Marcia Griffiths: "Play Me Sweet and Nice" (1974)
Muchos conocen el reggae como genero musical y a sus más reconocidos interpretes que van desde las más reconocidas agrupaciones, Toots and The Maytals, The Skatalites, The Heptones o los solistas como Bob Marley, Peter Tosh, Lee Scratch Perry, Jimmy Cliff y la lista sigue. Incluso muchos de los nombrados dentro del género Reggae tienen grandes diferencias de estilos y subestilos, Rock Steady, Dub, Political Reggae, Ska y la lista también sigue. Sin embargo, si nos detenemos un instante en este racconto, descubrimos que todos estos artistas son masculinos. El Reggae como cualquier otro género musical no fue indiferente a la inclinación de la balanza para el lado masculino como promedio general de sus artistas.
De todas maneras, varias mujeres supieron abrirse paso y colarse dentro de una industria dominada por los hombres. Con precisión no se puede detallar cual fue la primer mujer en grabar algo dentro del género Reggae, pero si existió un pequeño boom que estalló en forma de simple con el tema “My Boy Lollipop” de la joven Millie Small. Inclusive traspasando las fronteras de Jamaica y recorriendo muchos kilómetros hasta llegar a las islas del Reino Unido. Luego de esto las aguas se apaciguaron y todo volvió a la normalidad, el público blanco aún no estaba preparado para este sonido y ritmo proveniente de Jamaica, eso llegaría años más tarde con la explosión mundial de Marley y el espaldarazo que significó la remezcla
“para el oído blanco” de su primer disco y el Hit “I Shot The Sheriff” que grabó Eric Clapton, pero eso ya es otra historia. No esta demás mencionar que dentro de Kingston, capital de Jamaica, el grabar un Lp ya era todo un logro, muchos artistas -sólo algunos privilegiados- podían acceder a grabar un simple que podía ser un pequeño furor dentro de la isla o morir en el olvido, con más razón grabar un larga duración era sólo para unos pequeños pocos. No es un dato menor la parte socio-económica de Jamaica donde todo es cuesta arriba y tampoco no mencionar que para ellos la música es parte de su religión, el rastafarismo. Si a todo este coctel le agregamos que si en la Jamaica de los ´60 eras mujer y querías grabar algún material la cosa se complicaba aun mucho más.
Volviendo a Millie Small, que la habíamos mencionado una líneas más arriba, no existió otra artista femenina que pudiera ser considerada como el estandarte de ese sexo dentro del Reggae hasta la llegada de Marcia Griffiths. Muchos se podrán preguntar quien es esta tal Griffiths, bien ella integró junto con Rita Marley y Judy Mowatt el conjunto vocal I-Threes, grupo que fue el acompañamiento de Bob Marley en sus discos durante mediados de la década del ´70 y en sus giras internacionales. Hasta acá tiene un curriculum bastante interesante, pero su carrera no comenzó solo con Marley sino que antes ya había integrado junto a otro Bob, en este caso de apellido Andy, el dúo Bob & Marcia que tuvo cierta repercusión dentro de Kingston por su Lp “Young, Gifted and Black”.
De todas maneras Griffiths llegaría -a pesar de grabar con anterioridad varios simples- a su primer Lp recién en 1974 con el disco “Sweet Bitter Love”, un trabajo más que respetable y que merece ser tenido en cuenta. El estilo vocal de Griffiths coquetea con ciertos aires de Soul pero sostenidos bajo el ritmo de Reggae Lover o Rock Steady.
El álbum comienza con “Sweet Bitter Love” que se luce con su voz enmarcada por el Soul. Luego sigue con “Gypsy Man” una tema de Curtis Mayfield, otra pauta más que nos indica lo influyente que fueron los sellos Tamla/Motown y Stax en algunos artistas Jamaiquinos. El disco sigue con dos temas de puro Reggae Lover, “There´s no me Without You” y “The First Time I Saw Your Face”. Un pequeño tentempié para que llegue el clásico “I Just Don´t Want To Be Lonely” donde la voz de Griffiths y los coros de fondo nos hacen caer rendidos por semejante belleza.
La cara B del disco abre con “Here I am Baby” cuya línea de bajo va llevando el pulso del tema. Para mediados de los ´70 uno de los ritmos más influyentes que provenían desde EE.UU era el Funk y la pequeña isla del Caribe no fue la excepción y esto queda de manifiesto en “Everything I Own” de David Gates. Un tema de base Funk sostenido -una vez más y van…- por el bajo y los coros de fondo que le daban una textura que no tenía nada que envidiarle a cualquier grupo Funk de los EE.UU. Otro cover que aparece casi promediando el final del disco es “Play Me” del cantautor Neil Diamond. Cierra el Lp “Children At Play”, un tema también con cierto toque Funk, con un bajo bien
“gomoso” que podría estar en cualquier buen disco de Sly & The Family Stone.
Cualquier interesado en conocer otras voces dentro del Reggae saliendo de los ya conocidos y de los clásicos podrá encontrar a Marcia Griffiths como un buen comienzo en esa aventura de descubrir y redescubrir nuevas voces y artistas dentro de un género tan rico y poseedor de “tesoros” ocultos como es el Reggae. Como dato final el disco “Play Me Sweet and Nice” -varió de forma pequeña en tapa y título- fue editado hace ya algunos años por el sello Trojan Records con muchos Bonus Tracks que incluyen varios simples lanzados por Griffiths entre los cuales se encuentran covers de Lennon-McCartney, DeShannon, Ben E. King y hasta del compositor clásico Gershwin.
She & Him: "Volume Two" (2010)
Descubrir o mencionar que muchos grupos contemporáneos miran hacia adelante pero dándose vuelta para observar el camino ya recorrido por otros y tomar de estos, sonidos, texturas y estética no es ninguna novedad. Existen muchas agrupaciones que quieren reproducir hasta el mínimo detalle un sonido de tal o cual época pero con una actitud ya demodé o premeditada en exceso que los hace ver como un pastiche y no aportan demasiado nuevo. Sin embargo, existen otros grupos que no tienen ningún reparo en admitir sus gustos musicales e inclinaciones estéticas andando por el camino del rock y de la vida con la libertad de haberse confesado liberándose de culpa y cargo.
Una de esas bandas es el dúo que integran la bella actriz/cantante Zooey Deschanel y el productor Matt Ward. La primer citada esta dentro de ese grupo de artistas como Jared Leto, Scarlett Johansson o Justin Timberlake por mencionar sólo algunos que intercambian roles dentro de la industria del cine y de la música. Dejamos a libre opinión del lector cual de las dos facetas hacen bien. Sin embargo, Zooey se desenvuelve muy bien dentro de las dos industrias -su último rol fue en el film “500 Días con Ella”- y la podemos apreciar con su dulce voz en el grupo She and Him. La parte masculina -o sea el Him- esta integrada por un gran productor como Ward, que además lo tiene al mando de la guitarra principal dentro de la agrupación y sabe muy bien que su rol dentro del mismo es hacer lucir a Zooey.
Luego de esta pequeña presentación prosigamos con lo mencionado al principio de la reseña, la revisión del pasado. Revisitar los años ya vividos puede ser muchas veces encontrarse con cosas demasiado antiguas, que han perdido el peso o que no se pudieron sostener con el paso del reloj de la vida. Sin embargo, a pesar de que el sonido de She and Him es tan deudor del mejor pop de los años ´50 y ´60 suena muy fresco y actual todo gracias a la gran producción de Ward, a la preciosa voz de Zooey y a la orquesta de fondo que los acompaña. El
Indie -cada vez más vilipendiado porque ahora resulta ser que todo estilo que anda sonando al que se le da una vuelta de tuerca en materia musical es
Indie- sabe apreciar del sonido de guitarras bien moderno pero también recibió siempre con los brazos abiertos la melodía y la delicadeza de arreglos musicales y/o vocales. No por nada el segundo disco de She and Him llamado “Volume Two” -un derrotero de originalidad- fue uno de los mejores álbums dentro del Rock Indie del pasado año. “Volume Two” es un disco que no puede faltar en cualquier discoteca de chica/chico
Indie que aprecie los buenos arreglos vocales y las exquisitas melodías deudoras del pop de los ´60 (Brian Wilson, Phil Spector, Lee Hazlewood, Burt Bacharach, etc) pero arreglados con un sonido que de todas formas suena actual.
Para los que ya habían fichado a este dúo con su primer disco “Volume One”, queda demostrado que todo lo bueno que había en ese trabajo es magnificado en esta segunda entrega. “Volume Two” es una brisa dominical de aire fresco que es la medicina perfecta para desconectarte del mundo real y viajar por un rato a un lugar dulce, inocente y porque no pintoresco. Durante las 14 canciones que acompañan el álbum las letras de Zooey siempre corren bajo la misma, pero efectiva temática, amores utópicos, desencuentros, dudas existenciales, etc. El disco gira de principio a fin en la bandeja y se deja escuchar en su totalidad, ninguna canción está de relleno y esto es un mérito que hay que destacar hoy en día. Incluso todas están arregladas hasta el mínimo detalle como si cada una fuera un corte o vaya a ser lanzada como simple. El primer tema que abre el disco es “Thieves” que ya de entrada nos da todas las razones para caer rendido y entregarnos a ese
Mágico pero no
Misterioso Tour de She and Him. Como resistirse a tan bella melodía envuelta en una letra de desencuentros.
