Jimmy Cliff: "The Harder They Come" (1972)

En estos últimos años, uno de los géneros musicales que volvió a estar “de moda” en los mercados anglosajones es el Folk Rock, en cada una de sus vertientes y formatos. Vuelve a estar de “moda” pero en realidad nunca lo estuvo, ni siquiera allá por la década de los primeros ´70 cuando desde el Reino Unido se colaban grupos y cantautores Folk dentro del repertorio del rock y el pop. Esto es celebrado por los amantes de las melodías ricas en contenido y textura, con arreglos e instrumentaciones no tan comunes dentro del rock y por sobretodo dejando de lado la imagen de “macho” duro para toparse con una no tan reacia y un sonido más sentimental. Este oleaje de nuevos baluartes o camada del Folk, tiene de acuerdo a gustos propios y raíces geográficas, diferentes ejemplos que van desde los Fleet Foxes, pasando por los Noah and The Whale, Band of Horses, Grizzly Bear, Kings of Convenience y una larga lista de etcéteras que los diferencia en su concepto, formación instrumental y varias más dentro del mismo género. Sin embargo, esta especie de renacer del Folk también es celebrado por los mercados y la crítica especializada ya que pueden inflar y desinflar a su conveniencia a las nuevas bandas que vayan apareciendo.

Uno de los últimos “descubrimientos” son los Mumford & Sons, una banda que lanzó su primer disco en el 2009, pero que ayudada con el espaldarazo que fue ganar dos premios Grammy, un Brit Award y toda la publicidad que obtuvo por parte de las revistas de música anglo, logró posicionarse como la “nueva futura banda del momento”. Toda una contradicción esa frase pero así es. Ojo, el álbum debut de la banda inglesa tampoco está como para echarle tierra ni mucho menos, se puede rescatar y apreciar cosas muy valorables dentro del mismo.

Comencemos, más allá que puede estar un poco o demasiado “inflado”, el Folk Británico venía de capa caída y más allá que salían grupos de este estilo desde la isla, ninguno llevaba la bandera de este genero tan en alto, ya que sus ritmos se mezclaban con el Indie logrando una mezcla más moderna y juvenil. En cambio, por ahora los Mumford & Sons más allá de tener cierto gancho comercial, tienen a sus canciones empapadas con las raíces del Folk inglés. Esto ya queda de manifiesto en los instrumentos que ejecutan, guitarra, banjo, mandolina, chelo, dobro, acordeón, trompeta y un cuidado arreglo vocal y coral. Con esto, se acercan más al Folk Tradicional y a las canciones de campiña y Bluegrass. También hay que ser justos e indicar que estos chicos tampoco están inventando nada nuevo, la banda irlandesa The Pogues ya venía haciendo más o menos lo mismo muchos años antes, pero no nos podemos quedar sólo en el pasado, si la fórmula se puede volver a procesar para lanzar un producto decente bienvenido sea.

En el rincón de los detractores se encuentran aquellos que los acusan de ser obvios, de poca autenticidad y de tener canciones reiterativas o muy similares entre sí. Si hay que ser objetivos y analizar su primer larga duración “Sigh No More”, se puede encontrar con un grupo muy respetable tanto instrumental como vocal, que le da al Folk Británico una lavada de cara y que sirve para que un público adolescente se acerque a un estilo no muy juvenil ya desde su nacimiento. Sin embargo, por el otro lado, el disco comienza con muy buenas composiciones pero va perdiendo su peso y concepto, hasta terminar siendo reiterativo y repetitivo promediando el final del mismo. Entonces, este “Sigh No More” puede terminar estando dentro de los mejores discos del año, pero difícilmente pueda estar dentro de los mejores de la década. De todas maneras, no todas son pálidas, ya que en este disco se pueden encontrar con temas muy interesantes que pueden hacerte pasar un buen rato. Quizás la banda tenga un futuro promisorio, o quizás desaparezca con más pena que gloria, pero su primer disco nos da en su justa medida -no mucho más- una base donde ellos puedan continuar con su carrera.

La banda esta integrada por Marcus Mumford, voz líder y la cara más visible del grupo donde su apellido forma la primera palabra de la agrupación. Completan la formación Winston Marshall en banjo, Ben Lovett en los teclados y Ted Dwane en el contrabajo haciendo la parte “& Sons” del nombre, y los cuales obviamente no pueden ser nunca los hijos de Mumford ya que comparten entre ellos el mismo promedio de edad. Este nombre “familiar” es un guiño que hacen hacia todos esos grupos de Bluegrass y Tradición Folk donde realmente eran bandas familiares y sus nombres derivaban del árbol genealógico de sus integrantes.

El disco conjuga melodías con ciertos aires épicos, coros que incluso están por encima de la voz principal los cuales sirven para darle un aire distinto y distintivo a sus canciones, instrumentaciones urgentes, combativas, tradicionales, que se mezclan entre letras existencialistas, citas bíblicas, pasajes pastorales, y festividades tradicionales embebidas en alcohol. Así el álbum abre con el tema que da título al disco y que de alguna manera va a ser el sonido de todo el trabajo. Canciones que van subiendo en emotividad y que van ganando en suspenso y dramatismo hasta el final. Otras buenas canciones del trabajo son “The Cave”, “Winter Winds”, “Roll Away Your Stone”, “Little Lion Man”, “Dust Bowl Dance“ o “Awake my Soul”.
Por último, y un dato para nada menor resta decir que “Sigh No More” esta producido por Marcus Dravs, el mismo que estuvo atrás del elogiado “Suburbs” de los Arcade Fire o el “Viva la Vida” de Coldplay realizado junto a Brian Eno. Dravs le da cierto toque similar y épico a cada una de sus producciones, las cuales quedan de manifiesto en los trabajos mencionados.

Los Mumford & Sons no han inventado nada ni son los nuevos salvadores del Folk Rock Británico como se los quiere vender, sin embargo han hecho un decente primer disco que los deja en una muy buena posición y con un gran futuro a la vista. Nunca viene mal toparse con viejos-nuevos sonidos ejecutados con pasión y respeto por la historia, sin embargo, de ellos depende seguir escribiendo la suya, su propia historia.

“Detrás de todo gran hombre siempre hay una… ¿explosiva mujer?”, cambiemos un poco la ya conocida tradicional frase para pintar de cuerpo entero a la exótica y salvaje Betty Davis, segunda esposa del excelente trompetista Miles Davis. La Femme Fatale y porque no también mujer prohibida del Funk, fue muy inspiradora y catalizadora del cambio de sonido que tuvo Miles Davis en su carrera. El disco con el cual se empezó a acercar al rock para luego crear una fusión entre este y el jazz fue el “Bitches Brew” que se gestó a finales del 69, durante el período que conoció a Betty Davis. La relación eso implosión y no duro más de un año, del ´68 al ´69 y esto se debía a que ambos tenían espíritus muy inquietos, libres y no hay que restarle valor a la parte más obvia, Miles le llevaba una veintena de años más y no quiso ni pudo seguir el tren de la juventud que comandaba Betty.

De esta unión de personalidades bien marcadas y seguras, ambos protagonistas supieron sacar sus réditos, Miles se acerco al Funk de Sly and The Family Stone y al Rock de Jimi Hendrix, personajes que fueron arrimados porque Betty Davis se movía en ese círculo, mientras que la Sra. Davis logró llevar un apellido que hablaba por si sólo dentro de la escena musical. Incluso el aporte de Betty Davis no sólo se quedo en lo musical, sino que también cambió la forma de vestir y la estética de Miles. Cambió sus trajes elegantes por ropas de vívidos colores, anteojos muy grandes, trajes dorados y cualquier otra vestimenta que marcara una distinción. De todas maneras dejemos de lado la unión Davis-Davis y sus repercusiones -sino también tendríamos que mencionar el posible affaire que tuvo la parte femenina de este apellido con Hendrix, cosa que desato la furia de Miles- y analicemos el primer larga duración de Betty Davis.

