Nick Cave & The Bad Seeds: "Murder Ballads" (1996)
Historias siniestras, de crímenes, engaños, tragedias amorosas y psicópatas sueltos. ¿En que cabeza pueden caber todos estos relatos? Sólo en la del siempre oscuro, inquietante y misterioso Nick Cave, el cual durante el año 1996 decide grabar un Lp entero dedicado a estos temas llamado “Murder Ballads”. De todas maneras, alejémonos un poco y miremos con cierta objetividad, el concepto de recopilar historias que ronden los temas necrófilos puede ser interesante como propuesta pero no es para cualquiera, no todos van a salir bien parados de esa aventura.
Sólo Cave, apoyado por el clima que edifica su voz, entre melancólica, prohibida y a la vez elegante, puede salir airoso de este proyecto y no morir en la sola buena intención. Este proyecto fue la consecuencia de la admiración por parte de Cave hacia todas esas historias antiguas y populares de crímenes, las cuales en formato de baladas son relatadas como un melodrama. Ya desde su portada, en la cual se aprecia una pequeña casa de madera con chimenea encendida incluida, que se encuentra dentro de un frondoso bosque nevado, nos abre el juego de la intriga de que cosas ocultas pueden estar sucediéndose allí, contrastando con la quietud y la calma del paisaje que lo rodea.
Sin embargo, el contenido del Lp no tiene nada que envidiarle a la misteriosa tapa, ya desde su primer tema “Song of Joy” nos relata en primera persona la historia de un viajero que recorre los pueblos contando cuentos de misterio y en uno de sus tantos viajes detiene su marcha para resguardarse de la tormenta justificándose luego por la tragedia que contará. La historia de Joy, es sobre una mujer con la que este narrador se casó 10 años atrás y la cual de un día a otro, sin explicación alguna, perdió su alegría. Su marido médico un día sale de su casa para visitar a un paciente enfermo dejando a Joy y sus tres hijos en su hogar, sin saber que durante su ausencia recibirían la visita de un desconocido. Al volver, sus ojos comprueban que su vida había sido destrozada, su mujer e hijos habían sido muertos a puñaladas y la policía sólo es capaz de decirle que el
“método de la muerte de los niños es el mismo que el de su esposa”. El asesino nunca fue hallado y él viaja errante pueblo por pueblo contando su trágica historia. El comienzo del Lp no puede ser más lúgubre y misterioso y esto es apoyado por la voz emotiva de Cave que narra este relato poniendo en varios momentos de la canción los pelos de punta. El arreglo del tema es magistral, tiene un teclado de fondo inquietante, unos platillos estridentes y el zumbido de un viento aullante que transita toda la canción como un mal presagio, creando a la vez una angustia que va in crescendo, la cual llegando casi al final se mezcla con la furia contenida de la voz de Cave y unos coros apocalípticos de fondo.
Esta canción es sólo el comienzo de un viaje hacia lo más oscuro el cual tiene su próxima parada en la violenta “Stagger Lee”. Esta es la historia de un matón que se teje sobre una leyenda popular de que existió en la vida real y que esta acostumbrado a solucionar sus asuntos por medio de la violencia y la vía rápida. Corre el año 1932 y la mujer de Stagger Lee lo hecha de su casa y él se lanza al mundo armado con su revolver y toda su prepotencia. El relato de Cave va contando la historia de Lee mientras recita de forma textual las palabras, de no muy buena educación, de nuestro antihéroe. Una vez más Cave se las ingenia para transgredir, en este caso, por todas las injurias que
escupe en su relato. Al igual que en el tema anterior, la clave está en la interpretación de Cave, el rango de voz que va adoptando en los diferentes papeles que representa, mientras de fondo suena la precisión de los Bad Seeds a la vez de que se suceden ruidos que acompañan un relato que encajaría perfecto en cualquier película de Quentin Tarantino.
/ Fue en el 32 cuando los tiempos eran duros. / El tenía un colt 45 y una baraja de cartas./ Stagger Lee /
/ Llevaba zapatos de piel de rata y un viejo sombrero Stetson / Tenía un Ford del 28 y letras a pagar por el / Stagger Lee /
/ Su esposa le echó fuera al hielo y la nieve / y le dijo "No vuelvas nunca más"/ Stagger Lee /
/ Así que ando cruzando la lluvia y ando cruzando el barro / hasta que llegó a un lugar llamado el Cubo de Sangre / Stagger Lee /
/ Dijo: "Señor Hijo de Puta, ¿sabes quién soy?" / El encargado del bar dijo: "No, y me importa un carajo" / a Stagger Lee. /
/ Dijo: "Bueno, camarero, es fácil ver / que soy ese hijo de puta malvado llamado Stagger Lee" / El señor Stagger Lee. /
/ El encargado dijo: "Sí, he oído tu nombre en el camino. / Yo pateo culos de hijos de puta como el tuyo todos los días." / Señor Stagger Lee. /
/ Bueno, esas fueron las últimas palabras que dijo el encargado / porque Stag puso cuatro agujeros en su cabeza de hijo de puta /…
Para aquietar toda la violencia del tema anterior, Cave se despacha con la dulce balada llamada “Henry Lee”. Cuando digo dulce me refiero a la interpretación musical por parte de los Bad Seeds que acompañan de fondo la voz de Cave junto a la de PJ Harvey que aparece como invitada ya que una vez más
-como en todo el disco- la historia lleva tintes trágicos. Este Henry Lee, no es el victimario, sino todo lo contrario, es la presa de una malvada mujer que lo seduce para terminar apuñalándolo y luego arrojarlo a un pozo. El fetiche de esta canción lo pone la supuesta relación
-nunca admitida- entre Cave y Harvey que se tejió por esos años y que sirvió para alimentar el espíritu prohibido de esta canción.
/ Acuéstate, acuéstate, pequeño Henry Lee / Y quédate toda la noche conmigo / No encontrarás a otra chica en este maldito mundo / Que se pueda comparar conmigo / Y el viento aulló y el viento sopló /
/ Un pájaro pequeño se posó sobre Henry Lee / Ella se apoyó contra una valla / Sólo para recibir un beso o dos / Y con una pequeña navaja que sostenía en su mano / Lo apuñaló una y otra vez / Y el viento rugió y el viento gimió /…
“Lovely Creature”, se abre un poco de tanta tragedia y nos cuenta el encuentro que tienen en un sueño un hombre con una criatura mitológica. El ritmo es marchoso y se van conjugando los acordes de la guitarra junto a un sonido de viento que crean un ambiente de tormenta en ese relato onírico que es endulzado por los coros femeninos de fondo que suenan como musas encantadoras. Luego, vendría otra balada certera como es “Where The Wild Roses Grow”, uno de los mejores temas del disco, el cual tiene
-dejemos de lado los prejuicios- la colaboración de Kylie Minogue. La interpretación y el aporte misterioso que le da Minogue al tema sorprende a propios y extraños cerrándole la boca a más de uno. Aquí ella juega el papel de una Elisa Day, que confía en su amante y lo acompaña junto al Río. Cave le ofrece unas rosas, luego la besa y termina por sorpresa golpeándola con una piedra causándole la muerte. El arreglo orquestal de fondo, y el clima melancólico y triste es magnificado por la narración a dos voces de Cave y Minogue.
Luego de esta balada, Cave y sus Bad Seeds le ponen un poco de ritmo al disco con “The Curse of Millhaven”, un tema marchoso con ciertos aires de Polca donde relata la historia de una ciudad maldita donde todos los niños están destinados a morir. De todas maneras, ese ritmo trepidante es pausado con la canción “The Kindness of Strangers”. Una balada que cuenta la historia de una joven llamada Mary Bellows, la cual dejó su hogar en Arkansas escapándole a la pobreza para terminar su aventura encontrándose con un hombre de nombre Richard Slade que termina pegándole un tiro en la cabeza y abandonando su cuerpo maniatada a los barrotes de una cama. El clima triste de la canción es sostenido por el sonido del piano de fondo mientras la voz de Cave va relatando la historia y de fondo va apareciendo una voz femenina
-Anita Lane- la cual es reforzada por un llanto que termina en sollozo agregándole una textura más al tema.
Los próximos dos temas no son tan interesantes como la mayoría de las canciones que integran en álbum, sin embargo sirven para redondear el concepto de historias oscuras. Uno de esos es “Crow Jane” el cual está inspirado en un Blues tradicional y “O´ Malley´s Bar”, un tema de catorce minutos que transita varios climas en su relato y que sirve para contar la matanza que causó un psicópata dentro de una taberna. De todas maneras, la duración excesiva le quitan el dramatismo que supo ganar con temas anteriores.
