Las discriminaciones de raza, religión y de genero siempre existieron en todos los ámbitos y el rock no fue indiferente a estos hechos. Si mencionamos de forma puntual el relego que el hombre concedió al rol de la mujer dentro de la sociedad, quitándole derechos, privilegios y adjudicándole sólo ciertas funciones -no vamos a entrar en detalles cuales- dentro del rock también tuvieron que convivir con cierta mirada de reojo y zozobra por parte del sexo masculino. Sin embargo, paralelamente que la mujer iba ganando terreno dentro de la sociedad adjudicándose y “ganando” nuevas funciones que hasta ese momento no existía dentro de la idiosincrasia general, también así lo fueron haciendo dentro de ámbitos estrictamente dominados por los hombres. Uno de ellos es la música rock, el cual siempre es bien visto que sea ejecutado por hombres y se mira con cierto desdén cuando una mujer se sube al escenario. Sin embargo, para muestra basta un botón y existen infinidad de ejemplos de mujeres dentro del rock que supieron ganarse su lugar en la historia como Janis Joplin, Joan Baez, Joni Mitchell, Aretha Franklin, Nina Simone y tantas otras. Hasta ahora bien, sólo mencionamos cantantes solistas, de todas maneras también existieron infinidad de grupos comandados por mujeres cuando la mayoría de la agrupación era del sexo masculino, repasemos Blondie, Siouxie and The Banshees, Fairport Convention, Jefferson Airplane y tantos más. Sin embargo, la nota a continuación hace un repaso de algunos de los tantos grupos que estaban compuestos en su totalidad por mujeres haciéndoseles una tarea para nada fácil el destacarse dentro de un mundo dominado por el sector masculino y como si fuera poco en un ámbito que al comienzo de su historia también estaba integrado sólo por los hombres.


The Runaways

Malcolm McLaren, manager de The Sex Pistols tuvo con ellos su “gran estafa del rock and roll”, sin embargo Kim Fowley con The Runaways tuvo la suya -salvando las distancias y el concepto- en su veta femenina. Aún hoy muchos ven a The Runaways como un grupo “prefabricado”, sin embargo la idea de conquistar el mundo de la música en un grupo integrado solo por mujeres era una propuesta muy jugada y revolucionaria en un ámbito donde la figura masculina era el común denominador. Fowley armo un aparato marketinero alrededor de unas chicas adolescentes vestidas de cuero y las convirtió en estrellas de rock, haciendo mucho hincapié -parte de su estrategia de venta- en la imagen de ellas. Para esto juntó a una casi quinceañera Cherry Currie, luego apodada “Cherry Bomb”, también título del tema más conocido de este grupo, el cual jugaba en su letra con el doble sentido de una nena de papá y mamá que de repente se convierte en una pequeña bomba sexual. Currie tenía la apariencia de una niña pero debajo de esa imagen naif convivía un demonio interior el cual se traslucía con su actitud provocativa y sexual que supo explotar por su forma de vestir y sus movimientos sobre el escenario. La otra figura relevante del grupo fue Joan Jett, la cual era la más rockera de todas por su forma de ejecutar su instrumento, la pose y su forma de ver el grupo -ella nunca considero esto como una banda prefabricada- convirtiéndola en la verdadera alma de la agrupación. El conjunto se completaba con otras tres chicas que no desentonaban pero las más llamativas eran las anteriormente mencionadas. La vida de The Runaways fue escasa, solo duro unos años, pero supo colarse dentro de la explosión punk por su sonido y su imagen desafiante y provocadora ubicándose dentro de la reseña de este estilo en la historia del rock. Sin embargo, su formación musical era más deudora de las melodías Hard Rock que del Punk. Por su parte, Fowley supo “vender” al grupo dentro del mercado Europeo y el Nippon, constituyendo en este último un verdadero boom de ventas ubicándose en el tercer lugar de ventas de productos musicales importados, solo aventajados por Led Zeppelin y Kiss. La formación original sólo editó dos Lps “The Runaways” y “Queens Of Noise”, hasta la partida de Currie por problemas psicológicos y de adicción. El grupo siguió con Joan Jett en la voz principal hasta su disolución de la cual se formaron varios grupos como The Blackhearts o The Bangles entre los mas reconocidos. Mas allá que The Runaways siempre corra con el concepto de grupo “armado”, no hay que quitarle el merito a sus integrantes ya que ejecutaban sus instrumentos ellas y lograron realizar trabajos muy dignos.


The Slits

El punk fue quizás el estilo que mejor supo aceptar las diferencias de géneros abriéndole la puerta de la igualdad de derechos al sexo femenino. Incluso estilos y sub-estilos posteriores siguieron llevando en alto la bandera de la integridad de las mujeres dentro del rock. Esto se puede vislumbrar de forma clara en grupos como Blondie, Plasmatics, Siouxie and The Banshees o X-Ray Spex, que contaban con integrantes femeninas dentro de ellos y que además como si fuera poco incluso eran sus líderes y voz principal. Sin embargo, un grupo netamente formado por mujeres fueron The Slits que con su disco “Cut” de 1979 se encuentran en una posición de culto dentro de la escena punk inglesa. Al comienzo de su carrera, y en plena explosión del punk, The Slits sonaba muy primal, rústico y no tenía grandes motivos para destacarse, sin embargo con el correr de los años y cambios en su formación fueron adoptando y recreando otros estilos abriendo su panorama compositivo. Con la salida de Palmolive, baterista original de la agrupación, y el futuro ingreso de Budgie, más tarde integrante de los Banshees, las canciones logran tener otro aire y no el sonido machacante y monótono de sus primeros temas. Esta apertura de sonidos hace que el grupo abrace con fervor ritmos Afro junto con un gran interés por el Dub y el Reggae. De todas maneras, estos estilos no ocultaban el verdadero contenido del mensaje directo que conllevaban sus letras. Varias de las canciones suponen un punto de inflexión y un corte de manga importante a los roles impuestos a las mujeres hasta ese entonces, sin caer en la simple propaganda feminista, haciendo sólo uso de la ironía. La banda conjugaba unos ritmos festivos con armonías discordantes apoyados en la voz con gorjeos casi indescifrables de la alemana Ari Up. Por otra parte, la portada de su debut, también fue motivo de polémica, ya que las mostraba como unas Amazonas, llenas de barro y sólo tapando sus partes púdicas con unos pedazos de tela. Hoy a la distancia, la impronta y el legado que dejaron ellas fue muy importante dentro de la movida del Do It Yourself y abrieron el camino de la igualdad femenina dentro de la jungla dominada por el sexo masculino a machetazos, cual Amazonas.


The Shaggs

Si Frank Zappa y Kurt Cobain en respectivas entrevistas dijeron que tal disco es uno de los mejores de la historia uno puede pensar en muchos trabajos pero sin embargo, nadie pero absolutamente nadie, va a pensar en un grupo de hermanas que formaron una banda llamada The Shaggs y que en realidad es uno de los peores discos de la historia. Sabemos que muchas veces los artistas durante sus entrevistas dicen muchas cosas para llamar la atención y para reírse del entrevistador o también por el revuelo que puede llegar a causar sus dichos a futuro, sin embargo con esto engañaron a muchos ilusos que fueron en pos de encontrarse con poco menos que el cáliz sagrado en forma de Lp. Todo lo contrario, el disco es realmente muy malo, tanto en ejecución de sus instrumentos como en armonías vocales, sin embargo gracias a las declaraciones anteriores es hoy visto como un álbum de culto, sólo para fetichistas y coleccionistas. Como si todo esto fuera poco, la historia de cómo se grabo el Lp no es para nada despreciable y hasta puede llegar a ser ridícula o bizarra. Todo comienza con Austin Wiggin, un trabajador del estado de New Hampshire que en su juventud tuvo la predicción de una bruja que le dijo a su madre “Tu hijo se casará con una mujer pelirroja, tendrá dos hijos antes de que mueras y sus hijas formarán un famoso grupo musical”. Las dos primeras predicciones se cumplieron a rajatabla y ¿que hizo nuestro antihéroe? Hacer que sus hijas formen un grupo que los lleve a la fama y les salve su economía para siempre. Sin embargo -pequeño detalle- no sabían cantar, no eran lindas (la tapa lo demuestra) y no sabían ejecutar ni una sola nota. Sin embargo, Austin no se iba a rendir tan fácilmente y les compró instrumentos, contrató a una profesora de canto y como si fuera poco pagó para que grabaran el disco “Philosophy of The World” de 1969. La repercusión que tuvo el Lp fue escasa y/o nula, lo que causo la disolución del grupo y la rotura del sueño que tuvo Austin de consagrar a sus hijas. El disco suena muy primitivo, sin el menor arreglo de los instrumentos y con ninguna armonía vocal. De todas maneras, hoy ya corrió demasiada agua bajo el puente y ya muy pocas cosas nos puedan llamar la atención, pero a principios de la década del ´70 sonar así era muy de avanzada, y no estaba ni cerca de los cánones de la música de ese momento, lástima que esto no fue intencional sino por sus propias limitaciones.