Hay ladrones entre nosotros / Pintando en las paredes / Toda clase de mentiras / Mentiras que yo nunca dije / ¿Qué hay en mi bolsillo? / Tú nunca lo supiste /Nunca me conociste bien / Tan bien como yo a ti
Y yo lo sé / Y tú lo sabes también / Que un amor como el nuestro / Es una noticia pésima / Pero eso no hará que deje de llorar / No, eso no hará que deje de / Llorar por ti
No soy un profeta / El viejo amor está en mí / El nuevo amor se está filtrando / Y me hace culpable / ¿Por qué estás así? / No es nada malo / Te veré algún día / A veces la soledad no resulta triste
Nosotros dos somos los que / Hemos hecho este lío / Dos corazones rotos no laten /
“In The Sun” nos abre ya otro espectro musical, un poco mas festivo, coreable y porque no también bailable, sino busquen el videoclip que tiene a Zooey bailando una coreografía ambientada con una estética sixtie. La misma estética que también es utilizada para su otro corte, “Don´t Look Back”. El cuarto tema, “Ridin in my Car” es un cover de NRBQ que decir que es uno de los highlights del disco es ser redundante porque este galardón también le puede corresponder al siguiente, “Lingering Still”.
Si hacemos una pausa en este relato, llegamos a la conclusión que los arreglos de cuerdas, teclados, coros, etc de Ward están hechos a la perfección, ya que suenan naturales, sutiles, precisos y no pomposos o de relleno. Ward se mantiene a la sombra de Zooey pero ella puede quedarse tranquila que la espalda la tiene más que cubierta. Luego de la balada “Me and You” llega el segundo cover, “Gonna Get Along Without You Now”. El disco prosigue con las parejas “Home”, “I´m Gonna Make it Better” y “Sing” hasta llegar a “Over and Over It Again”, una canción muy al estilo Girl Group de las Ronettes, Shangri-Las, Crystals etc. “Brand New Shoes” es una acogedora y calida balada que nos deja en las puertas de “If You Can´t Sleep”, una canción casi de cuna con ciertos aires navideños. La producción de Ward hace relucir la voz, en este caso etérea de Zooey y los coros de fondo que la acompañan. Cierra el trabajo y ya como Bonus Track otro cover como es “I Can Hear Music” de Phil Spector, que también fue versionado entre otros por los Beach Boys, delimitando el círculo de influencias que tienen los She and Him.
Sin dudas la actriz Zooey Deschanel sale más que bien parada luego de este segundo larga duración y deja en claro que lo que pareció al principio una aventura por demás jugada al formar este grupo y pausar quizás su carrera actoral, deja de serlo para enfilarse como un proyecto serio y no un simple cameo o coqueteo. Hasta el momento la carrera de los She and Him va en constante ascenso y superándose de un trabajo a otro. Nos llevamos con esto el interrogante y abrimos las expectativas de cómo será su próximo disco y cómo trataran de superarse una vez más mirando hacia adelante pero observando con atención el pasado para no dar un paso en falso y pisar sobre seguro.
Roy Orbison: "Black & White Night"
Blanco y negro, dos colores antagónicos. Para nuestra cultura occidental el blanco significa la pureza, la luz y la vida, mientras que el negro es todo lo opuesto, representa lo oculto, lo oscuro y la muerte. Si llevamos estos dos colores a cualquier faceta artística, pintura, fotografía o al cine, le da a la obra cierta profundidad, misterio y crudeza, entre otras cosas que con otros colores no sería quizás tan bien apreciada ni podría causar el impacto que el artista quiso buscar o transmitir. Muchas veces el blanco y negro esta asociado con lo viejo y fuera de moda, sin embargo muchos artistas juegan con esto para darle otra textura a su obra. Entrando ahora sí al ámbito musical, el especial para TV que se filmó en 1988 llamado “Roy Orbison - Black & White Night” donde contaba con la presencia del primer mencionado rodeado por varios músicos-amigos fue grabado íntegramente en blanco y negro. Esto no es un detalle menor, ya que para finales de los ´80 la cadena americana de música MTV pasaba los videos de los artistas de moda, con sus colores chillones y tratando de ser estos lo más “futuristas” posibles. Incluso no esta demás mencionar que durante estos años Roy Orbison resurgió casi del ostracismo para las generaciones más jóvenes al juntarse con Tom Petty, Bob Dylan, George Harrison y Jeff Lyne
-ningún jovencito vale aclarar- para formar parte de los Traveling Wilburys. Los cuales más allá de apuntar a un público ya maduro tenían además de buenos temas, toda la publicidad atrás bancada por la compañía discográfica. Esta banda supo darle el lugar más que merecido y por lejos ganado a Roy Orbison y fue el reconocimiento final que necesitaba su carrera.
Volviendo a “Black & White Night”, quizás se decidió que fuera en blanco y negro, para transportarte imaginariamente o de forma musical hacia un pasado que por obvias razones no se podía volver atrás pero que catapultado por la música de Orbison si estaba muy cerca de hacerlo. Por otra parte,
“The Big O” siempre tuvo ese halo de misterio que conjugaba a la vez con cierta inocencia, romance y drama en su música, potenciado esto quizás por sus grandes gafas negras y su vestir tan parco. El blanco y negro no podrían encajarle mejor a Orbison, no había otros colores, esos eran suyos, no sólo en su música, sino también en su vida personal, sin grises y llena de tragedias como la temprana muerte en un accidente de transito de su primer esposa Claudette
-el tema de su factoría se debe a ella- y la de dos hijos que murieron en el incendio de su casa familiar en Tennesse en 1968.
El especial de TV fue filmado el 30 de Septiembre de 1987 en el Hotel Ambassador de Los Ángeles y transmitido por primera vez en TV el 3 de Enero de 1988, meses antes de la muerte de Orbison en Diciembre de ese mismo año.
A la cita musical se hicieron presentes muchos músicos-amigos de Orbison como Glen Hardin en piano, James Burton en guitarra, Jerry Scheff en bajo y Ronnie Tutt en batería, los cuales eran la banda soporte que acompañó a Elvis Presley desde 1969 hasta su muerte en 1977. Pero los artistas invitados más conocidos fueron Bruce Springsteen (guitarra)
-se encontraba en el pico máximo de reconocimiento y popularidad- , Jackson Browne (coros), Elvis Costello (guitarra acústica y armónica), Tom Waits (órgano eléctrico y guitarra acústica) y J.D. Souther (coros) entre otros. Mientras que el crédito femenino para las vocalistas de fondo fueron Bonnie Raitt, Jennifer Warnes y K.D Lang. Incluso, entre el público presente se puede apreciar a músicos y actores como Billy Idol y Patrick Swayze. De todas maneras, sería injusto no mencionar a T-Bone Burnett que produjo la orquesta de fondo que le da ese aire y esencia justa que llevan las tan delicadas canciones de Orbison. Si hay que destacar a los artistas fuera del excelente Orbison los laureles se los llevan la gran performance de Springsteen
-se lo ve muy a gusto de participar de este homenaje-, Tom Waits
-que sale de su papel de pianista-historiador errante- y el guitarrista líder James Burton.
La lista de temas repasa parte de la discografía de Orbison y obviamente todos sus grandes éxitos como “Only The Lonely”, “Oooby Dooby”, “The Comedians”, “In Dreams”, “Crying”, “Uptown”, “Candyman”, “Mean Woman Blues“, “Down The Line” y “Oh Pretty Woman” entre otros. Justamente esta última canción, quizás la más conocida de Orbison por ser luego la banda de sonido del film “Mujer Bonita”, cuenta con un duelo de solos de Burton y Springsteen que fue nominado a un Grammy a la mejor actuación en vivo.
Por su parte, las canciones “Blue Bayou”, “Claudette” y “Blue Angel” fueron grabadas pero no se incluyeron en la transmisión original en TV. Sin embargo todas estas canciones están incluidas en la versión en DVD.
Por último sólo queda recomendar este buen material que nos brinda Roy Orbison y que por unos minutos nos sacan fuera de la cotidianeidad y nos llevan al pasado, a ver todo en blanco y negro, a poder sentir entre estos dos extremos el sentimiento de la música, el mismo con el cual cantaba Orbison sus canciones.
"Oh Pretty Woman"
"Crying"
"Claudette"
"Only The Lonely"
Manal: "Manal" (1970)
Blues Rioplatense. Esta es la definición exacta que pinta de cuerpo entero la música y el estilo compositivo de Manal, una de las bandas insignia de ese “triangulo” básico de grupos de comienzos de nuestro rock argentino. Sabemos que el Blues como genero musical es único y tuvo su génesis en el Delta del Río Mississippi, sin embargo como cualquier inclinación artística puede mutar mas o menos arraigando tradiciones y/o costumbres según el punto geográfico donde se ejecute esa música. El sonido de Manal era un gran deudor del Blues de Chicago de los ´50, un Blues Urbano, con el que Javier Martínez, baterista y cantante del grupo se sintió identificado, tomando como espejo a los grandes Bluesmen de esa época pero poniendo su sello “argentino” a su música. Este sello del que se hace mención queda de manifiesto en la forma compositiva de Martínez, donde en temas como “Avellaneda Blues” o “Avenida Rivadavia”, además de mencionar explícitamente lugares de Buenos Aires, es una radiografía exacta, casi tanguera y para ser más explícitos porque no también
Discepoliana, del día a día de nuestra sociedad.
