Roxy Music: "Manifesto" (1979)

Cuantas veces nos quedamos con una definición y/o concepto sobre alguien o algo y la sostenemos durante mucho tiempo sin reparar en el mínimo esfuerzo de reverlo y volver a evaluarlo para terminar de convencernos si el juicio final que habíamos tenido en un primer momento era el correcto o por el contrario poder ver cosas que en su momento no hicimos y analizarlas con otra mirada. Esto que sucede a diario con las cosas más comunes de nuestra vida sucede también con la música y más precisamente con los discos. ¿Cuántas veces dijimos “esto es una porquería y bla bla bla” y terminamos luego de un tiempo cayendo en la cuenta de que esa “porquería” no era tan así y lo que en un primer momento era negro pasó a ser si se quiere gris claro? Mil veces, e incluso el ejemplo puede ser al revés, ¿cuantas veces pasamos de un fanatismo radical por algo a escucharlo y aburrirnos o no encontrarle la misma satisfacción que nos despertaba en su momento? De seguro también otras miles. Los motivos pueden ser varios en ambos casos, desde no estar preparado aún en la madurez suficiente para entenderlo, o ya estar muy “crecidito” para esa música adolescente si lo miramos desde la otra vereda. Otro motivo puede ser no tener aún un background social de lo que pasaba en ese momento en la fecha de la edición de ese Lp restándole méritos y quitándole esas aristas que lo enaltecen. Como así también puede no gustarnos más porque nos hace recordar momentos personales que queremos tapar u olvidar y que al escucharlos nos transporta directo a ese pasado. La música es el Soundtrack del Film de nuestras vidas.  

Retomemos el hilo conductor de lo que planteábamos al comienzo, darle una nueva oportunidad a un disco y con esto poder tener un veredicto más cercano y porque no más definido de la decisión que tuvimos en un primer momento, que muchas veces puede ser de años.

Algo de esto puede suceder con muchos discos que quedan “perdidos” entre una muy buena discografía de un artista o grupo como puede ocurrir con “Manifesto” de Roxy Music. De buenas a primeras este sexto Lp de la agrupación -sin contar el directo “Viva!”- es visto como un disco de transición en la discografía de la banda. Sin embargo, quedarse sólo en ese concepto es restarle méritos y tirarlo abajo. Siendo objetivo, “Manifesto” esta por debajo de otros álbumes de Roxy pero no tanto como siempre se lo cataloga. Repasemos, los dos primeros Lp son una cachetada de Glam Rock histriónico por parte de Bryan Ferry y la experimentalidad del preciso Brian Eno entregándonos un muy buen debut y un segundo Lp -“For Your Pleasure”- excelente. Siempre recaemos en las figuras de estos dos que al tener un ego tan alto podían ensombrecer a los otros integrantes y esto es tan así porque de alguna forma el excelente guitarrista Phil Manzanera y el muy buen saxofonista Andy Mackay quedaban relegados en protagonismo. Esa lucha de egos terminó con la partida de Eno y “Stranded” ya mostraba un vuelco más hacia el Pop y al Arty y no tanto a lo experimental. Vendrían otros excelentes discos como “Country Life” y “Siren” donde el sello de Ferry cada vez era más notorio. 

Cuatro años después de esto y ya con un mercado de consumo musical totalmente diferente de lo que era en 1975 y con una banda que ya sentía esos años de parate y también de diferencias musicales entraron a grabar “Manifesto”. Luego de este trabajo vendría el flojo “Flesh + Blood” pero que aún estando escalones por debajo de la calidad de sus mejores álbumes cae bien parado. Con este último el producto de Rock para FM´s -esto sin desmerecer al genero, ya que tiene excelentes discos- estaba ya declarado, ya que es si se quiere un Lp para Yuppies sofisticados terminando con la frutilla del postre como fue el álbum “Avalon”, el cáliz para las Radios FM para adultos. 

“Manifesto” comienza con el tema homónimo al disco donde el ritmo cadencioso no nos transmite demasiado pero sirve como presentación. “Trash” es el corte que salio como simple del álbum y es una canción que impulsada por la guitarra de Manzanera y el saxo de Mackay lo vuelven un interesante ejemplo de New Wave, estilo que ya estaba dando sus primeros pasos. El Pop con estilo sofisticado se hace presente con “Angel Eyes” y la gran ayuda del saxo de Mackay. “Still Falls The Rain” deja en claro el fuerte apego que tiene Ferry para los temas sentimentales y teatrales que tan bien le sientan con su figura de Crooner alternativo y sofisticado, algo que ya vino demostrando desde “Stranded” en adelante pero que cuyos resultados aún siguen siendo positivos. “Stronger Through The Years” baja el ritmo y se convierte en una balada oscura con muy buenos arreglos de guitarra de Manzanera y del siempre cambiante puesto de bajo ahora con Gary Tibbs en las cuatro cuerdas. El lado B del Lp denominado en el disco como “West Side” comienza con el bailable en tono ¿chill out? -faltaba mucho para esto- de “Ain´t That So”. “My Little Girl” es un claro ejemplo de Pop para FM mientras que “Dance Away”, es una autentica gema Pop con estilo, altura y elegancia. El ritmo bailable vuelve con “Cry, Cry, Cry” y cierra el álbum “Spin Me Round” en tono melancólico y sentimental. 

Volvamos al comienzo de la nota y realicémonos la misma pregunta, y la conclusión que sacamos es que “Manifesto” no se trata del mejor disco de Roxy Music pero tampoco el peor, ya que posee buenas canciones en su generalidad, sin embargo si aún así lo fuera ¿cuantas bandas de hoy no llegan a realizar ni de cerca un Lp así?. 