The Liverbirds

Cuatro integrantes, peinados con flequillo y que provienen de Liverpool, ¿de quien estamos hablando?. Hasta ahora de The Beatles, pero ¿y si le agregamos que sus integrantes son todas mujeres?, la respuesta se nos complica un poco hasta que mencionamos a The Liverbirds, un combo que provenía de esa portuaria ciudad inglesa pero que muy a diferencia de la mayoría de todos los conjuntos de comienzos de los ´60, estaba conformado por integrantes femeninas. Esto no es un detalle menor ya que en aquellos días, las chicas como mucho cantaban, pero rara vez se atrevían a formar una banda y ejecutar sus propios instrumentos.
The Liverbirds se formaron en 1963 y un año después debutaron en The Cavern, ¿les suena este lugar?, pero esto no es todo en su comparación con The Beatles, ellas también fueron a probar suerte y a foguearse a Alemania, más precisamente a Hamburgo al igual que ellos. Allí en el Star Club de Hamburgo empezaron a tocar el r&b de Chicago que tan de moda estaba en Londres. Sin embargo, en su Liverpool natal no eran consideradas ni tenidas en cuenta, por lo que decidieron radicarse en Alemania hasta el final de su carrera. El primer Lp de The Liverbirds salió a la luz en 1965 y se llamó “Star Club Show, Vol. 4”, ya que el mismo se grabó en directo y las mostraba bien crudas y enérgicas, basando su repertorio con versiones de standards de r&b y rock and roll, pero con escasos temas propios. Sin embargo, a medida que iban mejorando instrumentalmente también lo iban haciendo con sus propias composiciones. Esto desencadenó en la grabación de un segundo Lp, “More Of The Liverbirds” de 1966 que se nos regala temas con una veta más pop como “He´s Something Else” pero sin perder la esencia de r&b que las caracterizaba. El grupo fue y es un digno competidor de cualquier banda del Mersey Beat de principios de los ´60, sin embargo hoy son una banda de culto ya que no se encuentran ni siquiera dentro de las menciones de los grupos ingleses de esa década, y además les juega en contra el prejuicio que les genera ser un grupo sólo de chicas. Por el contrario, y para hacer un poco de justicia, actualmente se ha editado un recopilatorio en CD llamado “From Merseyside To Hamburg”, que reúne todas las grabaciones realizadas por ellas que vale la pena investigar.


L7 - Babes in Toyland

A principios de la década de los ´90, en EE.UU. se formo un movimiento musical feminista llamado Riot Grrrl creado por mujeres. Sin embargo, adjudicar la creación de este genero al mero hecho de que fue formado por grupos integrados en su totalidad o mayoría por mujeres es restarle importancia a la impronta y huella que dejaron para un sector muchas veces oprimido. Es que tuvo un concepto, muchas veces intelectual, otras veces más combativo, para representar y/o defender los derechos femeninos como así también luchar por la aceptación de parejas del mismo sexo. Las letras no sólo estaban centradas en el machismo que puede haber en todos los ámbitos, sino que también hablaban sobre la finalización de los estereotipos propios de la mujer tradicional, todo ello apoyado en la música y en multitud de fanzines donde se propagaban todas estas ideas. En cuanto al estilo musical, este movimiento abrazó los conceptos de la filosofía punk y el Do It Yourself, y se mezcló dentro del grunge que reinó durante los primeros años de los ´90 en EE.UU. Algunas de las bandas mas representantes de este genero son L7, Babes in Toyland, Bratmobile, Bikini Kill, etc. Las L7 se formaron durante la alternativa década de los ´80 en EE.UU., más precisamente en Los Angeles y supieron colarse dentro de esa escena para luego junto con otras bandas similares a ellas formar una propia que representara a las mujeres dentro del rock. Como dato histórico, la revista Rolling Stone eligió su segundo disco de 1992, “Bricks Are Heavy”, como uno de los 150 álbumes indispensables para entender la década de los 90. Otro de los grupos representativos de este estilo fueron las ya mencionadas Babes in Toyland, que en sus comienzos y aun sin llamarse de ésa manera, se encontraba una muy joven Courtney Love. Como dato para los coleccionistas, existe una grabación muy temprana de Love con esta primera formación en formato de Mini Lp. Sin embargo, ya es sabido y conocido el temperamento que tiene ella decidiendo luego de algunas peleas internas alejarse de la banda y formar otra agrupación llamada Hole. Las otras integrantes siguen con el proyecto cambiando su nombre por el que conocemos grabando más adelante varios discos, pero quizás el más reconocido sea el tercer larga duración llamado “Fontanelle” de 1992. Hoy el movimiento Riot Grrrl aún se encuentra vigente, quizás no con la explosión contenida que fue a comienzos de los ´90, pero todavía existen bandas que siguen luchando por la igualdad de género y de derechos.

Sumo: "Divididos Por La Felicidad" (1985)

“Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver”, esta frase supuestamente atribuida al malogrado actor James Dean, se puede ajustar a muchos ejemplos de seres que se entregaron a la vida dejando cuerpo y alma en ello. Vivieron todo de forma acelerada y a pasos agigantados, muchos incluso fueron una bisagra y torcieron lo que se venía realizando -cada uno en su ámbito- hasta ese momento. Dentro del rock existen muchos ejemplos, pero en este caso vamos a mencionar una figura que allá por los años ´80 marco a fuego a toda una generación y que aún hoy lo sigue haciendo en generaciones futuras, nos referimos al italiano más argentino que supimos tener, Luca Prodan.

Muchos podrán decir -con fundamentos lógicos- que la figura de alguien que ya no se encuentra entre los vivos y que desparece en su momento más álgido se magnifica aún más, llevándolo en algunos casos a la posición de semi-dios. Por supuesto, alimenta más el mito una figura que se marcha en el puntal de su carrera siendo aún joven, que alguien ya retirado de la escena y con varios años encima. Sin embargo, más allá de esto hay que ser justos y reconocer que Luca ya sea por su impronta, imagen, prosa en sus letras, y tantas otras cosas más fue el principal estandarte de pegarle una patada al tablero de todo lo que se venia haciendo en materia musical en la Argentina a principios de los ´80. Repasemos, en EE.UU. y el Reino Unido el Rock Sinfónico ya era parte del pasado y era considerado música para “dinosaurios”, y a comienzos de esta década el punk ya había nacido, explotado y… ¿muerto?, y a su vez éste había mutado a la New Wave y Post Punk. Incluso paralelamente estaba el New Romantic, el Synth Pop y tantos otros estilos más. Sin embargo, por nuestras pampas, aún seguíamos escuchando el Rock Progresivo.

De todas maneras, no hay que ser indiferente a lo que nos estaba sucediendo como país en materia político y social, que redujo drásticamente la edición de nuestra industria musical, ya sea por exilios, censura o persecuciones. De todas formas, en el Under se estaba formando un caldo de cultivo, impulsado por varios grupos, entre ellos Sumo que tuvieron por consecuencia de la Guerra de Malvinas un gran espaldarazo al prohibirse la reproducción radial de música en inglés y la consecuente difusión de nuestra música desde el folklore hasta el rock. Más allá de este “apoyo” que tuvieron los grupos nacionales, sería muy injusto menospreciar el impulso de cambio que significo Sumo como grupo dentro de la historia del rock argentino por el sólo hecho de la difusión de música nacional.


Empecemos, Luca se escapó de Inglaterra, dejando atrás sus estudios y el infierno que estaba viviendo por la adicción a la Heroína, pero trajo consigo un bagaje musical muy importante como mochila ya que había estado en Londres durante la gestación del Punk y el futuro Post Punk. Antes de su instalación definitiva en Buenos Aires y mucho antes de la formación de Sumo, supo recalar en las Sierras de Córdoba que sirvieron como un bálsamo liberador. Un detalle para nada menor de esa liberación de Luca es que el era un extranjero y veía todo bajo una mirada objetiva y no tenía ningún reparo -escudado quizás por no pertenecer a nuestra tierra- en decir las cosas de la forma más cruda y con un dejo de ironía-humor que de a poco iban alimentado su figura.

Unos párrafos más arriba dijimos que él quizás era el italiano más argentino que tuvimos y esto queda avalado por el cariño y amor que profesaba de forma tácita hacia nuestro lunfardo. Sentía, reconocía y vivía situaciones o palabras como propias, incluso sin saber demasiado bien lo que significaban. Muchas veces, Luca retrató y pintó en forma de canción situaciones cotidianas como si hubiera nacido aquí y fuera más argentino que el Tango y el Obelisco juntos, tocando las fibras más intimas de todos y asombrándonos hoy a la distancia como supo retratar un cuadro típico de la poesía costumbrista nacional como es “Mañana en el Abasto”, entre otras canciones. Luca salió del paradigma de la estrella de rock que estaba establecido, rompiendo los moldes también con su imagen e impronta. Hoy ver a alguien con la cabeza rapada no le llama la atención a nadie, incluso es visto como “cool”, sin embargo hasta ese momento nadie en su sano juicio hubiera pensado en raparse la cabeza. Con esto Luca sabía que iba a romper los moldes establecidos pero también deja en claro la aceptación personal de él ante la caída de su cabello, y esto no es un detalle menor, ya que lo muestra totalmente liberado y despojado de cualquier tendencia, acercándose con esto y con su ideología, al denominado chabón de barrio.

Ahora sí, hablando propiamente del primer disco oficial de Sumo, recordemos que antes habían sacado un casete de distribución en sus shows que fue “Corpiños en la Madrugada”, debemos decir que fue el primer álbum de Post Punk en la Argentina. En “Divididos Por La Felicidad”, Luca reproduce todo lo aprendido en Inglaterra, desde el Punk, el Post Punk y el Reggae, un estilo que por primera vez era abordado de forma seria, con autoridad y autenticidad por un grupo nacional. Todo en este disco es innovador, desde la temática hasta el tratamiento rítmico y la voz, urgente, inmediata y desaforada de Luca -magnificada por el uso de una cámara de eco a cinta- cantando en un perfecto inglés y en un castellano imperfecto que lo retrata de cuerpo entero y convierte esta falencia o defecto en una marca de fábrica. Sin embargo, sería injusto sólo resaltar la figura de Prodan, ya que también se encuentra un saxo demente, totalmente libre y sin riendas comandado por Roberto Pettinato, la precisión rítmica de Alberto “Superman” Troglio en los parches y de Diego Arnedo en bajo, mientras que Ricardo Mollo y Germán Daffunchio proporcionaban el brillo necesario con sus guitarras a cada tema.

El álbum comienza con la primer canción compuesta por Luca en castellano, “La Rubia Tarada” (cuyo título original era “Una Noche en New York City”, dedicada en desaprobación a la discoteca del mismo nombre). El ritmo disco que tiene la canción es el instrumento exacto para ironizar a las discotecas y su ambiente frívolo, de plástico y “careta”. Unas breves frases cantadas además de Luca por Geniol -el mimo/clown que hacía sus performances en el medio de los shows de Sumo- definen una situación, con su respectivo ambiente, encuentro y desenlace.