A la distancia muchos ponen como virtud principal esta facilidad con la que tenía el grupo para contar historias costumbristas, de barrio y bien nuestras, dentro de una música que para esa época, finales de los ´60, aún se encontraba muy lejana salvo el furor mundial de la Beatlemanía. Sin embargo, no hay que dejar de lado la destreza musical con la que contaban los tres integrantes ya que para ese entonces no había mucha información sobre los grupos extranjeros, su forma de ejecución de los instrumentos y su técnica de grabación. Un mérito más para ellos y para el novel sello grabador Mandioca, que impulso esta incipiente movida dándole el apoyo artístico y económico a unos jóvenes que a su forma querían impulsar un cambio de pensamiento.
La inquietud por parte de Javier Martínez de investigar el sonido de los grandes Bluesmen, se debía a una actitud de exploración y búsqueda de su parte por lograr conseguir el registro vocal como si fuera un negro. Sus técnicas, quizás rudimentarias, de practicar cantando a los gritos para desgarrarse la voz y conseguir el registro exacto surtieron efecto y esto queda demostrado en las grabaciones de sus discos. Sin embargo, el sólo formaba un tercio de Manal, el resto lo completaba Alejandro Medina en el bajo, que ya tenía una experiencia lograda por los circuitos under y por haber grabado un disco con el grupo Beat The Seasons antes de unirse a Manal. Completaba el trío un muy joven Claudio Gabis, que con sólo 17 años ya había conseguido una gran técnica para tocar la guitarra. Mérito que le valió haber sido “prestado” a la primera formación, de corte psicodélico, de Los Abuelos de La Nada, para grabar el simple “Diana Divaga”. Luego Gabis volvería a Manal ya que en su reemplazo y como guitarrista fijo ingreso Pappo a Los Abuelos, pero eso ya es otra historia.
Unas líneas más arriba se mencionó que no existía por estos lados mucha información musical de lo que se venía haciendo tanto en EE.UU como en Inglaterra, los dos grandes mercados musicales, sin embargo, los pocos que contactaban con esa suerte de poder investigar y adquirir material anglosajón explotaban sus conocimientos al máximo marcando la diferencia de inmediato. Esto les sucedió a varios grupos de los ya consagrados y Manal no fue la excepción. Sin ir más lejos, antes de llamarse de esa forma el nombre del grupo era Ricota, una palabra para nada comercial que luego por pedido de Jorge Álvarez del sello Mandioca los obligo a cambiarlo por Manal. Sin embargo, ese nombre repostero fue la respuesta a uno de los grupos de moda de mediados de los ´60 como fue Cream, dejando en claro que Martínez y Cía miraban atentamente lo que sucedía “afuera”. Incluso, otro furor por esos años eran los power-tríos como Cream, Jimi Hendrix Experience etc, y los Manal no quisieron ser la excepción.
El primer disco de Manal, más conocido como el de
La Bomba, se editó en 1970 siendo uno de los últimos dentro de esos primeros grupos que comenzaron a forjar la historia de nuestro rock. Aprovechando el espaldarazo que significo el simple “La Balsa” de Los Gatos, y su primer disco que sirvió para presentar en sociedad esa nueva música de estos inquietos jóvenes, los Manal con su primer Lp deciden dejar de manifiesto que se podía cantar Blues en castellano y no morir en el intento.
El primer tema con el que arranca el disco es “Jugo de Tomate”, bien directo, sostenido por una base firme en la batería de Martínez con sus juegos en los tones, mientras que la guitarra y armónica de Gabis le daban el color necesario al tema. Luego de un comienzo a puro ritmo viene “Porque Hoy Nací” un tema de corte existencialista en su prosa, marcado por una instrumentación oscura y misteriosa sostenida sólo por la voz con efectos guturales de Martínez, una guitarra tirando acordes y el órgano de Gabis. Para “Avenida Rivadavia”, Martínez le deja el lugar de la voz principal a Medina, sin embargo la letra se la debemos al primer citado que en la composición logra unir el Blues con las costumbres bien porteñas. Antes de cerrar la cara A del Lp llega “Todo el Día me Pregunto”, el tema de corte más blusero que tiene el disco y uno de los puntos más fuertes que tiene el álbum.
El lado B del Lp abre con “Avellaneda Blues” un tema con cierto tinte jazzero en su construcción musical y una prosa casi tanguera para retratar una viñeta de corte costumbrista, porteña y callejera.
Vía muerta, calle con asfalto siempre destrozado. / Tren de carga, el humo y el hollín están por todos lados. / Hoy llovió y todavía está nublado.
Sur y aceite, barriles en el barro, galpón abandonado. / Charco sucio, el agua va pudriendo un zapato olvidado. / Un camión interrumpe el triste descampado.
Luz que muere, la fábrica parece un duende de hormigón / y la grúa, su lágrima de carga inclina sobre el dock. / Un amigo duerme cerca de un barco español.
Amanece, la avenida desierta pronto se agitará. / Y los obreros, fumando impacientes, a su trabajo van. / Sur, un trozo de este siglo, barrio industrial.
Otro de los puntos altos del disco es “Una Casa Con Diez Pinos”, que se presenta como una canción con mucha impronta en la voz de Martínez y ejecutada con mucha personalidad y firmeza, separándose de la ortodoxia blusera para coquetear con la construcción roquera de los grupos anglosajones contemporáneos que se animaban a la exploración. Por su parte, la letra hablaba sobre el exilio espiritual en búsqueda de lo natural alejándose de lo material y acercarse a lo simple y primordial. Cierra el trabajo “Informe de un Día”, que al igual que la canción anterior, abre el juego a nuevas texturas musicales tanto instrumentales como vocales. Esta exploración musical, los lleva a que en la mitad del tema se larguen con una jam y distintos solos de cada uno, interpretaciones que empezaban a ser cada vez más habituales dentro de los grupos anglo de moda.
Luego de este disco vendría “El León” de corte más roquero, sin embargo no es casualidad que el disco de
La Bomba se encuentre dentro de los mejores en cualquier enciclopedia de Rock Argentino. Más bien se trata de una causalidad, ya que desde lo musical en su interpretación vocal e instrumental, pasando por la prosa de sus letras hasta llegar a la muy buena grabación del disco
-llevó más de 130 horas de grabación, todo un récord para esos días- hacen que este primer Lp, sea considerado el primer registro de Blues en castellano, y para ser más precisos, Rioplatense.
Suicide: "Suicide" (1977)
Electro Rock y/o Electro Punk son dos estilos musicales que se empezaron a oír de forma más frecuente desde comienzos de siglo y mucho más a partir de ésta nueva década. Estilos que están en boga en los mercados más fuertes de Europa y también de EE.UU cuando decide apartarse de su niño mimado llamado Hip Hop. Esta mezcla de dos corrientes musicales que en su momento podían llegar a ser antagónicas se va acortando cada vez más en la brecha de las diferencias para unificarse y generar una propia movida tomando conceptos, instrumentos y posturas de cada uno de ellos sin renegar uno del otro. Esto obviamente genera no sólo un amalgamiento en cuanto a sonido sino también un acercamiento de diferentes tipos de público que ven con buenos ojos la electrónica pero que también no les resulta indiferente el rock.
Bajo este concepto de unir estilos existen desde hace ya mucho tiempo infinidad de grupos que pueden ir desde The Prodigy, pasando por los franceses Rinocerose o Daft Punk, hasta llegar a los contemporáneos The Kills o Crystal Castles sólo por citar algunos. Sin embargo, esta movida que hoy puede resultar tan moderna o futurista debe mucho al Synth Pop de los ´80 y aún más al Kraut Rock de Alemania (Kraftwerk, NEU, Faust) que bajo su ritmo machacante y reiterativo, crearon una escena y un sonido particular que sirvió de inspiración para muchos grupos futuros de Rock Industrial. Incluso si seguimos yendo al pasado para buscar los comienzos de esa primitiva música “electrónica” podemos encontrar en la década del ´60 grupos como White Noise o Silver Apples que hoy por hoy se los considera de culto por ser uno de los primeros que cambiaron los instrumentos convencionales por osciladores. De todas las bandas que se nombraron, cada una aportó en mayor o menor medida su granito de arena para crear el actual Electro Rock/Punk, sin embargo, uno de los grupos que sin lugar a dudas dejó una gran impronta fueron los Suicide. La banda estaba conformada por sólo dos integrantes -otra similitud con los grupos actuales-, los cuales dejaron de lado los instrumentos convencionales del rock (batería, guitarra) para sólo tener máquinas de ritmo, teclados y efectos vocales -otra coincidencia-, todo esto acompañado de una actitud punk, desafiante y provocativa -otra semejanza aunque hoy por hoy dentro de la industria musical en los grupos contemporáneos esto puede verse como sólo una pose-.
El arreglador Martin Rev y el cantante Alan Vega grabaron su primer Lp en 1977, en plena explosión del Punk siendo incluso -si quiere- más radicales por el concepto de presentarse a tocar una primitiva, oscura y rústica música electrónica cuando todos los grupos que los rodeaban, Ramones, Dead Boys, Johnny Thunders and The Heartbreakers, Blondie, etc. giraban en torno al formato canción. Era tanto el desconcierto que despertaban los Suicide en escena que durante un recital en el cual se presentaban como teloneros de Elvis Costello fueron abucheados arrojándoles sillas y botellas ante la falta de comprensión de una música que se encontraba desubicada o adelantada en su tiempo para la mayoría del público expectante. A todo esto, hay que agregarle el nombre de la agrupación que más allá de que para finales de los ´70 el rock ya había dejado su inocencia y sus pantalones cortos hace rato, causaba cierta urticaria al ser acompañado por la tapa de ese primer disco donde sobre un fondo blanco aparecía el nombre del grupo dibujado en sangre. Sin embargo, sería injusto no reconocer que ese caldo de cultivo que luego se decidió poner bajo el rótulo de Punk Neoyorquino tenía a muchos grupos que se abrieron dentro de la escena artística como Television, Talking Heads y toda la escena No Wave que renegaba de la comercialización de los grupos ya que pensaban que perdían su identidad al enfilarse dentro de la futura nueva niña mimada llamada New Wave.