David Bowie: “The Next Day” - Columbia

Hacía rato que la industria del Rock no se veía tan revolucionada por estos días como en la fecha en la cual se editó el disco regreso de David Bowie luego de diez años de silencio. Los fríos números avalan lo mencionado ya que al día de la fecha es el disco más vendido del 2013 a pocos días de haber sido editado. Las razones son varias y el legado de uno de los artistas más impresionantes que dio la industria lo dejan en evidencia pero también puede pasar que esa expectativa se vuelva contraproducente. “The Next Day” comenzó a ser promocionado con el tema “Where Are We Now?”, una canción que recordaba de forma directa al Bowie de finales de los ´70, de canciones cerradas, algo oscuras pero porque no épicas a la vez. Luego vino el reciente “The Stars”, un tema y un videoclip auto referencial en el cual se ve a un actor que interpreta a un Bowie en su etapa más andrógina. Estas pistas despertaron un gran entusiasmo porque el Duque Blanco parecía estar de vuelta en su mejor forma y si aún se necesitaban más pistas la portada del Lp era una simple intervención de la misma fotografía de su álbum “Heroes” del ´77 con la salvedad que esa imagen fue tapada por un cuadrado blanco con el nombre del disco. Con todas estas pistas la esperanza de encontrarse con el Bowie de la trilogía alemana parecía estar a la vuelta de la esquina, sin embargo quedo a medio camino. “Next Day” no es un mal disco, sí quizás un poco largo, que pueda quedar en la sombra de sus mejores épocas estamos de acuerdo, pero que aún así tiene material destacable que con las escuchas se irá volviendo aún más interesante. A las claras “The Next Day” es un disco auto referencial que corre con la pesada mochila de que fue hecho por Bowie y el ojo crítico es aún más grande debido a toda su historia detrás. Un buen disco para la generación más joven que quizás nunca lo escucho y el cual puede servir como entrada al recorrido de toda su discografía. Fecha de Lanzamiento: 11 de Marzo.

“The Stars”

Jimi Hendrix: “People, Hell & Angels” - Legacy 

Cuanta razón tenía Morrissey en su canción “Paint a Vulgar Picture” donde hacía alusión al manoseo por parte de la industria discográfica de exprimir hasta la última gota al músico cuando ya no está más entre nosotros. Esto cada vez más habitual le pasó una vez más a Jimi Hendrix, donde “mágicamente” se encontraron grabaciones nunca editadas o publicadas en forma de bootleg o en otras versiones también. “People, Hell & Angels” es el nombre del nuevo Lp de Hendrix, el cual una vez más sirve para completar la colección de material del artista en cuestión pero no aporta nada que no haya quedado en claro en sus discos oficiales. Varias canciones suenan como Jams más que temas terminados -por obvias cuestiones- que fueron extraídos de sesiones luego del Lp “Electric Ladyland” el último con la Experience. Por tal motivo aparecen distintos artistas que aportan su colaboración. El Lp es irregular hay que ser sinceros, tiene pasajes buenos e interesantes pero que lejos están de lo mejor de Hendrix y otros que pasan sin pena ni gloria. Si querés completar la infinita colección de rarezas y temas perdidos de Hendrix este “People, Hell & Angels” es una miga de pan más en el camino hacia esa búsqueda. Eso sí, una miga de pan cada vez más roída por la industria musical. Fecha de Lanzamiento: 4 de Marzo.

Johnny Marr: “The Messenger” - Sire

Resulta raro que un artista con más de 30 años de carrera y con una figura más que reconocida por sus pares y seguidores no hubiera editado mucho antes su primer disco solista. Esto ocurrió con Johnny Marr guitarrista de los Smith y dueño absoluto de esos entramados y precisos arreglos que distinguieron siempre al sonido de la banda de Manchester. Claro, salir de la gran sombra de ego de Mozz no es fácil pero Marr se abrió paso y este 2013 lo trae de nuevo al ruedo con su primer Lp bajo su nombre llamado “The Messenger”. Nobleza obliga y no esta demás mencionar que no es el primer trabajo Post Smiths, recordemos el cameo que tuvo con Bernard Sumner en Electronic o con  The Cribs y hasta con The Healers los cuales acompañaban el nombre propio de Marr en ese proyecto. El primer corte de este disco tiene el mismo nombre que el álbum y a las claras queda en evidencia ese Jangle Pop en las guitarras de Marr pero además le agrega esa cuota de Rock brabucón y/o desafiante típico de los hermanos Gallagher, coterráneos de la gris Manchester. Marr suena vigente, con energía y fresco, lejos del sonido Smiths pero muy actual, sin nada que envidiarle a los purretes que aparecen por estos días. Fecha de Lanzamiento: 26 de Febrero.

Youth Lagoon: “Wondrous Bughouse” - Fat Possum Records 

La tecnología posibilito muchas cosas y entre ellas que cualquier persona pueda grabar un disco sin contar con un amplio presupuesto ni alquilar un estudio y todas las vicisitudes que eso implica. Ahora cualquiera con un pequeño conocimiento musical puede grabar un álbum si tiene las herramientas a su alcance. Esto puede ser negativo porque aparecen fiascos por doquier pero miremos el vaso medio lleno y rescatemos a un joven como es Trevor Powers, más conocido por su alter ego Youth Lagoon que con unos veintitantos edito en 2011 un excelente disco -“The Year of Hibernation”, título más referencial a realizar un disco en su cuarto imposible- dejo boquiabierto a más de uno y que ahora en este 2013 edita su segundo Lp “Wondrous Bughouse”. Este álbum no tiene nada que envidiarle al primero, incluso en algunas cosas lo perfecciona, aunque no lo pueda igualar en resultado final. Sonidos etéreos -tan de moda-, voces ensoñadas, Psicodelia Pop lisérgica por doquier y por momentos un histrionismo experimental que puede llegar a irritar en una primera escucha pero quizás encantar en las siguientes. Parte de este circo musical se debe a que la producción estuvo a cargo de Ben Allen -trabajó junto a Animal Collective y Deerhunter entre otros- aportándole experimentalidad. Si el primer disco creaba el ambiente perfecto para escucharlo encerrado en tu cuarto con este la puerta puede quedar algo entreabierta. Fecha de Lanzamiento: 5 de Marzo.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Nick Cave: “Push The Sky Away” - Bad Seed Ltd 