“La rubia tarada, bronceada, aburrida / me dice "Por qué te pelaste?" / Y yo "Por el asco que da tu sociedad. / Por el pelo de hoy ¿cuánto gastaste?" / Un pseudo punkito, con el acento finito / quiere hacer el chico malo. / Tuerce la boca, se arregla el pelito, / se toma un trago y vuelve a Belgrano”.


Luca sabía captar el pulso de la sociedad a pesar de provenir de otro país y retrata una escena y una rivalidad constante de la sociedad entre los llamados “chetos”, con la gente más humilde y trabajadora en la frase:


“Basta! Me voy, rumbo a la puerta / y después al boliche a la esquina / a tomar una ginebra con gente despierta. / Esta si que es Argentina!”


El otro tema en castellano tiene letra del Indio Solari. Esta historia viene de una vez que Luca fue con Pettinato a un ensayo de Los Redondos y encontró esta letra que describe con dramatismo, una situación limite, carnal y visceral que es atemporal pero que también puede retratar una época nefasta de nuestra historia.


“Una mujer, una mujer atrás, / una mujer atrás de un vidrio empañado. / Pero no, mejor no hablar de ciertas cosas. / No, mejor no hablar de ciertas cosas”.


Es una letra muy directa a contramano de la prosa que habitualmente utiliza Solari, pero sin embargo encierra muchos aspectos psicológicos.


“Un tornado, un tornado, un tornado... / Un tornado arrasó a mi ciudad y a mí jardín primitivo. / Un tornado arrasó a tu ciudad y a tu jardín primitivo. / Pero no, mejor no hablar de ciertas cosas / no, mejor no hablar de ciertas cosas”.

Antes dijimos que este Lp de Sumo es la primer huella del Post Punk en Argentina, sin embargo recaer en ese estilo sólo sería menospreciar al trabajo y no entender para nada su concepto de mente abierta que transmitió Luca. El Reggae con temas como “Regtest”, “El Reggae de Paz y Amor” y “Kaya”, junto con “No Acabes” -el cual muestra bases del Dub- eran dos estilos que provenían de Jamaica pero que eran muy bien vistos y aceptados dentro de la gestación y explosión punk inglesa de la cual Luca supo captar con atención de sus días en Londres. Por su parte, el tema homónimo al trabajo es un homenaje explícito a Joy Division, grupo del cual Prodan siempre mostró admiración como así también por su cantante Ian Curtis. “Mula Plateada” es todo un avance dentro del rock argentino por sus claras influencias de ritmos étnicos de varias regiones mundiales, cuando incluso en la música anglosajona la World Music aún era una novedad.“Debede” es otra esquirla más de estilos variados que conviven dentro del álbum, tiene una base Funk, con mezcla de New Wave, cuya letra en inglés retrata una vez más la movida nocturna de la discoteca y su superficialidad, utilizando al final de la canción una palabra muy nuestra, de esas que tanto le gustaban pronunciar a Luca y que dicha por su imperfecto castellano suena simpática. Por último “No Duermas Mas” con su ritmo de marcha deja entrever cierto folklore latino en contraposición de su lírica en inglés.

Sumo, sin proponérselo produjo un quiebre en la música y en la historia del rock argentino dentro de un país que venía de muchos años de botas militares, una guerra sin sentido y daba sus primeros bostezos luego de un largo sueño con el despertar de la primavera democrática y tuvo a Luca como uno de los tantos grandes maestros de ceremonia que tuvo el rock argentino en los ´80.

Siempre nuestros ojos u oídos tienden a observar o escuchar lo que proviene de la música anglosajona, con énfasis en los dos mercados más importantes, EE.UU. y el Reino Unido. A veces miramos nuestro propio ombligo, al observar lo que proviene -en cuenta gotas- desde nuestro país, pero en muy pocas oportunidades nos detenemos a tratar de revisar lo que sucede en otros países en cuanto a lo musical. Uno de esos mercados siempre interesantes, como tantos otros, es el francés.

De todas maneras, como puede suceder con la música anglosajona, la música francesa no profesa un solo estilo en particular sino que muy por el contrario, se va moviendo de acuerdo al contexto social y cultural en el que nace o se forma cada grupo. Sin embargo, lo que marca siempre la diferencia en ellos es el charming típico que logran conseguir en sus canciones, en parte obtenido por el encanto y el romanticismo que tiene el acento de su lengua. Con esto anteriormente mencionado dejamos en claro que no es lo mismo Jacques Brel que los contemporáneos Phoenix, aunque todos provengan del país galo.

Sin embargo, cada país tiene su héroe en singular o plural y en este caso Francia no es esquivo a esto teniendo como referente básico al príncipe oscuro, el poeta maldito, Serge Gainsbourg. Se lo considera a la distancia un genio y provocador ya que supo enfrentarse a los tabúes tanto de la industria musical como a la de la sociedad. Uno de esos tantos quiebres en los límites fue cuando grabó su canción más reconocida “Je T´aime… Moi Non Plus”, la cual tuvo la colaboración de la femme fattal Brigitte Bardot realizando sonidos que simulaban un orgasmo femenino. Sin embargo, Bardot ya tenía toda una imagen ganada para mediados de los ´60 y decidió que no se editara este tema con su voz ya que temía que perjudicara su carrera, teniendo que ser lanzada la misma con los gemidos de Jane Birkin la cual en un futuro cercano sería pareja de Gainsbourg. Al momento de salir, la canción ya causo revuelo al ser considerada como pornográfica, llegando incluso “esta ofensa” hasta los pasillos del Vaticano. Estas roturas de límites más allá de lo musical también iban de la mano en la “pose” que tenía Gainsbourg.

La imagen de señorito aristocrático que tenía en sus comienzos fue convirtiéndose paulatinamente a la de casi un ermitaño, despeinado, desarreglado y con barba de algunos días. Sin embargo, esta imagen muy al contrario del denominador común lo que causó fue alimentar cada vez más su misterio e impronta. Incluso, esta fama fue en constante crecimiento por los affaires que tuvo entre otras con las mujeres citadas anteriormente. Fue desde la imagen, hasta lo cosechado musicalmente, la gran venganza de los feos ya que al comienzo de su carrera y ya en la puerta de su trigésimo aniversario de vida era la burla de la crítica hasta los comienzos de la denominada música Yé-Yé con la supo abrirse camino a la fama. A principios de los ´70 comenzaría una época fructífera en su carrera grabando varios discos de corte conceptual, entre los cuales se encuentra su obra máxima, “Histoire de Melody Nelson” de 1971.

Un poco más arriba habíamos hablado de su constante intento de provocación y este Lp tiene como argumento una historia delicada y controvertida como es la relación entre un hombre ya entrado en años, con una joven que acababa de dejar la pubertad. El morbo que pueda llegar a despertar el tema de La Lolita no es algo nuevo ya que años antes el mismo también se puso sobre el tapete con el film de Stanley Kubrick, sin embargo la diferencia que tenía éste con la historia de Gainsbourg es que el disco rozaba sospechosamente lo autobiográfico.

El Lp sigue un hilo conductor que va entrelazando cada uno de los temas relatando una historia que comienza con nuestro protagonista masculino, el cual conduce su automóvil por una carretera hasta que de repente este atropella a alguien. Al bajarse del coche ve que se trata de una joven llamada Melody Nelson que sólo sufrió algunas contusiones pero se encuentra bien. Nuestro protagonista la levanta en sus brazos desencadenando de forma instantánea un amor desenfrenado e intenso. Melody va aprendiendo lo que es el amor en una especie de lujuria entre onírica y psicodélica en la habitación de un hotel representado en una especie de ¡¿museo de arte?!. Sin embargo lo que intenta representar Gainsbourg con esto es que la belleza de la joven se puede comparar con las grandes obras artísticas. Esto deja en claro que a partir de ahí más allá de convertirse ella en su musa, la relación termina siendo obsesiva, enfermiza y porque no, retorcida también. Luego de varias canciones que representan el acto sexual que mantienen los protagonistas, la historia llega a su punto final de una manera radical, cruda y extrema. El avión en el que Melody viajaba, sola sin acompañamiento de su pareja masculina, se estrella en la Selva desapareciendo para siempre de la vida de Gainsbourg, arrebatándole y truncándole la existencia a una joven que recién empezaba a vivirla, pero por sobretodo poniendo fin a la relación de amor-obsesión que tenía nuestro protagonista al esfumársele su joven razón de vivir como si hubiera sido solo un sueño. En las biografías que se pueden leer sobre Gainsbourg comparan la historia fantástica de Melody Nelson con la relación por momentos ideal, mientras que en otros tantos tortuosa que supo tener con Jane Birkin.

Muchos discos sirven para crear climas, sin embargo otros necesitan ser escuchados bajo un determinado clímax, sino perderían su verdadera esencia y encanto. “Histoire de Melody Nelson” es uno de ésos álbumes prohibidos que no es para ser escuchado en cualquier circunstancia, incluso sin saber la verdadera historia que encierra cada una de sus estrofas. Letras personales convertidas en canciones de lujuria, sueños, deseos y obsesión, todo esto encumbrado por el acento francés de Gainsbourg que nos impulsa nuestro libido. Mención aparte hay que hacer con respecto a la portada del álbum, el cual tiene a Jane Birkin descalza, con el torso desnudo y tapándose sólo con un muñeco, el cual sirve para graficar el morbo masculino por excelencia de la imagen de la nena pura e inocente, con curiosidad por conocer lo prohibido dejando atrás la pubertad.

Sin lugar a dudas este Lp no es un disco de fácil ingreso al mundo de la música del país marsellés, sin embargo si es visto y escuchado desde una óptica individualista e intimista es un verdadero viaje de ida que sirve para recorrer las diferentes sensaciones y estados de ánimo de cada oyente convirtiéndolo en un verdadero infaltable.

El término Madchester debe su nombre en primer lugar a razones geográficas debido a que las bandas de este estilo surgían de esa ciudad inglesa y segundo porque le dieron una vuelta de tuerca al cambiar una letra convirtiéndola en “loco” a esa mezcla de estilos que fusionaba el rock de guitarras con la psicodelia de los ´60 -y sus respectivos trips- junto con la incipiente música House que estaba naciendo de las fiestas electrónicas a finales de los ´80 y principios de los ´90.


