Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Dirty Projectors: “Swing Lo Magellan” - Domino

Luego de tres años de la salida de su anterior trabajo, “Bitte Orca”, regresan al ruedo los Neoyorquinos de Dirty Projectors con “Swing Lo Magellan”. Amparados detrás de la voz de David Longstreth se aprecia un Lp que está teñido de cierta melancolía, penas y tristezas varias pero sin ser para cortarse las venas. El disco quizás no es de fácil escucha y necesita de varias reproducciones para llegar a comprenderlo. Incluso es hasta difícil de encasillar dentro de un género o estilo en particular. Voces de distintas tonalidades, múltiples ritmos, arreglos de vientos  y experimentaciones varias son la fachada que se presenta de inmediato ante los primeros acordes. Para muchos los Dirty Projectors con este álbum van a quedar en el “-estos pibes se la creyeron y mucho-”, para otros puede llegar a ser un modesto trabajo, mientras que el resto puede llegar a pensar que esta dentro de los mejores trabajos del año. Gustos son gustos… Fecha de Lanzamiento: 10 de Julio.

Passion Pit: “Gossamer” - Columbia

Bajo el nombre de “Gossamer” los Passion Pit editan su segundo Lp a tres años de su debut. No hay grandes diferencias entre estos dos trabajos, siguen sobresaliendo esas melodías dance gancheras sostenidas en estribillos bien marcados y en la voz de Michael Angelakos. Más allá de que las canciones tengan fecha de envase en el 2012, todo el disco parece estar elaborado mirando con un ojo a los ´80. El hit destacable y radial es “Take a Walk”, mientras que los demás temas completan un Lp que puede servir para acompañar una soleada mañana de sábado, no le pidamos mucho más, pero se deja escuchar fácilmente y no pretende ser más de lo que es. Fecha de Lanzamiento: 24 de Julio.

Alberta Cross: “Songs of  Patience” - Ato Records

Nombre feo y poco vendedor para una agrupación, incluso para cualquier desprevenido se trataría más de un nueva cantante de Indie Folk que de una banda que supo girar entre otros con Oasis o los Black Rebel Motorcycle Club. Más allá de este detalle, los Alberta Cross editan su tercer álbum -contando su Ep debut- con el que piensan despegarse de su poco reconocimiento. Canciones de fácil escucha y unas baladas que por momentos desprenden un tufillo muy allá Oasis, sin Liam y Noel, claro. Sin embargo, hay muchas bandas que hacen lo mismo que los Alberta Cross y tienen más reconocimiento. Para darle una oportunidad. Fecha de Lanzamiento: 17 de Julio.

Jeff the Brotherhood: “Hypnotic Nights” - Warner

Otro dúo de rock y van… En este caso a los Jeff The Brotherhood lo integran los hermanos Jake y Jamin Orrall, los cuales ya vienen batallando en la industria musical hace rato pero desde lo underground y lo Indie bien Indie. Sin embargo para su último Lp, “Hypnotic Nights”, los hermanos de Nashville transaron con Warner y se codearon con uno de los productores más cotizados hoy en día como es Dan Auerbach de los Black Keys. Más allá de sonar a un pulido Rock de Garage y algo de Rock Alternativo -onda Weezer- hacen honor a sus orígenes ya que sus melodías tienen cierto aire a Rock Sureño pero en clave 2.0, obvio!. Fecha de Lanzamiento: 17 de Julio.

Purity Ring: “Shrines” - 4AD Records 

Hace ya un tiempo a esta parte el gran sello 4AD, entre otras cosas cuna del más exquisito Dream Pop de los ´80, parece querer darle otro espacio en su catalogo -siempre en la vanguardia- a nuevos artistas con estilos más bailables y algo más amigables en su sonido. Que el dúo chico-chica de Purity Ring sea editado por ellos habla de esa búsqueda. Los Purity Ring tienen en su Lp debut algo de Dream Pop, pero por sobre todo un Electro Pop algo descartable luego de varios usos o mejor dicho escuchas. Su sonido está radicado en lo cristalino de las voces, por momentos etéreas y muy rendidoras, mientras que en otras suenan casi a Pop Adolescente creando cierta confusión y como consecuencia despertar más de un enojo o duda de que se está escuchando. Para el debate. Fecha de Lanzamiento: 24 de Julio.

Nirvana - “Nevermind” 1991

A comienzos de los ´90 Seattle se convirtió de la noche a la mañana en el centro de la escena musical no sólo Americana sino también mundial ya que también Inglaterra tuvo un ojo puesto en esa fría ciudad de EE.UU. El comienzo de una nueva década iba a tener nuevos héroes musicales -para algunos críticos los últimos- los cuales fueron la banda de sonido de la Generación X. Influenciados por el Rock Alternativo, el College Rock, el Hardcore Punk y por último un detalle para nada menor, el orgullo de mostrar las raíces de su procedencia de clase trabajadora, se gestó este nuevo estilo que entre camisas leñadoras, jeans rotos y pelos largos se catapultó de esa ciudad hacia toda America. Varios grupos empezaron a forjar en esa fría ciudad Americana una movida a finales de los ´80 y de ahí saldría la banda ícono de esa generación como fue Nirvana.

Sin dudas, el “Nevermind” de Nirvana está dentro de los 5 mejores y a la vez más influyentes discos de la década del ´90 y se ubica con comodidad dentro de los mejores discos de la historia del Rock. Este álbum consolidó a Cobain como el nuevo héroe de toda una generación y posteriormente, luego de su deceso, como uno de la lista de mártires que dejó la industria musical y que aún hoy puede seguir vendiendo y explotándose. El Lp “Nevermind” está demás presentarlo, ya es más que conocido y reconocido por todos, desde su portada en la que retrata de forma precisa la razón de vivir ya desde bebés dentro la sociedad de consumo en la que estamos. Acá está el himno Grunge por excelencia como es el “Smells Like Teen Spirit”, al parecer basado su título por una marca de desodorante femenino, catapultó a Nirvana al estrellato y fue el principio de un largo dolor de cabeza para un Cobain que nunca estuvo preparado para los flashes de la fama y lo masivo. Incluso siempre aprovecho la oportunidad para auto-boicotear el tema menospreciándolo al decir que el lo único que intentó hacer fue -“componer la canción Pop perfecta, o sea plagiar a los Pixies”-, demostrando además su fanatismo por la banda de Black Francis, una gran influencia para ellos. Otros temas clásicos dentro del repertorio de Nirvana que también están en el Lp son “Come As You Are”, “In Bloom”, “Lithium”, “Polly”, “In Breed”, “Territorial Pissings” y varios más que se presentan por si solos ante la sola escucha. El lanzamiento de “Nevermind” no sólo se llevó puesto a toda la movida del Hair Metal sino también a un peso pesado como Michael Jackson con su disco “Dangerous”.