Pasan los años y como los vinos, Nick Cave se vuelve aún más interesante, maduro y disfrutable. El último trabajo que tuvo Cave con los Bad Seeds fue “Dig Lazarus Dig!!!”, pero de ese material a este hay un salto total y diferencias por doquier. “En Push The Sky Away” ya desde el primer tema “We No Who U R” -escritura y forma de hablar apta para estos tiempos de internet-, el ambiente ya es otro, la textura de las canciones son otras, más apaciguadas, apreciando la gran voz de Crooner alternativo de Cave. Quizás el cambio más notorio también se deba a la partida de su siempre fiel mano derecha, el multi instrumentista Mick Harvery. Su ausencia se nota, no es una figura menor, pero en su reemplazo Cave encontró en Warren Ellis ese pie de apoyo para que este 15° álbum de los Bad Seeds sea excelente. Los fans de la primer época de los Seeds si esperan encontrarse con esas guitarras sucias, bien al frente, y esos pianos machacantes se verán defraudados porque el álbum bien lejos se encuentra de esto. Sin embargo, incluso el fan más acérrimo de los Seeds tiene que recibir con los brazos abiertos esta nueva entrega ya que la evolución de la banda como de Cave fue natural y no impostada. ¿Querés Rock salvaje? Buscalo en Grinderman, la banda paralela de Cave, los Bad Seeds ya dejaron hace rato ese estilo. Fecha de Lanzamiento: 19 de Febrero.

Beach Fossils: “Clash The Truth” - Captured Tracks

Luego de un modesto disco de nombre homónimo al grupo del año 2010 vuelven los Beach Fossils con su segundo Lp. En este caso los melodías Low-Fi se mezclan con algún que otro gancho de Jangle Pop y un muy pero muy edulcorado Post Punk. Luego de la partida en 2012 de dos de sus miembros para emprender nuevos caminos musicales con Heavenly Beat y DIIV se creía que los Beach Fossils ya habían pasado a mejor vida. Sin embargo, Dustin Payseur el cerebro de la agrupación ayudado en la producción de Ben Greenberg de los garageros The Men, edita un álbum lindo que no aporta nada nuevo pero que se puede volver atractivo con las escuchas reiteradas de algunas canciones que por su escasa duración te dejan con el sabor amargo de que finalicen tan pronto. Ya desde primera instancia vemos que el tratamiento en las voces es muy interesante, esta al frente y no empastada o perdida junto a los instrumentos. Guitarras Jangle bien al frente, una base sólida que no desentona y una voz entre ensoñada y cansina vuelven atractivo a “Clash The Truth” cuyo estilo y sonido ya lo escuchamos infinidad de veces en muchas agrupaciones, pero se ve que aún rinde. Fecha de Lanzamiento: 18 de Febrero.

Adam Green & Binki Shapiro: “Adam Green & Binki Shapiro” - Rounder 

La dupla que forman el cantautor Indie Adam Green -¿será al fin hora de que salga del underground?- y Binki Shapiro -más conocida por su affaire con el baterista de los Strokes y formar la banda Little Joy junto a él- realizan un primer Lp en conjunto que refiere de forma directa a los ´60. Todos quieren parecerse a la dupla letal e infalible que formaban Lee Hazlewood y Nancy Sinatra los cuales conjugaban a la perfección ese clima de histeria-romance-corazones rotos y algo de cachondez en excelentes canciones Pop. Ejemplos contemporáneos hay muchos como es el caso de She & Him, los Cat´s Eyes -formado por el cantante de The Horrors- y ahora se le agregaron Green y Shapiro. La aventura sale bien parada, especialmente en los cortes como “Just To Make Me Feel Good”, melodías suaves, sensualidad en su justa medida y dramatismo es lo que integra el álbum llamado como ellos mismos. Sin asumir demasiados riesgos las composiciones de Green y la dulce voz de Shapiro vuelven a este disco como uno de los más interesantes en este comienzo de año. ¿Querés escuchar a los originales?, para eso esta Lee and Nancy pero si la copia de Green y Shapiro viene con esta calidad bienvenido sea el plagio.

Fecha de Lanzamiento: 29 de Enero.

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Yo La Tengo: “Fade” - Matador Records

Vuelve el trío de Nueva Jersey Yo La Tengo al publicar “Fade” su 13° disco. Hace ya varios años y desde comienzos de este nuevo siglo que los Yo La Tengo empezaron a ser más que una banda de Indie Rock, encasillarlos hoy por hoy en esta etiqueta es quedarse corto, muy corto ya que ganan con el correr de los años en experimentalidad pero a la vez madurez. Este último Lp producido por John McEntire -miembro de Tortoise- enaltece en lo musical al combo de marido-esposa que forman Ira Kaplan y Georgia Hubley. Sin embargo, el que avisa no traiciona y es menester informar que si buscan encontrarse con el “clásico” o mejor dicho primer sonido del grupo, esas guitarras bien al frente y distorsionadas, se van a encontrar defraudados y en falta porque es todo lo contrario, melodías ensoñadas, arreglos de cuerdas, armonías vocales, ritmos acústicos etc. Yo La Tengo hace rato que dejó de ser solo la banda favorita por parte de la crítica especializada y para sus fans más acérrimos, esto queda en evidencia en “Fade”, uno de los trabajos más logrados de ellos y que ya se perfila tranquilamente como uno de los mejores del año. Fecha de Lanzamiento: 14 de Enero.

Foxygen: “We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace And Magic” - Jagjaguwar 

El mismo sello musical que edita a Bon Iver parece que encontró quizás un nueva gallina de los huevos de oro con este dúo californiano. Bajo una influencia bien marcada al Pop Psicodélico de los ´60 pero con una impronta bien del nuevo milenio se encuentra el sonido del álbum. Ya desde la portada -un guiñazo al primer Lp de los 13th. Floor Elevators- esta dupla conformada por Sam France y Jonathan Rado nos dejan en claro que leyeron una enciclopedia del Rock e hicieron foco en la década de los Beatles, la Velvet, The Doors y las Girl Groups de Phil Sector y varios ejemplos más ya que el manual del buen hipster vintage se lo saben muy bien. La crítica sobre el disco puede tomar dos caminos totalmente opuestos. Uno, darle con un caño al ser tan obvios en sus influencias musicales, aportando muy poco y jugándosela aún menos. Sin embargo la otra es olvidarse de esto y disfrutar un trabajo de una producción muy buena -cortesía de Richard Swift (The Shins)-, con unas melodías que nos recuerdan a todo pero que son atrayentes, contagiosas y muy bien logradas. Parte de esa influencia obvia y marcada también goza de buena salud en los Tame Impala y si a ellos les funciona cada vez mejor porque no esperar lo mismo de los Foxygen. Para pensarlo. Fecha de Lanzamiento: 21 de Enero.