The Stone Roses - "The Stone Roses" 1989

Los Stone Roses tenían todo para conquistar el mundo, canciones cancheras, arrogantes, mucha personalidad, juventud y una larga lista de etcéteras. Sin embargo, el éxito tempranero, la impericia del sello discográfico y la necesidad urgente por parte de la prensa británica de descubrir a la “gran banda nueva” que represente a Inglaterra ante el mundo, hizo que la carrera de ellos durara sólo dos discos oficiales. Este disco debut de 1989 representa de manera muy fiel a esa movida que se denomino Madchester. Este Lp marcó el camino a seguir para muchos grupos posteriores, incluso con más ventas de discos que los Stone Roses, pero que aún así son muy deudores de la apertura musical y de estilos que inciaron estos. Toda esa generación de grupos que luego se denomino Brit Pop, no sería la misma si no fuera por el aporte que significo este álbum. La arrogancia, una impronta bien marcada y la descontracturada pose que tenía tanto Ian Brown como los otros integrantes arriba del escenario, sirvieron para gestar la futura escena del Reino Unido en los ´90 que enorgulleciera a los ingleses como así lo fue en los ´60 con la denominada British Invasion. Para demostrar esto el álbum arranca bien auspicioso con “I Wanna Be Adored”, el cual además de ser my explícito en su lírica en el deseo por la adoración, marca el pulso de todo el disco. En el Lp se mezcla el pop psicodélico y lisérgico de los ´60, con el folk de guitarras muy allá The Byrds con ritmos bailables como “She Bangs The Drums” o “Elephant Stone”, la pequeña rave de 9 minutos que se va formando en la jam final de “I Am The Resurrection” o también la funk-psicodélica de “Folls Gold”. La figura de Ian Brown quizas sea la cara más llamativa de los Stone Roses, sin embargo el disco no hubiera sido ni la mitad parte de bueno sino fuera por la guitarra de John Squire con sus precisos arreglos en los momentos correctos y esa forma de tocar que tan bien se complementaba con la voz líder de Brown. Sin las seis cuerdas de Squire nos perderíamos de preciosos temas como “Waterfall”, “Shoot Down” o “This is The One” sólo por mencionar algunos.

Happy Mondays - "Pills n´ Thrills and Bellyaches" 1990

El nombre de la banda ya dice todo, ¿quien en su sano juicio puede pensar en Lunes Felices? Bien, los Happy Mondays ya con esta declaración en forma de nombre de grupo dejan en claro que lo de ellos no tiene golpes bajos, de reflexión o concientización social. Todo lo contrario ellos aportarían todo el desenfreno, diversión y baile que se le puede pedir a la movida madchesteriana. Sin duda alguna, ellos junto con los Stone Roses, fueron la punta de lanza de este estilo con la diferencia que los Happy Mondays tenían ritmos más bailables, más cercanos a la venidera música House que también se estaba gestando en el club The Hacienda en Manchester a principios de los ´90 en Inglaterra. Ellos son de todos los grupos que surgieron de esta ciudad inglesa, los que están más emparentados con las futuras raves electrónicas y uno de los que mejor pudieron hacer la conexión entre el rock y la electrónica. No por nada, su tercer larga duración “Pills n´ Thrills and Bellyaches”, cuya traducción es “Píldoras, emociones y dolores de Estomago”, fue producido entre otros por el Dj de música electrónica Paul Oakenfold. Volviendo al tema del título, el mismo no es menos importante si se tiene en cuenta que a la par de la gestación de toda la cultura rave también empezaba a cambiar el mercado y consumo de las nuevas drogas de moda como en este caso fueron las pastillas de éxtasis. Bajo todo éste coctel de estupefacientes y rock bailable se grabo este disco que es el más reconocido dentro de la discografía del grupo. El Lp ya arranca bien arriba con “Kinky Afro” y nos pone a mover las caderas con su ritmo bailable, mientras que en “God´s Cop” la base y el groove que se crea comandado por la voz de Shaun Ryder no nos deja aflojar y relajar. Así el disco va pasando entre una mezcla de rock de guitarras, psicodelia, funk, soul, conjugandose cada uno de ellos y no teniendo miedo a romper barreras y encasillarse en un estilo en particular. Entre esta mixtura de estilos se encuentra el groove lisérgico de “Loose Fit”, el funk y soul para blancos de “Dennis and Louis”, el mantra bailable entre percusiones y flautas de “Bob Yer´s Uncle” o la electrónica en clave Holligan de “Step On” y “Holiday”. Así se hace más divertido comenzar los lunes con Ryder y los suyos como background musical.


Inspiral Carpets - "Life" 1990

El triangulo de grupos importantes del sonido Madchester se cierra con los Inspiral Carpets y su primer disco “Life” de 1990. Con este larga duración se dan a conocer sobresaliendo de éste álbum varios temas como “This is How it Feels”, que arranca ya con el infeccioso teclado y una marchosa base de batería que lo vuelven adictivo. Esta canción empieza a girar de forma constante en las radios y logra posicionarse en el puesto N° 2 del chart inglés. Con este tema y durante todo el disco se puede apreciar que los Inspiral Carpets además de hacer hincapié en la parte musical del Lp existía un gran respeto por las letras, de corte más social, como en este caso en el cual retratan la tensa relación en la vida cotidiana de una familia con sus hijos, todo esto edulcorado bajo una melodía pop. Otros temas que sobresalen en este Lp son “She Comes in The Fall” o “Real Thing” en los cuales existe una base comandada por el órgano Hammond que recuerda mucho a los grupos de rock de los ´60. En el álbum también se encuentran temas de corte más introspectivo como “Move” o “Sun Don´t Shine”, el cual retrata de forma muy fiel el espíritu opresivo en el cual se encontraba la juventud obrera e industrial de Manchester a comienzos de ésa década, también amalgamado por una melodía muy dulce. Los Inspiral Carpets se diferenciaban de sus contemporáneos porque no sonaban tan bailables como los Happy Mondays, ni tan lisérgicos o ensoñados como los Stone Roses, por el contrario se mostraban más directos y porque no también más agresivos o rockeros que sus pares. En sus canciones no había tanto groove o climax como en los demás grupos pero a base de canciones rock con letras de corte más social o desilusiones amorosas, supieron ubicarse en los primeros lugares de los charts. Los Inspiral Carpets editarían más discos después de éste, sin embargo ninguno pudo lograr alcanzar el éxito que cosecharon con “Life” obligándolos a separarse en 1994.


The Charlatans UK - "Some Friendly" 1990

Los Charlatans fueron el grupo que mejor pudo sortear los embates del tiempo y no morir sólo dentro de la movida Madchester. Esto es tan así que aún hoy, 20 años después de este primer larga duración la banda comandada por Tim Burgess, se encuentra vigente y con disco nuevo en el mercado. Incluso los Charlatans luego de que la prensa inglesa presentara el certificado de defuncion a la movida madchesteriana, supieron colarse detrás de la aparición de nuevos grupos que conformaron el Brit Pop, la nueva niña mimada de los tabloides ingleses. Llevar mas de veinte años de carrera no es fácil para ningún grupo y ellos no fueron la excepción ya que su discografía puede ser considerada como irregular en cuanto a calidad. De todas maneras, “Some Friendly” de 1990, formo parte de esos tres o cuatro años en los cuales la esperanza inglesa estaba puesta en la ciudad obrera de Manchester y en la movida que se estaba generando en ella. El hit inmediato del Lp que los hizo escalar posiciones en el ranking fue “The Only One I Know” el cual conjuga el rock de guitarras con ritmos bailables comandados por una voz casi cansina y ensoñada, muy típico de los ritmos madchesterianos. Luego de este tema el álbum cuenta con otras canciones interesantes como “White Shirt” o “Sproston Green” que también tienen una veta bailable en sus ritmos. Hay temas más introspectivos como “Opportunity”, “109 pt2” o “Flower”, que siendo justos hacen trastabillar un poco el tono y el espíritu del disco, tornándose un poco irregular y sin demasiado brillo. Quizás los Charlatans supieron tener mejores trabajos posteriores pero, más allá de esto, tanto la voz de Burgess, como los ritmos bailables que aparecen en el Lp sirven para redondear y definir el sonido Madchester. Muchos podrán decir que son una copia de menor calidad de los Stone Roses, de todas maneras cuando el disco hace pie en algunos temas pueden competir con ellos de una forma más que digna.


EMF - "Schubert Dip" 1991

Los EMF fueron los One Hit Wonders de la escena de principios de los 90 en Inglaterra a fuerza de su caballito de batalla llamado “Unbeliavable”. Sin embargo el disco “Schubert Dip” de 1991 transita por ritmos similares a esta canción pero no pudieron salir de la espiral que se formo con su canción más reconocida a nivel mundial. A los EMF se los emparenta siempre a un ritmo más dance y a una estética más juvenil -esto queda más que evidente en su forma de vestir y peinados- que a los grupos de Manchester y a la movida que se genero en esta ciudad. Sin embargo en sus raíces electrónicas, rock de guitarras, sampleos y varios etcéteras se le puede encontrar cierta conexión con los Happy Mondays. El Lp siempre se encuentra bien arriba en cuanto a lo musical y es apto para cualquier pista de baile, desde el hit “Unbelievable”, “I Believe” o “Children”, mientras que temas como “Long Summer Days” o “Lies” bajan el desenfreno bailable. El álbum de los EMF esta muy lejos de ser una bisagra en lo musical, sin embargo aporta un granito de arena más para poder entender un estilo que fue concebido de la gestación entre el rock y la electrónica. La vida del grupo no sería de una muy larga duración, sólo editaron dos discos más después de éste, pero “Schubert Dip” fue la piedra fundacional de ellos y la carta de presentación que tuvieron para darse a conocer. Para muchos los EMF no están dentro de la movida madchesteriana, y eso puede ser correcto si se los observa desde una mirada más ortodoxa, sin embargo atrás de los nombres más reconocidos de éste estilo, en una segunda línea aparecen los EMF, The Soup Dragons, The Mock Turtles, The Farm y varios más que le dieron, cada uno a su manera, forma a la música de fondo del Reino Unido de principios de los ´90. Como apostilla, no está demás marcar como curiosidad que los EMF pudieron llegar a tener -salvando las distancias- una banda muy influenciada por ellos en la Argentina como lo fue Martes Menta, banda comandada por Ariel Minimal mucho antes de Pez y de su paso por Los Fabulosos Cadillacs.