Pearl Jam - “Ten” 1991
Antes de la irrupción del Grunge en EE.UU lo que estaba de moda eran los grupos denominados de Hair Metal, a grandes rasgos grupos de Metal Pop pero con un alto protagonismo en su imagen, desde corte de pelo hasta indumentaria. El Grunge se encargó de echar por tierra toda esa escena que en un momento pudo haber estado bien pero que ya se estaba convirtiendo en excesiva apareciendo clones de Motley Crue y Poison hasta levantando la alfombra. Los grupos a la cabeza que se encargaron de dejar en claro su odio visceral hacia esas bandas fueron Nirvana y Pearl Jam entre otros. Sin embargo, no todo sucede de la noche a la mañana ya que antes de estos hubo varios grupos más que serían la Prehistoria del Grunge. Algunos de estos fueron Green River, su nombre proviene de un tema de Creedence -¿querías camisas leñadoras?, tomá-, y los malogrados Mother Love Bone. De las cenizas de estos surge el embrión de lo que más tarde serían los Pearl Jam. El Lp debut de ellos “Ten” salió a romper todo ya de entrada, ese sonido de las guitarras de Mike McCready y en la base rítmica junto a la inconfundible y tan personal voz de barítono de Eddie Vedder logran posicionarse con total comodidad y facilidad como la segunda agrupación Grunge por excelencia.
Los Pearl Jam al igual que tantos otros grupos de la escena captaron de inmediato lo que le sucedía a una gran porción del adolescente promedio Americano con lo cual muchos vieron en ellos a los nuevos héroes de esa generación. En “Ten” además de tener muy buenas canciones como “Why”, “Oceans” o “Porch” estaban dos clásicos temas no sólo de la banda, sino ya del Grunge en general como son “Alive” y “Jeremy”, los cuales tuvieron una alta rotación en las cadenas de videos musicales. Este último incluso fue prohibido durante algún momento ya que recreaba la verídica historia de un estudiante, que se voló la cabeza a los 16 años frente a sus compañeros de clase ya que siempre fue objeto de burlas en la escuela y carecía de la atención necesaria por parte de sus padres. Más allá de que esto sea un ejemplo aislado en una canción, ese espíritu de depresión, incomprensión y agresión contenida siempre rondó la prosa de muchos grupos de este estilo representando fielmente a la Generación X. Los Pearl Jam estaban tan descontentos incluso con la escena musical de ese entonces que además de editar su disco en el por entonces novedoso formato CD también decidieron lanzarlo en vinilo, como ellos siempre quisieron desde un primer momento. De toda la camada de grupos Grunge, la única que a pesar de los embates y de los cambios de moda musical que aún sigue en pie, son los Pearl Jam.


Soundgarden - “Superunknow” 1994
Los Soundgarden ya venían batallando hace tiempo dentro de la escena, diferenciándose un poco de sus contemporáneos por sus sonidos más emparentados con aires metaleros. Su tercer trabajo, “Badmotorfinger” había sido el salto hacia la madurez compositiva, sin embargo su próximo disco, “Superunknown” de 1994 fue la explosión y luego implosión de la banda volviéndolos reconocidos y masivos. No está demás indicar que para ese año el grunge ya pisaba fuerte y seguro, sin sospechar que meses después lo esperaba la carta de defunción a la vuelta de la esquina. Para ese entonces la “guerra” de bandas que siempre existió para la prensa musical, desde los Beatles-Stones hasta los Oasis-Blur, sólo por nombrar dos ejemplos, también tuvo en el Grunge sus ejemplos con Nirvana-Pearl Jam. Por este motivo y para despegarse un poco de esta dupla y ser un poco la tercera en discordia los Soundgarden hicieron un Lp que tiene un vuelo musical más alto que sus anteriores trabajos. Sin dejar de lado esas guitarras bien al frente, con una dosis moderada en su siempre marcada influencia por el Metal, y con una imaginería algo siniestra -queda en evidencia en las letras y en el arte de tapa del disco- junto a la inconfundible voz de Chris Cornell, gestaron su álbum más rendidor.
Las atmósferas oscuras a lo Black Sabbath y los riffs de guitarra los situaban en la puerta del Metal pero no tenían la llave de acceso porque tampoco pertenecía su sonido a este género. Acá esta el típico Hit que conocemos todos como es “Black Hole Sun”, donde la voz de Cornell enaltece el tema cuya letra conecta de forma directa con una generación -la de los ´90- descontenta con todo su entorno pero a la vez muy emocional. El otro tema que le valió varias menciones, con un videoclip que gozó de alta rotación -cuando sonar en MTV aún era sinónimo de prestigio- como es “Spoonman”. Sin embargo, más allá de estas canciones también se destacan temas como “Fell on Black Days”, “Superunknow”, “4th. of July”, “The Day I Tried To Live” y varios más.
Luego de este Lp harían un siguiente trabajo como es “Down on the Upside”, pero ya para ese entonces el ánimo en la intimidad del grupo ya era otro, incluso la escena musical ya era otra, el Grunge ya había perdido a su máximo héroe y varios seguirían su camino años más tarde.