El final esta reservado para “Death is Not The End”, una canción de Bob Dylan, en la cual a diferencia de todo el disco, no habla nada sobre hechos violentos. La canción tiene cierto aire navideño contando con la colaboración de Shane McGowan de The Pogues, y una vez más PJ Harvey, Kylie Minogue y Anita Lane en cada estrofa para terminar al unísono en un
“sólo recuerda que la muerte no es final”, una frase que puede ser un guiño curioso y hasta irónico luego de habernos contado con lujo y precisión esas historias tan siniestras.
5 Discos Mod que no hay que dejar de tener
The Who - "My Generation" 1965
The Who son uno de esos grupos de los cuales se hablo ya de todo, sin embargo nunca va a estar demás volver a mencionarlos dentro de los puntales de la historia del Rock. The Who comenzó su carrera dentro de un movimiento que le quedó corto, muy corto, y decidió emprender la búsqueda hacia nuevos sonidos y otros estilos. El concepto de Ópera Rock comenzó con ellos con el Lp “Tommy”, luego podemos entrar en discusión si fueron los primeros o no en la realización de un álbum conceptual pero sin lugar a dudas fueron la banda más importante hasta ese momento que se “jugaba” a emprender esta aventura. Dejemos de lado esto porque lo que debemos mencionar es su etapa Mod, la primera, la cual para muchos es considerada la más importante y fructífera. En el momento de la edición de su primer Lp “My Generation” de 1965 el mercado musical inglés y más el del Rock ya había ganado su espacio. Los Beatles y los Stones eran los puntales de esa British Invasion con la cual Inglaterra conquistó a EE.UU. De todas maneras, los Who tenían mucha espalda para salir a bancar la parada y esto queda de manifiesto en ese enérgico disco. Antes de la edición de este ya empezaron a darse a conocer con el tema “I Can´t Explain” o “Anyway, Anyhow, Anywhere” donde la calidad de sus integrantes sobresalía de inmediato. La batería del malogrado Keith Moon, la firmeza del bajista John Entwistle, los latigazos de distorsión de Pete Townshend y la energía vocal de Roger Daltrey eran un combo demoledor. Rápidamente captaron la atención de una juventud inglesa de clase media trabajadora que gustaba de la música de Modern Jazz -de ahí el nombre Mod-, del Soul del sello Tamla-Motown y del más puro R&B proveniente de EE.UU. Sin embargo esos jóvenes no sólo se quedaron en lo musical sino que también su movimiento se basó en lo estético, adoptaron en muchos casos una vestimenta elegante, de trajes modernos o de indumentaria sport, como así también peinados típicos y vehículos de transporte que se convirtieron en su marca distintiva como es la motocicleta Vespa con muchos espejos. Incluso, este movimiento tuvo su parte ideológica ya que había un gran respeto y/o apego por el patriotismo adoptando el logo de la Fuerza Aérea Británica como sello distintivo.
Volvamos a los Who y a su primer disco el cual los hizo ser puntales de este movimiento por poseer en su interior todos esos estilos musicales citados anteriormente. El álbum comienza con “Out in The Street” un R&B furioso, crudo en la voz de Daltrey que tiene un gran respeto por la música negra. Esto último queda en evidencia al versionar dos temas de James Brown como es “I Don´t Mind” y “Please, Please, Please”, perfectos tributos al “Padrino” del Soul. También aparecían canciones más Pop pero con mucha impronta como “La La La Lies” y “Much Too Much”, estructuras más emparentadas con el R&B en su versión Mod como “It´s Not True” o “A Legal Matter”, un R&B bien clásico con “I´m a Man” y vetas psicodélicas en “Instant Party (Circles)”. Pero el plato principal esta reservado para dos clásicos generacionales que representan la idiosincrasia juvenil hecha canción en “The Kids are Alright” el cual tiene una melodía seductora en sus coros e instrumentación y el tema garagero “My Generation”. Este último una bola demoledora que va desde el arreglo de bajo exquisito de Entwistle, pasando por la furia en los juegos de tones y bombo de Moon, la urgencia vocal de Daltrey que capta la “tartamudez” de los que se encontraban pasados en pastillas -algo muy de esos años- y por supuesto los latigazos que le propiciaba Townshend a su guitarra.
The Small Faces - "There are But Four Small Faces" 1967
The Who fueron los Mods más reconocidos, sin embargo sólo estuvieron en este movimiento por unos años, ya que luego cambiaron su estilo no sólo musical sino también estético. Sin embargo, si hay que buscar un grupo que sea reconocido, que no haya variado su estilo
-más allá de tener ciertos cameos con la psicodelia- y que siempre se haya mantenido en la ejecución de un R&B enérgico con ciertos toques del Northern Soul y del Pop
-influencias directas para el Mod- esos eran The Small Faces. Integrados por el enérgico Steve Marriott en voz, y secundado por Ronnie Lane en bajo, Ian McLagan en teclados y Kenney Jones en batería
-futuros miembros de The Faces- de a poco se colaron dentro de los mejores y más populares grupos del Swinging London. Los Small Faces, tuvieron a grandes rasgos dos etapas bien delimitadas por los trabajos que realizaron en sus dos sellos grabadores. La primera, junto a Decca donde más allá de tener composiciones propias no eran tan dueños en la toma de decisiones donde grabaron temas más pop o de un R&B más comercial. Para la Decca grabaron un primer Lp que lleva el mismo nombre de la agrupación y luego de la partida de ellos hacia el sello novel Immediate la Decca decide lanzar otro larga duración con material descartado de ese primer trabajo. La otra etapa, quizás la más fructífera del grupo, comienza con el sello del ex manager de los Stones Andrew Loog Oldham, el cual tuvo un buen ojo para captar todo lo interesante que estaba sucediendo en materia artística en la Inglaterra de mediados de los ´60. El sello Immediate a tenido entre sus filas a varios artistas interesantes que grabaron discos que hoy a la distancia son objetos de colección. The Small Faces comienza su etapa más prolífica ya que se sentían más libres en la composición y esto queda de manifiesto en el disco homónimo que graban para este sello y luego la aventura psicodélica llamada “Ogdens Nut Gone Flake” de 1968 el cual en su edición original venía dentro de una lata de tabaco!!. El disco que se encuentra reseñado aquí es la edición americana de ese primer Lp editado para Immediate el cual contiene varios temas que salieron como simples pero que no vieron la luz en el disco de la edición británica. Ya desde los primeros temas se puede apreciar el cambio sonoro de los Small Faces, desde un cuidadoso arreglo en la melodía pasando por una sofisticación en las voces e instrumentación. Algunos de esos temas sobresalientes son “Here Come The Nice”, “Itchycoo Park”, “Green Circles”, “I´m Only Dreaming”, “Tin Soldier” o “My Way of Giving” sólo por nombrar algunas de esas pequeñas joyas.
The Creation - "We are Paintermen" 1967
Un tercer grupo dentro del movimiento Mod
-en un escalón muy por debajo en cuanto a popularidad- son The Creation. Sin embargo, hoy a la distancia son considerados un grupo de culto no sólo para la crítica especializada sino también para ciertos devotos de la música de los ´60 en Inglaterra. Como dato de color hay que indicar que entre sus filas contaban con la presencia de Eddie Phillips, el cual en algunas ocasiones tocaba su guitarra con el arco de un violín durante sus actuaciones, mucho antes de que eso sea
“patentado” por Jimi Page con los Led Zeppelin. También fue integrante John Dalton que luego dejaría el grupo para unirse a The Kinks en su etapa de los ´70 cuando Pete Quaife dejó la banda de los Hermanos Davies. Ya presentados algunos de los más destacados integrantes comencemos con la historia de The Creation. Luego de grabar algunos simples
-que pasaron casi ignorados- decide producirlos Shel Tamy, también productor de The Who. Este volantazo rindió sus frutos ya que los simples que empezaron a publicar empezaron a ser más tenidos en cuenta. Uno de esos sencillos que se ubicaron en los primeros puestos fue “Painter Man”. Luego de un par de cambios en la formación, cantante, bajista y guitarrista incluido acceden a grabar su primer y único Lp “We are Painterman” de 1967 en Alemania. Esto último no es un detalle menor ya que por ese entonces varios grupos ingleses muchas veces eran más tenidos en cuenta en otros países de Europa, caso Alemania, que en sus propias tierras. La huella que dejaron años anteriores los Beatles en su paso por Hamburgo fue importante para que ese país abrace con fervor los sonidos que provenían de Inglaterra. The Creation a pesar de tener una estética bien inglesa y Mod empezaron a perder popularidad dentro de su país y por eso decidieron grabar su Lp en Alemania. Hay una reedición en CD de ese único disco que conserva el mismo arte de tapa y que además de incluir el álbum completo trae los sencillos que fueron editados con anterioridad. En el mismo se encuentran temas propios muy interesantes como el enérgico “Making Time”, el psicodélico “Through My Eyes”, el soulero “Try and Stop Me” y el clásico “Biff Bang Pow” cuya anécdota es que su nombre provenía de las letras que aparecían durante la serie televisiva Batman cuando este junto a Robin golpeaba a los villanos. Luego esta canción sería el nombre del grupo del creador del sello Creation
-¿adivinen por quién también debe su nombre?-, pero eso ya es otra historia. También en este Lp se encuentran versiones de temas como “Hey Joe” o “Like a Rolling Stone”. Este grupo es muy interesante para redondear el concepto del Swinging London que se vivía en Inglaterra a mediados de los ´60.