Los discos en vivo siempre son observados de reojo y con cierto prejuicio dentro del catalogo o discografía de los artistas. Esas radiografías de una o varias noches en uno o distintos lugares llevadas al formato de disco despiertan un debate que tiene en una esquina a los defensores de captar las actuaciones en vivo obteniendo esa “magia” e inmediatez, mientras que en el otro rincón se encuentran los puristas que defienden a rajatabla el pulido y la mezcla perfecta que proporciona el estudio de grabación. Bien, fuera de esta disputa hay que ser justos y decir que ni uno ni el otro tienen la verdad absoluta ya que a ambos se les puede rescatar que tienen cosas positivas que en el otro pueden ser negativas y viceversa.

Siendo mas claros, muchos ven a los discos en vivo como la forma más fácil que tiene un artista para sacar un trabajo cuando la compañía discográfica lo esta “apretando” para editar algo nuevo. También muchas veces se corre con el prejuicio de haber escuchado tantas veces la versión en estudio de un tema que cuando escuchamos el “vivo” no termina de convencernos demasiado. Sin embargo, los trabajos que captan la actuación en directo de un artista o grupo nos transmiten y nos llevan a vivir ese recital como si estuviéramos ahí, o muchas veces incluso de revivir momentos o sensaciones del mismo, si es que contamos con la suerte de haber estado durante dicha actuación. Esto, por obvias razones nunca se puede obtener con el disco de estudio. Esta cierta “desprolijidad” o crudeza que tienen los discos en vivo pueden dejar a un grupo muy mal parado si no logran captar las sensaciones de esa noche cuando se convierta en disco o por el contrario, pueden elevarlos aún más que en sus trabajos de estudio ya que los captan en su esencia natural, sin efectos de estudio o retoques.

Existen muchos Lp que captaron actuaciones en vivo y algunos son un gran fiasco mientras que otros son la gloria dentro de la discografía de esos grupos. Esta última mención calza como un traje a medida para los Dr. Feelgood, un grupo que suele encasillarse dentro de la pequeña movida denominada Pub Rock, que rescataba la inmediatez del rock and roll y el r&b de los primeros ´50 y ´60, siendo la contracara del Rock Progresivo con todas sus pompas y arreglos sinfónicos que reinaba durante mediados de los ´70.

Los Dr. Feelgood, que rescatan su nombre de la jerga interna que se usaba para los adictos a la heroína y de los médicos que prescriben drogas a sus pacientes, antes de llegar a editar “Stupidity” en 1976, tenían tras de si dos Lp editados del más puro y desenfadado r&b. El realizar un disco en vivo no fue una decisión fácil para la compañía discográfica ya que ellos querían un tercer trabajo con temas nuevos que continuara la senda de buenas canciones que tenían los dos anteriores. Sin embargo, Wilco Johnson el cerebro, principal compositor y guitarrista del grupo había proporcionado gran cantidad de sus composiciones para los dos primeros editados en un único año, 1975, teniendo con esto escasos nuevos temas. La solución inmediata y más gratificante para el público fue entonces editar un Lp que captara la actuación del grupo donde mejor se movía, el escenario, y la decisión no pudo ser más acertada ya que “Stupidity” es considerado el mejor disco de la banda -alcanzando el puesto N° 1 en el Reino Unido- y uno de los mejores “En Vivo” de la historia del rock.

“Stupidity” no capta la actuación del grupo en una sola noche, sino que es el trabajo final de una serie de conciertos que dio la banda durante su gira por distintos lugares de Inglaterra como Sheffield, Southend o Aylesbury, en 1975.
Sin embargo, el disco esta hecho de tal forma que parece continuar una línea y nos crea la ilusión de ser un único recital y su propia captación en directo. El grupo interpreta de forma intensa el más puro r&b de sus propias composiciones como en las versiones de temas de Chuck Berry, Rufus Thomas o Sonny Boy Williamson entre otros.

Haciendo un paréntesis en cuanto a lo musical, sería injusto no valorar y apreciar a los Dr Feelgood por su estética visual y entrega durante los shows. Cuando hablamos de estética musical no me refiero a las escenografías, ya que ellos no contaban con esto ni estaba en sus planes hacerlo tampoco, sino la entrega y el show que brindaban los cuatro en escena. Wilco Johnson parecía estar enchufado a 220 saltando de aquí para allá con su guitarra la cual muchas veces la empuñaba como si fuera una ametralladora, jugando con el público a que les disparaba con la misma. También se encontraba la base bien ruda y sostenida, de John Martin alias “The Big Figure” en los parches de la batería aporreando la misma y John Sparks en el bajo el cual se vestía de traje y un peinado con rulos que nos traía la imagen más de un Mario Bros porno que la de un rockero. A la base firme que sostenían estos dos hay que agregarle el alma del grupo que era la figura de Lee Brilleaux que además de interpretar como nadie los temas de r&b, representaba en su filosofía de vida la imagen del rockero por excelencia. Todo era en extremo, desde los excesos musicales, pasando por los alcohólicos, hasta llegar a la máxima entrega y arrojo en el escenario, cantando y actuando como si cada concierto fuera el último.

El disco, ya desde el comienzo arranca con todo con el tema “I´m Talking About You” un tema de Chuck Berry más emparentado con las primeras versiones de The Rolling Stones que con el primer mencionado. El disco sigue con el contagioso ritmo de “20 Yards Behind” comandado por la armónica de Lee Brilleaux, luego viene “Stupidity” el tema homónimo al disco, el cual es un cover de Solomon Burke y así van sucediéndose uno tras otro, una versión tras otra de temas como “I´m a Man” de Bo Diddley, “Walking The Dog” de Rufus Thomas o “Checking Up On My Baby” de Sonny Boy Williamson. Mientras que dentro de los temas de la factoría del grupo se encuentran “All Through The City”, “She Does It Right”, “Going Back Home” -para los interesados les indico que existe un DVD del mismo nombre que retrata varios de estos shows-, “Back in The Night” o “Roxette”, todas creaciones de Wilco Johnson. El disco es una radiografía de esos shows llenos de sudor, crudeza, rabia y la más pura entrega. Incluso gracias a la interpretación de estos temas el álbum se muestra como el más fiel representante de la virilidad masculina, enalteciendo la figura de música para machos rudos y logra que el disco transpire por sus surcos alcohol, olor a tabaco, humedad de ambiente y calor humano.

El Lp es el espíritu más puro del rock, mostrando ese desenfado con el cual fue concebido, exhibiendo todos los excesos del mismo pero presentándose de la forma más transparente y cristalina hacia el público, bien directos y sin rodeos. Por estos motivos y muchos más que incluso no pueden describirse con palabras son los que hacen a “Stupidity” una fiel muestra de que los discos de actuaciones en directo sirven para captar y catapultar a los grupos en su estado más primal, el vivo. Como apostilla queda agregar que se encuentra editada una versión en CD que trae además de estos temas, varios Bonus Tracks de esas actuaciones en directo como el tema “Riot In Cell Block N° 9” que no es para nada despreciable, junto con otras actuaciones en vivo de años posteriores.

Detrás de esta foto inocente, la cual pareciera retratar casi a un grupo de “nerds” estudiantiles, se encuentra uno de los guitarristas mas influyentes dentro de la historia del rock y el motor de uno de los tríos mas reconocidos mundialmente. Me estoy refiriendo a ese muchacho con camisa celeste que se encuentra agachado. Si aún no pudieron adivinar a quien me estoy refiriendo -ya que la verdad esta casi irreconocible- les alivio el dolor de cabeza y les cuento que se trata de Andy Summers, futuro guitarrista de The Police.

Se conoce bien toda la carrera y consagración que logro Summers junto a Sting y Copeland con el trío The Police a finales de los ´70 y principios de los ´80, sin embargo la historia de este pequeño rubión ingles no comienza con este grupo, sino mucho antes y muy pocos saben que incursiono en varios géneros musicales además de los ya conocidos con este grupo.

Antes de unirse a The Police, Summers ya tenia un empleo como sesionista y profesor de música y alternaba colaboraciones en discos de Kevin Coyne, como en presentaciones del grupo progresivo Soft Machine o en la nueva encarnación -mas experimental y psicodélica- del grupo de Eric Burdon, The New Animals, con el cual grabo “Love Is” en 1971.
Unos años antes, mas precisamente en el ´67, formo una banda de escasa vida pero que dejo un Lp muy buscado por los coleccionistas llamado “Chariot Rising” que transitaba por la veta de rock psicodélico británico con el grupo Dantalion´s Chariot.

De todas maneras, la vida musical de Somers, así se llamaba al principio de su carrera, comenzaría a principios de los ´60 con el grupo Zoot Money´s Big Roll Band. Un nombre demasiado extenso pero que hacia referencia al líder de dicha agrupación, Zoot Money, un tecladista también con conocimientos musicales de escuela como los de Summers. No esta demás mencionar que el verdadero nombre de Money era George Bruno pero decidió cambiarlo por uno más artístico. ¿Quien es el famoso Zoot que tanto hacemos referencia? Es el de más arriba, el de campera de cuero negra.
Queda demostrado con este racconto que Summers le sacaba a Sting y Copeland casi más de una década de diferencia en edad y que en el momento más álgido de la carrera de The Police él ya se había puesto los pantalones largos hacia rato.