Comencemos por la portada, en la misma se la ve a ella con un portentoso peinado afro, unos ajustadísimos y bien calzados jeans cortos, una camisa de colores con un nudo a la altura del pecho y unas botas “galácticas” de plataforma. Esta imagen refleja actitud, frescura y una cosa sexual que ya nos indica de que va el contenido del Lp.
El disco abre bien arriba con el groove de “If I´m in Luck I Might Get Picked Up”, una base bien Funk con el sonido de un bajo bien gomoso y una batería que marca el ritmo, mientras van apareciendo los arreglos de una guitarra y un teclado bien punzante. Hasta acá es un tema que no tiene nada que envidiarle a los mejores de Sly and The Family Stone, sin embargo cuando entra la voz de Betty Davis la cosa cambia por completo, todo es magnificado. Esa voz tiene por partes iguales condimentos sexuales, combativos, de excesos, actitudes y una seguridad frente al micrófono que la distingue de inmediato. Tiene la fuerza de una pantera negra dispuesta a marcar territorio frente al sexo masculino, diciéndole en la cara que no les debe nada y que se puede valer por si sola, todo esto soportado en los cimientos de su imagen y actitud.

No está demás mencionar que por ese entonces ya había varias figuras femeninas negras dentro de la escena musical, Aretha Franklin o Diana Ross entre las mas consagradas, pero sin embargo ninguna se había mostrado tan independiente, jugada y combativa en su prosa y en su estética. Las anteriormente mencionadas tenían una imagen naif, la cual era 100% opuesta a la imagen sexual y prohibida que mostraba Betty Davis junto con una actitud y una forma de pensar que representaba más que ninguna al ghetto y a las raíces afro. Las letras de Davis siempre tenían cierta connotación sexual, ya desde la primer canción la cual hablaba sobre -“Si tengo suerte, me recogerás con el auto y me llevaras a tu casa”- hasta “Anti Love Song”, la cual le declara la guerra al amor, quizás un misil teledirigido a la figura de su ex, Miles Davis. La voz prohibida, -¿pagana?- y sexual de Betty va jugando entre la base de bajo, el arreglo de guitarra y teclados escupiendo todas sus penas amorosas.

“No, yo no quiero amarte / Porque yo sé cómo eres / Es por eso que he estado viviendo lejos de ti / Es por eso que yo no te he llamado”

“Porque yo sé que te gusta estar a cargo / Pero conmigo sabes que no me puedes controlar, no? / Porque sabes que te haría bajar la guardia / Porque tendrías que comerte tu ego / Yo te haría añicos tu orgullo”

Otro tema con un alto grado de sexualidad y con cierto halo de relación prohibida es “Your Man My Man”, cuya letra habla sobre el deseo de estar con un hombre que ya es de otra mujer.
Muy a pesar suyo, America aún no estaba lista para unas letras y una imagen femenina tan sexualmente directa. Varios de sus shows fueron boicoteados y cancelados por grupos religiosos mientras que por su parte, sus temas no fueron radiados de forma correcta tanto por estaciones de radio negras como blancas, ya que en ninguna sea por una u otra razón, encontraba un piso para publicitarse. Sin embargo, con el trascurrir de los años la discografía de Davis fue posicionada como objeto de culto y venerada dentro de la crítica especializada.

El sonido Funk se debe a la producción de Gregg Errico, baterista de la influyente Sly and The Family Stone, sin embargo, el rol de Errico no sólo se ajusta a la producción sino que también ejecuta la batería en todo el Lp. Un dato para nada menor es que salvo este disco, los próximos trabajos de Davis fueron todos producidos por ella y las canciones de todos sus álbumes fueron de su autoría, una muestra más de independencia, actitud y vanguardia, ya que ninguna artista femenina afro tuvo tanto control de su obra como Betty Davis.
Completa la formación el guitarrista de Santana, Neal Schon, aportando un rock bien duro emparentado muy a la escuela Hendrix, otro ex Family Stone como es Larry Graham añade un sonido inconfundible con su bajo bien sostenido y al frente. Luego tiene la colaboración en los bronces de Hershall Kennedy, Greg Adams, Mic Gillette y Skip Mesquit en el saxo, la percusión de Patryce Banks y los coros de las Pointer Sisters, todo un seleccionado del Funk, logrando un sonido único que mezcla a Family Stone, Funkadelic y Jimi Hendrix.

Los temas “Steppin in Her I. Miller Shoes” y “Game is My Middle Name” -gran aporte vocal-, tienen un corte más rockero, más en la veta Hendrix, apoyado mucho por la guitarra de Schon, mientras que “Ooh Yea” se debe mas a la escuela de Family Stone y “Walking Up The Road” a los primeros Funkadelic si tenemos que encontrar grupos similares. En “In The Meantime”, Davis canta con dulzura, -una de las pocas veces que lo hará en el disco-, para graficar los placeres oscuros de la soledad, con la promesa de que ella va a poder sobrevivir con o sin un hombre. La Idiosincrasia de ella estaba bien marcada a fuego y nada ni nadie podía arrebatársela o modificarla.

La voz de Davis es distintiva, tiene personalidad, juega entre gritos, gemidos y exige a sus cuerdas vocales hasta lo máximo en cada canción. Su voz no es cándida ni dulce, nunca apunta al corazón y al sentimentalismo, sino que por el contrario, la dirige hacia el fuego interior, a la liberación, a lo sexual y a llevarte en un viaje de sensaciones y sentimientos a máxima velocidad.
Por último, para los interesados el sello Light in The Attic Records, reeditó en el 2007 el disco en formato CD con tres bonus tracks -nunca editados- que van en la misma línea de las canciones del larga duración y que perdérselos sería una injusticia como “Come Take Me”, “You Won´t See Me in The Morning” y “I Will Take That Ride”.

La vida esta llena de antagónicos, el Bien con el Mal, el blanco con el negro, la verdad con la mentira y el… ¿Hippismo con el Punk?. La fuerza de choque musical llamada Punk que irrumpió a finales de los ´70 tanto en EE.UU como en el Reino Unido, tuvo entre otros “enemigos” al Hippismo. Ellos los atacaban por su pasividad, sus vestimentas, pelos largos, amor a lo natural y su apología a la paz. Los Punks en cambio mostraban una faceta más dura, reprimida, violenta, con peinados y vestimentas propias, bien urbanos y con una ideología más combativa. Sin embargo, si nos remitimos al germen de gestación de cada uno de ellos podemos encontrar ciertas similitudes en cuanto a idiosincrasia y no tantas diferencias como luego se quiso “vender”. Ambas corrientes, cada una en su época, tuvieron como puntal de su ideología el cambiar lo establecido, torcer, reformular y revolucionar los fundamentos de la sociedad creando una contracultura y un lugar de identificación para toda esa gente que no pensaba al igual que la mayoría y que creían en otro “mundo”. El final de la historia en ambos casos ya es más que conocido, el sueño Hippie se cayó a pedazos y el Punk luego fue manoseado demasiado perdiendo con esto la brújula en su camino.

Los punks siempre hostigaron a los hippies, quizás porque estéticamente eran muy disímiles unos con otros, sin embargo, hubo una artista que miró más allá de las apariencias y vio en cada una de estas corrientes una similitud con la que se podía convivir. Hoy, a la distancia se la conoce a Patti Smith como la madrina del Punk, un rótulo que le cae como anillo al dedo pero el cual de todas formas le queda corto ya que fue mucho más que eso. Smith supo unir dos corrientes antagónicas, la furia y urgencia del Punk con el lirismo y prosa de los poetas Beatnicks. Combino el poder de la incipiente escena punk neoyorquina con los mensajes de cambio, postura social y filosofía existencialista de los poetas de San Francisco, creando un sonido y una impronta única siendo bien recibida por ambas corrientes.