The Artwoods - "Art Gallery" 1966
Los grupos Mod fueron influenciados de forma directa por el R&B y es por este motivo que muchas bandas de este estilo terminan siendo un híbrido entre el Mod y el R&B dando por resultado un Freakbeat. Encumbrar algunas bandas dentro de un estilo puede ser a veces una ardua tarea ya que en esa ebullición sonora que fue los mediados de los ´60 en Inglaterra aparecieron muchos grupos y todos tomaban influencias de varios estilos. Uno de esos grupos fueron The Artwoods, una banda londinense que su música principal era el R&B pero que muchas veces se la suele ubicar dentro del movimiento Mod por su forma de tocar, de vestir y por los circuitos que frecuentaban entre otras cosas. Este grupo quizás hoy a la distancia sea más reconocido por tener entre sus filas al cantante Art Wood, hermano mayor del ahora Stone Ron Wood y por el joven tecladista Jon Lord, futuro integrante de Deep Purple. Al igual que todos sus contemporáneos, The Artwoods antes de llegar a su larga duración editaron varios simples, muchos de ellos por el sello Decca
-el mismo de los Stones-, hasta que en 1966 consuman su único Lp llamado “Art Gallery”. Más allá de tener temas tocados con mucha pasión por el R&B y tener varias canciones propias interesantes como también así versiones de otros, nunca llegaron a convencer demasiado en sus ventas dando como resultado la separación del grupo luego del Lp. Luego de esto Art Wood quiso formar una banda con los ex integrantes de The Small Faces, proyecto que no prosperó y Jon Lord se uniría a unos todavía desconocidos Deep Purple, mientras que los demás encararon proyectos interesantes en bandas de Rock Progresivo. Hace unos años se editó “Art Gallery” en formato CD el cual contiene todos los temas que integraron esa placa más algunos simples y Ep´s editados por ese entonces. Entre los temas destacables se pueden encontrar “Sweet Mary”, “Goodbye Sisters”, “Oh Love”, “I Take What I Want” de Sam & Dave o el “These Boots are Made For Walking” de Nancy Sinatra entre otras canciones interesantes. Hoy a la distancia el grupo no es demasiado reconocido pero si ha ganado respeto dentro de los coleccionistas de esa época como así también debido a los nombres que pasaron por su formación algunas veces es incluido como reseña dentro de las enciclopedias de Rock.
The Eyes - "The Arrival of The Eyes" 1966
El estilo Mod tuvo varios grupos en esos pocos años que existió durante la mitad de los ´60, pero muy pocos lograron llegar a grabar un Lp, o sea un larga duración entero. Muchos sólo grabaron con suerte uno, dos, tres o cuatro simples mientras que otros pasaron con más pena que gloria y sólo se los puede enunciar porque no tienen ningún material. Sin embargo, la historia y la tecnología de estos años posibilitan que muchas grabaciones puedan recuperarse con sonidos remasterizados, con un material de fotos y datos que sirven para redondear un capitulo más y darle forma a determinados movimientos musicales. Sabemos que la historia la escriben los que ganan, en este caso bandas ultra conocidas, pero alrededor de ellos existieron otros que sirvieron para edificar tal o cual estilo. Uno de esos grupos Mod que nunca llegó a grabar un Lp pero que si pudo editar algunos simples y un Ep llamado “The Arrival of The Eyes” en 1966 es el grupo londinense The Eyes. Hace algunos años ya se editó en formato CD, con la tapa original de ese Ep un recopilatorio que reúne todas las grabaciones de ellos. Esta banda, a diferencia de otros grupos Mod contemporáneos, no se vestía con la típica indumentaria que caracteriza a este movimiento sino con camisetas a rayas con el dibujo de un ojo en el pecho. El sonido de The Eyes hace mucho hincapié en la distorsión, el feedback, etc. De todas maneras, The Eyes, tenían los ojos puestos
-valga redundancia- en el grupo Mod más reconocido como son The Who. No por nada uno de sus temas se llama “My Degeneration”, una respuesta en forma de lado B del tema “My Generation” del grupo de Townshend que tuvo cierto reconocimiento dentro del circuito Mod. Otros temas que también son de la participación de este recopilatorio son el Mod Psicodélico de “When The Night Falls”, con unas guitarras muy similares a The Who. Una canción que ya de tan similar parece copia del “I Can´t Explain” de los Townshend y cía es “I´m Rowe Out”. Luego están la garageras “The Immediate Pleasure” y “You´re Too Much”. También tuvieron lugar algunos covers pero en su versión Mod como son “Man With Money” de The Everly Brothers o “Good Day Sunshine” de The Beatles entre otros. Este recopilatorio incluso tiene temas que son demos de The Eyes y canciones que grabaron cuando se llamaban The Pupils donde rendían tributo a los Stones. Este material es muy interesante para cualquier fan del sonido de los ´60 en Inglaterra y que festeja la aparición de esos tesoros ocultos.
Teenage Fanclub: "Bandwagonesque" (1991)
El que cree que Escocia dentro del panorama musical es sólo la clásica viñeta del hombre retacón, con patillas voluminosas, vestido de falda y boina a cuadros, portando una gaita mientras camina por verdes praderas, primero sólo se quedo en una postal de su música tradicional y segundo se está perdiendo un capítulo entero dentro del rock reservado para este país del Reino Unido. De todas maneras partamos de la base que Escocia siempre se mantuvo bajo las sombras de la
vedette llamada Inglaterra y esto en ciertos casos pudo haber sido beneficioso para muchos grupos de ese país, manteniéndose a un costado y no contagiándose de la vorágine comercial que puede llegar a ser el camino de la consagración.
A mediados de los ´80 en Escocia empezó a gestarse un movimiento que reunió varios grupos de corte indie a los cuales la crítica especializada empezó a denominarlos como C-86. El nombre provenía de un cassette editado en ese año por la revista New Musical Express donde reunía a varios grupos como Primal Scream, The Soup Dragons, The Pastels, The Mighty Lemon Drops y varios más. El estilo de cada agrupación podía llegar a ser diferente uno de otro pero sin embargo todas hacían un gran hincapié en el sonido de las guitarras. Hubo grupos que no aparecieron en ese material pero que también eran deudores de ese mismo sonido y por supuesto compartían la misma contemporaneidad como son los Teenage Fanclub. Esa incipiente movida que se formó en Escocia y que fue característica de ese país no terminó de explotar
-que lástima- pero sin embargo se mantuvo lejos de lo comercial
-que suerte- el cual hubiera atentado contra ese espíritu independiente y de búsqueda con el que fue creado.
El sonido de los Teenage Fanclub tenía influencias por partes iguales de las guitarras
jangles de The Byrds, los arreglos vocales y Power Pop de Big Star, el espíritu de Neil Young y las distorsiones de toda la movida alternativa americana y del Paisley Underground de esos años. De todas maneras, lograr ese sonido le llevó tres Lp hasta que su tercer trabajo, segundo con el notable sello Creation, llamado “Bandwagonesque”, los hizo dar el gran salto dentro de sus contemporáneos. El
“gancho” consistió en riffs más controlados bajo un línea más melódica pero con ciertos toques de distorsión. Por el lado de las voces, las armonías de cada uno de ellos sostenidas por la voz principal de Norman Blake le dieron un sonido más pop a sus canciones.
El disco comienza con “The Concept” un tema que se volvió un clásico dentro de su repertorio y uno de los tantos que también lo harían y que se encuentran en este Lp. Abre con un juego de distorsión de guitarra, bien característico de los ´90, con armonías vocales que muestran de forma bien marcada una sensibilidad por la melodía. Los riffs de guitarra y los punteos de este tema fueron inspiración para muchas bandas posteriores. Al promediar el final del tema, Blake y cía se despachan con unos coros encumbrados por los arreglos de fondo de guitarra y cuerdas entregando un inicio de álbum más que auspicioso. “Satan”, es el puente de distorsión y furia rockera,
-¿grunge de Escocia?- que nos deja en la puerta de “December”. Este tema tiene una construcción similar al primero, una melodía relajada y optimista con unos arreglos deudores de los Big Star de Alex Chilton.