Llegamos al primer grupo con el cual Summers grabo un trabajo de larga duración y esto ocurrió en 1965 con “It Should Have Been Me”. El debut de Zoot Money´s es un fiel reflejo de la invasión británica que fueron los grupos de mediados de los ´60 en el Reino Unido. Sin embargo, ellos no supieron colarse dentro de ese tren cuya locomotora encabezan The Beatles para hacerse conocer fuera de la isla y conquistar el mercado americano. Los Zoot Money´s, junto con el Graham Bond Organization o la Blues Incorporated de Alexis Korner, fueron algunas de esas bandas que por cuestiones de poca difusión, escasas composiciones propias o una reducida imagen que causara el suspiro de la platea femenina, no pudieron explotar en el país del Tío Sam. Sin embargo, a pesar de su escasa “venta”, esta falencia se apaleaba con la buena técnica y profesionalidad que tenían sus integrantes, ya que venían de una escuela de estudios musicales y tenían un gran conocimiento de estilos musicales como el jazz, el blues, r&b, soul etc.

La formación de la Zoot Money´s, tal cual como su nombre lo indicaba, era la de una Big Band, ya que no sólo tenia el típico combo de guitarra (Summers), bajo (Williams) y batería (Allen), sino que además se completaba con los saxos de Clive Burrows y Nick Newall junto con los teclados de Zoot Money.
El grupo se caracterizaba por hacer de sus presentaciones enérgicas ejecuciones de r&b, jazz y soul entre otros estilos, los cuales le sirvieron para ser el grupo estable en algunos clubes como el Flamingo Club y arrastrando consigo adeptos como los Mods.

Analizando el Lp, el mismo arranca con una versión del “I´ll Go Crazy” de James Brown, un tema que era un standard para cualquier grupo de r&b de esa época, el cual esta ejecutado con mucha energía, destacándose la guitarra de Summers y los saxos de Burrows y Newall.
El disco sigue con otro clásico, en este caso de Rufus Thomas, con el tema “Jump Back” el cual es un r&b muy elegante que cuenta en la voz principal con Paul Williams ya que Money sólo se aboco a la ejecución de su teclado. Esto, es otra muestra más que el principal impulso que tenía el grupo era el de tocar, y no existían problemas de “cartel” en cuanto a los egos de cada integrante.
“Along Came John” se desprende como un tema instrumental con ciertos aires jazzeros, en el cual brillan la guitarra de Summers y el teclado de Money. Luego viene la cuota de blues con el tema “Back Door Blues” de Eddie Vinson para dejarnos en la puerta de la próxima pista el cual es uno de los grandes highlight del álbum, “It Should´ve Been Me”. En el mismo retrata una relación entre un muchacho de barrio y una señora casada con todas las vicisitudes que causa esta relación. El saxo barítono de Burrows le aporta frescura a la ejecución y a la historia que cuenta el relato de Money.

El rock n´ roll no es indiferente en este disco y aparece con un tema de Chuck Berry como es “Sweet Little Rock and Roller”. Luego viene toda una declaración de derechos masculinos con “My Wife Can´t Cook”, un tema muy pedido dentro de los shows del grupo, el cual conlleva toda la ironía y humorada bien explícita en el relato de Money como “mi mujer no puede ni hervir el agua….”.
Luego de esa inyección de testosterona en formato de canción, el disco prosigue con “Rags and Old Iron”, otro tema interpretado en la voz principal de Paul Williams, el cual era un clásico en los shows de Nina Simone. “The Cat” es el otro tema instrumental del Lp, el cual fue escrito por el director de orquesta Lalo Schifrin, conocido mundialmente por el tema de “Mission Imposible”.
Llegando casi al final del disco nos encontramos con “Feelin Sad” un tema muy allá Ray Charles, seguido por el jazzero “Bright Lights Big City”, mientras que el Lp cierra con “Fina”, el tercer y ultimo instrumental del trabajo, el cual retrata al grupo como una verdadera Big Band.

Con este Lp podemos poner fin a los prejuicios de que los artistas y músicos sólo pueden realizar en su carrera un solo genero musical ya que sino serían tildados de vendidos. Andy Summers como tantos otros que analizamos en esta sección tienen un pasado antes de ser reconocidos mundialmente, algunos siguieron transitando en mayor o menor medida estilos similares durante toda su carrera, otros como en este caso Summers, tomaron diversos caminos encontrando en cada uno de ellos un paisaje diferente.

La Blaxploitation fue un movimiento artístico, tanto a nivel cinematográfico como musical, que supo tener su momento más álgido a principios de los ´70, y el cual tenia a la comunidad afroamericana como protagonista principal de sus Films. Hoy muchas de ésas películas son de culto graficando una escena y un momento en la historia de la América de los ´70. Fueron productos hechos por y para negros creando así un movimiento único y propio para su comunidad. Fueron años dorados para la raza afroamericana, sin embargo no todo surge de la noche a la mañana, ya que este fruto nace de varios años de una lucha continua por ser aceptados no sólo socialmente sino también por su cultura.

El primero en subir el escalón hacia el reconocimiento fue el actor Sidney Poitier con papeles protagónicos que causaron gran revuelo como “¿Sabes Quien Viene a Cenar?”, cuya historia se basa en la presentación y aceptación de él hacia la familia de su novia que provenía de un clase alta acomodada y encima era blanca. Años más tarde, en la década del ´60, se crean Las Panteras Negras, una fuerza político y social pro defensora de los derechos sociales y civiles de la raza de color. Algunos sectores sociales criticarían más adelante a este movimiento como una fuerza de choque, violenta y combativa, que de a poco fue perdiendo los cimientos básicos por los cuales fue creado. De más esta decir y citar a los dos máximos exponentes políticos de ésa década que sirvieron, cada uno a su forma, a despertar ese orgullo por ser afroamericanos y la futura cultura de la Blaxploitation, me refiero a Martin Luther King y Malcom X.

Bajo esta lucha de derechos, a principios de los ´70 aparece una historia ambientada en el Harlem, protagonizada por actores negros y con una banda de sonido de funk y soul creada por uno de los artistas más representativos de este género, Isaac Hayes. El film se llamó “Shaft” al igual que el disco doble que contenía la banda de sonido de dicha película. Más allá de ser la patada inicial para dar a conocer de forma mundial la Blaxploitation, el disco de Hayes fue también precursor en el mercado musical ya que marcó de ahí en más la importancia que se le tenía que dar a los ahora conocidos “Soundtracks” de los venideros Films. Creó un nuevo subgénero que luego, como sucede siempre, sería explotado hasta el hartazgo.

La trama del film comprendía la historia de un detective, que recorre las calles del Harlem buscando a la hija de un capo maffia local, empleando para esto métodos violentos y viscerales amalgamados por escenas de una impronta bien viril y sexual. Estas características, con sus respectivos estereotipos, peinados afros, pantalones acampanados, persecuciones en automóviles, juegos de cámara, y una estética muy marcada serían los máximos exponentes del género.
Volviendo al tema musical, que es el ámbito que nos compete, luego de “Shaft” aparecerían otros artistas afroamericanos que también colaborarían con la industria del cine como Curtis Mayfield o Roy Ayers entre otros.

Más arriba mencionamos que esta banda de sonido fue una bisagra para la industria musical y esto se vio reflejado en los 3 premios Grammy que gano Hayes por su creación, entre lo cuales se destacaba el de “Mejor banda de Sonido”. Además también alcanzó el puesto N° 1 de mejor Álbum y single por “Theme From Shaft” en la lista de los Billboard de 1971.
El sello Stax, gran competidora de la Motown, fue el encargado de editar el disco doble de “Shaft”, el cual estaba compuesto en su gran mayoría por temas instrumentales que servían como ambientación durante las escenas del film. Sin embargo, tiene tres temas vocales como son “Soulsville”, “Do You Thing” y el tema principal del Lp, “Theme From Shaft”.

“Shaft” fue grabado de forma integra en los estudios de Stax y se convirtió en el disco vendido de manera más rápida en la historia de este sello discográfico. Para esta aventura musical, Hayes canta, toca el órgano y el piano eléctrico entre otras cosas pero esta acompañado por los Bar-Kays y The Memphis Strings and Horns.
El disco abre con “Theme From Shaft” cuyo ritmo arranca con unos platillos bien ceceantes y unos rasgueos de guitarra con wah wah. El sonido fácilmente nos lleva a la urbanidad del Harlem y muestra toda la virilidad e impronta del protagonista al recorrer esas calles. Así uno a uno van pasando los temas del Lp, los cuales muchas veces nos pueden graficar desde una escena bien hot en algún dormitorio, pasando por pequeños cameos en una boite o hasta incluso ser el fondo perfecto para una persecución entre corridas, disparos y golpes de puño. Otro de los temas vocales es “Soulsville” la cual es una balada triste, bien característica del repertorio de Hayes. La voz sensual y viril de éste sirven para crear el ambiente perfecto. Por su parte, los Bar-Kays convierten “Do Your Thing” en un tema con pulso Funk de 20 minutos de duración convirtiéndose en un excelente jam. El resto del álbum bucea dentro de la música ambiental abarcando el Soul, el Funk y el R&B.

“Shaft”, visto hoy a la distancia, esta en su sonido muy anclado en los ´70, sin embargo, esta ejecutado con un gran amor por la música y los arreglos de Funk y Soul, que nos transportan raudamente a los suburbios del Harlem y hacen que estos nos parezcan familiares y cercanos incluso sin haber visitado nunca el mismo. Este disco, junto con “Superfly”de Curtis Mayfield graficaron de forma perfecta y exacta la incipiente escena de la Blaxploitation.

Maldito. Bajo esta palabra se lo conoció durante mucho tiempo a “Artaud”, el segundo disco solista de Luis Alberto Spinetta, que por cuestiones contractuales tuvo que ser editado con el nombre de su banda anterior, Pescado Rabioso.

Maldito. Esa seguro fue la palabra que expresaba la disconformidad por parte de los vendedores de las tiendas de discos cuando tenían que tratar de acomodar en las bateas este Lp. Es que el flaco ideó, junto con Juan Gatti, un formato para el arte de tapa que no era el común denominador de la mayoría de los discos. El formato común era cuadrangular, sin embargo este tenía una forma de estrella con cuatro bordes en punta, los cuales impedían que no pueda ser ubicado junto con la mayoría de los discos. Fue el primer trabajo de un artista nacional que rompió los moldes convencionales en el diseño de álbumes, ganándose el odio de todos los vendedores de discos. Con el correr de los años el formato fue perdiendo el diseño original convirtiéndose y adaptándose al modelo común, por estas razones hacen que el Lp original tenga un valor muy alto en el mercado del coleccionismo de discos.