Para esta aventura Smith no se encontraba sola sino que se rodeó de su guitarrista y amigo Lenny Kaye que la acompañó durante gran parte de su carrera, desde sus comienzos con presentaciones de poemas recitados hasta conciertos en festivales. La formación se completaba con el bajista Ivan Kral, el baterista Jay Dee Daugherty, y el pianista Richard Sohl. Sin embargo, faltaba un ingrediente más dentro de esta fórmula para que su primer disco, “Horses”, sea considerado un clásico. Este último, pero quizás más importante personaje, fue el productor John Cale, el cual ya tenía todo un background recorrido con los Velvet Underground y pudo captar el mensaje artístico que tenía para decir Smith como ningún otro. Cale sólo se redujo a hacer relucir a su diamante en bruto, es por esto que su producción es austera y cruda pero fue correcta e indispensable que esta haya sido así. Dejó que Smith diera todo de sí y se sintiera libre artísticamente de hacer y decir lo que quisiera. Smith quería ser poeta, mostrarle al mundo sus pensamientos y posturas político-sociales y encontró el vehículo para dar a conocer esto dentro del rock. Este disco más allá de su mensaje social, también le reasigna un nuevo lugar a la mujer, no sólo dentro del rock, sino también dentro de la sociedad. El álbum es de un material crudo y directo no sólo en su sonido sino también en sus letras, las cuales causaron cierta urticaria dentro de los sectores más conservadores.

-“Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”- con esta frase, por demás polémica, comenzaba el disco y causó un revuelo de forma inmediata. Luego de recitar esto comienza con una versión de “Gloria” de los Them de Van Morrison, la cual comienza calma pero va aumentando su pulso hasta terminar en un grito desgarrador. Este tema más allá de su ser un cover se convirtió en uno de los caballitos de batalla más importantes dentro del repertorio de Smith, el cual se volvió quizás aún más reconocido que el tema original. “Redondo Beach”, se muestra más festivo, marchoso y de raíces reggae. Sin embargo, detrás de este sonido ameno se esconde una letra tortuosa de una mujer cuya novia se suicidó y su cuerpo aparece en una playa de Los Angeles.

“Birdland” y “Land” son dos temas cuya duración es de alrededor 9 minutos y muestran ese interés en las exploraciones de Smith por las composiciones largas, logrando un dramatismo mejor conservado en el tiempo con el segundo mencionado. El primero por momentos es difícil de digerir y quizás no soporte más de una escuchada, sin embargo es un fiel reflejo de que Cale dejó que Smith fuera libre de hacer lo que quisiera en este Lp. Estos temas son una muestra más de lo alejada que estaba Smith del punk de “dos minutos de duración y tres acordes”. Ella tenía cosas para decir y utilizo como vehículo la música, pero fue recibida con los brazos abiertos por los futuros punks por revolucionar, a su forma, lo establecido hasta el momento.
“Free Money”, también con el tiempo se convirtió en otro de los temas fijos en los conciertos de Smith. El mismo habla sobre la obtención de un dinero mal habido, convirtiéndose en una adicción en pos de comprarle a su amor objetos de valor para lograr su felicidad.

“Cada noche antes de dormir / encuentro un boleto que gana la lotería / Recojo perlas del mar, / para cambiarlas por dinero y comprarte todo lo que necesitas”

“Todas las noches antes de descansar mi cabeza / veo esos billetes arremolinándose alrededor de mi cama / Se que son robados, pero no me siento mal por eso / Tomé ese dinero para comprarte lo que nunca has tenido”

El próximo tema es “Kimberly”, cuyo título lleva el nombre de su cuarta hermana, en el cual describe el entorno de la infancia de Smith. “Break It Up”, lleva el protagonismo de la guitarra de un contemporáneo de toda la escena proto punk neoyorquina como es Tom Verlaine de los Television, donde la voz en forma de lamento de Smith calza perfecta para el espíritu del tema. La última pista esta reservada para “Elegie”, un tema muy diferente a todo el sonido del disco, Smith va recitando con su misteriosa voz las letras del tema mientras que de fondo es apoyada por el piano de Sohl y la guitarra de Allen Lanier de los Blue Oyster Cult.
Por su parte, la portada del Lp es considerada toda una obra en si misma. Esta es la fotografía que le sacó a Smith el fotógrafo y amigo Robert Mapplethorpe. La imagen andrógina en blanco y negro de Smith, con esa vestimenta y pose masculina nos transmite crudeza, frialdad, pero a su vez nos muestra lo simple y austero de su contenido.

“Horses”, fue el manifiesto del que luego estrellas femeninas del rock como Chrissie Hynde, Courtney Love, Siouxie Sioux, Pj Harvey y toda la escena del Riot Grrrl entre otras, se vieron influenciadas. Sin embargo, no sólo fue el faro a seguir por toda la rama femenina del rock ya que muchos otros artistas masculinos también se sintieron identificados con su contenido. Más allá de esto, hoy a la distancia podemos ver el alto impacto que tuvo Smith para unir dos corrientes musicales que muchas veces se las considera antagónicas como es el Punk y el Hippismo. Ella se encargó de unir estas dos expresiones como ningún otro. Una tarea para nada fácil, ya que son contados con los dedos de la mano los que pudieron salir airosos de esa aventura como fue Patti Smith, “la madrina del Punk….y del Hippismo”.

Apolo no sólo fue un Dios de la mitología griega, sino también un teatro de Nueva York donde tocaron artistas de la talla de Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Supremes y Aretha Franklin entre otros. Pero es con James Brown al grabar en 1963 el “Live At The Apollo”, el que lo posiciono dentro de uno de los lugares históricos, todo esto por la gran repercusión que tuvo en ventas el citado disco. Cruzando el Atlántico, más precisamente en Manchester, Inglaterra, también existe un teatro bajo el mismo nombre, muchos escalones por debajo en fama que su homónimo Americano, pero en el que en Diciembre de 2007 la novel banda de ese momento llamada Arctic Monkeys grabó su primer DVD como corolario de su gira mundial. El film fue realizado en 35 Mm por Richard Ayoade logrando retratarlos hasta el momento en su punto más alto de ebullición. El director supo mostrar como esta banda de adolescentes -aún con incipientes granitos en sus caras- querían patear el tablero de la industria musical llevándose puesto a fuerza de impronta y caradurez todo lo establecido hasta ese momento.

Muchos podrán decir que un poco fueron “inflados” por la revista New Musical Express, eso es cierto, todos los meses sale un nuevo “Mesías” del rock, pero los Arctic Monkeys supieron esquivar el bulto y hasta ahora siguen manteniéndose firmes. Antes de que su primer larga duración saliera a la venta en Inglaterra -fue el disco debut más vendido en la primera semana de venta en la historia de la música hasta ése momento- estos ya habían causado todo un revuelo, propiciado nada más que por el viejo truco del boca en boca. Incluso ellos recogieron el guante y a un EP que lanzaron lo llamaron “Who the Fuck Are Arctic Monkeys?”, riéndose de todo ese furor. Hasta este concierto, los Arctic Monkeys tenían dos discos editados, “Wathever People Say I Am, That´s What I´m Not” -pequeño título, ¿no?, bueno a Alex Turner parece gustarle las frases largas- y el segundo “Favourite Worst Nightmare”. Por este motivo el repertorio de canciones transita alrededor de estos dos trabajos y algunos lados B editados en simples junto con algunos temas nunca editados en ningún formato.

