho más difícil y no cualquiera tenía acceso a esto. Desde la llegada de lo digital y las computadoras personales todo se hizo más fácil, igual esto no quiere decir que sobre calidad sino que hasta el momento es cantidad. De todas formas quien le quita el mérito a este purrete de veintitantos que ya sacó su disco con influencias de Flaming Lips y Mercury Rev grabado desde su habitación, sino fíjense en el título del mismo.


Yuck - Yuck

Siempre, por más que pasen los años y las modas, van a surgir las bandas de guitarras. Con Yuck y su primer Lp una vez más la teoría esta vigente. Estos londinenses suenan bastantes americanos ya que sus influencias directas en su sonido son los Dinosaur Jr, Pavement, Sonic Youth y Pixies entre varios más. Si tu adolescencia creció con ellos los Yuck son tu nueva banda de sonido para viajar al pasado.


Wilco -The Whole Love

Después de un álbum rendidor y de fácil consumo como fue su anterior trabajo llamado igual que la banda, podía llegar a ser difícil realizar un sucesor que esté a la altura. Los Wilco con este “The Whole Love” hicieron un borrón y cuenta nueva ya que se encontraban agotados en sus casi 20 años de carrera. Que mejor que despacharse con un álbum fresco y directo, que va en piloto automático como es este último Lp de la banda de Jeff Tweedy.

Ya se acerca fin de año y siempre estas fechas se utilizan como balance para reflexionar en base a lo transcurrido durante ese período. Se trata de rescatar lo mejor y de descartar y/o dejar en el olvido lo peor del mismo. Esto sucede en todos los ámbitos de nuestra vida y por supuesto la música no es la excepción. El 2011 en materia musical había empezado bastante tranquilo, pero con el correr de los meses y ya casi llegando al final del mismo se puso bastante interesante. Justamente esta palabra sería la más adecuada para encolumnar una serie de álbumes de este año, ya que siempre se suele utilizar la denominación de: “Los Mejores Discos del….” o “Las Mejores Canciones del….”, sin embargo esto es muy subjetivo. Por eso el término interesante le estaría quitando cierta pretensión, subjetividad e imparcialidad a una lista que ya de por sí siempre corre bajo la tendencia y/o gusto por parte de quien la confecciona. Por estos motivos, los discos de más abajo se encuentran ubicados en orden alfabético y no por puestos o en orden decreciente como suelen aparecer en muchas listas. Acá va la primera parte de algunos de los Discos más interesantes del 2011:


Arctic Monkeys - Suck It and See

Luego de su oscuro tercer larga duración, los chicos de Sheffield habían despertado cierta inquietud e interés por saber si iban a continuar en esa senda musical o iban a volver al rock directo que tanto éxito y beneficios les trajo. Este 4 Lp es una mezcla de todo lo anterior pero aggiornado, ya que Alex Turner maduró y también lo hicieron sus composiciones aunque se encuentren sostenidas en este caso por el rock de sus primeros discos.


Bill Callahan - Apocalypse

Siempre se dice que el terror de todos los músicos es editar su segundo disco, ya que para su primer álbum tuvieron toda una vida para prepararlo y luego grabarlo, sin embargo para el siguiente sólo tienen unos cuantos meses. Algo de esto le pudo haber sucedido al cantautor Bill Callahan, el cual había logrado muy buena aceptación con su primer disco, pero supo salir airoso del escollo con este reciente Lp el cual continúa lo realizado en el anterior. Sí, quizás unos escalones más abajo, pero no desentona.


Bon Iver - Bon Iver

El segundo trabajo del cantautor Justin Vernon más conocido como Bon Iver continúa por el mismo camino que su primer larga duración. Sin embargo, el primero era bien introspectivo y este se percibe como un poco más sociable. Los arreglos de voces -su falsete-, coros y demás instrumentaciones siguen estando y siempre se destacan por su perfección marcando diferencia con algunos de sus contemporáneos. Qué decir del arte de tapa, esa pintura habla por sí sola de qué va el disco.