Maldito. Antonin Artaud fue un poeta, dramaturgo y novelista entre otras cosas, y se lo considera como un escritor oscuro y se lo encasilla de forma habitual dentro de los “poetas malditos”, ya que su prosa es violenta, cruda, real y cruel, quizás llevado al extremo por los años de reclusión que vivió, los cuales acrecentaron su odio y aumentaron su desvío psíquico. Quizás alguna parte de esta vida curtida por la soledad y la locura fue lo que llamó la atención de Spinetta para que éste llamara con el apellido del artista a su disco. Sin embargo, no sería descabellado pensar que también lo llevo a poner ese nombre para dar a conocer este autor a toda una generación interesada por la contracultura ávida en la lectura Beatnik.

Maldito. Quizás sea la expresión de muchos de nosotros cuando escuchamos las letras de Spinetta y tenemos una mezcla de sensaciones entre una envidia sana y admiración por una prosa abstracta pero tan sentimental. Muchas veces el flaco deja en evidencia lo que quiere expresar, mientras que en otras lo encripta de tal forma -casi como un juego para él- que no podemos comprender con exactitud lo que nos quiere decir. En este disco él se encuentra en un momento muy álgido y puro de su carrera, en el cual deja en evidencia que existe en él una búsqueda interior cuya sensibilidad se muestra a flor de piel. “Artaud”, tiene una serie de canciones con un tono de profunda indignación existencial, en el cual ya se puede apreciar su madurez compositiva como personal.

El Lp abre con la frágil, sentimental y confesional “Todas Las Hojas Son del Viento”, canción dedicada a la madre de sus hijos, que para ese entonces estaba embarazada. La letra del tema es muy explícita dentro del repertorio que nos tiene acostumbrados el flaco, regalándonos una viñeta de la vida al comparar las hojas con las personas y las libertades de los individuos como así también la pureza de la vida y los peligros de la misma.


“Cuida bien al niño / Cuida bien su mente / Dale el sol de Enero / Dale un vientre blanco / Dale tibia leche de tu cuerpo // Todas las hojas son del viento / ya que él las mueve hasta en la muerte / Todas las hojas son del viento / menos la luz del sol // Hoy que un hijo hiciste / Cambia ya tu mente / Cuídalo de drogas / nunca lo reprimas / Dale el áurea misma de tu sexo/”.


El disco prosigue con “Cementerio Club”, un tema que en su melodía comienza con ciertos aires jazzeros, que luego serían analizados en profundidad por Spinetta en trabajos posteriores solistas como así también con Jade. Esta canción junto con “Bajan” tiene el aporte de su hermano, Gustavo Spinetta en batería y la participación de Emilio Del Guercio en bajo. El tema va in crescendo y ese dejo jazzero se va corriendo para mostrarse como un sentido blues, con unos punteos precisos que salen de la guitarra del flaco. La letra transita la separación de una pareja con su respectivo duelo pero también mostrando todo el orgullo por no mostrar su dolor y dejándole en claro que sin la frialdad de ella la puede pasar mejor.


“Oye dime nena / ¿adónde ves ahora algo en mí que no detestes? / Que solo y triste voy a estar / en este cementerio / que calor hará sin vos, en verano…/”


El siguiente tema, “Por”, es casi un anagrama musical, Spinetta forma una canción con sólo palabras sueltas, sin ninguna unión de verbos o conjunciones gramaticales pero cada una termina siendo la continuación de la anterior encadenadas una con otra.
“Superchería” es una canción que ya desde su sonido fácilmente podría haber estado dentro del repertorio de Pescado Rabioso. Esas transiciones de ritmos “pesados”, como se conocía a la música en esa época cuando se interpretaba un Hard Rock, hacia pulsos más tranquilos e introspectivos son sonidos característicos de la banda anterior que tuvo Spinetta, dejándonos en claro que algunos temas que no pudieron entrar en la placa anterior aquí si lo hicieron. Este tema junto con el que cierra el disco, cuenta con Emilio del Guercio en bajo y Rodolfo García en batería que junto con el flaco forman la ¾ parte de Almendra, casi completa en su totalidad si no fuera por la ausencia de Edelmiro Molinari.
“La Sed Verdadera” es un tema acústico con sólo la guitarra de Spinetta como instrumento musical en el cual ya se puede apreciar como serán las futuras letras y composiciones del flaco.


“Sé muy bien que has oído hablar de mí / y hoy nos vemos aquí / pero la paz / en mí nunca la encontrarás / si no es en vos / en mí nunca la encontrarás…/”.


Llegando al final del tema se empiezan a escuchar murmullos, sonidos de platos, tazas, dándonos a entender que nos transportamos hacia un bar, hasta que de pronto irrumpe un estruendo y sonidos de viento para dejarnos en la puerta de la canción quizás mas recordada del disco, “Cantata de Puentes Amarillos”.
Juan Carlos Diez, autor del libro “Martropía”, la define como “una canción hecha de pequeñas canciones”. El tema visto hoy a la distancia puede ser definido como una mini-ópera de nueve minutos, en el cual se conjugan diferentes ritmos, desde el pastoral y confesional comienzo hasta el roce con el rock sinfónico del final. En esta canción se puede ver, ya desde el título, lo que estaba leyendo Spinetta por esos momentos, como por ejemplo “Las Cartas a Theo” del pintor Vincent Van Gogh.

Luego de la aventura musical que fue “Cantata de Puentes Amarillos”, Spinetta nos regala un rock puro e inmediato con “Bajan”, canción que luego seria versionada por Gustavo Cerati en “Amor Amarillo” uniendo con esto dos generaciones, la de los ´70 con la de los ´90. “Bajan”, en su composición se aprecia como un rock directo en su formación instrumental pero la lírica de Spinetta le da un vuelo onírico y de fantasía al tema.


“…/ Viejo roble / del camino / Tus hojas siempre se agitan algo / Nena nena / que bien te ves / cuando en tus ojos no importa si las horas / bajan, el día se sienta a morir / bajan la noche / se nubla sin fin / y además vos sos el sol / despacio también podés ser la luna.”


“A Starosta, el idiota”, es un tema que apoyado sobre una melodía de piano, Spinetta deja fluir una vez más su poesía hasta que es interrumpida por unos llantos y de fondo, pero muy de fondo se puede apreciar el “She Loves You” de The Beatles. Esta experimentación de mezclar sonidos, cortarlos o pasarlos al revés entre otras cosas, ya se venía haciendo en el mercado anglosajón pero en Argentina estaba dando sus primeros pasos.
El Lp cierra con “Las Habladurías del Mundo”, otro tema que lleva la ejecución de los ex Almendra y en cual se le puede apreciar un dejo de rock latino muy a lo Santana, grupo que abrió las puertas del mercado latino en EE.UU. tanto por las maracas como por los punteos de la guitarra de Spinetta. Esta canción tiene un swing hermoso en su composición muy diferente a todo lo que venía haciendo el flaco, incluso también con lo que realizaría en el futuro coqueteando con esos ritmos latinos, sin embargo la lírica del tema es 100% Spinetta.


“…/ Veo las palabras nunca son / lo mejor para estar desnudos / ni la anaconda es como el buey / ya no hay más, reyes de la selva / Toda la ternura me darás, si te ofrezco ser / parte de tu cuerpo / No estoy atado a ningún sueño ya / las habladurías del mundo / no pueden atraparnos…/”


Maldito, maldito Spinetta. No, ¿a quien queremos engañar? Cambiemos esa connotación tan negativa por un gracias, gracias Spinetta por ese diamante en forma de disco que se encuentra dentro de los más grandes del rock nacional, cuya fecha de elaboración es de 1973, pero el cual no tiene fecha de vencimiento.

El Garage Rock es un estilo que nació a principios de los ´60, pero que tuvo su momento álgido a mediados de esa década. Se le llama así porque nació del amateurismo de algunos grupos de EE.UU. que ensayaban en los garages de sus casas y que fascinados con la invasión británica que tuvo a The Beatles y The Rolling Stones como máximos exponentes trataban de emularlos. Sin embargo estos grupos, tomaron como referentes además de los Stones a bandas como The Animals, The Yardbirds y The Who entre otros, por su sonido más crudo, radical y potente. Un dato saliente y que los diferencia de sus contemporáneos ingleses es que la precariedad en cuanto a amplificadores hizo que muchos grupos tocaran sus guitarras en notas octavas y quintas. De todas formas hay que dejar en claro que los grupos de este estilo no eran una mera copia de menor relevancia de sus ídolos, sino que por lo contrario pudieron crear un sonido y una estética propia. Sin ir más lejos, las guitarras modelo Phantom o Teardrop junto con el teclado Farfisa, típicos instrumentos de estos grupos, son utilizados hoy por las bandas de Garage Revival como objeto de culto y fascinación por esa escena de los ´60.

The Sonics - "Here Are The Sonics" 1965

The Sonics son los héroes del Garage Rock si es que esta palabra se puede aplicar a este estilo tan vilipendiado. Los Sonics surgieron durante el furor que se despertó en la juventud de EE.UU. a mediados de los ´60 por los grupos de la llamada invasión británica a los cuales se quería imitar, tanto en estética como en sonido. Se considera a The Sonics como los pioneros del punk por su forma de tocar, la cual era muy cruda, brutal y radical. Mucho mas visceral que la de cualquier otro grupo contemporáneo y mucho mas que la de los grupos ingleses. Las letras de The Sonics, al igual que la de otros grupos de garage, hablaban sobre la cultura adolescente de esos años, pero también tocaban temáticas más oscuras, bizarras y de terror, como “The Witch (La Bruja)” o “Psycho (Psicópata)”, que luego serían revalorizados y utilizados como estética y de forma conceptual por los grupos de Garage Revival, Psychobilly, etc. Sin embargo, el sonido de ellos era un rock primal, con una formación básica de guitarra-bajo-batería a la que hay que agregarle un saxo y gritos salvajes. Hasta la salida del primer Lp “Here Are The Sonics” de 1965, ningún grupo había sonado tan crudo y potente. Utilizaban el efecto de fuzz en la guitarra como arma letal en sus canciones junto con una batería muy estridente, un saxo muy al frente y los gritos de Gerry Roslie que le aportaban urgencia y velocidad a la ejecución de los temas. El disco arranca con “The Witch”, un tema %100 garage, con unos riffs de guitarras muy ásperos y en la que la desgarrada voz de Roslie le canta con resentimiento a una chica que la ve inalcanzable. El otro simple que se desprende del álbum es “Psycho”, un tema similar en cuanto a energía e instrumentación pero que hoy a la distancia es un inoxidable para cualquier grupo de este estilo. Además de estas canciones el disco contiene temas firmados por el grupo como “Boss Hoss” o “Strychnine” y otros standards de r&b y rock and roll ejecutados velozmente y de forma radical, como por ejemplo “Do You Love Me”, “Roll Over Beethoven”, “Money” o “Walking The Dog”.


