El Garage Rock es un estilo que nació a principios de los ´60, pero que tuvo su momento álgido a mediados de esa década. Se le llama así porque nació del amateurismo de algunos grupos de EE.UU. que ensayaban en los garages de sus casas y que fascinados con la invasión británica que tuvo a The Beatles y The Rolling Stones como máximos exponentes trataban de emularlos. Sin embargo estos grupos, tomaron como referentes además de los Stones a bandas como The Animals, The Yardbirds y The Who entre otros, por su sonido más crudo, radical y potente. Un dato saliente y que los diferencia de sus contemporáneos ingleses es que la precariedad en cuanto a amplificadores hizo que muchos grupos tocaran sus guitarras en notas octavas y quintas. De todas formas hay que dejar en claro que los grupos de este estilo no eran una mera copia de menor relevancia de sus ídolos, sino que por lo contrario pudieron crear un sonido y una estética propia. Sin ir más lejos, las guitarras modelo Phantom o Teardrop junto con el teclado Farfisa, típicos instrumentos de estos grupos, son utilizados hoy por las bandas de Garage Revival como objeto de culto y fascinación por esa escena de los ´60.

The Sonics - "Here Are The Sonics" 1965

The Sonics son los héroes del Garage Rock si es que esta palabra se puede aplicar a este estilo tan vilipendiado. Los Sonics surgieron durante el furor que se despertó en la juventud de EE.UU. a mediados de los ´60 por los grupos de la llamada invasión británica a los cuales se quería imitar, tanto en estética como en sonido. Se considera a The Sonics como los pioneros del punk por su forma de tocar, la cual era muy cruda, brutal y radical. Mucho mas visceral que la de cualquier otro grupo contemporáneo y mucho mas que la de los grupos ingleses. Las letras de The Sonics, al igual que la de otros grupos de garage, hablaban sobre la cultura adolescente de esos años, pero también tocaban temáticas más oscuras, bizarras y de terror, como “The Witch (La Bruja)” o “Psycho (Psicópata)”, que luego serían revalorizados y utilizados como estética y de forma conceptual por los grupos de Garage Revival, Psychobilly, etc. Sin embargo, el sonido de ellos era un rock primal, con una formación básica de guitarra-bajo-batería a la que hay que agregarle un saxo y gritos salvajes. Hasta la salida del primer Lp “Here Are The Sonics” de 1965, ningún grupo había sonado tan crudo y potente. Utilizaban el efecto de fuzz en la guitarra como arma letal en sus canciones junto con una batería muy estridente, un saxo muy al frente y los gritos de Gerry Roslie que le aportaban urgencia y velocidad a la ejecución de los temas. El disco arranca con “The Witch”, un tema %100 garage, con unos riffs de guitarras muy ásperos y en la que la desgarrada voz de Roslie le canta con resentimiento a una chica que la ve inalcanzable. El otro simple que se desprende del álbum es “Psycho”, un tema similar en cuanto a energía e instrumentación pero que hoy a la distancia es un inoxidable para cualquier grupo de este estilo. Además de estas canciones el disco contiene temas firmados por el grupo como “Boss Hoss” o “Strychnine” y otros standards de r&b y rock and roll ejecutados velozmente y de forma radical, como por ejemplo “Do You Love Me”, “Roll Over Beethoven”, “Money” o “Walking The Dog”.