Si hasta acá el comienzo no te compró, los Teenage Fanclub tenían reservado un as en la manga llamado “What You Do To Me”, un Hit por donde se lo mire que habla por si solo con una duración más que radial, sólo dos minutos que nos hacen renegar que dure tan sólo eso. “I Don´t Know” comienza también con un juego de guitarras pero es en el arreglo de voces donde esta el
“gancho” que la vuelven tan adictiva. Ya casi a la mitad del disco podemos hacer una pausa y reflexionar que el sonido de los TF hoy a la distancia es bien característico de esos primeros años ´90 en el Reino Unido pero tienen un alto grado de emotividad que no envejeció nada con el paso del tiempo.
“Star Sign” tiene una urgencia más rockera y directa pero sin correrse ni un centímetro de la melodía que tanto respetan los TF. “Metal Baby”, “Pet Rock” y “Sidewinder” son temas que al igual que los anteriores también tienen un gran trabajo por las armonías vocales. “Alcoholiday” es otro punto fuerte dentro de un disco que quizás la segunda parte no es tan directa como la primera pero que tiene reservados temas como este para seguir degustando. Esta canción reúne en cinco minutos todo por lo que los TF se consagraron, buenos coros, riffs pegadizos, un cariño por las melodías pop pero también por la distorsión y los punteos precisos en el momento exacto.
“Guiding Star” comienza con una voz etérea, sobre una melodía triste pero elegante por partes iguales creando un ambiente hipnótico donde nos muestra la gran influencia que fueron para su carrera sus compatriotas de The Jesus and Mary Chain. El cierre esta reservado para “Is This Music?”, un tema instrumental donde las guitarras
-¿quien sino?- crean el ambiente dentro de un sonido marchoso de bajo y batería.
“Bandwagonesque”, en el año de su edición tuvo que disputar los rankings con grandes tanques como el “Nevermind” de Nirvana, “Ten” de Pearl Jam, “Loveless” de My Bloody Valentine, “Screamadelica” de Primal Scream, “Out of Time” de R.E.M o el “Blood, Sugar, Sex, Magic” de los Red Hot Chili Peppers entre otros. Entre las sombras de estos, pudo hacer pie dentro de una escena musical que estaba en tiempos de cambio tanto en EE.UU como en Inglaterra. Incluso hoy se puede apreciar quizás aún más todo el diamante en bruto que significo este disco proveniente de ese movimiento independiente que se gestó en Escocia.
Para muchos los Teenage Fanclub corrieron con la desgracia de editar este Lp en pleno furor por el Grunge, como así también de que Inglaterra aún se encontraba buscando sus nuevos
“salvadores del rock”, ya que todos los
“soldaditos” que aparecían, Stone Roses, Primal Scream, Suede y varios más no terminaban de erigirse como el camino a seguir hasta que se abrieron las puertas del Brit Pop. Por el otro lado, muchos piensan que el hecho de que estos acontecimientos los hayan corrido de los primeros puestos en discusión, fortaleció aún más la figura de banda de culto que se formo en ellos ya que no perdieron el espíritu Indie más allá de tener un álbum sobresaliente y pseudo comercial como este. Los Teenage Fanclub
-aún vigentes- luego de este trabajo seguirían con Lp´s de muy buena cepa como son “Thirteen” o “Grand Prix”, discos que no tienen nada que envidiarle a este “Bandwagonesque”, pero es con este último con el que pudieron plasmar su sonido tan personal.
Gram Parsons: "Grievous Angel" (1974)
De cada estilo musical siempre hay una, dos y hasta tres figuras que sobresalen del resto. Muchas veces la crítica especializada, ya con el legado del artista encima, le suele poner rótulos como
“el padrino de tal cosa” o
“el padre de tal otra” entre otros apodos. La gran mayoría de las veces suele ir de la mano del marketing y la
“venta” del artista, sin embargo en muchas otras es un sinónimo fiel de lo que significó para la industria musical y para un estilo en particular. Dentro del Country Rock, un estilo bien Americano, más precisamente de EE.UU, y que tuvo su época de plenitud a fines de los ´60 y principios de los ´70 contó con artistas referentes como The Eagles, New Riders of The Purple Sage, The Flying Burrito Brothers y un período de The Byrds entre varios grupos más.
De todas maneras en las dos últimas bandas mencionadas hubo un integrante como lo fue Gram Parsons, el cual es considerado uno de los creadores del Country Rock. Parsons ya desde el principio de su carrera musical junto a The International Submarine Band mostraba un gran afecto por los sonidos rurales que provenían del interior de los EE.UU llevando con orgullo esa bandera en forma de impronta. De todas maneras, no todo surge por casualidad sino que hay muchas causalidades para que el Country, un estilo bien campestre, pueda calar hondo dentro del Rock para luego convertirse en un subestilo de este. A mediados de los ´60 el Folk Rock ya había dejado de ser una promesa para ser una realidad y de la mano de The Byrds que mezcló temas de Dylan con una melodía emparentada con el rock de The Beatles abrió muchas puertas de cambio. El cual no se detuvo acá sino que siguió buscando afinidad dentro de otros estilos, uno de los cuales fue el Country.
Luego de que Parsons disolviera su banda inicial, fue recibido por los Byrds que por ese entonces ya afrontaban tiempos de cambio y de roces dentro de sus integrantes originales. Quizás esta falta de buena comunicación que había entre ellos fue la oportunidad justa para que Parsons los convenciera de realizar un disco de Rock pero con raíces Country como lo fue “Sweetheart of The Rodeo.” De todas maneras, sería injusto adjudicar al primer Lp de este estilo como un mero hecho de casualidades y no hacer hincapié en la fuerte personalidad de Parsons para imponer sus ideales revolucionarios. Incluso no está demás mencionar que el Country es un estilo arraigado de forma muy fuerte a las tradiciones del hombre rural americano blanco. Por este motivo no fue muy bien visto al momento de su edición ya que exponía muchos años de cultura y tradición ortodoxa coqueteando en lo musical con el Rock, una expresión juvenil y poco seria para algunos.
Luego de plasmar ese manifiesto de Country Rock dentro de una banda ya consagrada como The Byrds, Parsons se alejó y formo a los Flying Burrito Brothers con los que editaría dos discos imprescindibles que sirvieron para redondear la figura de él como creador del Country Rock. Sin embargo, después de haber formado parte de todos estos grupos decide emprender una carrera solista la cual fue cortada de forma repentina por su temprana muerte a los 26 años debido a una sobredosis de Heroína. Sólo dejó editados dos discos oficiales, “GP” y “Grievous Angel” y algunos temas que fueron recopilados en discos póstumos. A comienzos de los ´70, Parsons, compañero de excesos de Keith Richards, formó un grupo de acompañamiento llamado The Fallen Angels integrado por varios miembros de la banda que giró con Elvis en Las Vegas. La mención en este relato de Richards no es un detalle menor ya que Parsons de forma directa o indirecta fue influencia para que en los discos de los Stones de esos años haya temas de raíces Country o Honky Tonk. Incluso existe el rumor que el tema “Wild Horses” fue cedido por Parsons a los Stones relegando hasta su autoría.
El disco “Grievous Angel” apareció en el mercado unos meses después del deceso del cantautor y nos muestra un Parsons con la sensibilidad y el alto grado de melancolía y emoción que siempre lo caracterizó en sus canciones donde tributó de manera constante a la tradición Country pero desde una pose de Rock. Para este trabajo contaría, al igual que en el primer disco, con las voces de la gran cantante Emmylou Harris, cuya carrera solista también tiene trabajos muy recomendables. También cuenta con la colaboración de Linda Rondstadt, aún joven y todavía lejos del reconocimiento radial que tuvo ya entrados los ´80.
El álbum comienza con “Return of The Grievous Angel”, un viaje musical en ritmo Honky Tonk que recorre el interior de los EE.UU y muestra la melancolía y el deseo del protagonista de regresar a su hogar. La guitarra de James Burton y el acompañamiento de la dulce voz de Emmylou Harris le dan otro vuelo al tema. “Hearts on Fire”, una vez más con la ayuda vocal de Harris es una balada cuya letra habla sobre el desencanto que genera un amor no correspondido. El ritmo bailable lo pone “I Can´t Dance”, un Rock and Roll muy cercano al de los Stones de los ´70. “Brass Buttons” se desprende cómo una canción triste de corte introspectivo que habla sobre algunos reproches pasados que aún lo condicionaban en su vida. Por la misma senda transita el tema “1000 Wedding” cuya letra habla sobre la esclavitud domestica que puede llegar a ser una mal matrimonio y los tormentos por los que se puede pasar como consecuencia de esto, edulcorado por la emotividad vocal de Parsons y Harris.