The Music Machine - "Turn On" 1966

Los Music Machine se presentaban vestidos de negro, con un casi “reglamentario” mismo peinado para todos los integrantes -el conocido corte taza, estética típica de grupos de garage-, y además con la particularidad de cada miembro del grupo llevaba un guante negro en la mano derecha. ¿Conceptuales?, No, simplemente supieron formar y definir una estética propia para diferenciarse de los demás grupos de garage que abundaban, esa era la carta de presentación de los Music Machine a mediados de los ´60. Esta idea fue llevada a cabo por su líder, Thomas Bonniwell, el cual además llevaba colgado un collar dando una imagen de ocultismo, y decidió también plasmar su aire de misterio y oscuridad que quería transmitir con el grupo al pintar los amplificadores y la batería de negro. Sin embargo, los Music Machine no sólo llamaron la atención por su estética, ya que sería injusto sólo mencionarlos por esto, sino también por su música. El disco “Turn On” de 1966, que tiene una magistral portada que muestra el típico guante de la banda encendiendo un interruptor análogo trae el tema “Talk Talk”, canción que escalo posiciones en el ranking y los hizo codearse con los máximos grupos de aquel entonces. El tema gracias a la voz desafiante de Bonniwell marca la impronta del grupo con su sonido machacante en los riffs de guitarra y los gritos de éste. Siempre suele clasificarse esta canción como uno de los grandes temas de garage de los ´60. El Lp, intercala temas de la autoria de Bonniwell con algunos standards de garage y r&b. Sin embargo, y muy a diferencia de otros grupos contemporáneos, los temas propios son muy buenos y tienen consistencia dándonos pena que la totalidad de los temas del disco no sea de la firma del grupo. Así pasan temas como “Trouble”, con un chillón teclado farfisa, típico de los grupos de garage, la inmediatez de “Wrong” y “Masculine Intuition” y algunas pistas introspectivas y sentimentales como “Some Other Drum” o “Come On In”, que los muestra en una faceta más vocal y en la cual se le puede apreciar a Bonniwell como un buen arreglador de temas. Los otros temas que completan el álbum son “Taxman”, de The Beatles, tocado en un pulso más rápido, el r&b de “See See Rider” muy similar a The Animals, “Cherry Cherry”, de Neil Diamond en la cual dejan la imagen de chicos malos para enfundarse trajes de colores y nos regalan un tema allá The Association y “96 Tears”, otro básico de cualquier grupo de garage cuya firma es de… ¡otro grupo de garage! como eran los Question Mark and The Mysterians. El único traje que les queda grande, ¿y a quien no?, es cuando hacen la interpretación de “Hey Joe” de Jimi Hendrix, en este caso se salvan del fracaso porque lo tocan bajo un ritmo misterioso e introspectivo.


The Blues Magoos - "Psychedelic Lollipop" 1966

Los Blues Magoos se formaron en 1964 en la zona del Bronx de New York y se los considera como uno de los grupos fundamentales del Garage Rock. Sin embargo, los Blues Magoos hacían un garage con una vertiente algo psicodélica. Ya desde el título de su primer Lp de 1966 “Psychedelic Lollipop”, nos dice de que va ese trabajo. La portada los muestra encumbrados en una densa y espesa nube de vaya uno a saber que lugar luego de consumir esa paleta psicodélica. El disco abre con “We Ain´t Got Nothin´ Yet”, un tema clásico dentro de la discografía de ellos y que se supo ubicar en el puesto N° 5 de las listas americanas codeándose con grupos de mayor renombre. Otro de los temas de la autoria del grupo es “One By One”, canción apoyada en una magistral melodía pop con lindos arreglos de voces. El tercer y último tema de su propia firma es la balada “Love Seems Doomed”, cuyas iniciales formaban la palabra LSD en una supuesta clara alusión a la droga. Los Blues Magoos tuvieron que dar explicaciones del título aunque en menor medida, por obvias razones, al igual que los Beatles con su “Lucy in The Sky With Diamonds”. En todos los discos de esta época entre los temas propios de la banda se mezclaban algunos estándares y los Blues Magoos con este Lp no fueron la excepción. “Tobacco Road”, hasta ese momento un tema insignia como podía ser “Gloria”, “Louie Louie” o “96 Tears” dentro del repertorio de los grupos de garage, fue grabado para su primer larga duración. Sin embargo, el tema a diferencia de otras interpretaciones tiene una jam instrumental en el medio de la canción y un explosivo final. Otra balada aparece en el Lp como es “Queen Of My Nights” que en su comienzo es muy similar al “Love is All Around” que luego harían The Troggs. También se encuentra “Ill Go Crazy” de James Brown en ritmo de garage que es una muestra de cortesía a los grupos Mods de Inglaterra que amaban al sonido de la Motown. Antes de que llegue el final del Lp nos topamos con dos temas importantes como es “Sometimes I Think About”, un blues crudo, carnal y desgarrador para la joven voz de Emil Thielhelm que contaba con tan solo 16 años en el momento de la grabación, y la canción “Gotta Get Away” que tiene unos coros casi primitivos y toscos que le sientan perfecto al estilo garage.


Count Five - "Psychotic Reaction" 1966

Los Count Five eran oriundos de la ciudad californiana de San José y luego de grabar lo que sería su primer sencillo entraron al estudio para sacar su Lp. Este suceso tan rápido y repentino se debe a que el primer simple fue “Psychotic Reaction” el tema más conocido de ellos que los posicionó en los primeros puestos de las listas. Este título al igual que “Psycho” de The Sonics hacía clara alusión a esa enfermedad mental, sin embargo lo que quisieron representar estos grupos con esto es una devoción por el cine de terror y lo bizarro entre otras cosas, creando una escena y un lenguaje propio. Sin ir mas lejos, los Count Five en muchas actuaciones en vivo se presentaban con capas que mostraban su impronta y porte elegante como si fueran unos jóvenes “Dráculas”. El disco “Psychotic Reaction” de 1966 esta repleto del más crudo r&b y rock and roll, pasando así temas tocados con fervor y pasión. Párrafo aparte merece la armónica de Ken Ellner que le da otro aire a los temas como "Double Decker Bus" o el tema homónimo al disco. Sólo dos temas no son de la propia autoria del grupo, “My Generation” de The Who del cual no salen muy bien parados y quizás sea su punto más flojo pero es que no cualquiera puede estar a la altura de Townshend, Moon y Entwistle. El segundo cover también es de The Who -sí, parece que estaban encaprichados estos chicos- el cual termina siendo una versión discreta a mediocre. Sacando estos dos traspiés, el álbum es de lo mejor del Garage Rock, esto es avalado por las canciones que llevan la firma del grupo. Los temas como “They´re Gonna Get You” o “She´s Fine” que tienen un ritmo divertido, transitan la temática adolescente, mientras que otros como de “The Morning After” o “The World”, hablan sobre las vicisitudes cotidianas de los jóvenes por esos años. A diferencia de los demás grupos de garage, los Count Five en su sonido eran más “limpios” y no tan crudos o salvajes, inclinándose a melodías un poco más amables al oído y porque no también rozando un costado un poco más pop pero sin dejar de lado su gusto por el r&b.


Chocolate Watchband - "No Way Out" 1967

Todos los grupos de Garage Rock tenían como espejo a las bandas del Reino Unido, sin embargo algunos miraban con más contemplación a éstos y uno de esos grupos pueden ser los Chocolate Watchband. Tanto en su faceta más garagera como en la psicodélica, su sonido era similar a los grupos ingleses como los Stones o los Yardbirds entre otros. El primer disco de ellos, “No Way Out” editado en 1967, tiene como base un r&b primal pero también se desprenden temas con una veta más psicodélica, acorde a lo que ya se empezaba a componer por esa época. Por estas razones sería injusto encasillar a los Chocolate Watchband como sólo una banda de Garage. La estética del grupo, quizás catapultada por ser de San Francisco, conservaba una vestimenta más psicodélica acorde a los grupos de esa zona. El disco comienza con “Let´s Talk About Girls”, un tema que luego sería también interpretado por la banda punk irlandesa The Undertones en una muestra más de que el Garage Rock es el padrino del Punk. El Lp transita, como la mayoría de estos grupos, standards de r&b y rock and roll, como “In The Midnight Hour” de Pickett, “Come On”, que fácilmente puede ser confundido como un tema de los Stones por lo parecida que es la voz del líder David Aguilar a la de Jagger. Así van pasando temas de gran interpretación garagera y vocal como “Are You Gonna Be There”, “Hot Dusty Road” y “Gone and Passes By”, de la autoría de ellos en la que se puede apreciar un sitar mostrándonos su cara más psicodélica y trip. También tiene lugar tres temas instrumentales de corte también psicodélico como “Dark Side of The Mushroom” con tintes de misterio y muchos hongos alucinógenos tal cual lo indica su nombre, “No Way Out” en el que utilizan el efecto de pasar la cinta al revés cuando llega el final del tema, y “Expo 2000”, una canción como su nombre lo indicaba, con aires de futurismo, una temática que a mediados de los ´60 era muy recurrente en muchos grupos.