Alice in Chains - “Dirt” 1992
Quizás los más Grunge dentro de los Grunges, esto iba desde su sonido hasta sus letras y por supuesto no dejando de lado su vestimenta. Siempre a la sombra de los tanques de Nirvana y Pearl Jam pero ganándose el corazón de una legión de seguidores que los veían hasta quizás más auténticos, esas fueron y son la carta de presentación para los Alice in Chains. Hasta la aparición de su segundo Lp, “Dirt”, los Alice in Chains podrían ser encasillados incluso como una banda de Metal de la época en ascenso, sin embargo el tema “Would?” los ubicó en los primeros puestos de las listas Americanas. El sonido de los Alice realmente era duro en comparación con otras bandas contemporáneas de la escena, guitarras distorsionadas con riffs Metaleros bien al frente y la voz también tan particular de Layne Staley hicieron que “Dirt” fuera uno de los discos insignia para graficar al dedillo lo que fue el Grunge. Ya desde la tapa del Lp se puede apreciar un cierto coqueteo con la muerte, sin embargo, esto queda en evidencia en muchas de las letras que integran el trabajo las cuales hablan sobre el suicidio y aluden a la drogadicción. Quizás hasta incluso presagiando el fatal final por sobredosis que una década después terminó con la vida de Staley. Esos indicios se podían palpar en canciones como “Junkhead” o en “Dirt”, sólo por mencionar dos. En las letras y en todo el espíritu del disco hay una sinceridad cruda y brutal sobre los demonios interiores que vivían dentro de la cabeza de Staley.
Más allá de esto, hay que resaltar que ellos tenían un sonido que aparentaba ser sucio pero que refinaban con ese justo balance entre agresividad y melodía. Esto se puede escuchar ya desde el primer tema que abre el Lp, “Them Bones”, un riff potente el cual es un cross de derecha a la mandíbula para el oyente. Pero hay más golpes con “Dam That River”, “Rooster”, “Angry Chair” o “Down in a Hole”, otro de los cortes del álbum.
Hoy a la distancia el sonido de “Dirt” tiene fecha de elaboración en los tempranos ´90, sin embargo, esto en vez de restarle mérito le suma, ya que recrea un espíritu y una escena ya lejana pero que aún así sigue causando el mismo impacto sonoro como en esos tiempos.


Temple of The Dog - “Temple of The Dog” 1991
Los Temple of The Dog podrían ser considerados hoy a la distancia como el Super Grupo del Grunge. Sin embargo, esta banda que hoy sería un éxito total por los nombres que la integran, en su momento pasó con más pena que gloría. El grupo fue la creación de Chris Cornell -por ese entonces ya estaba con los Soundgarden-, el baterista Matt Cameron, el guitarrista Stone Gossard, el bajista Jeff Ament (ambos ex integrantes de los Pre-Grunge Mother Love Bone), Mike McReady en la guitarra líder y un aún joven Eddie Vedder en la segunda voz. Todos estos últimos serían el embrión de los venideros Pearl Jam. Pasemos en limpio, un grupo en el que las dos caras visibles eran Cornell y Vedder hoy no tendría margen de error, sin embargo por esos años aún no tenían la chapa y los Temple of The Dog se convirtieron con el paso del tiempo en el típico grupo de -“la banda donde están tal y tal…”-. Los Temple of The Dog -cuyo nombre deriva de unas líneas de un tema de Mother Love Bone- se gestó como una especie de homenaje que quiso rendirle Cornell a su fallecido amigo y cantante Andrew Wood, sólo editaron un único álbum que data de 1991. El tema sobresaliente del álbum fue “Hunger Strike” el cual tiene las voces de Cornell y Vedder mientras que los demás temas también son muy interesantes como “Say Hello 2 Heaven”, “Reach Down”, “Pushin Forward Back”, “Call Me a Dog” o “Times of Trouble”, los cuales completan un disco que pasó desapercibido en su momento. Parte de que esto sucediera se debía a que ya para ese entonces los Soundgarden de Cornell se embarcaron en la grabación de su tercer Lp “Badmotorfinger” y los Pearl Jam de Vedder en su disco debut con “Ten”. Sin embargo, A&M Records, la compañía editora del disco, ni lerda ni perezosa cayó en cuenta que en su catalogo existía una colaboración en conjunto de dos de las agrupaciones más en boga y en alza en ese momento, los cuales eran la voz de un nuevo movimiento no sólo musical sino también generacional. Por este motivo, deciden en 1992 relanzar el Lp una vez más con un videoclip de la canción “Hunger Strike”, de todas maneras la banda ya estaba disuelta con cada integrante abocado en sus respectivos grupos como Pearl Jam o Soundgarden.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Los Flaming Lips no paran, y si siguen así se van a pegar una patinada que van a ir de boca al piso. Luego de editar un álbum tributo al Lado Oscuro de La Luna con colaboraciones de Henry Rollins o Peaches -nombres impensados dentro del mundo Floyd-, y un tema de ¡24 horas! de duración, ahora la banda de Coyne lanza un compilado que reúne todas las colaboraciones con las que se codearon, por ejemplo están Bon Iver, Edward Sharpe, My Morning Jacket y Erykah Badu entre otros. Bienvenida la locura de los Lips pero ¿ya no es demasiado para una banda de Indie Rock tanta exposición? El tiempo lo dirá, mientras tanto… tienen una ayudita de sus amigos. Fecha de Lanzamiento: 26 de Junio.

Can: “Lost Tapes” - Mute

Bajo el nombre de “Lost Tapes” se edita un compilado de Can, pero no es uno más del montón sino que se trata de un verdadero diamante en bruto para cualquier fanático de uno de los grupos más importantes del Krautrock. Se trata de cintas encontradas que luego de haber estado archivadas durante mucho tiempo, por primera vez salen a la luz. Sin embargo no se tratan de descartes o fueras de toma, sino que entre otras cosas se pueden encontrar bandas de sonido de films que nunca llegaron a concretarse. Sin dudas este Box es una oportunidad única para escuchar un material perdido y hasta ahora desconocido de la banda alemana. Fecha de Lanzamiento: 19 de Junio.

The Soundtrack of Our Lives: “Throw It To The Universe” - Yep Roc Records

La Banda Sonora de Nuestras Vidas -nombre pretencioso si los hay- está de vuelta con un nuevo trabajo bajo el brazo -el sexto- y una vez más estos suecos nos conquistan con su mezcla de Pop y Psicodelia en dosis justas y edulcoradas por sus típicas melodías con gancho. En este caso el disco esta rodeado de canciones más en mid-tempo o de baladas con ciertos aires épicos. Quizás esto se deba en parte a que existen ciertos rumores de separación luego de la respectiva gira de presentación. Malas noticias para uno de los mejores grupos europeos de los últimos años, sin embargo nada de esto impide de que sean la banda sonora de estos días. Fecha de Lanzamiento: 26 de Junio.