A la mitad del Lp aparece un Medley en vivo con las canciones “Cash on The Barrelhead” de los Louvin Brothers, de influencia Bluegrass, y como segundo tema aparece una versión de la canción “Hickory Wind” de The Byrds. Luego de esta especie de
“separador”, llega uno de los mejores temas del disco como es “Love Hurts”, una estupenda versión de una canción que también supieron hacer The Everly Brothers entre otros. La cancina y melancólica voz de Parsons se mezcla con la dulce y aguda de Harris formando un ambiente emotivo perfecto. Luego de este golpe por debajo del cinturón Parsons se despacha con una canción dedicada a la capital mundial del entretenimiento, Las Vegas, donde en ritmo de Hillbilly rinde tributo a esta ciudad Americana. Cierra el Lp “In My Hour of Darkness”, un tema compuesto en conjunto por Parsons y Harris en el que habla sobre la fortaleza de espíritu que se debe tener en los momentos malos y de flaqueza.
En el momento de su edición, tanto sus dos trabajos como solista como los realizados con los Flying Burrito Brothers o el “Sweetheart of The Rodeo” que grabo con los Byrds llamaron la atención y le dieron una vuelta de tuerca a un estilo que se había quedado en color sepia y necesitaba una lavada de cara. Parsons aportó toda la juventud que tenía a un estilo bien tradicional de la cultura Americana desde el más profundo de los respetos demostrándole un amor incondicional durante toda su vida. Sin embargo, con el paso del tiempo, es cuando se puede apreciar lo importante que fue el legado de Parsons no sólo dentro de su generación y posteriores, sino también dentro de la música de los siguientes veinte años.
Blur: "No Distance Left To Run"
Uno de los acontecimientos que están sucediendo por estos últimos años, y cada vez con más asiduidad, que sirven para que la industria del rock se sacuda la modorra de vez en cuando, son las famosas
“reuniones” de los grupos consagrados. Muchos pueden ser los motivos por los que los integrantes de esas bandas deciden fumar la pipa de la paz y reunirse una vez más todos juntos arriba de un escenario como en sus años dorados. Algunas de las razones por las cuales pudieron
“limar” sus asperezas pueden ser el paso de los años el cual sirve para cerrar todas las heridas, un acercamiento de nuevo en cuanto a similitudes artísticas y/o compositivas y así unas cuantas más, pero seguro la que tiene un alto índice de protagonismo en esto es el factor económico. La industria musical y más la del rock siempre se movió y se moverá bajo los fríos números del dinero. Poder reunir a esas personas que están distanciadas durante tanto tiempo para hacerlos subir al escenario en pos de que sus fans consuman todo el combo de nuevo disco-gira mundial y un largo etcétera es un negocio redondo. Muchas veces queda de manifiesto
“el negocio” ya que la propuesta de nuevo material/ideas es casi nula pero sin embargo en otras ocasiones es recibida con los brazos abiertos esa nueva oportunidad que se abre para poder ver una vez más a una banda legendaria reunida arriba de un escenario. Ejemplos hay muchos, para todos los estilos y edades, algunas bandas llevan más años encima de ese
“divorcio” que otros grupos y varios etcéteras más que condicionan y le dan otro color a la reunión.
Una de las
“¿separaciones?” más recientes fue la del grupo británico Blur. La banda liderada por el siempre inquieto Damon Albarn fue uno de los bastiones principales del Brit Pop de los ´90 en Inglaterra liderando junto con Oasis la lista de discos más vendidos que sirvió para que el Reino Unido tuviera un nuevo renacer de la cultura musical como lo fue en los ´60. Sin embargo, fue más un distanciamiento que una separación la que tuvieron los Blur ya que entrado el siglo XXI, se podía vislumbrar que cada integrante apuntaba para una dirección e interés diferente. La dupla Damon Albarn-Graham Coxon
-cerebros de la agrupación- se encontraban por esos días con diferencias cada vez más notorias. Albarn estaba abocado cada vez más a su nuevo grupo, Gorillaz, y destinaba todo su tiempo y buena voluntad compositiva a este último más que al grupo con el cual se dio a conocer. La jugada de Albarn fue bastante arriesgada porque formo un grupo de fantasía integrado por dibujos animados, los cuales iban a ser proyectados en una pantalla gigante en los conciertos mientras que la banda real iba a interactuar de forma sincronizada detrás del telón. No se puede culpar a Albarn de querer
-quizás también por una cuestión psicológica- apartarse de la exposición que le generaba el liderazgo de Blur para refugiarse entre las sombras de unos dibujos animados y abocarse a lo que realmente le daba felicidad, la búsqueda de nuevos sonidos, texturas y composiciones. Un capítulo aparte, y uno de los que pudo haber hecho mucha mella en esto, fue la rivalidad que creó la prensa con los Oasis y todo el desgaste que esto le pudo haber generado de forma psicológica. Coxon por su parte fue el primero en dar el portazo e irse y también se aboco a un proyecto solista con una banda más tradicional y un estilo un poco más emparentado al de Blur y no tan experimental como lo fueron los proyectos paralelos de Albarn. Alex James, bajo, y Dave Rowntree, batería, aceptaron la propuesta de la separación y cada uno buscó intereses personales, por afuera de la música estos últimos.
Aclarado ya cuales pudieron ser los motivos de ese desgaste que provocó el distanciamiento aboquémonos a esa reunión que empezó a gestarse ya a finales del 2008 con rumores de que los cuatro integrantes originales de Blur volverían a tocar juntos arriba de un escenario. La industria musical rápida de reflejos no iba a dejar pasar esta movida y ni lenta ni perezosa decidió lanzar un DVD doble de Blur que encumbre todo ese proceso. El DVD “No Distance Left To Run” lanzado en 2010, cuenta con un primer disco que es un documental el cual retrata y refleja los comienzos de la banda y los pormenores de la gira que los lleva a recorrer toda Inglaterra promocionando su reunión. Las imágenes que se usan son de archivo, los cuales nos muestran a unos jovencísimos Blur mientras se van mechando con entrevistas realizadas a ellos durante la gira en distintas ciudades. Se pueden ver fragmentos de conciertos realizados en varias ciudades como en la estación de trenes de Essex, donde
“debutaron” con la gira mientras el documental nos cuenta la historia de sus comienzos con un primer disco “Leisure”, muy deudor del sonido Madchester, luego su caótica primer gira por los EE.UU ya que para ese entonces había explotado el Grunge en ese país. Las entrevistas nos dejan ver a un Albarn contándonos con detalles como empezó a torcer la dirección musical de Blur buscando volver a revalorizar la cultura y música británica ya que el Grunge comenzaba a hacerse fuerte también en Inglaterra. Discos como “Modern Life is Rubbish”, “Parklife” y “The Great Escape” son considerados la trilogía básica musical de una generación que estaba orgullosa de ser inglesa y no necesitaba del capitalismo Americano. Por supuesto que había otros grupos contemporáneos a Blur que también hicieron a la cosa para que ese nuevo
“amanecer” británico estuviera vigente durante toda una década.
Un capítulo aparte esta reservado para la enemistad que se suscitó con los Oasis y esa
“guerra de bandas” que no se vivía en Inglaterra desde los Beatles y Stones. Promediando el final del documental nos muestra a los Blur ya bastante distanciados y luego de la
“resaca” que fue la fiesta de la llamada Cool Britannia en discos como “Blur”, “13” y el ultimo “Think Tank”. El final del DVD nos regala una viñeta de un Albarn emocionado por todo lo vivido con los Blur, un Coxon arrepentido de haberse ido por la puerta de atrás y una reconciliación de los cuatro cuyo marco final es el concierto de Glastonbury junto a las fechas en el Hyde Park.
El segundo DVD de este “No Distance Left To Run” está reservado para el concierto completo que dieron en el Hyde Park el 2 de Julio de 2009. La lista de temas contiene todos los éxitos que realizó Blur desde su primer Lp hasta el último. “She´s So High”, “Girls & Boys”, “There´s No Other Way”, “Beetlebum”, “Coffee and TV”, “Tender”, “Country House”, “Chemical World”, “End of a Century”, “To The End”, “Song 2”, “For Tomorrow” y “The Universal” son algunas de las canciones que integran esa lista de 26 temas que incluye el concierto.