El DVD se reduce al concierto que dieron ese 17 de Diciembre de 2007 en Manchester y no es un compilado de los recitales que dieron durante su gira. Es muy lineal, y quizás lo más interesante es que eliminaron casi por completo los gritos del público para poder escuchar al grupo en su totalidad. Incluso la forma en que esta filmado es muy interesante ya que lo grabaron con varias cámaras enfocándolos bien de cerca y reduciéndose sólo a ellos -no hay ninguna toma directa hacia el público-, dándole cierto aire intimista a la performance. Incluso, hay una cámara que va andando sobre un rail en forma de circulo, logrando tomas detrás de ellos, y no sólo las típicas de frente. La edición por su parte también es interesante ya que en algunos temas divide la pantalla en tres, cuatro o más recuadros para mostrar a cada uno de los integrantes. El espíritu intimista que el director logra mostrar en este DVD se debe mucho a que fue filmado en un teatro y no en un mega estadio, jugando a su favor la disposición de las luces y la interacción con estas. La duración de este material es de 76 minutos y cuenta con la colaboración de dos invitados, el ex The Rascals y ¿actual? The Last Shadow Puppets, Miles Kane, que colabora en guitarra con los temas “Plastic Tramp” y “505”, mientras que como Bonus Track ya que no fui incluido en el DVD, se sube al escenario Richard Hawley para cantar junto a Turner “Bad Woman”.

El comienzo del DVD es con una cámara que va siguiendo a los Arctic Monkeys hasta que se suben al escenario para despacharse con una lista intensa de temas, “Brianstorm”, “This House is a Circus”, “Teddy Picker”, “I Bet You Look Good on The Dancefloor”, “Dancing Shoes”, “Fake Tales of San Francisco”, “When The Sun Goes Down”, “D is For Dangerous”, “Fluorescent Adolescent” “A Certain Romance” y “If You Were There, Beware” entre otros.

Este trabajo visual es muy recomendable no sólo para los que puedan estar esperando con ansias el nuevo material de los Arctic Monkeys, los cuales ya lanzaron dos simples bastantes prometedores que pareciera que los vuelve a sus fuentes y los aleja del ¿malogrado? tercer disco “Humbug”, sino que también puede ser disfrutado por cualquier interesado en pasar un buen rato mirando un buen concierto de rock… a secas.

León Gieco: "4° Lp" (1978)

El folclore en su forma musical, dejemos de lado costumbres, tradiciones, historias, bailes y un largo etcétera, es una de las expresiones más cercanas para dar a conocer, mostrar y llevar bien en alto la bandera de un pueblo, estado o nación. Con esto, cada región e incluso país tienen sus culturas musicales y su propio folclore. Ahora bien, si esto lo llevamos al rock, estos dos estilos empezaron a fusionarse por la década del ´60. En un primer momento, como todo cambio, no fue muy bien recibido ya que vieron en algunos artistas que mezclar estos dos estilos era poco menos que una traición. Sin embargo, a pesar de esto, se resistieron los embates y así nació el Folk Rock.

Unas líneas más arriba se mencionaba que el folclore no es único, sino que toma matices de cada lugar. Entonces bien, con el Folk Rock sucede lo mismo. Este estilo no es el mismo en EE.UU, que en Inglaterra, Irlanda o ciertas partes de Europa, solo por mencionar algunos mercados bastante fuertes dentro del Folk Rock. Ahora bien, si esto lo trasladamos a nuestro mercado nacional, una de las primeras y más reconocidas figuras de nuestro incipiente Folk Rock fue sin dudas León Gieco. Dentro de la discografía de Gieco podemos encontrar siempre un gran cariño o amor por los sonidos autóctonos de nuestro Interior. En casi todos sus trabajos tiene en mayor o menor medida rastros y vetas de las raíces del folclore nacional. Esto se puede apreciar desde discos como este “4° Lp”, “Mensajes del Alma” o el triple “De Ushuaia a la Quiaca”, el álbum mas federal que se grabó en el país. Sin embargo, es con este cuarto trabajo con el que comienza a transitar esos sonidos bien autóctonos, pero siempre sostenidos por una prosa bien comprometida con lo social. Para este trabajo Gieco volvió al país luego de un autoexilio dadas las condiciones políticas y de gobierno que se vivían a finales de los ´70.

“4° Lp” fue el mejor trabajo que lanzó Gieco hasta ese año 1978, no sólo por la calidad de sus canciones sino también por la producción que estuvo atrás de este y la colaboración con otros artistas muy importantes que aportaron su granito de arena. El “seleccionado” que juntó Gieco tuvo a Charly García en el piano, Nito Mestre y María Rosa Yorio en coros, Oscar Moro en batería y Alfredo Toth en bajo dentro de los más reconocidos del ámbito del rock, ya que también ayudaron en el proyecto músicos “del otro palo”, más cercanos a la música clásica y al folclore, como el bandoneonísta Dino Saluzzi y el violinista Sergio Polizzi.

El disco abre con un clásico no sólo de la obra de León sino ya de la canción nacional, incluso traspasando fronteras. Son esas canciones que dejan de formar parte de la discografía de un artista para convertirse en una canción casi de patrimonio nacional y cultural como es “Sólo le Pido a Dios”. Siempre se dijo que Gieco al principio no estaba muy conforme con este tema ya que lo encontraba un poco aburrido, aunque de seguro nunca se imagino ni por casualidad el disparador social e ideológico que podía llegar a tener esta canción dentro de la sociedad argentina. En el momento en que se gestó esta canción, el país más allá de estar regido por un gobierno de facto, también se encontraba en el momento más visceral y crudo del conflicto con Chile por el Canal de Beagle. Se podía percibir de forma latente que estas diferencias podían llegar incluso a un conflicto bélico. Sin embargo, años más tarde, con la Guerra de Malvinas, “Sólo le Pido a Dios” volvió a erigirse como una bandera por la paz. La canción instrumentalmente es muy simple, sólo la voz y guitarra de Gieco junto al bandoneón de Dino Saluzzi, sin embargo, con estos únicos instrumentos la canción logra tocar las fibras más intimas.

Luego sigue “El Que Queda Solo”, una canción con rastros bien marcados hacia el folclore, con instrumentos como la quena, el bombo y el charango. Una canción muy autóctona en cuanto a instrumentación y de fácil escucha, mientras que por el lado de la letra menciona el contrapunto de varios individuos que pueden convivir dentro de un mismo territorio. Por un lado, los hombres solitarios, humildes y quizás sin recursos mientras que en el otro rincón se encuentran hombres de características tiranas, sin escrúpulos y de grandes recursos en base a la explotación humana.

“El que queda solo en navidad / en su casa o por la ciudad / Ay por quien , ay por quien , por quien / Brindará. / El que vive sin importarle / todo lo que sufren los demás / Ay por quien , ay por quien , por quien / Vivirá.”

“El que grita solo en un rincón / sin que nadie lo pueda escuchar / Ay por quien , ay por quien , por quien / Gritará. / El que pierde toda su humildad / por tener la suerte de triunfar / Ay por quien , ay por quien , por quien / Cantará.”

El tercer tema, “Dice el inmigrante”, continúa con la línea social que siempre caracteriza a Gieco. En esta oportunidad reflejando las vicisitudes por las que tiene que atravesar el personaje en cuestión para tratar de no ser discriminado y/o aislado. Musicalmente se pueden apreciar buenos arreglos de guitarra y ese sonido de bajo tan característico de los grupos de Argentina de finales de los ´70. Luego viene “Ya Soy un Croto”, la cual una vez más continua con esa visión punzante de retratar un cuadro cotidiano de las personas más comunes y/o marginadas.