Beachwood Sparks: “The Tarnished Gold” - Sub Pop 

Vuelven al ruedo los Beachwood Sparks, en este caso editando su tercer larga duración, “The Tarnisheld Gold”. Su sonido no varía en nada con respecto a los anteriores trabajos, cuidadas armonías vocales y una instrumentación deudora de los Byrds, Buffalo Springfields y Gram Parsons entre otros, a grandes razgos un Alt Country Rock pero con ciertos tintes psicodélicos. El disco no es un derrotero de originalidad, sin embargo te harán pasar un buen rato con su cuidada producción musical y sus finos arreglos. Fecha de Lanzamiento: 26 de Junio.

A Place To Bury Strangers: “Worship” - Dead Oceans 

Que en estos últimos años un grupo suene a una mezcla de Jesus and Mary Chain con algo de Shoegaze dejó de ser una novedad, sin embargo no por esto hay que restarle mérito. Mucho de esto es lo que le sucede a una gran cantidad de grupos y estos A Place To Bury Strangers no son la excepción. Este es su tercer Lp y quizás el más encaminado a sacarlos de la indiferencia. Estos Neoyorkinos -aunque ingleses en su sonido-, tienen una mezcla de Shoegaze, Post Punk y algo de Dark que se puede apreciar a lo largo de esos 11 temas que integran la placa, todo esto enmarañado por guitarras con fuzz punzante y asfixiante como así también en la voz espectral de su cantante Oliver Ackermann. Fecha de Lanzamiento: 26 de Junio.

"The T.A.M.I Show"

Corría el año ´64 y ya para ese tiempo el Rock se había vuelto toda una declaración de principios y de pertenencia para un público joven que encontraba una forma de diferenciarse y de postura social a contramano de la generación de sus padres. Luego el hippismo y toda esa corriente completarían el trabajo. Sin embargo, visto con ojos monetarios, estaba naciendo y creciendo a pasos agigantados un nuevo mercado de consumo, música y arte hecho por jóvenes para jóvenes. Los directivos de las discográficas y las productoras de Cine, más allá de que no compartían los gustos por la música “de moda” -además de no entenderla-, no pecaban de inocentes y vieron que se podía sacar una buena tajada económica explotando esa nueva música desenfrenada. 

Por tal motivo, además de empezar a buscar clones de los grupos rendidores y flequilludos de moda vieron en el séptimo arte una vía para comercializar un producto. No es de extrañar que en ese 1964 se lance el primer largometraje de los Beatles como fue “A Hard Day´s Night” haciendo estallar las boleterías de los Cines y desatando la Beatlemanía en todo el Mundo. De todas maneras, antecedentes de artistas de Rock en la pantalla grande se pueden encontrar en los tempranos Films del Rock And Roll como “Semilla de Maldad”, “Rock Around The Clock” y los primeros Films de Elvis Presley entre otros. Sin embargo, el rock en estos casos era tratado más como un acompañamiento de una trama que un concepto central. Uno de esos Films, que aprovechó el espaldarazo de la película de los Beatles, el cual también se estrena ese mismo año, pero unos días después fue “The TAMI Show”.

Esta película, la cual vista hoy a la distancia no gozó nunca del merecido reconocimiento que se merece ya que pasó casi al olvido convirtiéndose en un objeto de culto, incluyo las actuaciones en vivo en un canal de TV de algunas de las figuras más reconocidas por esos años. Incluso, se sabía que este producto no podría fallar ya que se tuvo como parámetro comercial el fervor que se despertó luego de la serie de actuaciones en vivo que tuvieron los Beatles en el Show de Ed Sullivan. Los artistas convocados para este proyecto fueron Chuck Berry, The Beach Boys, Marvin Gaye, unos todavía verdes The Rolling Stones, un apabullante James Brown, The Supremes, Lesley Gore, los tempranos competidores de los Beatles como fueron Gerry and The Pacemakers, los garageros The Barbarians y varios más.

Este film dirigido por Steve Binder llamado “The TAMI Show” el cual significaba Teenage Awards Music Festival, nombre que apuntaba de forma directa al público al que iba dirigido, fue grabado en Santa Mónica Civic Auditorium, California, los días 28 y 29 de Octubre de 1964 contando con un público que fue a ver a sus ídolos musicales bien de cerca. Presentados por el dúo Surfer Jan and Dean -los cuales gozaron de sus quince minutos de fama por el tema “Surf City”- los grupos van apareciendo en el escenario de TV para hacer sus números musicales.

El primero en salir a escena y casi visto como el faro a seguir por toda esa manada de jóvenes roqueros fue Chuck Berry, el cual tira toda la “chapa” con “Johnny B. Goode”, “Maybellene” y “Sweet Little Sixteen”. Vendrían más adelante Gerry and The Pacemakers y Billy J. Kramer and The Dakotas, dos grupos que por esos años estaban emparentados con el MerseyBeat, un efímero estilo musical que también supo albergar a los tempranos Beatles. El crédito de la Motown y todo su exquisito Soul quedaba en manos de The Supremes (“Run, Run, Run”, “Baby Love”, “Where Did Our Love Go”), Marvin Gaye (“Pride and Joy”, “Can I Get a Witness”, “Hitch Hike”) y Smokey Robinson and The Miracles (“That´s What Love is Made of”, “You´ve Really Got a Hold on Me”)  lo cual dejaba en evidencia que no se trataba ningún moco de pavo este film sino que tiraron toda la carne al asador. 

El Pop femenino de estudio y orquestado, también tan de moda por esos años, tuvo a Lesley Gore como su carta de presentación cantando entre otros su Hit “It´s My Party”. El film al ser grabado en California, no podía dejar de lado a sus máximos héroes por esos años como fueron The Beach Boys, los cuales ejecutaron “Surfin USA”, “I Get Around”, la balada “Surfer Girl” y el bailable “Dance, Dance, Dance”. Los presentadores Jan and Dean, también inclinados en ese rama surfer cantan “The Little Old Lady From Pasadena” y “Sidewalk Surfin”, además de figurar en los créditos del comienzo del film con “(Here They Come) From All Over The World”. También habría espacio para los noveles y aún ignotos The Barbarians los cuales aporrearon sus instrumentos en la garagera “Hey Little Bird”. 