Un dato de color es que el siguiente DVD fue nominado como Mejor Video de Larga Duración para los Premios Grammy aunque perdió contra otro excelente documental como es el “When You´re Strange” de The Doors, el cual tiene los relatos de Johnny Deep. Por último queda decir que la excusa de una reunión ante el distanciamiento de los integrantes de Blur es recibida con los brazos abiertos seas o no fan de ellos primero por el buen documental que sirve para redondear y darle forma a ese acontecimiento que vivió la industria musical inglesa en los ´90 y por último porque viene acompañado del recital de una de las bandas más importantes de los ´90 no sólo inglesa sino ya a nivel mundial.
Trailer Documental
"Girls & Boys"
"Coffee and TV"
"Parklife"
"Song 2"
"The Universal"
Moris: "Fiebre de Vivir" 1978
En muchas ocasiones se puede ser más profeta fuera de su tierra que en su país natal. Esto sucede en todos los ámbitos y el musical no está exento de esto. Un ejemplo que proviene desde nuestro país y que quizás fue más por casualidad que causalidad fue el de Moris en su exilio hacia España escapando de los años de dictadura que se vivían durante la década de los ´70 en Argentina. Cuando se menciona el hecho de casualidad no es para restarle meritos a Moris y mucho menos darle vuelta la cara a lo que se vivía en materia política en nuestro país, sin embargo Moris nunca se esperó para nada el buen recibimiento que tuvo en el país ibérico. Esta buena acogida que tuvo en España se debió a varios motivos, primero porque a finales de los ´70 ese país estaba despertando de un letargo de muchos años de tiranía por el gobierno de Franco y segundo que por consecuencia de esa dictadura existió tal censura que el arte español fue casi nulo en años anteriores. El Rock Español, más allá de tener algunos ejemplos aislados casi no existía, muy a contramano de lo que si se pudo gestar en Argentina a pesar de estar bajo las mismas botas militares a fines de los ´60.
A finales de 1976, uno de los considerados fundadores del Rock Argentino y quizás también el primer cantautor de Rock nacional
-Tanguito también lo fue pero recién llegó a lanzar un Lp post mortem- comenzó a hacer sus valijas ya que podía vislumbrar un panorama bastante incierto y turbio para cualquier artista que quisiera expresarse libremente. Por esos años las sutilezas no eran tenidas muy en cuenta y la opinión que tenían sobre él se lo hicieron saber de forma manifiesta al prohibir de manera violenta un recital que estaba por dar ese año en un teatro porteño. Por estos motivos es que Moris decide emprender un viaje a Madrid junto con su familia para poder continuar con su música. Este no fue el único caso de autoexilio, los Aquelarre
-la banda integrada por los ex Almendra Emilio del Guercio y Rodolfo García- también supo hacer lo mismo durante esos años sin embargo no obtuvieron el resultado esperado.
Hagamos una pausa a este relato para graficar la imagen que se puede tener de Moris en el presente. Para muchos puede ser sólo recordado por la autoría del tema “El Oso”
-emblema del Rock Argentino-, junto con otros temas ya en una segunda línea de éxito como “Ayer Nomás”, “De Nada Sirve” o “Escúchame entre el Ruido”. Sin embargo, durante su exilio en España grabó el Lp “Fiebre de Vivir” que sería para ese país una de las tantas patas fundamentales de ese incipiente Rock Español, pero para nuestro país ese disco se mantuvo durante mucho tiempo entre las sombras y también mucha de la discografía siguiente de Moris a pesar de ser parte de esa cofradía de fundadores del Rock Argentino. Los motivos para esto pueden ser varios y no vamos a analizarlos ahora pero vale rescatar este trabajo dentro de su discografía ya que tiene muchos méritos.
El álbum se editó en 1978 y tiene la particularidad de que Moris pudo sentir esas calles Madrileñas como si fueran suyas, como si se hubiera criado ahí toda la vida. Moris puede tener varios detractores, a los cuales no les agrada demasiado quizás su voz o su forma de composición, pero sabe sacar de una letra costumbrista y mundana un tema destacable como así también graficar calles, trabajos y quehaceres del día a día con una prosa similar al tango. Muchas veces, también corre con el prejuicio de ser
“aburridas” sus canciones, sin embargo su tercer Lp “Fiebre de Vivir”, tiene un pulso bien roquero muy diferente a todo lo que había hecho durante su etapa solista. Deja de lado las letras reflexivas, existenciales y las cambia por unas más sencillas y directas
-de noche, bares, mujeres y diversión- que se vieron influenciadas por el pulso madrileño y lo vivido durante las noches en esa ciudad. Esa simplicidad se vio reflejada en covers de Rock and Roll de los ´50 pero obviamente cantados en castellano como “Zapatos de Gamuza Azul” de Carl Perkins, que tiene el particular estilo de que la palabra zapatos fuera pronunciada como una “S” y no como una “Z” como es la fonética española. Toda una proeza sabiendo lo ortodoxos que suelen ser los españoles con su idioma. La versión de este tema, a pesar de tener esta pronunciación, causó un furor en España pero no fue solo el único cover que tiene la placa ya que el Lp también cuenta con el tema “Que Dije” de Ray Charles, otro punto muy alto del disco.
Fuera de estas dos versiones de clásicos del Rock and Roll se encuentran temas del mismo corte como “Sábado Noche”, el cual comienza casi acústico para terminar en una explosión eléctrica de rocanrol con una letra bien simple que habla sobre la suerte que tiene un joven un Sábado a la noche el cual ya terminó de trabajar y puede salir por ahí a divertirse. Otras letras simples pero efectivas dentro de ese Rock and Roll pueden ser “Rock de Europa”, “Balanceo del Rock”, “Hoy Como Ayer” y “Rock del Portal”. No todo es Rock eléctrico en este disco, sino que también posee algunas baladas muy empapadas con el aire Madrileño, no sólo por la facilidad de poder retratar con exactitud calles y gente del lugar sino también por tener una composición musical muy catalana. Esto se puede apreciar en temas como “La Ciudad no Tiene Fin”, “Tarde en el Metro” o “Balada de Madrid”.
El
“sonido Moris” puede no ser del agrado de cualquier desprevenido y quizás no genere una empatía de inmediato en un primer momento, muchas pueden ser las razones
-los prejuicios también-, pero más allá de esto no se le puede ser esquivo a un trabajo que aquí en nuestras tierras puede haber pasado desapercibido pero en España fue uno de los pilares para la gestación de un Rock que para finales de los ´70 aún estaba gateando.
5 Discos de Rhythm and Blues Británico que no hay que dejar de tener
The Rolling Stones - "The Rolling Stones" 1964
De todas las bandas que integran esta lista, sin dudas la más longeva y que aún se encuentra en actividad son los Stones. Durante más de cinco décadas los Stones fueron modificando su sonido de acuerdo a los parámetros musicales de moda y los gustos personales del grupo. Pasaron del más tradicional R&B, pero también tuvieron pequeños coqueteos con la Psicodelia, el Soul, el Funk y Punk hasta terminar en el Rock a secas de estos años. Para 1964, año en que se editó el primer Lp de los Stones, los Beatles ya existían y eran un éxito mundial. Sin embargo, mucho antes de que esto sucediera, el sello inglés Decca los había rechazado y estos fueron a parar a un sub-sello como fue Parlophone de EMI perdiéndose con esto la gallina de los huevos de oro. Cuando los Stones se presentaron en las puertas de Decca, los ejecutivos de esta grabadora no tropezaron con la misma piedra dos veces y los ficharon de inmediato. Ya desde un primer momento los presentaron como la contracara de los Fab Four, elegantemente desarreglados y desalineados, con una actitud más provocativa y una forma de tocar un poco más ruda y directa. Eran los chicos malos del rock, sin embargo a pesar de que se los vendió como los rivales de los Beatles, sólo lo fueron en términos de negocios musicales ya que había una muy buena relación entre los integrantes de cada banda. Para muestra sólo basta un botón, ya que los Beatles le cedieron el tema “I Wanna Be Your Man” a los Stones para que estos lo grabaran, ya que quedaba más con el perfil de estos últimos que en los de Liverpool. El primer Lp de los Stones no varía demasiado del común denominador que reinaba por esos años en Inglaterra, un compendio de standards de R&B de bluesmen americanos ejecutados con pasión y energía por jóvenes blancos. Por esos años los sellos discográficos se jugaban por lo seguro -nunca dejaron de hacerlo- y lo que se vendía como pan caliente eran esos temas “prohibidos” que provenían desde la raza negra de los EE.UU y que despertaba el fuego interior de la juventud inglesa. Pero si a todo esto le agregamos que los ejecutantes de esta música eran jóvenes ingleses con cierta presencia atractiva, el negocio era redondo. Los Stones para ese entonces habían recibido toda una catarata de temas de R&B gracias al intercambio de discos que provenían desde las zonas portuarias donde los barcos detenían su marcha con productos importados desde los EE.UU. Mientras que también fueron influenciados por las radios piratas que por ese entonces empezaban a florecer con esa “otra música” que no era difundida por las radios comerciales. Por todos estos motivos, este Lp tiene una gran cantidad de covers de R&B como “Route 66”, “I Just Want To Make Love To You”, “Walking The Dog”, “Carol”, “I´m a King Bee”, “Not Fade Away”, “You Can Make If You Try” o “Can I Get a Witness” y sólo tres temas de su autoría como son la instrumental “Now I´ve Got a Witness” y “Little By Little” ambas realizadas bajo el seudónimo de Phelge ya que aún tenían cierta vergüenza o reparo en poner sus apellidos verdaderos. El otro tema es “Tell Me”, este si ya con la firma Jagger-Richards. Luego de este disco los Stones tendrían más composiciones propias que le ganarían terreno a los covers, pero es con este disco con el cual dejaron su huella de R&B.