The Music Machine - "Turn On" 1966

Los Music Machine se presentaban vestidos de negro, con un casi “reglamentario” mismo peinado para todos los integrantes -el conocido corte taza, estética típica de grupos de garage-, y además con la particularidad de cada miembro del grupo llevaba un guante negro en la mano derecha. ¿Conceptuales?, No, simplemente supieron formar y definir una estética propia para diferenciarse de los demás grupos de garage que abundaban, esa era la carta de presentación de los Music Machine a mediados de los ´60. Esta idea fue llevada a cabo por su líder, Thomas Bonniwell, el cual además llevaba colgado un collar dando una imagen de ocultismo, y decidió también plasmar su aire de misterio y oscuridad que quería transmitir con el grupo al pintar los amplificadores y la batería de negro. Sin embargo, los Music Machine no sólo llamaron la atención por su estética, ya que sería injusto sólo mencionarlos por esto, sino también por su música. El disco “Turn On” de 1966, que tiene una magistral portada que muestra el típico guante de la banda encendiendo un interruptor análogo trae el tema “Talk Talk”, canción que escalo posiciones en el ranking y los hizo codearse con los máximos grupos de aquel entonces. El tema gracias a la voz desafiante de Bonniwell marca la impronta del grupo con su sonido machacante en los riffs de guitarra y los gritos de éste. Siempre suele clasificarse esta canción como uno de los grandes temas de garage de los ´60. El Lp, intercala temas de la autoria de Bonniwell con algunos standards de garage y r&b. Sin embargo, y muy a diferencia de otros grupos contemporáneos, los temas propios son muy buenos y tienen consistencia dándonos pena que la totalidad de los temas del disco no sea de la firma del grupo. Así pasan temas como “Trouble”, con un chillón teclado farfisa, típico de los grupos de garage, la inmediatez de “Wrong” y “Masculine Intuition” y algunas pistas introspectivas y sentimentales como “Some Other Drum” o “Come On In”, que los muestra en una faceta más vocal y en la cual se le puede apreciar a Bonniwell como un buen arreglador de temas. Los otros temas que completan el álbum son “Taxman”, de The Beatles, tocado en un pulso más rápido, el r&b de “See See Rider” muy similar a The Animals, “Cherry Cherry”, de Neil Diamond en la cual dejan la imagen de chicos malos para enfundarse trajes de colores y nos regalan un tema allá The Association y “96 Tears”, otro básico de cualquier grupo de garage cuya firma es de… ¡otro grupo de garage! como eran los Question Mark and The Mysterians. El único traje que les queda grande, ¿y a quien no?, es cuando hacen la interpretación de “Hey Joe” de Jimi Hendrix, en este caso se salvan del fracaso porque lo tocan bajo un ritmo misterioso e introspectivo.


The Blues Magoos - "Psychedelic Lollipop" 1966

Los Blues Magoos se formaron en 1964 en la zona del Bronx de New York y se los considera como uno de los grupos fundamentales del Garage Rock. Sin embargo, los Blues Magoos hacían un garage con una vertiente algo psicodélica. Ya desde el título de su primer Lp de 1966 “Psychedelic Lollipop”, nos dice de que va ese trabajo. La portada los muestra encumbrados en una densa y espesa nube de vaya uno a saber que lugar luego de consumir esa paleta psicodélica. El disco abre con “We Ain´t Got Nothin´ Yet”, un tema clásico dentro de la discografía de ellos y que se supo ubicar en el puesto N° 5 de las listas americanas codeándose con grupos de mayor renombre. Otro de los temas de la autoria del grupo es “One By One”, canción apoyada en una magistral melodía pop con lindos arreglos de voces. El tercer y último tema de su propia firma es la balada “Love Seems Doomed”, cuyas iniciales formaban la palabra LSD en una supuesta clara alusión a la droga. Los Blues Magoos tuvieron que dar explicaciones del título aunque en menor medida, por obvias razones, al igual que los Beatles con su “Lucy in The Sky With Diamonds”. En todos los discos de esta época entre los temas propios de la banda se mezclaban algunos estándares y los Blues Magoos con este Lp no fueron la excepción. “Tobacco Road”, hasta ese momento un tema insignia como podía ser “Gloria”, “Louie Louie” o “96 Tears” dentro del repertorio de los grupos de garage, fue grabado para su primer larga duración. Sin embargo, el tema a diferencia de otras interpretaciones tiene una jam instrumental en el medio de la canción y un explosivo final. Otra balada aparece en el Lp como es “Queen Of My Nights” que en su comienzo es muy similar al “Love is All Around” que luego harían The Troggs. También se encuentra “Ill Go Crazy” de James Brown en ritmo de garage que es una muestra de cortesía a los grupos Mods de Inglaterra que amaban al sonido de la Motown. Antes de que llegue el final del Lp nos topamos con dos temas importantes como es “Sometimes I Think About”, un blues crudo, carnal y desgarrador para la joven voz de Emil Thielhelm que contaba con tan solo 16 años en el momento de la grabación, y la canción “Gotta Get Away” que tiene unos coros casi primitivos y toscos que le sientan perfecto al estilo garage.