El final estaba reservado para los Rolling Stones mientras que el anteúltimo número para James Brown. Los responsables del film se decidieron por los Stones para cerrar el Show aún cuando todavía no tenían mucho rodaje sobre los escenarios por encima de la madurez artística con la que ya gozaba James Brown. La venganza del futuro “Godfather” del Soul y Funk fue sobre el escenario, ya que su actuación fue realmente incendiaria. Sin dudas por lejos fue lo mejor del film, desde los pasos en su baile, la sincronización al cantar con el ritmo de sus Flames, y todo el show escénico que rodeo su figura dejó boquiabierto a más de uno.  

Luego de esa presentación demoledora era casi imposible estar a la altura de ese tremendo show escénico y teatral que brindó James Brown. Los Stones casi vieron con terror y vergüenza que los próximos en salir a escena eran ellos, tenían que superar lo insuperable. Es más, se dice que Keith Richards, luego de haber presenciado a Brown tuvo un miedo terrible de salir a escena y quedar en ridículo. Sin embargo, los Stones también salieron a “romper” todo y sin llegar a estar al nivel de Brown de todas maneras salieron airosos por la buena ejecución de Richards y Jones y la entrega de Jagger con sus típicos bailoteos. Incluso les jugo a favor que por obvias razones el griterío del público femenino estaba más encandilado con la figura de estos jóvenes ingleses que con la de Brown. 

Sin dudas “The TAMI Show”, aunque quizás la historia no haya sido demasiado benevolente con él, fue uno de los primeros documentos fílmicos que contuvo en su totalidad actuaciones por parte de grupos de Rock y no como un mero sustento de una trama. Fue el puntapié inicial de varias películas más que continuarían con esa veta de presentaciones en vivo en estudios de TV, como así también de conciertos filmados y porque no la prehistoria de lo que mucho más adelante fueron los video clips. 

Por último cabe mencionar que el año 2010 trajo la reedición en DVD de este film de manera oficial, el cual muestra la excelencia que tuvo su tratamiento y restauración con la que fue reparado ya que antes sólo se podía conseguir como bootleg, pero claro su calidad dejaba mucho que desear. Sin dudas “The TAMI Show” es un documento de colección que merecía ser rescatado del olvido y posicionarse cómodo dentro de los mejores Films de Rock.

James Brown - "Out of Sight" - "Prisoner of Love" - "Please Please Please" - "Night Train"

The Rolling Stones - "Around And Around" - "Off The Hook" - "Time is on My Side" - "It´s All Over Now" - "I´m All Right"

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Patti Smith: “Banga” - Columbia

Luego de 5 años de su último lanzamiento vuelve la poeta del rock, Patti Smith. Este nuevo Lp la muestra en una espléndida forma, con una voz intacta, la cual no sintió en lo más mínimo el paso del tiempo y algún que otro exceso. El álbum retoma el pulso de sus primeros trabajos, quizás unos escalones por debajo de estos, pero sin duda uno de los mejores de los últimos años. El primer corte es el radial “April Fool” y cierra el disco una versión de “After The Gold Rush” de Neil Young. La vuelta de la cantautora de Rock más Beatnik. Fecha de Lanzamiento: 5 de Junio.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Sigur Ros: “Valtari” - XL Recordings

A estas alturas presentar a una banda como Sigur Ros ya esta demás, la gran mayoría sabe del estilo Post Rock que hacen ellos sin embargo este 2012 trae un nuevo lanzamiento de los islandeses, de nombre “Valtari”. En este último álbum parece que quieren enderezar el timón -tapa con barco fantasma incluida- de las últimas entregas y acercarse más al sonido de sus primeros Lp´s. Escucharlos se sabe que no es una tarea fácil, hay que encontrar el momento y el lugar adecuado, pero si lo haces nunca te van a dejar a la deriva. Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo.

“Ekki Múkk”

Gaz Coombes: “Here Come The Bombs” - EMI 

Sólo faltaba él, Gaz Coombes el cantante y guitarrista de The Supergrass que edite al fin su Lp en solitario, ya que antes lo habían hecho otras figuras del extinto Brit Pop como Damon Albarn, Noel Gallagher, Jarvis Cocker, Brett Anderson y Richard Ashcroft. Ahora sí el pequeño con cara de duende se puede unir a ese grupo del cual la mayoría hace lo mismo que realizaba en su banda pero con la salvedad de que ahora el nombre propio figura en la tapa del disco. Su debut solista es un buen trabajo de Supergrass. Fecha de Lanzamiento: 29 de Mayo.

El Reloj: "El Reloj" (1975)

Bien entrados los ´70, en Argentina, y como respuesta a lo que estaba sucediendo en el mercado anglosajón, empiezan a aparecer grupos de Rock Progresivo, Rock Sinfónico y Hard Rock, con la salvedad de que esos sonidos extranjeros llegaban acá con un retraso de unos años y no con la inmediatez que existe ahora con la globalización, internet y varios etc más. Como siempre sucede, hubo grupos que se destacaron por sobre el resto ya sea por contar con alguna figura ya consagrada o reconocida entre sus filas -a pesar de que nuestro rock vernáculo estaba aún dando sus primeros pasos-, como así también la mutación de la disolución de algunas bandas que en la reagrupación de sus miembros formaron otros grupos. No es un dato menor que la industria discográfica nacional ya empezaba a ver con otros ojos a esa nueva música juvenil y entendió que existía una gran porción de público dispuesto a consumir esos nuevos sonidos. Sin embargo, también se le puede agregar un factor más, que en muchas ocasiones termina siendo primordial, como es la suerte. Algo de esto último fue lo que le falto al comienzo de su carrera a El Reloj, una de las tantas bandas que se formó en la década de los ´70  y que con el correr de los años empezó a ganarse cierto lugar dentro de la historia del Rock Nacional, pero que desde su gestación todo se le hizo cuesta arriba. 

Hoy, a la distancia, el paso de los años empezó a darle el crédito que se merecía la agrupación y el cual le fue algo esquivo durante los ´70 quedando a la sombra de otras bandas de similares características musicales pero con más reconocimiento. Por otra parte, en algunas notas y enciclopedias sobre el Rock Nacional se los suele identificar como los pioneros del Heavy Metal Argentino. Sin embargo, más allá de que su sonido sea considerado duro, estaría más emparentado con un Hard Rock allá Deep Purple con ciertos tintes de Rock Progresivo más que al Metal. Esto queda en evidencia por cuestiones de tiempo-espacio, ya que el Metal no sólo en el ámbito nacional sino en el anglosajón vendría años más tarde. Sin embargo, esa fama de ser uno de los pioneros del rock pesado nacional no fue una característica arrojada al azar, ya que para algunos fueron unos adelantados porque su sonido en vivo era muy contundente aunque por desgracia no quedó del todo plasmado en su primer Lp llamado igual que la banda.