Los Suicide si en su momento eran un “bicho” difícil de encasillar dentro de una escena cuando lanzaron su primer disco, es fácil ya pensar del rechazo y el poco lugar que tendrían antes de la edición de este ya que venían tocando hace mas de 5 años. Toda la estética y sonido minimalista fueron puestos de manifiesto por los Suicide y generaron con esto su propia revolución Punk. Desde el sonido repetitivo y reiterativo de sus bases musicales, hasta los gritos por momentos eufóricos y los susurros casi prohibidos de Alan Vega, se mezclaban con las actuaciones incendiarias del grupo donde la violencia verbal y física se expresaba de forma directa sobre el escenario y abajo del mismo. Mucho de esto se debía a la poca comprensión por las diferencias musicales que existían entre grupo/público creando una relación amor/odio entre estos, ya que los mismos que los atacaban eran los que querían lo “nuevo” y salirse de lo ya establecido, crear algo innovador y patear el tablero de lo ya dispuesto.
El disco abre con “Ghost Rider” un
electro-psichobilly que influenció a muchas bandas oscuras de los ´80, ya desde el primer tema se puede apreciar el ambiente tenso, oscuro y asfixiante que genera el sonido de los Suicide. Ritmos repetitivos disparados de sus maquinas de percusión, teclados psicodélicos y una voz entre etérea, cruda y primal que acompañada de gritos creaba un ambiente. Esto mencionado queda de manifiesto también en “Rocket USA”. El tercer tema, “Cheree” fue lanzado como simple y se desprende cómo una canción electrónica dulce, casi como el “Sunday Morning” de los Velvet Underground pero prohibido. “Johnny” al igual que “Ghost Rider” tiene una estructura de Rockabilly pero con ritmos electrónicos. Por su parte “Girl” tiene ese halo de prohibido por los gemidos de Vega además de tener un teclado cuyo sonido Farfisa lo vuelven un tema que sacando la parte electrónica podría estar en cualquier banda de los ´60. “Frankie Teardrop” es un tema que tiene un sonido base y arriba Vega casi recita una historia extrema, de una persona que no puede llegar a vivir dignamente por la falta de dinero, trabajo y decide poner fin a la vida de su hijo y esposa asesinándolos de un disparo para terminar con su vida de la misma forma. Todo este relato asfixiante es acompañado de gritos desgarradores por parte de Vega. Si este tema no es demasiado extremo para el final de década de los ´70, nada lo será. El Lp cierra con “Che”, un sonido que recuerda al citado Kraut Rock alemán donde se puede apreciar un chelo y la etérea voz de Vega. Así finaliza un disco prohibido para su época, que pasó casi desapercibido en cuanto a ventas y reconocimiento popular, pero que sin embargo sembró la semilla a los futuros grupos de Rock Industrial o Space Rock entre otros estilos, como así también de los nuevos Electro Rock/Punk.
Por último, más arriba se mencionó de una presentación caótica que tuvieron los Suicide en Bélgica cuando fueron soporte del grupo de Costello. Bien, dicho concierto se encuentra disponible para algún interesado en la reedición doble en formato CD que tuvo el primer disco de los Suicide, donde además de contar con esto trae algunos simples anteriores a la salida del Lp y una actuación en el CBGB de 1977.
5 Discos de Surf Rock que no hay que dejar de tener
El Surf Rock es un estilo musical que se gestó en EE.UU, más precisamente en la Costa Oeste, a principios de los años ´60 y tuvo su época de plenitud hasta mediados de esa década ya que fue apartada de los ranking musicales por nuevos estilos y nuevos grupos que venían en su mayoría desde Inglaterra. El género nació puramente instrumental y se diferencio de otros estilos por el uso del reverb en las guitarras. De a poco surgieron los primeros exponentes del género y se fueron agregando a esa música instrumental -casi de salón- temáticas playeras, surf, olas, chicas, autos Hot Rods etc. Sin embargo, dentro de este género también hubo una pequeña subdivisión ya que están los grupos puramente instrumentales (The Ventures, The Challengers, The Surfaris) y los grupos de surf vocales (Beach Boys, Jan and Dean, The Tornadoes). Muchos de estos grupos son hoy considerados de culto y no son reconocidos popularmente por sus Lp sino que más bien son recordados por algunos simples que lanzaron que aún hoy son considerados clásicos. Otro de los pequeños detalles que redondean el concepto del Surf Rock son el arte de tapa de sus discos. En su gran mayoría se encuentra a la formación del grupo posando con sus instrumentos con distintos paisajes -la mayoría playeros- o son fotografías de surfistas profesionales. De todas formas, en su totalidad tienen un espíritu de inocencia representados ya sea por sus imágenes o conceptos que son muy del género.
The Ventures - "Walk Don´t Run" 1960
The Ventures son una de las bandas mas conocidas dentro del Surf Rock, sin embargo encasillarlos a ellos sólo en este estilo no sería justo ya que se presentan como un combo de rock instrumental no sólo con títulos de canciones playeras. Es mas, ellos ya venían desde finales de los ´50 ejecutando ese rock instrumental que al principio puede estar emparentado con otra gran banda de estilo similar como son The Shadows. Sin embargo, llegan a su primer Lp “Walk Don´t Run” en 1960 de corte 100% instrumental y que por los títulos de los temas todavía estaban bastantes alejados del sol y las olas. Luego con esa incipiente ebullición de grupos californianos también de corte instrumental y algunos grupos vocales se subieron a las tablas y encontraron su lugar. Un grupo instrumental verlo en vivo para muchos puede no ser divertido pero The Ventures siempre ante cada tema tenían alguna especie de pequeña coreografía donde se movían al unísono los guitarristas siguiendo el ritmo de la canción. Hoy a la distancia ellos son vistos como un grupo de culto y son muy reconocidos dentro del mundillo del revival de Garage o Surf Rock que existe en Europa. De esa primera placa con la que comenzaron su largo camino discográfico que aún hoy sigue vigente luego de casi 50 discos!! se destacan el título homónimo al Lp, “Caravan” “Sleep Walk” o “The Switch” entre otros.
Dick Dale & his Del-Tones - "Surfer´s Choice" 1962
Si hay un padrino dentro del Soul como lo puede ser James Brown o un Rey del Rock and Roll como lo es Elvis por sólo citar algunos ejemplos, en el Surf Rock no hay una excepción y esa persona que se lleva los laureles es Dick Dale. Por supuesto no esta a la altura del reconocimiento de los anterior mencionados pero el apodo del “Rey del Surf Rock” no es en vano, muchas de sus canciones se han convertido en clásicos como es “Misirlou” ejecutada por otros grupos de Surf y luego sampleada en esta década por un grupo Pop muy hypeado cuyo aporte musical es escaso. El primer Lp de Dick Dale “Surfer´s Choice” de 1962 fue grabado con su banda de acompañamiento como son los Del-Tones y se destacan además del tema mencionado anteriormente otros clásicos como “Sloop John B” ejecutado mucho después por The Beach Boys, “Surf Beat“, “Let´s Go Trippin”, “Take it Off” o “Misirlou Twist”. El aporte de la guitarra de Dale con sus efectos de reverb dentro del género de Surf Rock sería copiado de manera exacta por varios grupos contemporáneos a él y por varias bandas de revival. Sin lugar a dudas, el estilo y la ejecución de las seis cuerdas de Dale hizo escuela dentro de este género.
The Beach Boys - "Surfin USA" 1963
Hasta la aparición de los Beatles los reyes de la música de comienzos de los ´60 en EE.UU eran sin dudas The Beach Boys, luego con la llegada de los cuatro flequilludos de Liverpool se dio comienzo a una disputa por ser la mejor banda del momento y cada disco editado por cualquiera de ellos tuvo una respuesta del otro lado del Atlántico. Esta contienda tuvo su momento álgido cuando los Beatles sacaron “Revolver” y los Beach Boys “Pet Sounds”, luego de estos cualquiera podía ganar esa batalla. De todas maneras, ya sabiendo del resultado de esa contienda y mucho antes de esto, los Beach Boys a comienzos de la década eran una banda de Surf Rock. No estaban encasillados en el purismo del género, ya que lo de ellos no eran los temas instrumentales sino que decidieron hacer hincapié en la parte vocal. De los tres hermanos Wilson, el único que realmente era surfista era el menor de ellos Dennis Wilson, sin embargo el cerebro de la agrupación era Brian Wilson que luego explotaría su genialidad en discos posteriores con su rol de productor. Además de ellos el grupo lo conformaban el otro hermano, Carl Wilson, un primo, Mike Love, y un amigo de los hermanos, Al Jardine. Las letras al comienzo de la carrera de los Beach Boys no salían mucho de la temática surf, playas, olas, chicas y autos veloces, y para esto sólo basta mencionar que los primeros Lp´s de ellos contenían la palabra Surf en sus títulos, “Surfin Safari”, “Surfin USA” y “Surfer Girl”. Su segundo trabajo quizás tenga uno de los temas más conocidos de ellos en su etapa surfer el cual se titula igual que el disco y que es un gran deudor de las melodías de Chuck Berry. En “Surfin USA” de 1963 la mitad del disco tiene versiones de otros artistas como es el caso de Dick Dale, y originales que llevan la firma de Wilson como “Shut Down”, “Lana”, “Finders Keepers” o “Lonely Sea” que contó con la colaboración de otro “cerebro” del Sunshine Pop como lo fue el subvalorado productor Gary Usher. Por otra parte, y a diferencia de otros grupos, los Beach Boys no mantenían la estética elegante de traje que sí utilizaban los grupos de Surf Rock, sino que ellos optaron por vestirse más en la onda surfer con camisas a rayas.