Jim James: “Regions of Light and Sound of God” - ATCO Records 

Parece que el 2013 es el año el que Jim James, cantante, guitarrista y principal compositor de los cada vez más en ascenso My Morning Jacket decide sacar su primer álbum como solista. Refugiado por más de quince años tras el nombre del grupo lanza un disco bajo su nombre llamado “Regions of Light and Sound of God” el cual fue compuesto y producido en su totalidad por James. El Lp tiene canciones que van desde una especie de Funk con “State of The Art”, el Pop orquestado de “A New Life” a la instrumental “Exploding” entre otras. “Regions of Light and Sound of God” es un disco sencillo pero complejo a la vez.

Fecha de Lanzamiento: 5 de Febrero.

The Sound: "From The Lions Mouth" (1981)

¿Habrá algún estilo musical tan maldito dentro del Rock como el Post Punk? De seguro, si empezamos a hilar fino encontraremos en los distintos estilos las historias más diversas, retorcidas y oscuras. Pero el Post Punk, ya por erigirse como una continuación de la explosión del Punk pero en una veta más oscura, podríamos asegurar que esta dentro de los primeros puestos de los estilos malditos. A las pruebas me remito, el máximo ícono y figura de este genero como es y será Ian Curtis se suicidó ahorcándose a la edad de 23 años, justo en el momento más álgido de la carrera de los Joy Division. Además de tener grandes rasgos de depresión, sufría de epilepsia -la cual iba en aumento como también la popularidad de la banda-, y como si todo esto fuera poco tenía agorafobia. La trunca carrera de Curtis alimentó aún más el mito en torno a su figura como siempre sucede con los artistas que mueren jóvenes y de manera fulminante. El legado de Curtis, a pesar de sólo haber editado dos discos oficiales con Joy Division -uno incluso póstumo-, se abrió en varias ramificaciones, desde la creación de otra agrupación como es New Order de las cenizas de su anterior banda hasta la copia infinita de varios grupos y aún más cantantes que replican la voz de barítono de Curtis llegando hasta estos años, caso Interpol, Editors, White Lies, The National y varios más.

Por supuesto, una escena y un estilo musical no se crea ni genera por una sola persona sino por consecuencia de varios hechos, por este motivo a finales de los ´70 y principios de los ´80 comenzaron a aparecer varias agrupaciones con un sonido bien marcado en las bases de bajo y batería, con aires lúgubres y oscuros pero bien intensos en lo rítmico. Bandas como Echo and The Bunnymen, The Chameleons, los primerísimos U2 y The Cure, Gang of Four, Magazine y varias más integran las largas filas del Post Punk, por supuesto cada una con una diferencia y/o estilo más personal en la comparación entre ellas. 

Sin embargo, hubo una banda que también está enmarcada por una suerte de historia maldita bien fiel al Post Punk como son los Londinenses de The Sound. Ellos son hoy por hoy considerados como una banda de culto ya que no gozaron ni rozaron la popularidad de algunos de sus contemporáneos. Incluso la tragedia también rodeo a la banda ya que su cantante Adrian Borland se arrojo a la vías del tren en el año 1999 consumido por una larga depresión, ya cuando The Sound hacía rato que había dejado de sonar en los escenarios. 

Apartémonos de los trágicos hechos anteriores y vayamos a lo estrictamente musical, The Sound tuvo una corta carrera entre los comienzos de los ´80 hasta el ´87 editando 5 álbumes pero son quizás los más interesantes e importantes los dos primeros, “Jeopardy” de 1980 y “From The Lions Mouth” de 1981. Este último quizás se ubique como el mejor de su carrera ya que los encuentra más maduros que en su primer Lp sin perder en intensidad pero ganando en personalidad. Integrados por el ya mencionado Borland en la voz y guitarra a la banda la completan Michael Dudley en batería, Graham Green en bajo y Max Mayers en los teclados.

“From The Lions Mouth” se ubica justo en el medio dentro de la calidad artística de The Sound ya que tiene la intensidad de “Jeopardy” y la oscuridad de “All Fall Down” sin caer en los extremos de cada uno. Un sonido potente, limpio, pero enmarañado en melodías algo oscuras y con letras de dudas, temores y angustias existenciales es lo que se percibe al instante en la escucha. 

Esa presencia en el sonido ya causa intriga y curiosidad desde la portada misma del disco, siempre el arte de tapa termina de redondear el concepto de un álbum -por supuesto hablando desde la vieja escuela para escuchar discos, no el download claro- la cual en este caso se trata de un óleo del pintor inglés Briton Riviere que hace referencia al profeta Daniel cuando fue arrojado por un complot en contra suya al foso de los leones sin recibir rasguño alguno por parte de ellos. La conexión musical con la portada va por el lado de lo oculto y oscuro, pero lejos está de tener un concepto triunfalista como en la historia sino que podría realzar la figura de mártir, más emparentado con las letras del álbum. 

Ya desde el comienzo del álbum con “Winning”, bien intenso y con unos teclados obsesivos en su sonido la letra de la canción habla sobre sacar fuerzas de la adversidad para poder seguir adelante, pero se mezcla con ironías que pueden dar a entender el beneplácito que tiene Borland por vanagloriar a la derrota.

Todo el Lp gira en torno a esas letras oscuras, ambivalentes, densas y tortuosas, como el de tener un objetivo en claro pero no alcanzarlo nunca -“Sense of Purpose”-, o la pesimista visión de la humanidad muerta en vida -“Skeletons”-, la angustiosa certeza de que tarde o temprano hay que hacerse cargo de los errores cometidos -“Judgement”-,  espíritus que poseen cuerpos -“Possession”-, o sobre la llegada del fin de los tiempos en la marchosa y apocalíptica “New Dark Age”. 