Unas líneas más arriba se mencionó que El Reloj no tuvo en varias ocasiones a la suerte de su lado y para muestra basta un botón ya que unos días antes de comenzar a grabar lo que sería su álbum debut sufrieron un accidente automovilístico que les hizo perder gran parte de sus equipos. De todas maneras, logran entrar al estudio para grabar al fin el Lp pero la suerte les tendería otra mala pasada ya que cuando se empezó a mencionar el arte de tapa del álbum, el grupo quería que estuviera el cuadro “La Persistencia de la Memoria” -más conocido como los relojes blandos- de Salvador Dalí. A pesar de la insistencia de ellos, la compañía discográfica -RCA Victor- se rehusó alegando que debían desembolsar demasiado dinero pagando derechos de autor, imagen etc. Como solución a este conflicto deciden que el baterista de la agrupación, Juan Esposito, dibuje la tapa del álbum. Sin embargo, la portada tal cual como la querían tampoco se editó ya que el dibujo fue reducido a un pequeño cuadrado dentro de un fondo de color negro y en el medio el nombre de la banda en color azul. Este mal gusto por parte de la compañía discográfica logró que esta portada sea considerada por algunos como una de las más feas del Rock Argentino. De todas maneras, el tiempo y la digitalización hicieron justicia ya que hace unos años se reedito su primer trabajo con el dibujo en su tamaño original tal cual como quería la banda.

A pesar de todos estos contratiempos, “El Reloj” es un fiel documento de una banda ajustada cuyo sonido de avanzada sirvió para cimentar algunas de las bases de la música pesada que vendría en nuestro Rock Nacional. Antes de lanzar este Lp, editan en 1973 un primer simple llamado “El Mandato” en la cara A y “Vuelve el Día a Reinar” en la B que ya los presenta bien Hard Rock. El próximo año lanzarían un segundo simple con “Alguien Más en Quien Confiar” -muy Purple, sino chequeen esos teclados- y el sentido “Blues del Atardecer” -con un excelente solo de batería al final-, dos canciones que muestran la evolución musical de la banda. Estos últimos temas ya en una versión diferente y más prolongada en duración se encuentran en su primer Lp. Completan ese álbum “Obertura-El Viejo Serafín”, “Más Fuerte Que el Hombre”, “Hijo del Sol y la Tierra” y “Haciendo Blues y Jazz”.

A pesar de contar con un numeroso público fiel -algo muy clásico en las huestes del Rock Pesado- el Lp pasó algo desapercibido y los motivos pueden ser varios, desde la poca promoción por parte de la compañía discográfica ya que tenía otras bandas con las sacar mayor rédito económico, la nada atrayente portada, la solapada discriminación por la que atravesaron por venir del interior -Rosario- y tener que “competir” con grupos de Buenos Aires y por último algunos problemas dentro del seno de la agrupación. A pesar de esos contratiempos El Reloj lanza el año siguiente un segundo trabajo pero luego de esto se terminaría disolviendo la agrupación y de ahí en más empezaría una serie de reuniones-disoluciones, mientras que como contrapartida, las nuevas actuaciones los van acercando a un público más joven que hoy por hoy los ven como uno de los primeros referentes del Hard Rock y/o Heavy Nacional. 

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Nueva sección hace su debut, en este caso para mencionar algunos de los lanzamientos más destacados de los últimos días. Porque el que avisa no traiciona....

Joey Ramone : “...Ya Know?” - BMG

Beach House: “Bloom” - Sub Pop

Luego de una larga espera de dos años vuelven los Beach House con un nuevo trabajo llamado “Bloom”. Después de haber estado dentro de los mejores discos del 2010 con su anterior Lp, “Teen Dream”, el dúo de Dream Pop y Psicodelia vuelve a repetir la fórmula de su antecesor que tan buenos frutos le ha dado. Sin lugar a dudas será uno de los mejores discos de este 2012. Fecha de Lanzamiento: 15 de Mayo.

Garbage: “Not Your Kind Of People” - Stunvolume

Después de varios años de ausencia -siete para ser más precisos- una de las bandas emblemas del Rock Alternativo de los ´90 vuelve al ruedo cuando menos se lo esperaba. Garbage saca “Not Your Kind of People” repitiendo viejas formulas pero aggiornando su sonido al sonar un poco más electrónicos. “I Hate Love” es el primer corte de este trabajo. Fecha de Lanzamiento: 22 de Mayo.

The Cribs: “In The Belly of The Brazen Bull” - Wichita

Cuantos se pueden dar el lujo de decirle a Johnny Marr -guitarra de The Smiths-, “-Gracias por tus servicios, se que ya no queres formar parte de la banda, pero nosotros tranquilamente podemos seguir adelante sin vos-”. Muy pocas, pero los The Cribs son una de ellas. Este trío inglés con influencias de Garage Rock, Grunge y Power Pop edita su quinto álbum luego de la partida Marr bajo la producción de Steve Albini. Fecha de Lanzamiento: 15 de Mayo.

Tom Tom Club: "Tom Tom Club" (1981)

Hay discos ya editados que si fueran lanzados por estos años serían totalmente contemporáneos a los sonidos de este nuevo milenio y no quedarían en ridículo para nada. Parte de esto se debe a que hay muchos grupos que más allá de tener sonidos “actuales” miran de reojo al pasado tomando conceptos y estilos de este último. Sin embargo, no nos vayamos del verdadero mérito, el haber tenido un sonido de avanzada que aún hoy a la distancia pueda sonar actual y no añejo. Discos de esta índole hay muchos, algunos muy reconocidos, otros no tanto y algunos más que se mantienen como álbumes de culto, reacios a ser reconocidos por las grandes masas como puede ser el primer Lp de los Tom Tom Club. 