Cut Copy - Zonoscope

Parece que el Retro también caló hondo -y ya hace rato- en los grupos de Rock Electrónico más moderno, como es el caso de los australianos Cut Copy. Sin dudas este tercer álbum es el más accesible dentro de su repertorio y mucho de esto se debe a que emparentaron su sonido con ritmos y/o melodías de los ´80 sin sonar Vintage. Indispensable para un sábado a la noche.


Dum Dum Girls - Only in Dreams

Parece que el Pop de los ´60, alguna que otra influencia del Garage Rock y el Dream Pop -vía Mazzy Star- están de moda por estos días ya que una vez más hay otro grupo que tiene esto como faro a seguir. El grupo femenino Dum Dum Girls edita su segundo Lp bajo la producción de Sune Rose Wagner, mitad de los Raveonettes y esto queda en evidencia ya desde la primera escucha. El disco puede llegar a ser lineal, sin muchos arreglos más que la simplicidad de una banda haciendo Pop-Rock, pero… ¿esta mal?.


Elbow - Build a Rocket Boys!

Los Elbow nunca van a ser una banda canchera. Esto no es un ninguneo, todo lo contrario, ellos están para otra cosa. No son una pose y una cara de malo, tampoco su estética y apariencia física los ayuda mucho pero no les importa porque su prioridad es la música, y acá si que ganan tirando lujos. Para este álbum sus letras tratan sobre la adolescencia y el proceso que conduce a la madurez. Su música siempre intensa y con ciertos aires progresivos son la pausa perfecta para detenerse a escuchar un álbum lleno de detalles.


Fleet Foxes - Helplessness Blues

El segundo disco de los Fleet Foxes sirvió para dejar en claro que estos muchachos de Seattle no habían tenido solo suerte con su primer larga duración. En este álbum siguen regalándonos buenas voces, música sentimental y bien ejecutada la cual los posiciona como punta de lanza de esa nueva camada de Neo Folk que se esta dando estos años. Profundo pero ambicioso a la vez.


Justice - Audio, Video, Disco

El dúo francés Justice con este segundo Lp se vuelve más rockero que en el disco anterior. Más allá de que sus bases sean electrónicas en este trabajo tienen más importancia las voces, cosa que no sucedió tanto en “Cross”, su primer álbum. La música de Justice puede quedar con el tiempo como recuerdo de un momento o movimiento que sucedió y sintió los embates del mismo pero hoy por hoy tiene que ser reconocido.


Miles Kane - Colour of The Trap

Hasta la edición de este álbum -y de seguro todavía aún- se conozca a Miles Kane por ser la otra mitad de The Last Shadow Puppets, el dúo que completaba con Alex Turner. Muy poco se sabe que tuvo una banda como The Rascals, la cual paso con más pena que gloria. Sin embargo, para este año, ha decidido “quemar las últimas naves” y jugársela editando un Lp bajo su nombre el cual contiene una colección de temas de rock-pop británico, elegante y simple, retro pero a la vez moderno.


My Morning Jacket - Circuital

Los MMJ llegan a este nuevo trabajo totalmente renovados, manejando un amplio espectro de sonidos los cuales van jugando con nuestras emociones y nos regalan su álbum más variado, deslumbrante y de perfecto consumo a la vez. El arreglo de voces de Jim James, la delicada y sentimental “Wonderful”, el coro femenino de “Holdin on To Black Metal”, el madchesteriano “First Light”, el mid-tempo de “The Day is Coming” y varias cosas más son lo que hacen de “Circuital” la puerta perfecta para entrar al Universo de My Morning Jacket.


Neon Indian - Era Extraña

Con un apellido identificable más con un dibujo animado que con un cantante de rock, este Alan Palomo edita su segundo álbum y en este caso lo hace superando en calidad al primero por varios cuerpos de distancia. Su música de Indie Rock Electrónico se encuentra dentro de lo más novedoso y fresco dentro de ese estilo en los últimos años. Indispensable para los tiempos modernos que corren.