The Tornadoes - "Bustin´ Surfboards" 1964
Antes que nada vale aclarar que este grupo nada tiene que ver con sus contemporáneos ingleses que son conocidos por el tema “Telstar”. Muy por el contrario, primero porque su nombre tiene una letra de diferencia, segundo la ubicación geográfica y por último el estilo musical. Aclarado esto ya, los Tornadoes fueron uno de los tantos grupos (The Surfaris, The Challengers, The Chantays, The Astronauts, etc) que se subió a ese pequeño tren llamado Surf Rock que tuvo sus quince minutos de fama a comienzos de los ´60. El único Lp de ellos data de 1963 y se llama “Bustin´ Surfboards” el cual arranca con el tema homónimo al disco y que además de ser 100% instrumental le agrega efectos de olas que de inmediato te llevan a ese espíritu playero que quieren transmitir. Muchos pueden conocer este tema por la banda de sonido del film “Pulp Fiction” de Tarantino donde deja en claro sus gustos por esta música, el Soul y toda la Blaxploitation de los años ´70. Volviendo a The Tornadoes, y al igual que otros grupos, también suelen hacer versiones de temas de sus pares como “Malagueña”, pero no sólo se detienen aquí sino que retroceden un par de años hasta los ´50 versionando “Johnny B Goode” de Chuck Berry mostrando lo deudores que son estos grupos de ese primogénito Rock and Roll. Otros temas muy destacables son “Summertime” de Gershwin o “The Gremmie” los cuales tienen un aporte del saxo muy interesante que los diferencia de inmediato con otros grupos contemporáneos. El sonido de The Tornadoes es interesante porque mezcla el purismo del Surf Rock instrumental -“Moon Dawg”, “Shootin´ Beavers”- las baladas de finales de los ´50 -“Old Shep”- y le agregan la parte vocal como algunos grupos de este estilo que empezaban a “jugarse” incluyéndolo en sus discos, saliendo con esto de la ortodoxia del género.
The Trashmen - "Surfin Bird" 1964
Se gestaron a comienzos de los ´60 cuando todavía la “fiebre” Beatle no había explotado aún. Por esa época las radios de la costa Oeste de EE.UU pinchaban los discos de estas bandas que empezaban a abrirse camino con su rock de guitarras y temática playera. Sólo editan un disco con su primera y original formación en 1964 llamado “Surfin Bird” el cual tenía el éxito del tema-título del álbum el cual es un frenético rock instrumental acompañado por expresiones vocales. En un primer momento el tema puede resultar cómico por su estructura pero se lo considera como uno de los clásicos definitivos dentro de este género. Incluso fue utilizado en varias películas, series de TV y fue versionado por otros grupos, casi todos de corte punk ya que muchas de estas bandas se vieron influencias en mayor o menor medida por grupos de Surf Rock. The Trashmen a diferencia de otros grupos de Surf Rock ejecutaba sus instrumentos como si fueran una banda purista del género -instrumental- pero cantaban en muchos de sus temas. Otras canciones que se destacan dentro del Lp son “King of The Surf”, “Misirlou”, “Malagueña” o “Sleeper”. Varias de estas canciones son reinterpretaciones de otros artistas, en muchos casos también de grupos Surf. Esto era algo habitual en los grupos de esta época que solían ejecutar clásicos del genero, es por este motivo que absolutamente todos tienen en sus trabajos los covers de “Misirlou” o “Wipe Out”, dos canciones de referencia habitual dentro del Surf Rock. Luego de este disco y con el advenimiento de la Beatlemanía y la Invasión Británica, The Trashmen y varios otros grupos de Surf empezaron a ceder su espacio.
Ian Dury: "New Boots and Panties!!" (1977)
“Persevera y triunfaras”. Esta es una frase que se puede ajustar en determinados acontecimientos de la vida y dentro de la música no es la excepción a la regla. Cuantos artistas han tenido que batallar y pelear desde abajo para lograr obtener un prestigio y un reconocimiento dentro de la industria y que su legado musical sea perdurable. Ejemplos hay muchos y variados, desde una niñez complicada por abandono, padres autoritarios y opresivos, familia de pocos recursos económicos, problemas de sociabilidad dentro de sus pares, muertes tempranas de familiares y una lista larga lista negativa que puede seguir, pero que en algunos casos tuvo a nuestros protagonistas eludiéndolos y forjando un nuevo destino.
Ian Dury no fue la excepción a esta regla y además de tener una infancia difícil de recursos económicos no demasiado pudientes fue afectado a los 7 años de vida por la poliomielitis, una enfermedad infecciosa que afecta al sistema nervioso y que puede llevar a la parálisis y a la deformidad muscular. A este cóctel de adversidades también hay que sumarle que su reconocimiento musical lo tuvo en una edad ya demasiado madura para el rock, a los 35 años, cuando el común denominador indica que para triunfar en la industria se debe tener un promedio de 20 años. Dury ya había probado suerte con el muy recomendable grupo de Pub Rock Kilburn and The High Roads con el cual edito dos discos pero sin demasiado reconocimiento. Para finales de los ´70 y más precisamente en el año ´77 la explosión punk desterró a los “viejos” grupos de Rock Progresivo apareciendo y encontrando nuevos grupos, nuevas figuras y también nuevos conceptos musicales e ideológicos. El embrión que supieron gestar los nuevos grupos que empezaban a aparecer en la Inglaterra de fines de esos años como The Sex Pistols, The Clash, Damned, Buzzcocks, XTC, Wire y un largo etcétera fue el marco justo para que Ian Dury encontrara su lugar en el mundo.
Todo el mensaje ácido, con vuelta de tuerca que tenía Dury en su prosa, junto con su imagen, su slang de ritmo cockney que lo hacía tan de los suburbios londinenses fue la carta de presentación perfecta para ser recibido por el Punk con los brazos abiertos. La ironía y el doble sentido de las letras de Dury no es un dato superfluo sino todo lo contrario, enaltecía su figura, desde el directo “Wake up and Make Love With Me”, pasando por el luego slogan del rock extraído del titulo “Sex & Drugs & Rock and Roll”, que definió para bien o para mal la trilogía del Rock Star. No hay que dejar afuera a “Hit Me With Your Rhythm Stick” que hacía alusión a un doble juego, fetichista, sexual y sado de
“Pegame con tu Vara del Ritmo”, ¿hace falta más explicación?. De todas formas, no está de más mencionar que en esos efervescentes años ´70 los grupos que fueron al principio catalogados dentro del género Punk fueron encontrando sus propios sonidos diferenciándose unos de otros, por ejemplo la urgencia y el desparpajo de los Pistols, con la experimentación de nuevos sonidos de los Clash, el costado oscuro de The Fall, la New Wave de XTC, hasta llegar a Ian Dury & The Blockheads -su nueva agrupación- donde conjugaba ritmos Funk, Punk, Rockabilly y de Music Hall. El primer Lp llamado “New Boots and Panties” de 1977 es una conjunción de estilos, muchos de ellos bailables, cuyo sonido es muy nítido, definido, y en los cuales además de poder apreciar la voz de Dury que tenía esa mezcla de rebeldía, simpatía y desparpajo encontramos a una selección de músicos de acompañamiento muy respetable. Desde el bajo
funkie de Norman Watt-Roy, pasando por el moog de Geoff Castle hasta llegar al saxo demencial de Davey Payne.
El disco abre con el urgente, bailable y porque no coreable “Wake Up and Make Love With Me”, en el cual Dury se nos presenta pidiéndonos una necesidad física pero que en su voz denota cierto desgano y confianza de que tarde o temprano obtendrá lo que busca de esa mujer. El próximo tema es “Sweet Gene Vincent” cuyo título ya nos indica las influencias de Dury por reconocer a un rockabilly que también se puede enfilar dentro de los marginales de los rockeros de los años ´50. Dury, no elige a las figuras más reconocidas del rock and roll para este homenaje sino que decide titular su canción con un errante y rebelde del rock como Gene Vincent con el cual se siente identificado. El tema al comienzo empieza casi como un lamento y pareciera ser una balada, sin embargo se despacha con un ritmo de corte rockabilly al promediar el minuto. “Im Partial To Your Abracadabra” no genera demasiado entusiasmo pero sí “My Old Man”, donde un ritmo cadencioso y una línea de bajo exquisita llevan la melodía hasta que aparece un saxo libre dándole más cuerpo al tema.