El próximo tema es también un clásico dentro de la discografía de Gieco y se trata de “Cachito El Campeón de Corrientes”. En el cual León se despacha con un chamamé retratando una historia sobre el ascenso y ostracismo de un muchacho del interior que sale de su provincia natal con los sueños intactos de ayudar a su familia de origen humilde y hacerse de un nombre en la gran ciudad triunfando como boxeador. Sin embargo, queda preso por las garras inescrupulosas de un empresario que supo lucrar con él a cambio de nada. Una vez más Gieco retrata con precisión la historia de un personaje que sirve para encumbrar a muchos “cachitos” que engañados son usados para el beneficio económico de quien los contrata.

“Desde Corrientes a Buenos Aires / un señor lo vino a buscar / cuando estacionó su auto vino el barrio a saludar: / chau Cachito, chau, vas a ser campeón, / desde aquí te alentaremos por la televisión.”

“En la noche del debut / Corrientes estaba prendido / y un solo grito se oyó / cuando el correntino entró: / Vamos Cachito, vamos, debes ser el campeón, / desde aquí te alentaremos por la televisión.”

“El correntino saltarín mostraba su inocencia / y entre las cuerdas se vio sangrar sus redondas cejas. / Qué pensará mi madre / ay, ay sí, qué pensará. / Qué pensará mi barrio / ay, ay sí qué pensará.”

“Un Poco de Comprensión”, también refleja la historia de los menos pudientes y la falta de atención que pueden llegar a tener. El tema es una dulce balada con unos muy buenos coros de Mestre y Yorio y un arreglo de piano de Charly García. Luego vendrían dos temas como “Continentes en Silencio” y “La Historia Esta” que en su prosa hablan sobre la tiranía de algunos gobernantes y del dolor que le causan a la sociedad. Este último mencionado, junto con “Canción de Amor Para Francisca” y “Tema de los Mosquitos”, fueron grabados en vivo en el Estadio Luna Park en un recital a beneficio. Una vez más Gieco nos muestra esa facilidad que tiene para contarnos historias de gente humilde, discriminada, aislada y sin voz para hablar sobre sus problemas como en este caso refleja la vida de una mujer que trabaja vendiendo su cuerpo mientras que sobrelleva todo esto en pos de su pequeña hija.

“Tema de los Mosquitos” como tantos otros dentro del repertorio de Gieco fue una canción contestataria que supo estar en el ojo de la tormenta para algunos gobernantes militares de por ese entonces junto a otros temas de la pluma de León como “Hombres de hierro” o “La Cultura es la Sonrisa”. Sin embargo, su mensaje estuvo demasiado encriptado para el ojo censor retratando con los seres más puros, los animales, lo que estaba sucediendo dentro de la sociedad.

“El gorrión le quitó la casa al hornero / un ave de rapiña picoteaba un cordero / la lechuza se prendió de los ojitos / de una rana chiquitita y de un sapito”

“Ay, que vida es esta dijo un cazador / salieron a matarse todos los animales”

Este tema cierra este “4° Lp”, un disco indispensable dentro de la discografía de León Gieco para entender el mensaje que quería transmitir no sólo en su lírica, sino también en su música. Este trabajo fue sin dudas la apertura musical y la unión de dos estilos, integrándose también dos tipos diferentes de público. El del “palo” rockero y el folclórico. Más allá que siempre Gieco y otros artistas de nuestro rock tuvieron antes algunos coqueteos con la música folclórica, es quizás León el más fiel representante a nivel nacional de nuestra música autóctona.

Elliott Smith: "Figure 8" (2000)

Apariencia desprolija -¿sucia?- + canciones depresivas y melancólicas + complejo de incomprensión = Cantautor Indie. Casi como un prejuicio, corremos detrás de esta fórmula cada vez que aparece y/o escuchamos un songwriter contemporáneo. Sin embargo, en algunos casos, esto suele hasta ser una pose y la imagen que quieren crear o personificar algunos. Mas allá que esta suma de características pueda resultar para el lector una suerte de “ninguneo” hacia algunos cantautores, en el caso de Elliott Smith lo que menos se quiere es ningunearlo. Primero porque su postura Indie -venía de los alternativos ´90 con su banda Heatmiser- y su ideología de la industria musical, son totalmente creíbles -dejemos de lado que sus últimos discos fueron lanzados por el sello Dreamworks-, lo segundo, y más importante, porque tenía un gran talento para la construcción de canciones que hablaban entre otras cosas de problemas existenciales, incomprensiones, etc.

Más allá que las temáticas de Smith pueden ser oscuras y depresivas tienen un halo de esperanza y quizás mucho de esto se deba a la dulce, tierna y susurrada voz de él. El siguiente disco, “Figure 8”, fue el último que lanzo antes de su muerte en Octubre de 2003, la cual aún hoy todavía no fue esclarecida si fue un suicidio o un homicidio por parte de su novia. Lo cierto es que se lo encontró tirado en el baño de su casa herido de muerte por un arma blanca. Esas dos puñaladas terminaron con la vida de uno de los mejores cantautores que nos dio el nuevo milenio. Sin embargo, como todo es consecuencia de algo, Smith además de poseer una personalidad altamente influenciable por las depresiones, las mismas pudieron ser agravadas por sus problemas alcohólicos, de drogas, y desilusiones artísticas -fue nominado a un premio Oscar por la canción “Miss Misery”, incluida en la banda sonora del film “En Busca del Destino” de Gus Van Sant- ya que el premio quedó en manos de la mega comercial Celine Dion. Incluso se sintió bastante incómodo durante la ceremonia y en su respectiva actuación sobre el escenario. Smith pertenecía a otro mundo, no era de ese ambiente y pudo haber sentido que la industria musical le pedía algo del cual nunca estuvo en sus planes formar parte de esa maquinaria. Incluso, su trabajo más reconocido en ventas “XO” -cuya traducción significa “Besos y Abrazos”- le causó algunos trastornos a Smith ya que no soportaba la idea de ser tan reconocido y famoso ya que el se consideraba una persona tímida y reservada manejándose más cómodo dentro del underground que lo vio nacer.

“Figure 8” fue su último trabajo en vida, sin embargo a diferencia de lo que muchos pueden llegar a pensar, de que se trata de un disco rodeado de tristeza y oscuridad, es todo lo contrario. Es su álbum más accesible, el más abierto a nuevas texturas musicales, el mejor producido, rodeado de sobregrabaciones, en el cual se puede apreciar elegantes arreglos de cuerdas y armonías vocales. Incluso las letras, siempre melancólicas, se mezclan con otras más optimistas. Hasta el arte de tapa lo mostraba de buen aspecto y los colores utilizados irradiaban optimismo alejándose de los colores oscuros que influenciaron trabajos anteriores. Como dato de color, el fondo de este disco es un mural que se encuentra dibujado en la ciudad de Los Angeles el cual aún hoy se conserva en pie y contiene las firmas y declaraciones de sus fans luego de su muerte.

Volviendo a “Figure 8”, el que desee comenzar a bucear dentro de ese mar de melancolía que es la discografía de Smith, podría empezar con este trabajo ya que es uno de los más logrados y de fácil audición, para luego investigar álbumes anteriores más pesados en contenido pero más despojados y minimalistas en su música. El disco tiene 16 temas que se dejan escuchar de principio a fin sin saltar ninguno, y como todo buen cantautor no tiene un Hit dentro de esta placa. Sin embargo, podemos encariñarnos y encontrar nuestros preferidos como “L.A”, cuya letra transita entre la liberación y la desolación mientras que de fondo suena un pequeño arreglo de cuerdas y un piano de los estudios Abbey Road -el mismo que uso McCartney para “Penny Lanne”- ejecutado por Smith como en la vodevilesca “In The Lost and Found”. Este instrumento ya dice presente en el disco bien desde temprano, con el tema que abre el álbum “Son of Sam”, marcando el hilo conductor de todo el trabajo. Mención aparte merece la construcción del tema “Everything Means Nothing To Me” y el arreglo vocal que posee junto con la muy buena producción y el arreglo de cuerdas.