Luego de “From The Lions Mouth” vendría un tercer álbum como el muy oscuro “All Fall Down” con el que el sello Korova Records los echó por poco “comerciales” ya que no se estaban acercando al Pop como si lo empezaron a hacer otras bandas contemporáneas del Post Punk. Siempre existe esa figurita difícil, la cual es buscada por sobre lo conocido y lo obvio y dentro del Post Punk podrían ser los The Sound y su álbum “From The Lions Mouth”.

Fela Kuti: "Zombie" (1977)

Dentro del Rock el máximo referente y figura indiscutida que tuvo un país del denominado Tercer Mundo fue sin duda alguna Bob Marley. Desde la pequeña isla de Jamaica se erigió como una especie de héroe de ese país y logró que los radares de todo el Mundo, incluyendo por supuesto los mercados líderes de la música como son EE.UU y UK prestaran atención a esa música que provenía del Mar del Caribe. Al principio vista como una especie de excentricidad ya que provenía de un país subdesarrollado y los oídos de la America del Norte y de la vieja Europa no estaban acostumbrados a escuchar. Luego el mensaje de Marley más allá de su música, sino también en sus letras y declaraciones abrió las puertas al conocimiento de una cultura desconocida para la gran mayoría. Ese mano a mano casi pintoresco que tuvo a Marley como portavoz de todos los países del Tercer Mundo mezclándose dentro de los mercados más poderosos ubicó a Jamaica dentro del mapa musical.

Sin embargo, también existió otra figura proveniente de un país en subdesarrollo que fue portavoz de la gente de su nación pero que no gozó de la popularidad Mainstream que si tuvo Marley. Ese músico que se encuentra varios escalones abajo en popularidad en comparación con Marley pero a la par en cuanto a legado musical fue Fela Kuti. Desde su Nigeria natal, Fela Anikulapu -no tenes nombre- Kuti  fue el máximo referente del Afrobeat, un estilo musical que fusionaba los matices del Jazz y el Funk de la música Afroamericana con ritmos de los Yoruba -música tradicional de Nigeria- creando un estilo bailable y adictivo pero con letras contundentes en su caso, aportando una visión política y/o social. Su apogeo fue a mediados de los ´70 donde estrellas del Occidente, como McCartney, Ginger Baker -Cream-, Stevie Wonder y James Brown entre otros corrieron a Lagos para incorporar esa música extravagante y exótica a sus discos, además de ir a fumar de la buena claro. 

Para mediados de los ´70 Kuti ya era toda una estrella en Nigeria y su extravagante vida también era motivo de comentario, sin embargo apuntemos a lo estrictamente musical. En el período de dos años entre 1976 y 1977 editó más de ¡15 discos! un cifra record que hoy por hoy nadie podría alcanzar. Durante esos años prolíficos Kuti editó varios álbumes que supieron colarse dentro del mercado de Rock -siempre hablando de la contracultura- y que son de muy buena calidad artística pero para muchos su máxima creación es el disco “Zombie” de 1977. Kuti Junto al eximio baterista Tony Allen -trabajó también con Damon Albarn por estos años- y su grupo Africa ´70 -antes llamado Nigeria ´70- además de tener unos excelentes sonidos mostraron toda la carga social que existía siempre en su obra. Para este disco Kuti se encontraba en su pico musical, instrumental y también creativo ya que incorporó el inglés a sus letras para que su mensaje sea aún más masivo dentro de su sociedad.

El Lp “Zombie” tiene sólo tres temas, la duración de los mismos supera los diez minutos y como siempre sucede en la obra de Kuti al principio podrían ser identificados como una larga Jam. El disco abre con el tema homónimo al álbum en el cual se destaca el riff de guitarra, una línea de bajo bien sostenida, unas percusiones bien al frente que crean el ambiente y por supuesto el saxo bien arriba y excesivo de Kuti, donde la fusión de metales y el riff furioso de batería crean una especie de mantra bailable. Sin embargo, este tema no es sólo instrumental sino que la letra de Kuti fue lo que causo urticaria y enojo dentro de la cúpula militar del Ejército Nigeriano. “Zombie” es considerado en su país como una especie de himno antimilitarista, en donde Kuti se descarga contra las botas verdes y contra aquellos que obedecen ordenes infringiendo la violencia ante el pueblo. 

“Un Zombie no se detiene a menos que se lo ordenes / Un Zombie no piensa a menos que se lo ordenes” 

Kuti Bajo la palabra Zombie enmascara al soldado del ejercito de su país y esta canción tocó tanto la fibra íntima del pueblo Nigeriano que los ciudadanos en revueltas y/o manifestaciones gritaban esta palabra a los soldados. Por supuesto la respuesta del gobierno militar no se hizo esperar y fue de la peor manera. Un contundente ataque que irrumpió dentro de la casa de Kuti dejando como saldo la destrucción total de su recinto, a todos sus hombres reventados a golpes, las mujeres abusadas, a él mal herido de bala y con la trágica muerte de su madre al ser arrojada por una ventana. El gobierno de ese país intento silenciar a los testigos y a los periodistas que cubrieron el hecho. Más allá de que esto dejó bastante mal trecho de salud y mentalmente a Kuti, este no se detuvo en la realización de su música. Sus excentricidades y los momentos tensos como los vividos anteriormente se repetirían de forma más seguida y constante, por ejemplo al año siguiente Kuti se casó con ¡28 mujeres! -28 dolores de cabeza-, y varios de sus conciertos fueron interrumpidos de forma violenta por razzias y en más de algún país del continente africano le fue prohibida la entrada. 

Volviendo al disco “Zombie” además del mencionado tema las canciones que completan el Lp son las también excelentes “Mister Follow Follow” y “Overservation is No Crime”, ambas de casi quince minutos de duración donde esa música bailable, hipnótica, protestante pero a la vez enmascarada en festiva y sexual muestra el orgullo bien a flor de piel de sus raíces africanas, de ser negro y gritarlo a viva voz.

El Lp “Zombie” actúa como un virus de contagio, que para el que no este habituado o no haya escuchado nunca el Afrobeat puede ser la puerta de acceso a este fantástico estilo musical.