The Animals - "The Animals" 1964
Primero que nada aclaremos que la portada de este Lp
-el primero de The Animals- es de la edición Americana, muy diferente a la tapa del disco proveniente del Reino Unido. Esto que para muchos sólo puede ser un detalle, en el coleccionismo discográfico es mirado con recelo y pasión por tener las portadas de las diferentes ediciones de un mismo disco. De todas maneras, las diferencias no sólo se encuentran en las diferentes tapas sino también en los distintos títulos que integran la lista de temas de una y otra edición. Esto que a la distancia puede ser visto como un capricho, en la década de los ´60 era de moneda común, pero esto tenía un justificativo. Siempre antes de que un artista o grupo lance un Lp, este debía editar dos o tres simples de éxito para
“testear” el recibimiento del público y asegurarse con esto la venta de los futuros Lp. Si ese grupo o artista lograba rendir esas condiciones recién ahí accedía a grabar ese ansiado Lp pero todos esos temas que lanzó como simple no integrarían ese larga duración salvo cuando este trabajo sea editado en otro mercado donde sí reuniría todos esos temas
-la mayoría de éxito- logrando un producto bien acabado y de fácil venta. Por este motivo, muchos de los temas que en la edición Americana de esos grupos ingleses sí se encuentran, no fueron de la partida en la edición Inglesa. Aclarado esto ya, vale decir que incluso este trabajo se editó dos meses antes que la versión inglesa y cuenta como se detallo más arriba con todos los simples de éxito. El disco arranca con “The House of The Rising Sun” un tema tradicional, realizado por los Animals en una veta bien blusera sostenida por el piano del tecladista Alan Price
-uno de los mejores de la época- y la voz excelente para este tipo de registros de Eric Burdon. Las otras canciones de la placa son al igual que lo que sucede con sus contemporáneos, un compendio de estándares de R&B como “Blue Feeling”, “The Girl Can´t Help It”, “Baby Let Me Take You Home”, “Talkin' 'Bout You”, “Around and Around”, “Gonna Send You Back to Walker”, “Memphis Tennessee” o “I'm Mad Again”. The Animals luego editaría “Animals Tracks” el cual sería el último con Alan Price ya que decide alejarse del grupo y seguir como solista. Luego vendría “Animalism” y después de este cambiarían muchas cosas, el nombre del grupo a Eric Burdon and The New Animals, varios de sus integrantes y el estilo de R&B que siempre caracterizó su sonido mutaría por un rock más psicodélico, bien acorde con los tiempos que se vivían a mediados de los ´60. De todas maneras, The Animals se encuentran dentro de esa cofradía de grupos insignia de R&B inglés siendo uno de los primeros en desembarcar en la denominada
British Invasion que tuvieron los EE.UU.
Ya es sabido por muchos que The Yardbirds contó entre sus filas con tres de los mejores guitarristas del rock en menos de cuatro años como fue Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Mientras que otros saben que de las cenizas de estos, surgieron las bases de lo que fue Led Zeppelin. Sin embargo, muy pocos se detienen a reparar en lo muy influyentes y grandes artistas que fueron apartándose por un momento de todos esos tips que se fueron ganando con el paso del tiempo. Las actuaciones de los Yardbirds eran enérgicas, y tenían una exquisitez para la interpretación de los R&B que rápidamente los impulso como banda de apoyo durante las visitas de los Bluesmen americanos. Con el correr de los meses ya fueron haciéndose de un nombre en el circuito de locales como el Crawdaddy o el Marquee por tener a un excelente guitarrista
-Clapton- pero también por tener un cantante que sin ser descollante, tenía un registro de voz muy particular que lo destacaba de inmediato. Muchos podrán decir que el disco más R&B de los Yardbirds puede ser su primer Lp, “Five Live Yardbirds”, grabado en vivo de forma íntegra. Sin embargo, su primer larga duración de estudio fue este “For Your Love” de 1965 el cual ya no contaba con la participación de Clapton porque el aducía que los Yardbirds se estaban volviendo más Pop. El tema en cuestión, homónimo al disco, puede tener cierto toque pop, sin embargo el resto del disco es uno de los mejores ejemplos del R&B inglés, con toques de Soul y Beat. En el Lp además de encontrarse este tema del compositor Graham Gouldman, se encuentra los excelentes “I'm Not Talking”, “Putty (In Your Hands)”, “I Ain't Got You”, el instrumental “Got to Hurry”, “I Wish You Would”, “A Certain Girl”, el Soul Blanco de “Sweet Music”, “Good Morning Little Schoolgirl”, “My Girl Sloppy” y “I Ain't Done Wrong”, cuya autoría pertenece al cantante Keith Relf.
Los Lp de The Yardbids nunca fueron reconocidos en su magnitud, como una obra en sí misma, sino que siempre tuvieron que conformarse con ser una banda muy rendidora de simples pero no tanto de los larga duración. Esto de a poco se fue corrigiendo con la historia pero existe todavía cierta confusión dentro de la discografía de los Yardbirds, incluso este segundo Lp muchas veces es obviado dentro de la discografía de ellos. Quizás parte de esta confusión se deba al recambio de guitarristas de forma tan rápida, quien sabe, lo que si es seguro es que “For Your Love” es uno de los mejores discos de esa primer oleada de R&B inglés.
Las Cosas Lindas, el nombre del grupo dista mucha de lo que en realidad fueron, unos auténticos salvajes en escena. Las actuaciones de The Pretty Things realmente eran incendiarias, tenían mucha energía y una crudeza en escena que podía dejar boquiabierto a más de uno. Esto se debía mucho al gran showman que era Phil May. Dejaba todo sobre el escenario y dentro del circuito muchas veces fue comparado con Mick Jagger por varios motivos ya que mezclaba por partes iguales arrogancia, desenfreno y sexualidad. Comentario aparte merece el largo de su pelo el cual era mucho más abundante que el común denominador de sus contemporáneos. Esto hoy a la distancia puede ser hasta naif, pero para esa época podía causar bastante malestar dentro de la sociedad bien habiente. Sin embargo, tal cual como sucedió con los Stones que tenían a la dupla compositiva Jagger-Richards, en los Pretty Things se encontraba Dick Taylor, un guitarrista que también supo integrar la prehistoria de los Stones mucho antes de que estos sacaron algún simple. Taylor ya tenía un background que venía de la escuela del Jazz y el más ortodoxo R&B. De todos los grupos mencionados, los Pretty Things fueron los que tuvieron un R&B más crudo y furioso, esto queda de manifiesto ya en su primer Lp del mismo nombre de la agrupación y se refuerza con este segundo trabajo, “Get The Picture?”. Aquí la urgencia de ese primer álbum sigue estando pero esta más contenida y la ejecución de los temas mejora considerablemente convirtiéndose en un disco de más fácil escucha. Para el año 1965, en el cual se produjo la edición de este Lp, los grupos podían cada vez más introducir composiciones propias y dejar un poco más de lado los estándares de R&B. Por este motivo no es de extrañar que esta placa cuente casi con la mitad de composiciones propias de ellos y no covers como se venía haciendo años atrás. “You Don´t Believe Me”, “Buzz The Jerk”, “Get The Picture?”, “Can´t Stand The Pain” y “We´ll Play House” son canciones que llevan la firma de los Pretty Things. Completan el disco la excelente “Rainin´ in My Heart”, la Garagera “You'll Never Do It Baby”, “I Had a Dream”, “I Want Your Love”, “London Town”, “Cry to Me” y “Gonna Find a Substitute”. Los que son fanáticos de los Stones de la primera época y no conozcan a The Pretty Things, se pueden encontrar de parabienes ya que descubrirán un grupo excelente, con varias similitudes a los Jagger y Cía pero con una personalidad bien marcada que les valió una longevidad de dos décadas. Los Pretty Things, al igual que muchos grupos, no hicieron oídos sordos de los ritmos de moda que el paso del tiempo iba imponiendo y ellos fueron mutando de acuerdo a sus intereses y personalidades logrando muy buenos trabajos a futuro como “Emotions”, “S.F. Sorrow” o “Parachute” alejándolos en mayor o menor medida de ese primer R&B.