PJ Harvey - Let England Shake

En entrevistas y reportajes el álbum de Polly Jean Harvey se anunciaba que iba a ser sobre la guerra, pero nadie se esperaba que el conflicto bélico iba a resumirse a la mirada crítica de ella sobre la postura de Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial. Las letras, irónicas, sentidas y críticas no sólo hablan del país de la Rosa sino también de la Europa de fin de siglo XX. El mejor trabajo de PJ Harvey en mucho tiempo.


Radiohead - The King of Limbs

Seamos sinceros, siempre que los Radiohead editen un nuevo Lp lo vamos a comparar con “OK Computer”. Bien, si empezamos así vamos mal de movida y negativos porque sabemos que ese trabajo es uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Sin embargo, si nos corremos de ese prejuicio podemos llegar a valorar este “The King of Limbs” que aunque venga con una duración casi de Ep se puede llegar a disfrutar aunque más no sea en cuentagotas del talento de Yorke y Cía.


Ryan Adams - Ashes & Fire

El nuevo disco de Ryan Adams nos deja un sabor más que dulce, ya que sus anteriores trabajos no cumplieron con las expectativas que este cantautor había despertado con su debut. Sin embargo, este nuevo Lp nos muestra al mejor Ryan Adams, con canciones directas al corazón como “Dirty Rain”, “I Love You But I Don't Know What To Say” o “Lucky Now” entre otras. Ojala sea el álbum para el nuevo despegue en la carrera de Adams.


The Decemberists - The King is Dead

Luego de un álbum interesante pero quizás muy jugado para sus fans más acérrimos, los Decemberists vuelven al formato más clásico en ellos, la canción. Este “The King is Dead” no tiene el misterio y la osadía de su trabajo anterior pero eso no es algo negativo ya que vuelven al estilo que mejor les calza, el Alt-Rock. Este disco sirve de link directo para los que gustan de R.E.M, mezclado con Gram Parsons.


The Drums - Portamento

¿Que le paso a The Drums? De repente el día se hizo noche, y esto es literal ya que para su segundo disco cambiaron de forma radical a la playa, el surf y las chicas en bikini de California, por el gris, lluvioso y frío Londres. El cambio no le vino tan mal a Pierce ya que cada vez más sus composiciones tienen esa típica tortura sentimental inglesa y eso no le sienta nada mal.


The Kills - Blood Pressures

La junta que tuvo Alison Mosshart con Jack White en los Dead Weather parece que tuvo sus frutos ya que con este último disco los Kills recuperan su sonido garagero, sucio y crudo con los que se dieron a conocer. Las palabras pueden estar demás para definir este “Blood Presures”, ya que es puro salvajismo pero con cierto halo de misterio cortesía de Mosshart en las voces.


The Pains of Being Pure at Heart - Belong

Este ya es el segundo disco en la carrera de los Pains of Being Pure at Heart, -sin contar su EP “Higher Than The Stars”- y una vez más recurren a esa influencia Shoegaze que no tratan de disimular. Son diez canciones que destilan guitarras de comienzos de los ´90 y un tratamiento vocal digno del mejor Dream Pop. Un disco que se puede convertir en una adicción.


The Strokes - Angles

“Is This It” es su mejor trabajo y punto. Pero estos neoyorkinos no pueden seguir tratando de imitar una y otra vez a su mejor obra, sino repasen su segundo y tercer trabajo. Para seguir, muchas veces hay que saber dar un volantazo y tomar los riesgos de empezar a pisar en suelo no seguro y tratar de expandir su sonido con nuevas instrumentaciones. Con este “Angles” los Strokes salen más airosos de lo que se podía creer ya que la relación entre ellos es más que tirante, sin embargo ante la salida de un nuevo trabajo siempre causan revuelo, y este no es la excepción.


The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines

Todos los meses la revista New Musical Express se embandera con un grupo que va a ser la sensación no sólo del año sino de toda la música a futuro. Esta vez el Hype puede estar en lo cierto, pero sólo como sensación para este año, todavía a los Vaccines le falta mucha pista por recorrer. De todas formas, ya despegaron y llevan un vuelo muy estable con su música fresca y descontracturada con influencias varias, entre ellos los Ramones y Jesus and Mary Chain.