Count Five - "Psychotic Reaction" 1966

Los Count Five eran oriundos de la ciudad californiana de San José y luego de grabar lo que sería su primer sencillo entraron al estudio para sacar su Lp. Este suceso tan rápido y repentino se debe a que el primer simple fue “Psychotic Reaction” el tema más conocido de ellos que los posicionó en los primeros puestos de las listas. Este título al igual que “Psycho” de The Sonics hacía clara alusión a esa enfermedad mental, sin embargo lo que quisieron representar estos grupos con esto es una devoción por el cine de terror y lo bizarro entre otras cosas, creando una escena y un lenguaje propio. Sin ir mas lejos, los Count Five en muchas actuaciones en vivo se presentaban con capas que mostraban su impronta y porte elegante como si fueran unos jóvenes “Dráculas”. El disco “Psychotic Reaction” de 1966 esta repleto del más crudo r&b y rock and roll, pasando así temas tocados con fervor y pasión. Párrafo aparte merece la armónica de Ken Ellner que le da otro aire a los temas como "Double Decker Bus" o el tema homónimo al disco. Sólo dos temas no son de la propia autoria del grupo, “My Generation” de The Who del cual no salen muy bien parados y quizás sea su punto más flojo pero es que no cualquiera puede estar a la altura de Townshend, Moon y Entwistle. El segundo cover también es de The Who -sí, parece que estaban encaprichados estos chicos- el cual termina siendo una versión discreta a mediocre. Sacando estos dos traspiés, el álbum es de lo mejor del Garage Rock, esto es avalado por las canciones que llevan la firma del grupo. Los temas como “They´re Gonna Get You” o “She´s Fine” que tienen un ritmo divertido, transitan la temática adolescente, mientras que otros como de “The Morning After” o “The World”, hablan sobre las vicisitudes cotidianas de los jóvenes por esos años. A diferencia de los demás grupos de garage, los Count Five en su sonido eran más “limpios” y no tan crudos o salvajes, inclinándose a melodías un poco más amables al oído y porque no también rozando un costado un poco más pop pero sin dejar de lado su gusto por el r&b.


Chocolate Watchband - "No Way Out" 1967

Todos los grupos de Garage Rock tenían como espejo a las bandas del Reino Unido, sin embargo algunos miraban con más contemplación a éstos y uno de esos grupos pueden ser los Chocolate Watchband. Tanto en su faceta más garagera como en la psicodélica, su sonido era similar a los grupos ingleses como los Stones o los Yardbirds entre otros. El primer disco de ellos, “No Way Out” editado en 1967, tiene como base un r&b primal pero también se desprenden temas con una veta más psicodélica, acorde a lo que ya se empezaba a componer por esa época. Por estas razones sería injusto encasillar a los Chocolate Watchband como sólo una banda de Garage. La estética del grupo, quizás catapultada por ser de San Francisco, conservaba una vestimenta más psicodélica acorde a los grupos de esa zona. El disco comienza con “Let´s Talk About Girls”, un tema que luego sería también interpretado por la banda punk irlandesa The Undertones en una muestra más de que el Garage Rock es el padrino del Punk. El Lp transita, como la mayoría de estos grupos, standards de r&b y rock and roll, como “In The Midnight Hour” de Pickett, “Come On”, que fácilmente puede ser confundido como un tema de los Stones por lo parecida que es la voz del líder David Aguilar a la de Jagger. Así van pasando temas de gran interpretación garagera y vocal como “Are You Gonna Be There”, “Hot Dusty Road” y “Gone and Passes By”, de la autoría de ellos en la que se puede apreciar un sitar mostrándonos su cara más psicodélica y trip. También tiene lugar tres temas instrumentales de corte también psicodélico como “Dark Side of The Mushroom” con tintes de misterio y muchos hongos alucinógenos tal cual lo indica su nombre, “No Way Out” en el que utilizan el efecto de pasar la cinta al revés cuando llega el final del tema, y “Expo 2000”, una canción como su nombre lo indicaba, con aires de futurismo, una temática que a mediados de los ´60 era muy recurrente en muchos grupos.