Otro de los grupos que supo interpretar ese R&B proveniente de América con total pasión pero poniendo también su sello distintivo fueron los Manfred Mann, el cual debe este nombre a su tecladista. Ellos no fueron la excepción e hicieron sus primeros
“porotos” en el Club Crawdaddy o el Marquee y tampoco se alejaron de lo ya realizado por sus contemporáneos en cuanto a la grabación de los temas. En su primer Lp de 1964, “The Five Faces of Manfred Mann”, las canciones son una mezcla de composiciones propias junto a estándares básicos de R&B. Aquí se encuentran temas como “Smokestack Lightning”, “Hoochie Coochie” o el “I´ve Got My Mojo Working”, clásicos dentro de los clásicos de los cuales salen bien parados gracias a la buena voz de Paul Jones. Esto mencionado no es un detalle menor, ya que todos estos grupos realizaban covers de los bluesmen de América, sin embargo trataban muchas veces de ejecutar temas o buscar interpretes no tan conocidos para hacer más
“propias” esas canciones. Sin embargo, los Manfred Mann eligieron siempre temas más conocidos dentro de su repertorio, ganando con esto una empatía más inmediata pero también una comparación al instante con el interprete original. De todas maneras también poseían temas de su autoría como el que lleva la firma de ellos como “Don´t Ask Me What I Say”, “”What You Gonna Do?”, “I´m Your Kingpin”, “Mr. Anello”, “”Without You” o “You´ve Got to Take It”. A diferencia de otros grupos contemporáneos, los Manfred Mann utilizaban saxos en su formación, no de forma estable porque no aparece dentro de las fotos del disco pero si en los temas de estudio. El grupo seguiría siempre bajo ese R&B clásico, sin embargo sufriría cambios en su formación, el cantante Paul Jones abandonaría la banda y en su reemplazo ingresaría Mike D´Abo. También ingresaría el bajista Klaus Voorman virando con el ingreso de estos dos últimos hacia un sonido más Pop. A pesar de esto la banda nunca logró despegar y siempre se mantuvo entre las sombras de otros grupos, sin embargo sería injusto no mencionarlos como uno de los puntales del R&B Británico.
Them - "Them Again" 1966
Los Them provenían de Irlanda y tuvieron a uno de los mejores cantantes de la historia del Rock, Van Morrison. Junto a este sacaron dos Lp, “Them” y “Them Again”, luego Morrison se iría para continuar con una prolífica y excelente carrera solista, mientras que los restantes integrantes editaron dos discos más y algunos se abrieron para formar otro grupo de similares características llamado The Belfast Gypsies. El primer Lp de los Them tenía un tema que es considerado uno de los baluartes del Garage Rock como es “Gloria” el cual fue versionado por decenas de grupos de todas las décadas pero quedó muy identificado dentro del repertorio de la cantante Patti Smith que le daría una vuelta de tuerca al tema en cuestión. El segundo Lp de los Them al igual que el primero, tiene un repertorio dominado por temas de R&B, un incipiente Soul Blanco
-que luego sería explotado por Van Morrison en su etapa solista-, Jazz y Blues. Un dato sobresaliente y de color es que participa como arreglador un aún ignoto Jimmy Page como sesionista. Dentro del repertorio de temas que encumbra el Lp hay temas de la firma de Morrison como “Could You Would You”, “Call My Name”, “My Lonely Sad Eyes” o “Hey Girl”. Dentro de los standards clásicos que solían realizar estos grupos, uno de los puntos más altos son “I Put a Spell on You”, excelente versión del tema de Screamin Jay Hawkins, “Out of Sight” de James Brown, “It´s All Over Now Baby Blue” de Bob Dylan, “I Got a Woman” de Ray Charles o “Hello Josephine” de Fats Domino. El registro vocal de Van Morrison era muy especial, calzaba justo tanto para los temas del más puro R&B como de Soul, Folk o Garage. A pesar que la carrera de los Them sólo duro muy poco tendría que estar más valorada ya que no encabezan con demasiada asiduidad las listas de grupos que exportaron ese R&B hacia el todo el mundo. A contramano de esto, la carrera solista de Van Morrison
-a pesar de no gozar con éxitos descomunales de venta- es muy valorada dentro de la crítica especializada.
Sin embargo, el contenido del Lp no tiene nada que envidiarle a la misteriosa tapa, ya desde su primer tema “Song of Joy” nos relata en primera persona la historia de un viajero que recorre los pueblos contando cuentos de misterio y en uno de sus tantos viajes detiene su marcha para resguardarse de la tormenta justificándose luego por la tragedia que contará. La historia de Joy, es sobre una mujer con la que este narrador se casó 10 años atrás y la cual de un día a otro, sin explicación alguna, perdió su alegría. Su marido médico un día sale de su casa para visitar a un paciente enfermo dejando a Joy y sus tres hijos en su hogar, sin saber que durante su ausencia recibirían la visita de un desconocido. Al volver, sus ojos comprueban que su vida había sido destrozada, su mujer e hijos habían sido muertos a puñaladas y la policía sólo es capaz de decirle que el “método de la muerte de los niños es el mismo que el de su esposa”. El asesino nunca fue hallado y él viaja errante pueblo por pueblo contando su trágica historia. El comienzo del Lp no puede ser más lúgubre y misterioso y esto es apoyado por la voz emotiva de Cave que narra este relato poniendo en varios momentos de la canción los pelos de punta. El arreglo del tema es magistral, tiene un teclado de fondo inquietante, unos platillos estridentes y el zumbido de un viento aullante que transita toda la canción como un mal presagio, creando a la vez una angustia que va in crescendo, la cual llegando casi al final se mezcla con la furia contenida de la voz de Cave y unos coros apocalípticos de fondo.
Para aquietar toda la violencia del tema anterior, Cave se despacha con la dulce balada llamada “Henry Lee”. Cuando digo dulce me refiero a la interpretación musical por parte de los Bad Seeds que acompañan de fondo la voz de Cave junto a la de PJ Harvey que aparece como invitada ya que una vez más -como en todo el disco- la historia lleva tintes trágicos. Este Henry Lee, no es el victimario, sino todo lo contrario, es la presa de una malvada mujer que lo seduce para terminar apuñalándolo y luego arrojarlo a un pozo. El fetiche de esta canción lo pone la supuesta relación -nunca admitida- entre Cave y Harvey que se tejió por esos años y que sirvió para alimentar el espíritu prohibido de esta canción.
“Lovely Creature”, se abre un poco de tanta tragedia y nos cuenta el encuentro que tienen en un sueño un hombre con una criatura mitológica. El ritmo es marchoso y se van conjugando los acordes de la guitarra junto a un sonido de viento que crean un ambiente de tormenta en ese relato onírico que es endulzado por los coros femeninos de fondo que suenan como musas encantadoras. Luego, vendría otra balada certera como es “Where The Wild Roses Grow”, uno de los mejores temas del disco, el cual tiene -dejemos de lado los prejuicios- la colaboración de Kylie Minogue. La interpretación y el aporte misterioso que le da Minogue al tema sorprende a propios y extraños cerrándole la boca a más de uno. Aquí ella juega el papel de una Elisa Day, que confía en su amante y lo acompaña junto al Río. Cave le ofrece unas rosas, luego la besa y termina por sorpresa golpeándola con una piedra causándole la muerte. El arreglo orquestal de fondo, y el clima melancólico y triste es magnificado por la narración a dos voces de Cave y Minogue.
Los próximos dos temas no son tan interesantes como la mayoría de las canciones que integran en álbum, sin embargo sirven para redondear el concepto de historias oscuras. Uno de esos es “Crow Jane” el cual está inspirado en un Blues tradicional y “O´ Malley´s Bar”, un tema de catorce minutos que transita varios climas en su relato y que sirve para contar la matanza que causó un psicópata dentro de una taberna. De todas maneras, la duración excesiva le quitan el dramatismo que supo ganar con temas anteriores.