Las temáticas de Smith son sufridas en sus letras como ante la pérdida de su amor y el deseo por reencontrarla como en “Everything Reminds Me of Her”, pero muchas veces su voz susurrada no sólo transmite tristeza o melancolía sino también esperanza. Otra gran joyita del disco es “Easy Way Out”, una canción con una letra escapista en la que habla que tomar el camino más fácil puede no resultar siempre el correcto. “Stupidity Tries” es un tema que comienza apacible, tranquilo, pero que luego a mitad del mismo tiene un corte bien rockero, con guitarras bien al frente y con un sonido que va in crescendo, el cual marca la diferencia de inmediato con otros trabajos anteriores. Incluso este espíritu rockero también se ve reflejado en “Wouldn´t Mama Be Proud?”. Llegando casi a la recta final del disco Smith se despacha con “Color Bars”, “Happiness The Gondola Man” y “Pretty Mary K”, temas que tienen un dejo de neo psicodélica y cierto experimentalismo, sin despegarse demasiado del formato tradicional de canción. Otra canción que va in-crescendo hasta terminar casi en un jam psicodélica es “Can´t Make a Sound”, la cual nos deja en la puerta del último tema, “Bye”, una canción con un aire lúgubre sostenida por un piano de cola.

Este tema cierra el disco más accesible dentro de la discografía de Smith y con el cual además de lucirse siempre como escritor de buenas canciones, también lo hace como productor y arreglador de temas ya que los instrumentos que ejecuta están tocados exquisitamente, todo esto armonizado por su voz y los arreglos vocales que ante cada canción logran el efecto de emocionarte.

Aún hoy, y más allá que haya grandes cantautores modernos como Sufjan Stevens o Iron & Wine solo por citar algunos, se extraña esa facilidad con la que contaba Elliott Smith para retratar temas penosos, de insatisfacciones, roturas amorosas, problemas existenciales y las vivencias agridulces que nos regala el día a día de la vida pero armonizados con esa dulce y susurrada voz y esos magistrales arreglos, ya sean con sólo una guitarra/piano o sostenidos por una orquesta de fondo. Quizás muchas veces las palabras están de más y lo mejor es sacarse las dudas por uno mismo, escuchar este “Figure 8” y que sirva para encontrase con uno mismo, como si fuéramos los propios cantautores de nuestra vida.

The Sex Pistols - "Nevermind The Bollocks" 1977

Escuchar los Sex Pistols hoy puede no tener el mismo efecto de cambio musical y socio-cultural que tuvo en su momento, sin embargo aún Johnny Rotten -su apodo proviene debido a que tenía los dientes podridos- y cía tocan las fibras más intimas con su música directa y estridente. La parte más básica de la historia cuenta que el Punk fue la respuesta al Rock Progresivo, a volver a las raíces, al cualquiera puede tocar, y no tener que ser un pequeño Beethoven para ser tenido en cuenta. Sin embargo en Inglaterra por esos años se vivía la resaca de lo que fue la explosión de arte, tendencias y cultura de los ´60, y por sobre todo existía una alta tasa de desempleo en la juventud. Este enojo y malestar que causaba dentro de los jóvenes el no poder insertarse y sentirse dentro de la sociedad formo el caldo de cultivo de pensamientos y posturas sociales que pedían a gritos ser escuchadas. El instrumento que se usó para decir esto fue una música que provenía de EE.UU, cuyo barco insignia era comandado por grupos de Nueva York que en cierto punto tenían similitudes con sus contemporáneos ingleses. Antes de la salida del -ofensivo para la corona inglesa- “Nevermind The Bollocks, Here´s The Sex Pistols”, cuya traducción más cercana podría ser, “A pesar de los huevones, acá están los Sex Pistols”, deviene de todas las idas y vueltas que causaron los simples lanzados con anterioridad al Lp. Temas como “Bodies” con su temática abortista o “Anarchy in The UK”, eran un mensaje directo hacia la Reina de Inglaterra y las políticas de estado, y que decir del “God Save The Queen” cuya tapa fue prohibida por mostrar una imagen de la Reina con los ojos y boca “tapados” con letras de recortes de diario similar a las que se pueden utilizar en los secuestros. El revuelo de los Pistols no sólo quedó plasmado en las letras y portadas de sus discos, sino también durante sus actuaciones. Como la vez que fueron prohibidos de tocar en territorio británico por ser una “ofensa y amenaza” a la Corona esquivando el bulto con una jugada magistral por parte de su manager Malcolm McLaren al hacerlos tocar en una embarcación en el Río Támesis. Esto obviamente sirvió para alimentar la fama de los Pistols y también la venta de sus discos y la extorsión que de forma explícita terminaron haciéndoles a las compañías discográficas que terminaban rescindiendo sus contratos por estos disturbios. De ahí el link directo a “La Gran Estafa del Rock and Roll” y todo el trasfondo y mito que se creó atrás de esto. Sin embargo, como si todo esto no fuera poco le agregaron al personaje que durante muchos años personificó de forma exacta el “reviente” del Rock y ese traje se lo calzó Sid Vicious. Un fan que entró a reemplazar a Glen Matlock y que sólo aportó una pose, una estética y no mucho más ya que muchas veces en vivo tocó el bajo sin estar enchufado de lo alcoholizado o drogado que estaba y de lo mal que ejecutaba su instrumento. Los Pistols fueron una piña al paso dentro del Rock, pero la huella del moretón aún sigue presente y todo esto con un solo Lp en su corta existencia de vida.

The Clash - "The Clash" 1977

Si los Pistols eran una trompada tirada al aire que causó cierto revuelo, los Clash eran un cross de derecha directo a la mandíbula. El mensaje de Strummer ya contenía otro vuelo en sus letras, más combativas y certeras. Teniendo ya una postura socio-política más definida que cualquiera de sus grupos contemporáneos. Incluso también marcaron la diferencia en cuanto a lo musical, ya que su estilo recogía influencias de varios estilos como el Reggae, Ska y no sólo el Punk. En los discos posteriores siguieron explotando esa mezcla de géneros acercándose a muchos más y logrando con ellos despegarse del mero “catalogo punk”. La imagen de la portada de su primer Lp no varía mucho con la clásica estética punk, callejera/trabajadora pero su contenido musical tomaba influencias además de lo musical, el círculo social y cultural en los que se rodeaba Strummer y Cía. No es casualidad que en el mismo se encuentre una versión de “Police and Thieves” del artista Reggae Junior Marvin, esto se debía a que muchos jamaiquinos se exiliaron de su país y encontraron en los suburbios londinenses un lugar para establecerse y formar su propio ghetto. Este intercambio de culturas y tradiciones fue bien recibido por parte de la juventud inglesa y no resulta extraño que el Dub y el Ska hayan tenido muchas respuestas desde el lado Británico. Por su parte, “I´m So Bored With The USA” dejaba en claro su postura ante la sociedad consumista y capitalista que provenía desde el otro lado del Atlántico. “Career Opportunities” era una declaración de derechos que aún les era esquivo ya que esto iba de la mano con el alto índice de desempleo y los “métodos” que muchos usaban como forma de subsistencia con el seguro de desempleo que entregaba el gobierno inglés. “White Riot”, por su parte grafica los disturbios que acontecieron en 1976 en la ciudad de Notting Hill cuando la policía arrestaba a un niño negro por supuesto robo lo cual suscitó la respuesta de muchos manifestantes contra los efectivos. Otros temas que ya en su título lo dicen todo es “Hate and War” o también “London´s Burning”. Sin embargo, mencionar sólo el costado social de los Clash sería menospreciarlos ya que en la media eran buenos músicos y eran muy receptores de varios géneros musicales plasmándolos en la medida de su capacidad técnica de la mejor forma posible. Estas inquietudes musicales y también distintas personalidades y gustos se pudieron apreciar en trabajos solistas o en los grupos que integraron cada uno de ellos post Clash, como los Mescaleros o los Big Audio Dynamite sólo por mencionar algunos proyectos.