Esta banda que en una primera instancia puede ser ubicada como New Wave debido a su origen allá por los tempranos años ´80, fue creada por Tina Weymouth y Chris Frantz, bajista y baterista de los Talking Heads de David Byrne. En una primera instancia fue creado como un grupo paralelo y casi como un proyecto libre en el cual podían entrar y salir sin problema diversos músicos, productores y demás artistas viéndolo como un gran colectivo de ideas y personas. Sin embargo, su primer disco, homónimo a la banda, es un híbrido entre el incipiente Rap que se estaba gestando en Nueva York junto a otros sonidos ya más de discoteca sin llegar a ser Disco, más emparentados con el Funk pero adornados bajo la New Wave. A grandes rasgos una ensalada de sonidos. Lo que sí queda claro es que es un disco de avanzada para la época en que se editó, sirviendo como fuente de inspiración para futuros sonidos y/o estilos. El tiempo lo fue transformando en un álbum de culto y las masas lo fueron olvidando convirtiéndose en uno de esos tantos excelentes discos olvidados.  

Tom Tom Club en su formación se completaba además de los dos Talking Heads, con Adrian Belew en guitarra, Tyrone Downie en teclados, Uziah Thompson en la percusión y las hermanas de Tina Weymouth como coristas, sin dudas este grupo fue un gran colectivo de personas.

En una primera instancia Weymouth y Frantz habían fichado a Lee “Scratch” Perry para la grabación del álbum, sin embargo este nunca se apareció por el estudio. Ante esta falta de faro guía decidieron seguir con el famoso Do It Yourself y que toda la responsabilidad recaiga en ellos. Sin embargo si contaron con la ayuda técnica del -jamaiquino- joven ingeniero de sonido Steven Stanley. La premisa parecería que si o si necesitaban un ingeniero de esas tierras para realizar el Lp y esto tiene muchos fundamentos lógicos en el sonido de la banda ya que tiene raíces Afroamericanas por doquier.

Canciones como “Wordy Rappinghood” hoy a la distancia, más allá de tener cierta reminiscencia a los ´80s pueden codearse con total normalidad entre temas de bandas contemporáneas. Esta canción, fue un prototipo de Rap que luego serviría como fuente de inspiración para varios grupos de este estilo que por esos años eran más vistos como una especie de Dj´s pinchadores o sampleadores de Lp´s más que como artistas en sí mismos. “Genius of Love”, su segundo simple, también de corte bailable, en este caso más New Wave que el anterior también supo cosechar varios elogios. Además de estos temas hay otras muy buenas canciones como “Lorelei”, “Tom Tom Theme”, “L´ Elephant”  o “As Above so Below” más experimentales y con sonidos tribales. “On On On On” es un guiño al Pop pero en “Booming and Zooming” vuelven a las experimentaciones.

Luego de este Lp los Tom Tom Club editaron un siguiente Lp como es “Close To The Bone” pero la novedad ya había pasado y las muy buenas canciones que contenía este primer trabajo no se repitieron en el segundo. De todas maneras este primer álbum de ellos marcó gran parte de los ´80 y buena medida de los ´90 ya que artistas de la talla de 2Pac, Grandmaster Flash & The Furious Five, Ziggy Marley, Coolio y varios más samplearon en sus propios trabajos temas de los Tom Tom Club.

Por último cabe mencionar que en el 2009 se lanzó en versión Deluxe la reedición de este primer trabajo contando con todo el disco original, simples como el “Under The Boardwalk” -no tiene desperdicio-, varios remixes y el segundo Lp “Close To The Bone” editado por primera vez en formato CD junto con Bonus y varios remixes más como para empacharse bailando con su música. 

The Kinks: "Something Else" (1967)

Hay grupos de rock que no serían lo mismo si su origen, ciudad y/o país natal fuera distinto al que lo fue en la realidad. Por ejemplo, ¿alguien se podría imaginar a unos Beatles americanos o a unos Beach Boys ingleses? Por supuesto la historia del Rock no hubiera sido la misma. Uno de los tantos grupos que lleva sus raíces marcadas a fuego y siente orgullo de su origen, no sin esto tener una visión crítica de sus antepasados y la sociedad que lo rodea, son The Kinks. Ellos al mando de Ray Davies fueron son y serán uno de los grupos insignia de la Inglaterra de los ´60 y buena parte de los ´70, cosechando más de un Lp excelente en su extensa discografía, la cual llego hasta fines del siglo pasado. La pluma de Davies más allá de tener cierta crítica mordaz hacia sus tradiciones, cultura e historia siempre fue acompañada por cierta nostalgia y apego a las viejas tradiciones inglesas que sólo una persona nacida y criada en suelo británico podría crear. Por supuesto dicha faceta no aparece de la noche a la mañana y esto lo fue puliendo disco tras disco hasta llegar a “Something Else”, primer Lp de una larga lista de excelentes discos que hoy a la distancia son todos indispensables. 

Situémonos en tiempo y espacio en el cual fue concebido este álbum. El año fue 1967, año clave para la historia del Rock tanto en EE.UU como en Inglaterra, sin embargo sólo abordemos a este último. Fue el año del “Sgt. Peppers” de los Beatles y todas sus respuestas psicodélicas en grupos contemporáneos a ellos que vieron a este álbum como el faro a seguir. Luego los ácidos y todo el Swingin London harían lo restante. De forma paralela salía y sobre el suelo que lo supo cobijar como hijo adoptivo el “Are You Experienced” de Jimi Hendrix, disco que cambiaría por completo el rol del guitarrista. Por si fuera poco empezaban a aparecer los primeros pesados del Rock con un sonido un poco más duro como Led Zeppelin, Deep Purple o los oscuros Black Sabbath, como así también unos noveles y experimentales Pink Floyd entre varios más. No quedaba más remedio que aceptar sin concesiones ese amanecer de nuevos sonidos o seguir escribiendo su propia historia de acuerdo a sus propios sonidos. Esto último fue algo de lo que hicieron los Kinks, y tan mal no les fue. 

La búsqueda y comprensión de los hechos de la vida cotidiana y los personajes que la crean siempre fue de máximo interés para Ray Davies y es a partir de este disco donde da rienda suelta al análisis de la sociedad que lo rodea. Por supuesto, algo de esto ya se podía vislumbrar en “Face To Face”, su anterior trabajo pero es con este “Something Else” donde comienza su etapa más prolífica. 