Hoy en día el Afrobeat goza de cierto aire cool por parte de algunos hipsters ya que se encuentra algo de moda como una música exótica porque hay muchas bandas de ahora que suelen estar influenciadas por estos ritmos, varias bandas del Indie incorporaron estos sonidos. Incluso el inquieto y siempre cercano a la música africana Damon Albarn -Blur/Gorillaz- formo con Flea  -Red Hot Chili Peppers- y Tony Allen -baterista de Kuti- el combo Rocket, Juice and The Moon -lanzaron álbum este año- donde el Afrobeat es la música reinante con lo cual el estilo muestra que aún está vigente más allá de que para muchos pueda ser visto aún como una excentricidad pintoresca.

Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 3

Alabama Shakes - “Boys & Girls”

Encasillar a los noveles de Alabama Shakes como sólo una banda de revival de R&B sería muy injusto ya que son mucho más que eso, la ejecución de sus instrumentos y la gran voz de Brittany Howard -influenciada por Janis Joplin y Etta James- junto con la buena producción detrás de su primer Lp los ubican como uno de los mejores álbumes debut del año. Un vibrante y emotivo disco que revive lo mejor del R&B, el Soul y el Swamp Rock -vamos el nombre de Alabama no es en vano- pero con personalidad propia. 

Chromatics - “Kill For Love”

Este cuarto trabajo de Chromatics podría ser definido casi como un nuevo comienzo o el primero de una nueva etapa más que una continuación de su discografía. Esto queda de manifiesto en que el único integrante de los miembros originales es el guitarrista Adam Miller pero esto no se termina sólo en la búsqueda de nuevos músicos, sino también de nuevos sonidos y estilos. Este Lp tiene una mezcla de Dream Pop, Shoegaze y Synth Pop en el cual a lo largo de 16 temas forman un concepto que hace necesario escuchar el disco de forma entera y no por canciones. Además de tener interesantes temas propios hacen una versión del “Hey Hey My My” de Neil Young bajo el nombre “Into The Black”.

Dead Can Dance - “Anastasis” 

Después de casi 12 años regresan a la actualidad Brendan Perry y Lisa Gerrard componentes de Dead Can Dance. Este reciente álbum los trae una vez más atmosféricos, etéreos e introspectivos, influenciados como siempre por el Ambient, el Folk más oscuro y el Goth Rock. “Anastasis” tiene un sonido realmente sublime y épico logrado gracias a la muy buena producción de Perry y al binomio vocal que forma junto a Gerrard para que algunos temas que él interpreta suenen oscuros, melancólicos y asfixiantes mientras que en los de ella son barrocos, ensoñados y épicos. Muchos catalogan la música de los Dead Can Dance bajo el rótulo de Dark pero es mucho más que eso, y este nuevo Lp lo deja en claro tomando sonidos de varias etnias mundiales. Apto para Darkies de treinta y largos.

Dr John -"Locked Down" 

Casi como un alquimista pareciera que todo lo que toca Dan Auerbach -Black Keys- lo convierte en oro, o al menos le da una lavadita de cara. Algo de esto sucedió con la carrera del voodo man Dr John, la cual venía tambaleándose y no estaba haciendo pie ya hace largo rato dentro de la industria musical. ¿Que hizo Auerbach? Poner la esencia del Dr a esos pantanosos ritmos de R&B que son de su factoría aggiornandolos con los sonidos de ahora. Una exquisita muestra del más puro y sentido R&B pero en 2.0. La vuelta del satánico Dr John.

Richard Hawley - “Standing at the Sky's Edge”

Todo llega, al menos eso es lo que al fin debe pensar Richard Hawley -ex Pulp- al editar su séptimo disco de estudio y ganarse de una vez por todas el merecido reconocimiento que le era esquivo. Este último Lp lo trae renovado, lejos del crooner rockabillero de trabajos anteriores, ganando mucho más énfasis las ambientaciones psicodélicas y esa densidad instrumental sostenida por su guitarra y la base de fondo de bajo y batería por sobre las orquestaciones a las que nos tenía acostumbrados. Si te gustan los Arctic Monkeys de “Humbug” y todo ese charm de Turner para vocalizar, acá tenés a su musa inspiradora, incluso dicho por él mismo. 

Michael Kiwanuka - “Home Again”

La nueva sensación del Neo Soul al parecer se llama Michael Kiwanuka y tiene material con el cual demostrar su calidad artística. Esto queda de manifiesto en su álbum debut “Home Again” en el cual repasa el legado del Soul de varios grandes como Bill Withers o Al Green a la cabeza, sin embargo no sólo es Soul lo suyo sino que también puede emparentarse o tener influencias en cantautores como John Martyn o Nick Drake. Cuantos nombres de peso para alguien que recién comienza, sin embargo y dejando a estos artistas de lado “Home Again” se presenta bien producido pero lo más importante y que lo destaca por sobre otros es porque es sincero, natural y sentimental.  

Jens Lekman - “I Know What Love Isn´t”

El mundillo del rock y del pop siempre se hace un espacio para los corazones solitarios, esos que salen lastimados por el desamor, un amor no correspondido o por una relación tortuosa que no tuvo un buen final. En este caso el sueco Jens Lekman con su último trabajo nos regala ya desde el título de su álbum su manifiesto al desamor con “I Know What Love Isn´t”. Indie Pop para chicos/as melancólicos y soñadores. Si te gusta Belle and Sebastian, Kings of Convenience o Morrissey, el peladito de Lekman es tu nuevo anti-héroe favorito.

The Lumineers - “The Lumineers”

El Folk Rock hace ya un par de años parece haber vuelto para quedarse dentro de la industria del Rock, eso lo demostró el excelente recibimiento de los álbumes debut de Fleet Foxes o el de Mumford & Sons. Quizás por eso The Lumineers picó en punta también con su primer Lp en el cual sus tres integrantes sobresalieron con un single debut que los ubicó como una de las mejores canciones del 2012. Sin embargo, las canciones que completan la placa también siguen ese mismo camino sonoro. Habrá que ver como les va en una segunda entrega.