Al principio hablamos de que en el disco había ritmos de Music Hall, bien esto queda demostrado con el tema “Billericay Dickie”, el cual tiene un ritmo de vodevil, porque no también circense que lo convierten en una de las canciones más divertidas del Lp. Con este tema Dury marca la diferencia al instante con los contemporáneos grupos Punk. “Clevor Trevor” también al igual que “My Old Man” se deja escuchar fácilmente y se presenta como una canción tranquila donde el slang cockney de Dury se destaca y la hace llamativa. “If I Was With a Woman” tiene una base de funk, bailable y esta le cede el lugar a “Blockheads”, titulado en honor al grupo de acompañamiento de Dury y el cual es el que está más emparentado con el punk. Sin embargo, el tema deja bien claro que a pesar de los gritos de Dury la banda no era sólo un grupo de tres tonos, sino que podía ir mucho más allá y darle una vuelta de tuerca al Punk. Los dos últimos temas “Plaistow Patricia” y “Blackmail Man” a diferencia del comienzo del álbum se presentan como los más acelerados y viscerales del trabajo, bien Punk pero siempre nos dejan en claro que suenan así porque quieren y no por incapacidad musical. Las sucesivas reediciones del Lp, en este caso en su formato digital hicieron posible que temas como “Sex & Drugs & Rock & Roll” y “Razzle in My Pocket” que habían sido lanzados como simples en su momento pudieran integrar como Bonus Tracks la placa. Desde ya esto se agradece ya que sino nos estaríamos obviando uno de los temas emblemáticos de Dury, el cual siempre se negó a editar en los larga duración temas lanzados anteriormente como simples. Como dato de color, si alguno se pregunta quien es el niño que esta la tapa junto a Dury, la respuesta es que se trata de su hijo llamado Baxter en la cual a mi entender tiene cierto guiño a la imagen de “The Kid”, película de Charles Chaplin.
Luego de este Lp Dury sacaría los años siguientes algunos otros discos recomendables como “Do It Yourself” o “Laughter” el cual contaba con la colaboración de Wilko Johnson de los Dr. Feelgood, sin embargo ninguno estuvo a la altura de “New Boots and Panties”. Los ochentas y noventas casi fueron años de ostracismo en lo musical para Dury, que seguía su lucha contra la Polio, enfermedad que lo había marcado desde niño y que había condicionado a su físico a utilizar prótesis en una de sus piernas. Sin embargo, a pesar de presentársele una vez tras otra un obstáculo, supo abrirse paso y encontrar el reconocimiento merecido luego de batallar tanto hasta que su luz se apagó el 27 de Marzo del 2000.
Jingle Bell Rock
La industria musical siempre se encargó de buscar el rédito económico ante determinados acontecimientos, aniversario de algún artista o disco, álbum tributo, un grandes éxitos luego de alguna separación o muerte, etc. Sin embargo hay una fecha dentro del calendario que siempre se jactó como de buen augurio para la factoría musical, esta se trata de la Navidad. Desde comienzos de la música contemporánea y mucho antes del nacimiento del rock, la industria comenzó a lucrar con las fechas navideñas en pos del rédito económico. De todas maneras, el genio no sale de la lámpara con sólo frotarlo sino que muchas veces hay que saberlo buscar y estos supieron como. Varios y muchos de los grandes cantantes de la historia. grabaron un tema o incluso un disco de concepto navideño. La lista es muy grande pero sólo con mencionar estos nombres, el éxito en las ventas de los discos estaba asegurada. Frank Sinatra, Nat King Cole, Bing Crosby, Tony Bennett, Dean Martin y una larga lista más.
Sin embargo, el reloj de la vida no se detiene y estos cantantes que eran irremplazables terminan cediendo su selecto lugar de intocables a nuevas figuras, solistas o grupos en ascenso por los cambios de la moda. Así empiezan a aparecer nuevos ídolos juveniles, que rápidamente son identificados por la juventud ya que compartían cierta contemporaneidad con ellos hablando el mismo idioma y costumbres, diferenciándolos de inmediato ya que no eran vistos tan demodé como los artistas que escuchaban sus padres. Es por esto que para bien entrados los ´60, editar un Lp de corte navideño era una nueva excusa para seguir vendiendo material de el o los artistas en cuestión. Sin embargo, la industria musical siguió avanzando como así también fueron cambiando los gustos musicales de la juventud, la cual empezó a dejar de lado estos trabajos y no mirarlos con muy buenos ojos.
El disco de villancicos navideños grabado por los artistas de moda fue cada vez más dejado a un lado, aunque siempre en menor o mayor medida pudo subsistir hasta nuestros días. Los cuales al parecer suelen querer volver a reflotar de alguna manera ese nicho de discos que se editaba por estas fechas festivas y que siempre tenía como concepto a la Navidad como motivo principal. Sin ir más lejos, este 2010 se despide con trabajos, en formato de simple, CD o descarga en artistas variados y de renombre como son Coldplay, The Killers o Gorillaz entre otros. Por este motivo, no está de más recordar algunos de esos primeros Lp que marcaron el rumbo dentro de ese género de canciones navideñas que tan vapuleado fue pero que tan bien supo subsistir.
Elvis Presley - "Elvis Christmas Album"
El disco “Elvis Christmas Album” editado a fines de 1957 fue una excusa más para que sus fans consumieran otras canciones de Elvis, sin embargo para las esferas políticas de la sociedad americana significaba un nuevo dolor de cabeza ya que pensaban que una vez más esta música ponía en peligro la moral de la juventud. A ver, que Elvis cantara Rock and Roll ya era bastante urticante para algunos sectores de la sociedad y si ahora encima se disponía a grabar temas del ámbito religioso ya eso era desesperante. De la lista de temas que se incluyen en el Lp, cuatro fueron lanzadas con anterioridad y no tenían nada que ver con el concepto navideño del álbum, pero sí eran de corte religioso. “Peace in The Valley”, “I Believe”, “Take My Hand, Precious Lord” y “It is no Secret” fueron las cuatro pistas. Las otras 8 canciones fueron una muy bella “Silent Night” y “Oh Little Town of Bethlehem”, las cuales fueron grabados de forma tradicional respetando con esto a las canciones originales. De todas maneras, “I´ll Be Home For Christmas” y “Here Comes Santa Claus” a diferencia de las mencionadas anteriormente, rozaron un estilo más R&B que no fue bien visto por semejante “herejía”. Sin embargo, qué decir de las otras 4 canciones restantes, para muchos fueron ofensivas porque Elvis usó el habitual trato sensual que ponía a cada una de sus interpretaciones causando todo un revuelo para una sociedad americana inocente para algunas cosas pero demasiado discriminatoria, autoritaria y persecutoria para otras. Las canciones fueron “Blue Christmas”, “Santa Claus is Back in Town”, “Santa Bring My Baby Back To Me” y “White Christmas”. Sin embargo, los fans del Rey no pensaban como las altas esferas y consumieron el álbum de inmediato. Incluso, hoy a la distancia es un disco totalmente escuchable que soportó dignamente el paso de más de 50 años.
Phil Spector - "A Christmas Gift For You From Phil Spector"
Si tendríamos que elegir un disco “navideño” o de villancicos por sobre todos ese sería sin ninguna duda “Christmas Gift For You From Phil Spector”, un Lp que reunió en 1963 a todo el personal de su propia factoría, incluyendo solistas y grupos vocales femeninos, para recrear clásicos navideños. Así desfilaron The Ronettes, The Crystals, Bob B. Soxx & The Blue Jeans o Darlene Love entre otros. Los cuales interpretaron las versiones de “White Christmas”, “Santa Claus is Coming To Town” o “Sleigh Ride”. Todo esto sostenido con las ampulosas orquestas de fondo tan típicas del sonido
Spectoriano y su famosa “Wall of Sound”. Incluso se dio el lujo de crear una canción de villancicos de su propia producción como fue “Christmas (Baby Please Come Home)” interpretado por Darlene Love. Dada la fama de productor que tenía Spector por esos días era casi un hecho que el disco iba a funcionar, sin embargo, el destino quiso que se viera opacado ya que en la misma fecha de su edición, 22 de Noviembre de 1963, ocurrió el asesinato de John F. Kennedy el cual quedó en la historia de EE.UU como uno de los más tristes de su historia socio-política. La sociedad americana acuso el golpe durante mucho tiempo dadas las circunstancias de cómo se dio el hecho y porque la figura de Kennedy fue una de las más carismáticas dentro de la historia de ese país. Fue tanta la conmoción y el tiempo que se llamó a luto la sociedad, que las emisoras de radio y TV decidieron no emitir canciones navideñas durante las siguientes semanas causando esto un fracaso total para el disco de Spector que no pudo ver como su obra alcanzaba los primeros puestos del ranking. De todas maneras, la historia suele hacer redenciones y también reediciones en su veta musical logrando posicionar a este disco como el único de su género que figura dentro de los mejores álbums de la Historia del Rock. Incluso, para algunos, adelantándose a la idea de discos conceptúales que luego comenzarían a aparecer, sin embargo esto puede abrir el debate ya que es demasiado subjetivo.
Parece que la Navidad y los grupos vocales siempre fueron de la mano, mucho más si se trataba de uno de los grupos pop de los ´60 por excelencia, The Beach Boys. Mucho antes de su obra cumbre, “Pet Sounds”, el inconcluso “Smile” y toda la obsesión por encontrar el sonido y la melodía perfecta por parte de Brian Wilson, los Beach Boys sólo hablaban de surf, chicas y autos en sus letras. Sin embargo, para 1964 deciden abrirse de ésa triada y realizan un disco que no se encuentra dentro de su discografía oficial pero que es ineludible como uno de los discos de rock clásico para la navidad. El Lp se llamó “The Beach Boys Christmas Album” y contenía 5 canciones compuestas por ellos y siete villancicos. Las más sobresalientes del álbum son “Little Saint Nick” y “The Man With All The Toys”, dos temas que fueron lanzados como sencillos. También aquí se encuentra la primer canción en la cual Al Jardine, guitarrista del grupo, puede tener la voz principal relegando a Mike Love y Brian Wilson a los coros. El disco no sólo estuvo producido por Wilson sino también por Dick Reynolds, famoso por ser el arreglador de The Four Freshmen, grupo del cual Brian era fanático. De más esta decir que el que espera encontrarse con unas melodías tipo “Surfin USA” va a quedar decepcionado pero el que este interesado en dar un vuelta de tuerca y escuchar a uno de los mejores grupos vocales de la historia interpretando canciones navideñas y conocer con esto un disco de rarezas, se sentirá a gusto.