The Damned - "Damned, Damned, Damned" 1977

Si habría que encontrar a unos auténticos payasos del punk esos serían sin dudas los Damned. El decir esto no es menospreciar a la banda ni mucho menos sino que realmente ellos querían divertirse arriba del escenario y que el público también lo hiciera. Hacían mucho hincapié a la estética en sus conciertos, ya que salían a escena cada uno vestido de acuerdo a sus personalidades o gustos. El cantante Dave Vanian, poseía una apariencia casi vampiresca, vestido siempre de negro y con su rostro pintado con maquillaje blanco y su peinado engominado hacia atrás. Estos gustos serían trasladados luego de la explosión del Punk a discos posteriores como “The Black Album” con el cual se acercan a un sonido más oscuro. Sin embargo, la figura llamativa del grupo no sólo se ajustaba a su cantante, sino que su bajista/guitarrista el Captain Sensible aparecía en escena vestido siempre con cosas ridículas, disfraces de enfermera, tapados de piel, etc. Esta actitud de “que digan lo que quieran” se ve plasmada en el primer Lp de ellos, “Damned, Damned, Damned” donde están todos embadurnados con tortas de crema. Este trabajo salió a la venta incluso antes que los primeros álbumes de los Sex Pistols, Clash y Buzzcocks, solo por mencionar algunos de esa primer ola de punk británico. En el disco se pueden apreciar temas ejecutados a mucha velocidad, con letras juveniles, sin ningún mensaje demasiado elaborado o postura política, más que nada ellos hacían música para divertirse. En este Lp se encuentran temas que luego serían clásicos del grupo como “Neat Neat Neat” y “New Rose”. Este último incluso es considerado el primer sencillo Punk que salió a la venta dando el puntapié inicial del Punk Inglés. Los Damned ya de entrada en su sonido eran bastante mas directos, rudos y crudos que algunos de los grupos que los rodeaban, y mucho de esto se debe al baterista Rat Scabies que literalmente aporreaba los parches de su batería logrando un sonido muy visceral. Incluso esta forma de ejecutar su instrumento puede haber sido, entre otros, de gran inspiración para los venideros grupos Hardcore, hasta en su faceta estética ya que tocaba siempre con el torso desnudo como la gran mayoría de los bateristas de ese estilo. Luego de este Lp los Damned seguirían con una vasta discografía y algunos cambios de estilos y de formación.

Wire - "Pink Flag" 1977

Los Wire ya en edad marcaban la diferencia con cualquiera de los grupos contemporáneos de Punk Inglés. Su mayoría de edad había llegado mucho antes pero también tenían otra diferencia con los grupos de esa primer ola de grupos punks. En muchos lados los Wire son mencionados como parte de una camada de Punk intelectual o inteligente por catalogarlos de alguna forma enfilándose junto a grupos como The Stranglers o XTC, cada uno con sus propios matices. Cualquiera de estas bandas se subieron a ese tren llamado Punk pero ya en su sonido querían proponer otra cosa y despegarse de ese rótulo. Como no todo es casualidad, parte de esa apertura de mente se debía a que los integrantes de Wire provenían de clase media -a diferencia de la gran mayoría de grupos- y asistieron a la escuela de Arte. ¿Como se propusieron cambiar y marcar la diferencia con sus colegas? Bien, ya de entrada hicieron un primer disco con 21 temas en tan sólo 35 minutos. Muchos podrán decir que The Ramones hizo lo mismo en duración, pero esto no es así en cantidad. Pero este cambio no quedó sólo en eso, sino que también decidieron no seguir en la mayoría de estas canciones la secuencia tradicional de verso-estribillo, rompiendo el molde de algo establecido durante años. La consecuencia de esto fue un sonido más crudo, brutal y minimalista. “Pink Flag” tenía en sus letras mensajes concisos, directos, pero conjugados algunos con temáticas surrealistas. El Lp no contenía a diferencia de otros grupos contemporáneos sólo un mensaje, sino que podían tratar temas políticos como en “Reuters” y luego hablar sobre sexualidad en “12XU”. Como así también rozar ciertos matices del pop en “Mannequin” y luego desgañitarse la voz con “Mr Suit”. El mensaje musical de Wire fue muy vanguardista, incluso para esos momentos de cambio generacional. La venta de “Pink Flag” no fue la esperada pero la gran influencia artística que fue despertando en grupos venideros fue inmensa por su mezcla de estilos. Desde nuestros Sumo -Luca nunca ocultó a los Wire como una de sus bandas favoritas- a grupos que luego formaron la segunda ola del Punk en EE.UU como lo fue el Hardcore. A la distancia, los Wire quizás fueron más influyentes en EE.UU tanto en la Costa Este como Oeste por el advenimiento de esos grupos Hardcore que en su propio país. Grupos insignia como Black Flag, Bad Brains, Minor Threat o Circle Jerks fueron influenciados por su brevedad y salvajismo musical, mientras que toda la escena del Post Punk también les debió mucho a los Wire.

The Buzzcocks - "Love Bites" 1978

La gran mayoría de los grupos punk británicos tenían mensajes sociales, con una postura política bien definida, o contaban historias de las calles y del día a día, relatando sus penurias económicas o tratando de encontrar una solución a sus problemas existenciales. Sin embargo, hubo un grupo que decidió tocar temas cuyas letras hablaran sobre las relaciones amorosas y todos los dilemas que estas traen. Desde rupturas, idealismos amorosos, decepciones, satisfacciones, y la adolescencia en general. Una temática que para más de un punk podía a llegar a ser un tema urticante por considerarse como para “blanditos”, sin embargo los Buzzcocks decidieron poner fin a esto y marcaron su impronta y espacio contando estas historias. Desde “Ever Fallen in Love”, pasando por “Sixteen Again”, o “Love is Lies”, sólo por mencionar algunas canciones trataban sobre esa temática. Todas estas letras estaban sostenidas por un sonido Punk pero con ciertos matices inclinados al Pop y la melodía, distanciándose con esto también de la mayoría de sus contemporáneos. Este mensaje ya se puede apreciar desde las tapas de sus primeros Lps y mucho mas en este segundo “Love Bites”, donde a diferencia de la mayoría, se encontraba una foto de ellos, arregladitos, sin ninguna actitud de “reviente” y de fondo un blanco que nos regala pureza y los muestra a ellos como si estuvieran en un recorte de revista para adolescentes románticas. De todas maneras, el que quiera encontrarse con una banda “blandita” saldrá decepcionado ya que el sonido de ellos es pura velocidad, algo de ruido y mucha melodía. Incluso la voz de Pete Shelley la cual no es muy favorecida, queda de maravillas para ese tipo de estilo ya que tiene por partes iguales suavidad y desesperación, la cual sobre las guitarras estridentes caen como anillo al dedo. La actitud Punk de enfrentarse incluso al público cantando estos temas banales -la mayoría quería escuchar temas con más ideales combativos- no sólo quedaba en esto sino que también se reservaron una jugada para la industria discográfica al no poner los singles editados -los cuales tuvieron mucho éxito- en los discos de larga duración. Este “pequeño romántico”, la estatura de Shelley no era demasiada, abrió las puertas de toda una venidera generación inglesa, vulnerable y juvenil que estaba fascinada con ese sonido rebelde y estridente que fue el Punk y sus posteriores mutaciones, pero que encontraba en sus letras mensajes que relataban sus problemas más íntimos.