 

Melody's Echo Chamber - "Melody's Echo Chamber" 

Una de las caras nuevas de este 2012 viene de Francia y está bancada por los Australianos de Tame Impala, teniendo a su vocalista Kevin Parker como productor del primer Lp de Melody Prochet, la chica detrás del proyecto llamado Melody´s Echo Chamber. ¿De que va este primer Lp? Se ve una gran influencia del Dream Pop de los ´80, con los Cocteau Twins de Liz Fraser a la cabeza, sin ser tan etéreas ni encriptadas sus letras y melodías. Sin embargo, los links no se cierran acá sino que también se la puede asociar a los Stereolab y a Tame Impala, claro. Sí, demasiados nombres de peso para alguien que recién comienza, quizás eso hace que la segunda parte del Lp decaiga un poco pero eso no quita que pueda tener material a futuro. 

Jack White - “Blunderbuss” 

Lo que venía esquivando hace ya largo rato -desde el 2007 para ser más precisos- y luego de la disolución de los White Stripes tuvo a Jack White entretenido con proyectos paralelos como The Racounters, Dead Weather y hasta colaboraciones con Danger Mouse entre otros, al final lo encuentra en este 2012 con su primer trabajo solista. “Blunderbuss” es el manifiesto del R&B allá Jack White, o sea su declaración del ya sabido gusto por el Blues Rural, Urbano y todas sus variantes pero con el típico toque de él que es su marca registrada. Para algunos puede ser más de lo mismo, sin embargo la producción musical es eximia.

Bonus:

Grimes - “Visions”

El tercer álbum de Grimes -para muchos su debut ya que era casi desconocida-, despierta sentimientos opuestos. Varios indican que es el disco del año -exagerado-, otros uno de los más flojos -también exagerado-, lo que si queda claro es que algo debe tener, y eso lo vio el muy interesante sello 4AD el cual produjo este Lp. Quizás en un primer momento esa experimentalidad o postura de ser cool en sus videos, presentaciones etc puede pasar de jugarle a favor a en contra en cuestión de segundos. Su álbum “Visions” es parte de esa nueva camada de Electro Pop femenino que se está poniendo tan en boga. El tiempo dirá si sólo tuvo un éxito aislado que la catapulto -“Genesis”- o si realmente tiene material a futuro con que sostenerse. 

Jingle Bells

She & Him - "Baby It´s Cold Outside"

Bob Dylan - "It Must Be Santa"

Merry Christmas Bonus 

Frank Sinatra - "Santa Claus is Comin To Town"

Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 2

Alt-J - “An Awesome Wave”

El nuevo Hype, pero que ya tienen premios reconocidos como los muy bien catalogados Mercury Prize para bancar la parada, son los Alt-J. Bien influenciados por el Afro Indie -de moda por estos días-, el Art-Rock y la Psicodelia, tiene a estos cuatro jóvenes de Brixton como la nueva gran promesa inglesa. Encasillarlos dentro de un estilo sería quedarse corto ya que su yeite radica en la experimentalidad de los sonidos, por momentos demasiado pretencioso. El tiempo dirá si fueron sólo unos pequeños quince minutos de fama los que tuvieron o si su coctel de sonidos puede tener futuro. Ah… si tenes una Mac proba de apretar Alt-J y fijate lo que se forma. 

David Byrne & St. Vincent - “Love This Giant” 

Volvió uno de los artistas más inquietos e indescifrables que con el paso del tiempo se va volviendo aún más. Regresa al disco el ex Talking Heads David Byrne pero en este caso en colaboración de la agradable St. Vincent. Hoy ya sabemos que si accedemos a un trabajo de Byrne nos vamos a encontrar con sorpresas varias y nada cercano a lo obvio. La dupla que forma con St. Vincente funciona bastante aceitada y cada uno tiene un protagonismo y una figura dentro de cada canción sin pisarse ni sobresalir por encima del otro. Lo más cercano -salvando las distancias, diferencias y relaciones personales- al “Double Fantasy” de Lennon-Ono.

Gaz Coombes - “Here Come The Bombs”

Sólo faltaba él, Gaz Coombes el cantante y guitarrista de The Supergrass que edite al fin su Lp en solitario, ya que antes lo habían hecho otras figuras del extinto Brit Pop como Damon Albarn, Noel Gallagher, Jarvis Cocker, Brett Anderson y Richard Ashcroft. Ahora sí el pequeño con cara de duende se puede unir a ese grupo del cual la mayoría hace lo mismo que realizaba en su banda pero con la salvedad de que ahora el nombre propio figura en la tapa del disco. Supergaz.

Django Django - "Django Django"

Los Django Django son una banda que ya desde su nacimiento pinta para ser de culto. A pesar de tener todos los ingredientes para estar de moda con su música Afro, Pop, Electronica y varios etc más y de tener excelentes canciones pueden quedar fácilmente en el olvido y sólo ser recordada como la banda que pudo llegar a ser pero no fue. El tiempo lo dirá. Su único Lp tiene un CV sostenido por tener al hermano del baterista de los Beta Band. Uno de los mejores debuts de este año, lejos.

Father John Misty - “Fear Fun” 

Antes de ser el baterista de los Fleet Foxes, Josh Tillman publicó varios álbumes llenos de canciones acústicas y oscuras, sin embargo parece que se decidió a dar el gran salto al cambiar su nombre por el de Father John Misty y con esto también torcer el destino de Hippie looser a Hippie cool con “Fear Fun”. Un disco vibrante, que transita  la herencia del Folk Americano pero con sonidos bien actuales, incluso hasta más jugados que los con los Fleet Foxes. Por último, la portada del disco nos hace darle pulgares arriba!.

Lotus Plaza - "Spooky Action at a Distance"

Lotus Plaza es el proyecto paralelo que tiene Lockett Pundt guitarrista de los Deerhunter. Con este sería ya el segundo disco de su cosecha y todo lo bueno que demostró en el primero acá lo hace aún mejor. Melodías ensoñadas, mucho Dream Pop y algo de Shoegaze para un disco que quizás para muchos haya pasado desapercibido pero que vale la pena redescubrir.