Editado bajo el sello Pye Records y producido a la par por Davies y Shel Tamy (The Who-The Kinks-The Easybeats), el grupo confecciona 13 temas, que entre delicados y sutiles arreglos nos muestran pequeñas viñetas de la vida cotidiana con los habituales sueños y desilusiones que posee la misma.

El Lp abre con “David Watts”, tema que luego versionarían los The Jam, el cual retrata el deseo de un personaje de ser otro al cual todo le salía de maravillas, era el mejor en lo que hacía, tenía a todas la chicas atrás de él y varios etc más. El ritmo frenético del tema anterior baja con “Death of a Clown” tema compuesto por Ray Davies y su hermano Dave Davies, el cual empezaba a tomarle el gustito a la composición. Con un ritmo entre trágico y vodevilesco traza esa ironía de la alegría que personifica la figura del payaso con la tristeza que también puede guardar en su interior al saber de que el Circo que fue su vida ya no existe más.

/ “Mi maquillaje se ha secado y se resquebraja en mi mejilla / Ahogo mis penas en whisky ginebra / El látigo del domador de leones no se agita ya más / los leones no lucharán y los tigres no rugirán” / 

/ “Así que bebamos por la muerte del payaso / Me ayudará alguien a disolver esta multitud / Bebamos todos por la muerte del payaso” / 

/ “La vieja pitonisa yace muerta en el suelo / Ya nadie necesita que le adivinen el futuro / El amaestrador de insectos está postrado de rodillas / Buscando en vano pulgas fugadas” /

Más adelante Ray Davies retrata en “Two Sisters” la historia de dos hermanas de personalidades bien marcadas y diferentes -una bohemia y liberal, la otra ama de casa y tradicionalista-, mostrando el deseo de una de tener la vida de la otra.

/ “Sylvilla se miraba en el espejo / Percilla miraba en la lavadora / y en las duras tareas que comporta el matrimonio / Estaba muy celosa de su hermana / y de su libertad, y de sus jóvenes amigos” / 

/ “Sylvilla miraba en el armario / Percilla miraba a la sartén / y a los huevos con tocino / y al desayuno preparado / Estaba muy celosa de su hermana / y de su modo de vida / y de su lujoso apartamento / Estaba muy celosa de su hermana” /

/ “Lanzó lejos los platos sucios para ser libre de nuevo / sus revistas semanales solo para ser libre de nuevo / y llevó a los niños a la guardería para ser libre de nuevo / Percilla vió a sus pequeños y decidió / entonces que estaba mucho mejor / que la chica inconformista y rebelde que su hermana había sido / No más celos de su hermana” /

“No Return” en ritmo de Bossa nos da una muestra del espíritu inquieto de Ray Davies ya que incluyó en un disco de habla inglesa sonidos salidos del Brasil. “Harry Rag” nuevamente revisita el ritmo vodevilesco y de taberna en una canción que nos tendrá cantando a los gritos su estribillo. “Tin Soldier Man”, es otro de esos clásicos de su discografía y esto se basa además de tener una letra irónica la cual retrata de forma pintoresca a una típica familia castrense de clase media con todos sus problemas cotidianos, un muy buen arreglo musical sostenido por una sección de vientos y unos arreglos vocales excelentes.

“Situation Vacant” en los tres minutos que dura la canción retrata de manera tragicómica una historia familiar en la que una suegra bastante arpía destruye el feliz matrimonio de su hija y nuestro antihéroe en cuestión. 

/ “Suzy y Johnny eran felices / ganaban lo suficiente para pagar la renta / pero la suegra de Johnny tenía demasiada ambición / y esto molestaba mucho a Johnny” / 

/ “Así que para mantener a su pequeña madre satisfecha / fue y compro el clasificado semanal / todo por la paz y el bien de la tranquilidad / Johnny renunció a su posición / solo para complacer a su suegra” / 

/ “Así que dejó el trabajo en el que había estado toda su vida / renunció y le dio la espalda al subsidio de desempleo / Ahora el está buscando ofertas de trabajo” / 

El próximo tema es “Love Me Till The Sun Shines”, canción que al igual que “Funny Face” es de la autoría del menor de los Davies, Dave, el cual empezaba a mostrarse dentro de la banda no sólo como guitarrista. Comentario aparte, las peleas entre hermanos dentro de un mismo grupo no comenzaron con los Gallagher, los Davies ya empezaron a hacer escuela en esto desde mucho antes, pero eso ya es otra historia. La época en que se editó el Lp era plena efervescencia de la Psicodelia y más allá de que los Kinks siempre dirigieron su propia nave a pesar del paso de épocas, modas y demás etc, siempre miraron de reojo lo que sucedía a su alrededor y para muestra basta un botón con el tema dedicado al Sol en “Lazy Old Sun”. 

Toda la idiosincrasia, cultura y tradición británica queda plasmada en el brillante tema Pop “Afternoon Tea”. Que más british que el famoso té de la tarde y esto no podía ser mejor llevado a cabo que con el ingenio de Davies para representar esa típica viñeta inglesa. Otra gema Pop con aires campestres es “End of The Season”, una balada con cierto tinte nostálgico y romántico cuya letra está dedicada a esos amores perdidos de estación. 

El final del álbum está reservado para una de las canciones más reconocidas de toda su discografía como es “Waterloo Sunset”. Otra perfecta canción Pop por donde se la mire, las melodías de sus guitarras, las armonías vocales y por supuesto su letra. La cual retrata a un Londres que está atardeciendo y que a pesar de ser un día más para cualquiera, con sus horas picos y las prisas de las personas para llegar a destino, dos enamorados se encuentran para verse, deteniendo el tiempo y todo lo que ocurre a su alrededor convirtiéndolo en su pequeño paraíso. “Waterloo Sunset” es hoy vista a la distancia como una de las mejores canciones del Pop Británico de los ´60 y fue versionado infinidad de veces por los más variados artistas. 

Más allá de que hoy “Something Else” sea considerado como un indiscutible no sólo dentro de la discografía de los Kinks sino también dentro de la historia del Rock, en su momento no la pasó tan bien y quedó a la sombra de otros trabajos ya que la crítica musical estaba más enamorada de otros sonidos más en boga. Sin embargo, el paso del tiempo muchas veces se encarga de poner las cosas en el lugar que se merecen y esto queda en evidencia en que ya hace algunos años atrás, los Kinks empezaron a tener una mayor relevancia, la cual los acerca, de a poco, al público más masivo.