The Ventures - "The Ventures´ Christmas Album"
Surf + Nieve en 1965 resultaba una formula impensada, sin embargo Surf Rock + Navidad daría otros resultados. El Surf Rock es un genero que nació puramente instrumental y luego fue adoptando variantes vocales con The Beach Boys o Jan and Dean, pero sin embargo siempre se alimento de sol, playa y olas, estando muy pero muy lejos de Santa Claus, Rudolph - el reno, por si no soy claro- y la nieve. Sin embargo, uno de los grupos más importantes dentro del Surf Rock como fueron The Ventures, se animaron a conjugar villancicos con el sonido surfer. The Ventures cuando realizaron “The Ventures´ Christmas Album” ya venían de varios años de ruedo en la industria musical. Sin embargo para 1965 decidieron despacharse con un disco enteramente dedicado a la Navidad dejando de lado la temática playera. En el Lp se pueden encontrar con la versión Surf de “Jingle Bell Rock”, “Santa Claus is Coming To Town”, “Rudolph, The Red-Nosed Reindeer” o “Frosty The Snowman”, todos clásicos temas de los villancicos navideños. Si no querés escuchar los clásicos temas de navidad donde te aburre la parte vocal, The Ventures te regala esta vuelta de tuerca de esas canciones para las fiestas.
Screaming Lord Sutch: "Lord Sutch and Heavy Friends" (1970)
Rock y Horror, son dos palabras que en algún punto se pueden encontrar. Desde los comienzos de la historia del rock el mismo fue catalogado por sectores ultra conservadores como “la música del diablo”, que corrompía con la imagen y los buenos pensamientos de la juventud. Por estos y otros motivos se empezó a tratar de censurar desde estos sectores sociales, políticos y eclesiásticos a cualquier tipo de expresión que no estuviera dentro de los cánones establecidos. Ejemplos hay muchos y variados, desde que una cámara de TV sólo enfoque de la cintura para arriba a Elvis Presley en pos de no mostrar sus movimientos pélvicos hasta los gimoteos de Little Richard y un sinfín más. No dejemos de lado que el origen del Rock and Roll proviene del Blues, cuyas letras además de contar las plegarias y sueños del afro también hace mención al demonio y vender su alma a él. Claro, para una sociedad americana que aun seguía dividiendo los baños según el color de las personas esta influencia de la música negra dentro de la juventud era más que una amenaza.
De todas maneras volvamos al concepto inicial, el horror y el rock, o mejor dicho la teatralidad y el rock, ya que de eso se trata también, un artista esta brindando con su cuerpo e instrumentos un espectáculo. Esta liberando sus sentimientos y expresiones a través de la música. Uno de los primeros que prendió la mecha del luego denominado Rock Teatral fue el ahora artista de culto Screamin Jay Hawkins que con su simple “I Put a Spell on You” llevó al púber Rock and Roll de mediados de los ´50 a otro nivel. Este tema tiene ese halo de misterio, ritual vudú y cosa prohibida que llamó la atención de algunos jóvenes que empezaron a investigar el verdadero comienzo de esa música que tanto les gustaba. Sin embargo este artista no sólo baso su fama en hacer un tema que hablara sobre
hacer un hechizo en vos, sino también en su imagen ya que en sus presentaciones se vestía como un drácula vudú, portaba calaveras, se colgaba huesos y colmillos y cualquier tipo de objeto necrófilo que se le pudiera cruzar.Esta huella no pasó desapercibida y con el correr de los años la misma hizo mella en algunos próximos artistas como Arthur Brown y toda su pirotecnia, el ocultismo de los primeros Black Sabbath, la teatralidad llevada a su extremo con Alice Cooper hasta finalizar con la estética de cómic de White Zombie. Incluso pueden encontrar muchos artistas más que en mayor o menor medida vieron que el Rock y el Horror pueden convivir sin problemas.
A comienzos de los ´60 en Inglaterra, David Sutch, luego más conocido como Screamin Lord Sutch, también se vio influenciado por esa teatralidad de lo macabro de Jay Hawkins y decidió emprender su propia carrera solista. Los primeros simples de Sutch serían producidos por un por entonces afamado productor de música de Inglaterra llamado Joe Meek, que salvando las distancias podría ser considerado el Phil Spector inglés, por su aporte -en algunos casos subvalorado- a la música de Inglaterra de comienzos de los ´60. No está de mas recordar que a comienzos de esa década en el Reino Unido estaban de moda los grupos instrumentales como The Shadows, The Tornados etc y cantantes que imitaban a Elvis como Billy Fury y Cliff Richard entre otros. Aún faltaban unos años para la Beatlemanía que conquisto el mundo. Joe Meek, entre otros, fue el productor encargado de fabricar música y entre sus filas contó, junto a otros grupos, con Lord Sutch. Los simples de éste en los títulos de sus temas siempre corría la temática del terror o lo macabro como por ejemplo “Murder in The Graveyard”, “She's Fallen In Love With A Monster Man”, “Dracula´s Daughter”, “'Til The Following Night” o el más conocido dentro de su repertorio, “Jack The Ripper”. Justamente el título de este último tema,
Jack el Destripador, fue la imagen que empezó a adoptar en sus presentaciones y con la que se hizo conocido dentro de la escena de rock. Vestido de galera, con capa, portando un hacha, un cuchillo o incluso saliendo de adentro de un ataúd fue la imagen habitual con la que se presentaba en sus shows. De todas maneras, recaer sólo en lo estético no sería justo ya que sus temas eran muy pegadizos y cómicos ya que llevaba el terror a lo bizarro, todo esto sostenido por una muy buena producción por parte de Meek y por la voz aguardentosa de Sutch. Durante buena parte de los ´60, Sutch sólo grabo simples, recordemos que el concepto del Lp -disco de larga duración- se empezó a imponer con fuerza recién cerca del ´67, ya que hasta ese entonces el álbum era visto como un compilado de simples. Sin embargo, llega a su primer Lp recién en 1970 con el álbum llamado “Lord Sutch and Heavy Friends”.
De todas maneras,
esa pequeña ayudita de mis amigos -como cantaba Ringo- no se trataba de la colaboración de cualquier hijo de vecino sino de gente muy importante dentro de la escena de rock contemporánea. Repasemos, Jimmy Page y John Bonham (Led Zeppelin) en la guitarra y batería, Noel Redding (Jimi Hendrix Experience) en el bajo, Jeff Beck en guitarra, Nicky Hopkins en piano y la lista sigue. Por si todo esto fuera poco, Page, además fue el productor del álbum. La colaboración de estos músicos en el Lp de un artista que hoy a la distancia es de culto no se trató de mera casualidad ya que varios de los que se nombró en esa lista fueron compañeros de él como sesionistas cuando se desempeñaban como tal bajo la producción de Joe Meek, para hacer de soporte dentro de la grabación de temas. Incluso, también supo codearse con Ritchie Blackmore, futuro Deep Purple, ya que este también en sus comienzos era un músico de sesión.
El Lp comienza bien arriba, con el rock gamberro de “Wailing Sounds” que si uno lo escucha detenidamente puede apreciar al instante la producción de Page, ya que huele muy a
Zepp el uso de las guitarras y la estructura de la canción en si misma. Sigue con “Cause I Love You”, un riff muy parecido a “All Day and All of The Night” de The Kinks, sin embargo esto no le quita mérito ya que no defrauda para nada si queres tener una buena dosis de rock. “Flashing Lights”, por su parte, tiene un ritmo muy pegadizo hasta bailable impulsado por un estribillo reiterativo y un arreglo de guitarra muy interesante, todo esto encumbrado una vez más por la producción de Page. “Gutty Guitar”, producida por Sutch, se encuentra a medio camino, se nota al instante que falta pulirlo. “Would You Believe” tiene algunos destellos de Psicodelia en su estructura de rock mientras que “Smoke and Fire” tiene un arreglo vocal y una estructura rítmica muy similar a Sabbath, recordemos que para el año de la edición de este Lp, el Hard Rock de Zeppelin, Sabbath y Deep Purple estaba en la punta de la lanza. Llegando a la segunda mitad del disco los temas siguientes son puramente de rock con mas Hard o mas Roll según corresponda en cada caso, así van pasando “Thumping Beat”, “Union Jack Car”, “One For You, Baby” o “L-O-N-D-O-N”. El final esta reservado para “Baby, Come Back” otro guiño a los Kinks y su “You Really Got Me”, en este caso capitaneado por la voz ronca de Sutch y su pedido entre desesperado y furioso de
Nena Volvé.
Sin embargo -el que avisa no traiciona- el que esté interesado en encontrarse con un Screaming Lord Sutch haciendo alarde de su lírica e imaginería macabra, de terror y de cine clase B va a sentirse defraudado. En este Lp Sutch deja por un instante esa representación de
Jack el Destripador con la cual supo ganar su incipiente fama para vestirse sólo como un excéntrico músico de principios de los ´70. Esto queda más que en evidencia en la portada del Lp. De todas maneras, la apariencia de aristocrático del rock no le dura demasiado y decide retomar su personaje de
Jack en su segundo larga duración también con invitados de la talla del primero. Luego de esto vendrían más discos pero de menor relevancia o reversiones de temas antiguos, presentaciones en programas de TV en una suerte de revival de los ´60, postulaciones políticas hasta que llega el final de sus días el 16 de Junio de 1999 al tomar la decisión de suicidarse por continuas depresiones. ¿Cómo fue su final? La ironía del destino hizo que fuera ahorcado, justo él… que tanto jugaba en sus shows con las decapitaciones.