Purity Ring - “Shrines” 

Hace ya un tiempo a esta parte el gran sello 4AD, entre otras cosas cuna del más exquisito Dream Pop de los ´80, parece querer darle otro espacio en su catalogo -siempre en la vanguardia- a nuevos artistas con estilos más bailables y algo más amigables en su sonido. Que el dúo chico-chica de Purity Ring sea editado por ellos habla de esa búsqueda. Los Purity Ring tienen en su Lp debut algo de Dream Pop, pero por sobre todo un Electro Pop algo descartable luego de varios usos o mejor dicho escuchas. Su sonido está radicado en lo cristalino de las voces, por momentos etéreas y muy rendidoras, mientras que en otras suenan casi a Pop Adolescente creando cierta confusión y como consecuencia despertar más de un enojo o duda de que se está escuchando. Para el debate.

Sigur Ros - “Valtari” 

A estas alturas presentar a una banda como Sigur Ros ya esta demás, la gran mayoría sabe del estilo Post Rock que hacen ellos sin embargo este 2012 trajo un nuevo lanzamiento de los islandeses, de nombre “Valtari”. En este último álbum parece que quieren enderezar el timón -tapa con barco fantasma incluida- de las últimas entregas y acercarse más al sonido de sus primeros Lp´s. Escucharlos se sabe que no es una tarea fácil, hay que encontrar el momento y el lugar adecuado, pero si lo haces nunca te van a dejar a la deriva.

Spiritualized - “Sweet Heart, Sweet Light” 

Luego de haber luchado contra una dura enfermedad que casi le cuesta la vida vuelve Jason Pierce con un disco bien maduro y que deja en claro porque los Spiritualized son una banda clave del Post Rock. Este disco lo encuentra renovado, hasta joven en su música, activo y con ganas de mostrarse. Además del vibrante corte “Hey Jane” que deja a más de un joven pseudo rockero con la mandíbula al piso, puede ser la puerta de entrada a los discos anteriores, ya que es de fácil escucha y no tan encriptada como otros.

Los Discos Más Interesantes del 2012. Parte 1

Ya se acerca un nuevo fin de año y empiezan a aparecer por todos lados las listas de lo mejor del mismo en varios rubros, algunos de por si bastantes insólitos y por supuesto el ámbito musical no es la diferencia para confeccionar una lista de lo más interesante o trascendente de este 2012, y no indico mejores porque esto es muy subjetivo. Por estos motivos, los discos de más abajo se encuentran ubicados en orden alfabético y no por puestos o en orden decreciente como suelen aparecer en muchas listas, como para quitarle cierta presión vió… Acá va la primera parte -de tres- de algunos de los Discos más interesantes del 2012:

Después de haber estado dentro de los mejores discos del 2010 con su anterior Lp “Teen Dream”, el dúo de Dream Pop y Psicodelia vuelve a repetir la fórmula de su antecesor que tan buenos frutos le ha dado con “Bloom”, para muchos un escalón por debajo del anterior, para otros una continuación de este, más allá de esto es lejos uno de los más interesantes trabajos del año.

"Wild"

Grizzly Bear - “Shields” 

Luego de un muy buen tercer trabajo como fue “Veckatimest”, el cual les trajo mucho reconocimiento por parte de la prensa especializada no hizo más que aumentar el grado de expectativa para ver con que se despachaban los Grizzly Bear. La espera finalizó con la edición de “Shields”. Todo lo demostrado en “Veckatimest” es en “Shields” donde lo llevan al extremo, es acá donde consolidan su virtuosismo y experimentalidad en busca de nuevos sonidos. “Shields” merece ser escuchado de forma lineal y no por canciones ya que perdería el concepto del álbum y no quedaría en evidencia el grado de complejidad en armonías e instrumentación que tiene. ¿Los Radiohead de esta década?.

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros - “Here” 

El colectivo humano y musical que integran Edward Sharpe y su conjunto ya había logrado cierta resonancia en el 2009 cuando estos freaks californianos lanzaron su álbum debut “Up From Below”. Este año los trajo con un nuevo Lp bajo el brazo y el cóctel de estilos musicales sigue siendo el mismo, Folk, Psicodelia, Música Balcánica -tan de moda por estos días-, Soul y varios más. Definitivamente "Here" es la música ideal para un trip.

The Vaccines - “Come of Age”

La nueva sensación inglesa llamada The Vaccines lanzó “Come of Age”, su segundo Lp luego de haber cosechado elogios por doquier con su primer trabajo. Los Vaccines no la tuvieron nada fácil, pero mientras muchos grupos se rompen el marulo buscando un sonido totalmente diferente al del primer álbum para marcar la diferencia y el supuesto “crecimiento”, ellos decidieron pulirse y seguir en la misma senda del anterior Lp. “Come of Age” contiene además de los cortes de “No Hope” y “Teenage Icon”, buenas canciones muy bien producidas, logrando una vibrante continuación que está a la altura de su primer Lp y esto… no es moco de pavo.

Wild Nothing - “Nocturne” 

Dos años después de su debut con “Gemini”, el cual le trajo un reconocimiento bastante auspicio por parte de la prensa especializada, Jack Tatum, el cerebro de Wild Nothing editó su segundo trabajo “Nocturne”. Este nuevo álbum es muy deudor del Jangle Pop de esa mítica pero efímera movida musical llamada C-86, teniendo por supuesto mucha relevancia y protagonismo el rasgueo típico de ese estilo en las guitarras. Rodeado también bajo unas atmósferas de Dream Pop el Lp se deja escuchar de forma amena y fácil. Canciones cristalinas, sensibles y puras es lo que se puede encontrar en “Nocturne”.

Neil Young - “Psychedelic Pill” 

Vuelve un artista que nunca se fue y que estos últimos años está más inquieto que nunca como es Neil Young que lanzó este “Psychedelic Pill” el primer álbum con su vieja agrupación -Crazy Horse- luego de nueve años desde “Greendale” del 2003. Ese espíritu libre y hippie sigue más vigente que nunca ya desde el comienzo del Lp con “Driftin' Back” cuya duración es de 27 minutos, pero no se queda solo con esa sino que también “Ramada Inn” o “Walk Like a Giant” son extensas llegando a los ´16. El Lp además de ese Free Spirit posee temas cortos y agradables como “Born in Ontario”, “Twisted Road” o “For the Love of Man”. ¿Cuantos artistas hay que tengan más de 30 álbumes en su haber y aún puedan seguir dándole batalla a los carilindos de ahora? Pocos, el viejo Neil es uno de ellos.