The Jam: "All Mod Cons" (1978)

Todo vuelve. Bajo esta premisa comenzamos la siguiente nota y esto se debe a que muchas de las expresiones artísticas son circulares y luego de algún tiempo vuelven a redescubrirse por nuevos interpretes y un nuevo público. Dentro del ámbito musical esto no es la excepción ya que uno de los tantos estilos que tuvo su revival lo podemos encontrar en el Mod Revival. Un estilo que se desprende del Mod, corriente y movimiento que nació a mediados de los ´60 en Inglaterra y que debe por partes iguales el énfasis a lo musical como estético dentro de su génesis. Si el Mod fue un movimiento con una escasa duración de vida que luego fue mutando en otros géneros, el Mod Revival fue aun menor en su longevidad. Sin embargo, a finales de los ´70, hubo varios grupos que sacaron a relucir, sin ningún prejuicio o culpa, su gusto por ese estilo que nació en los ´60. Así podemos encontrar bandas que adaptaron ese sonido/estética a los nuevos tiempos que se vivían como The Chords, The Lambrettas, The Prisoners, The Times y un largo etc. Sin embargo, hubo un grupo que sobresalió dentro de todos estos e incluso fue más allá del Mod Revival que son los The Jam.

La banda comandada por Paul Weller se coló en una primera instancia dentro del espaldarazo de nuevas tendencias y grupos que significo el Punk. Su primer disco, “In The City”, data de 1977 y tiene toda la urgencia y explosión musical de unos jóvenes que tenían un mensaje para decirle al mundo contando historias mundanas acerca de su calidad de vida socio-económica. De todas maneras, The Jam mostraba una cara distinta a todos sus contemporáneos, sus ritmos aún crudos mostraban una cierta armonía deudora de grupos como The Who o The Small Faces. Incluso su estética también poseía muchas similitudes, ellos vestían de traje cuando la indumentaria Punk era rotosa y desarreglada. Hasta sus peinados no coincidían demasiado ya que también hasta en ese detalle The Jam miró en retrospectiva. Luego de un muy buen primer disco y un modesto segundo, The Jam entra al estudio bajo una nube de dudas. Muchos pensaban que la pluma de Weller estaba agotándose y ya no era capaz de sacar simples interesantes. Incluso esa presión se vio agravada cuando su productor les pidió que hicieran nuevos temas porque la cinta que le entregaron para su tercer Lp no lo convencía para nada.

Qué mejor que romper cualquier rumor con pruebas fehacientes y para esto Weller respondió entonces con muy buenas canciones. Su tercer Lp “All Mod Cons” -para muchos considerado como el mejor de su discografía- se lanzó en 1978 y mostró a The Jam con un sonido más maduro, pulido y personal. Se alejaron un poco de la urgencia de sus primeros trabajos y se acercaron más a la melodía, algo que siempre primaron dentro de su sonido, pero que en este trabajo queda más que de manifiesto ese cambio. La composición de Weller mejoró también, su estilo se emparentó más al de Ray Davies (The Kinks) el cual podía sacar una radiografía de lo que sucedía en la sociedad inglesa y volcarlo en sus canciones. The Jam a partir de este disco comenzó a ser una cosa seria para la crítica especializada que aún los tenía dentro del tándem de grupos Punks.

El disco comienza con “All Mod Cons”, un tema que se podría traducir como “todas las convivencias modernas”, donde habla de la gente que se junta o apega a personas de éxito en pos de sacar su propio rédito. El tema de escasa duración nos muestra una línea de bajo precisa y unas armonías vocales que cada vez más muestran sus influencias en los coros made in The Who. El próximo tema es “To Be Someone”, cuya letra mordaz nos dice que para “ser alguien” debes ser un futbolista, un rock star o una estrella de cine, para que la gente te reconozca y te idolatren pero luego vas a tener que soportar todo lo negativo que eso conlleva. Otro tema que también ataca a las personas con aspiraciones sólo monetarias pisando todo lo que pueda encontrar a su paso y que los muestra como personas grises y sin personalidad alguna es “Mr Clean”. La crítica de Weller expresada en sus letras hacia la división de clases y al hombre rico cada vez es más parecida a la de Ray Davies. Incluso si alguien tenía alguna duda que además de The Who otra de las influencias de The Jam eran The Kinks se despachan con “David Watts” un cover de estos últimos en una versión un poco más acelerada en su tempo pero muy fiel a la original.
Luego Weller se despacha con su primer balada acústica, “English Rose”, una canción que en su época lo incomodaba bastante ya que tenía ciertos toques románticos los cuales chocaban contra sus prejuicios. Luego vendrían más canciones sentimentales como esta pero “English Rose” para ser la primera no estaba para nada mal.


“Sin importar por donde vague / regresaré a mi rosa inglesa / ninguna obligación puede alejarme de ella. / He navegado por siete mares, / volado entero el cielo azul, / pero he regresado apresurado / al lugar donde mi amor se encuentra.”

“Sin importar a donde vaya / siempre recordaré a mi rosa inglesa / porque nada podría mantenerme separado. / He atravesado nieblas espesas / he escalado grandes montañas / probado el viento salvaje rumbo a casa / para escuchar su dulce voz”

“Sin importar por donde vague / regresaré a mi rosa inglesa, / ninguna obligación puede alejarme de ella. / He estado en mundo antiguos, / he limpiado al universo entero / y luego tomado el tren de regreso / para estar a su lado.”

“Sin importar donde me pierda / siempre regresaré a mi rosa inglesa / Porque no hay ninguna obligación / que pueda alejarme de ella.”


La cara A del álbum cierra con “In The Crowd”, una canción que mencionaba a la persona que era atacada hasta ahogarse en el consumismo de marcas, modas, tendencias, etc. Llegando al final del tema se vuelve un tanto psicodélico con sus guitarras y efectos marcando la separación total de los Jam con el sonido de su primer Lp. La mirada irónica de Weller una vez más es puesta de manifiesto con “Billy Hunt” un relato tragicómico de las frustraciones de un hombre ante el maltrato que recibe día a día en su trabajo y en su vida y como hace para sobreponerse a esto. “It´s Too Bad” tiene una melodía amigable para contar sobre una separación de pareja. El próximo tema, “Fly”, comienza como otra balada más dentro del disco sin embargo va tomando ritmo de a poco. “The Place I Love” por su parte tiene un ritmo pegadizo pero no aporta demasiado. “A Bomb in Wardour Street” tiene a Weller preocupándose una vez más por temas socio-políticos pero bajo una mirada un poco más violenta. Este tema junto con “David Watts” fue el primer sencillo que lanzaron antes de este disco, el cual todavía conservaba cierto espíritu Punk en prosa y melodía. Cierra el album “Down in The Tube Station At Midnight”, un tema que habla sobre la violencia callejera.

Luego de este Lp vendrían “Setting Sons” o “Sound Affect” ya entrados en los ´80, sin embargo el trabajo que los ubicó dentro de otro escalón y no los encasillo sólo como una banda Punk fue este “All Mod Cons”. Probablemente muchos de los que hayan escuchado por primera vez a The Jam y les haya gustado su música si tienen un espíritu inquieto investigaron de donde venían esas influencias tan marcadas encontrándose con otros grupos anteriores para descubrir. Porque más allá de que existan las “etiquetas” musicales, el revival puede estar en menor o mayor medida en cualquier grupo contemporáneo, logrando que el círculo del “todo vuelve” se cierre nuevamente.