Riff: "Contenidos" (1982)
Los dos grandes mercados de la industria musical como son EE.UU. e Inglaterra tienen sus varios y bien diferenciados “Héroes de la Guitarra”, como son Jimi Hendrix, B.B King, Duane Allman y Stevie Ray Vaughan por el lado americano o Eric Clapton, Jimmy Page, Keith Richards y Pete Townshend por el lado inglés. Hagamos una pausa, esto es sólo una lista arrojada de apuro, faltan aún muchos más, no quiero despertar susceptibilidades. Sin embargo, si llevamos esta sana competencia de
guitar heroes a nuestro ámbito nacional, sin lugar a dudas hay una figura vernácula que le saca varios cuerpos de ventaja a cualquier otro compatriota, me estoy refiriendo a Pappo.
Su grandeza en las seis cuerdas no sólo se debe a su muy buena técnica en la ejecución de su instrumento sino también por la figura que acompañaba ese buen desempeño en la guitarra. Me estoy refiriendo a su personalidad, su impronta, esa imagen de hombre rudo, reacio, malo pero que en el fondo guardaba un espíritu infantil, barrial y familiar. De todas maneras, hagamos un parate a esta descripción ya que la siguiente entrada no se trata sólo de Pappo o de Pappo´s Blues sino de su otro grupo de mayor relevancia, Riff. Decir que un solo grupo marcó el puntapié inicial de un estilo algunas veces puede ser muy exagerado, pero en este caso Riff fue el grupo que abrió el juego para las futuras bandas Heavy de nuestro rock argentino. A la distancia, el sonido de Riff puede no sonar tan pesado como otras bandas posteriores dentro del rock argentino, sea V8 o Hermetica pero hasta esa época, comienzos de los ´80 -aún gobernados por botas militares- Pappo y Cía fueron los encargados de ser los más radicales y furiosos dentro del rock nacional.
De todas maneras, ser el primer exponente de un estilo no garantiza ser considerado bueno, esto se gana con buenas canciones, una buena estética y un mensaje que capte la atención del público. Tres ítems que Riff supo tener, ya que la imagen, con sus camperas y pantalones de cuero o sus cadenas y tachas marcaron la diferencia de forma inmediata con todos sus contemporáneos. De todas maneras, esto no surge por propia inspiración sino por el reciente viaje que había tenido Pappo a Inglaterra escapándose de cierta monotonía que le había causado su anterior grupo, Pappo´s Blues, la cual se puede apreciar en los últimos trabajos de menor relevancia. De regreso en Argentina y luego de haberse empapado con la segunda ola de Hard Rock Británico vuelve con la idea de formar un grupo de similares características en su país, no sólo en lo musical sino también en lo estético. No está demás recordar que las noticias, a diferencia de estos tiempos, no eran contadas en tiempo real, y para muestra basta un botón ya que el Punk a principios de los ´80 ya había mutado en otros estilos y en Argentina todavía aún se seguía escuchando Rock Progresivo. Parte de este atraso musical sirvió para que Riff sea considerado una brisa de aire fresco para nuestro rock ya que marcó la diferencia de inmediato.
Para esta aventura musical Pappo se rodeó de Vitico Bericiartúa, antiguo rockero que supo estar en algunos grupos de los ´70 y que esconde un pasado incluso en una banda Beat como lo fue La Joven Guardia, de Boff Serafine en la guitarra y Michel Peyronel -el más joven del grupo- en la batería. Sin embargo Pappo no quería lidiar más con la imagen de líder de grupo y sólo quería abocarse a tocar la guitarra, y para eso ubica a Juan García Haymmes en la voz principal. De todas maneras, la historia y el público se encargaron de poner las cosas en su lugar ya que Haymmes no contó con el visto bueno de la gente en las primeras presentaciones del grupo ya que ellos querían ver y escuchar a Pappo, el cual tuvo que una vez más adueñarse del micrófono. A partir de esto Riff se convierte en un cuarteto.
Comentar un disco de Riff y no hablar de sus presentaciones sería como ver una película y perderse el final ya que a medida que iban ganando en audiencia también iba en aumento el mal comportamiento del público, atentando esto contra la banda ya que comenzaba a no ser bien vista porque en sus recitales siempre se desataba la violencia. Una vez más, no está de más indicar que los tres primeros discos de Riff, “Ruedas de Metal”, “Macadam 3,2,1,0” y “Contenidos” salieron durante los últimos años de un gobierno militar que estaba perdiendo poder, que dejaba en evidencia sus muy malos manejos políticos -Guerra de Malvinas- pero que aún todavía infringía a la sociedad cierto temor. Los recitales o festivales siempre fueron el ámbito de reunión de esa resistencia, marcados por una contracultura que tenía muchas cosas por decir pero que eran callados. Parte de esa resistencia contenida explotó -quizás por haber entendido mal el mensaje- en algunos recitales de Riff, volviéndose incluso totalmente negativa ya que se empezó a rivalizar a los grupos nacionales entre sí.
Utilicemos de hilo conductor el título del tercer Lp, “Contenidos”, para graficar y hacer referencia al clima social que se vivía en 1982 año en que se edita el álbum. De los tres primeros trabajos de Riff es el que mejor ventas tuvo y el que aumentó su popularidad y convocatoria. Todo esto a raíz de varios temas que luego serían considerados clásicos dentro de su repertorio como son “Susy Cadillac”, “Pantalla del Mundo Nuevo” o “Mal Romance”. El disco es presentado en el Festival B.A. Rock en las canchas de Rugby de Obras Sanitarias donde participaron varios grupos más dejando como registro un Lp y una película de ese acontecimiento. Volvamos a “Contenidos”, el mismo arranca bien al frente -como se espera de Riff- con “Susy Cadillac”, tema que marca de forma directa los principios básicos del grupo: coches, chicas y diversión. El próximo es “Mal Romance”, un tema también muy directo, sin vueltas o rodeos en el cual nos habla de una mala relación amorosa cuyo ritmo es un rock, ninguna balada de golpe bajo, vamos es Riff, ¿que esperaban?. Siguen con “Hoy No Hago Nada”, una oda a la fiaca mientras que por el contrario, el mensaje de “Lo Que Quieras Hacer” nos dice que las decisiones debemos tomarlas por uno mismo. “Pantalla del Mundo Nuevo” es un tema con un mensaje casi apocalíptico, que habla sobre un futuro tenebroso pero que si miramos entre líneas representaba fielmente lo que pasaba socialmente por esos años. Este, como otros temas, son los que sirven para mostrarnos que Pappo más allá de ser un gran guitarrista, fue de forma injusta muy subvalorado en sus letras. Luego el disco sigue con “Fuera de Mí” y “Héroes del Asfalto”, otro tema que menciona el amor por la ruta y los “fierros”, como así también “Duro Invierno” que repasa el espíritu errante de los metaleros que caminan por una senda casi de la incomprensión por parte de la sociedad. Los últimos temas son “Maquinación” que retoma el mensaje de alienación de “Pantalla del Mundo Nuevo” y “Tiempo Distante” que no aporta demasiado al Lp.
Luego de la edición de “Contenidos”, Riff seguiría presentándose ganando cada vez más adeptos al igual que cosechaban cada vez más actos de violencia en sus recitales hasta el desenlace de esta primera y original formación en 1984. Por último y un detalle para nada menor, más allá que Riff haya sido el puntapié inicial del Hard Rock o Heavy Metal nacional, no hay que serle indiferente al sentido de identidad que despertó este grupo en un sector de la sociedad siempre oprimido, como lo es la clase trabajadora y barrial, convirtiéndolos en los héroes de esa juventud que se sintió identificada y que vió en ellos un grupo que los representaba.
Volviendo a Millie Small, que la habíamos mencionado una líneas más arriba, no existió otra artista femenina que pudiera ser considerada como el estandarte de ese sexo dentro del Reggae hasta la llegada de Marcia Griffiths. Muchos se podrán preguntar quien es esta tal Griffiths, bien ella integró junto con Rita Marley y Judy Mowatt el conjunto vocal I-Threes, grupo que fue el acompañamiento de Bob Marley en sus discos durante mediados de la década del ´70 y en sus giras internacionales. Hasta acá tiene un curriculum bastante interesante, pero su carrera no comenzó solo con Marley sino que antes ya había integrado junto a otro Bob, en este caso de apellido Andy, el dúo Bob & Marcia que tuvo cierta repercusión dentro de Kingston por su Lp “Young, Gifted and Black”.
La cara B del disco abre con “Here I am Baby” cuya línea de bajo va llevando el pulso del tema. Para mediados de los ´70 uno de los ritmos más influyentes que provenían desde EE.UU era el Funk y la pequeña isla del Caribe no fue la excepción y esto queda de manifiesto en “Everything I Own” de David Gates. Un tema de base Funk sostenido -una vez más y van…- por el bajo y los coros de fondo que le daban una textura que no tenía nada que envidiarle a cualquier grupo Funk de los EE.UU. Otro cover que aparece casi promediando el final del disco es “Play Me” del cantautor Neil Diamond. Cierra el Lp “Children At Play”, un tema también con cierto toque Funk, con un bajo bien “gomoso” que podría estar en cualquier buen disco de Sly & The Family Stone.
