Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , miércoles, 28 de julio de 2010 2:27

5 Discos de Shoegaze que no hay que dejar de tener

El término Shoegaze, llamado así por el estilo particular de tocar mirando de forma fija y de manera inmóvil al piso, encumbra a todos esos grupos del Reino Unido de finales de los ´80 y principios de los ´90 cuya característica principal se basaba en la mezcla de estilos como el Dream Pop, el Noise Rock y el Rock Experimental. Esas bandas crearon un sonido en particular haciendo hincapié en las guitarras con pedales de efectos y conjugando un ambiente etéreo en la interpretación vocal creando clímax ensoñados. La gran mayoría de estos grupos tiene como punto de unión la utilización de una “pared de sonido” sostenida en las guitarras con efectos a las cuales se le agregan armonías vocales como un detalle más dentro de la canción, restándole importancia o trascendencia al mensaje de las letras.


The Jesus and Mary Chain - "Psychocandy" 1985

Hay una historia, que nos cuenta que durante la salida del primer Lp de Jesus and The Mary Chain mucha gente que lo compró fue a la tienda de discos ya que creían que estaba fallado. Esta visión romántica de los hechos se desprende del sonido que salía de ese álbum ya que en todos los temas más allá de las guitarras empapadas en efectos de pedales, por debajo y como “colchón” de sonido, existía una distorsión de chirridos y acoples, que mantenidos confundían al oído creyendo que eran dos temas superpuestos. Luego de chocarse contra la verdad y entender que los Jesus querían sonar así, la primera impresión que se tiene de ese sonido es de irritabilidad y asfixia por medio de sus guitarras pero a la vez de una belleza y delicadez en la melodía vocal que asombraba por el solo hecho de poder mezclar esos dos polos opuestos. En cualquier enciclopedia de rock siempre se dice que el sonido de los Jesus es la mezcla perfecta entre las armonías vocales de The Beach Boys con el feedback de The Velvet Underground. Yo diría que más que una mezcla es el resultado del batido de estos dos. Llevan al extremo el sonido y hasta el momento nadie había sonado más radical que ellos pudiendo aún así conservar una melodía. “Psychocandy” logra crisparte los nervios con esas paredes de distorsión y feedback haciendo uso y abuso de los efectos, usando el acople y la saturación -algo que cualquier músico detesta- como recurso esencial de su sonido distintivo. El disco arranca con “Just Like Honey”, y comienza con el aporreo primitivo y una reverberación al máximo en la batería de Bobby Gillespie -sí el mismo que luego formaría Primal Scream- junto con las voces y guitarras con flanger de los hermanos Jim y William Reid los cuales se lucen con ese peinado cargado con kilos y kilos de spray y una pose melancólica e introvertida. El disco recorre la claustrofobia, urgencia y paranoia en temas como “The Living End”, “Taste The Floor”, “In a Hole” o el otro hit del álbum, “Never Understand”, que nos dejan con la sensación que nuestros tímpanos sufrieron una violación por los chirriantes sonidos de los constantes acoples pero aplacados por la etérea voz de Jim Reid. Sin embargo en el disco no son todas distorsiones ya que cuenta con algunos temas mas calmos como “Taste of Cindy”, “Some Candy Talking” “The Hardest Walk” o “You Trip me Up”. Su segundo disco, “Darklands”, quizás sea más accesible ya que le encontraron la justa medida a su característico estilo sonando a la vez también pop. Sin embargo este es el álbum que los sitúa como los creadores del noise rock y de toda la movida shoegaze. Si nos ponemos ortodoxos los Jesus no pertenecen a la camada de grupos shoegazing, pero no se puede ocultar que su aporte a la creación de este estilo es inmenso. La influencia de ellos es incalculable, cualquier grupo que muestre devoción por la pedalera de efectos y melodías sensibles les debe parte de sus regalías.



Loop - "Heaven´s End" 1987

Partamos de la base que el estilo shoegaze nunca se codeo con la fama. Primero, por tener una escasa estética para ser explotados comercialmente -sus integrantes al tocar miraban de forma fija al suelo!- y segundo porque fue un estilo que duró muy pocos años y el cual tampoco fue apreciado de forma completa en su corta existencia. Sin embargo, como en todos los estilos existen grupos que siempre se llevan los laureles y a otros les toca solo una pequeña mención en un rinconcito de la historia, si es que aún así la consiguen. Uno de esos grupos subvalorados fue Loop, una banda formada en Londres y la cual supo recibir e influenciarse no solo por los sonidos de Jesus and Mary Chain y The Velvet Underground, sino también por la psicodélica y el proto punk de Detroit. Al escuchar “Heaven´s End” uno puede rastrear influencias de The Stooges y MC5 amalgamadas en las guitarras chirriantes y con efectos de pedales made in Jesus and Mary Chain. Loop a diferencia de otros grupos de shoegazing hace más hincapié en la parte instrumental y en la ejecución de sus instrumentos que en lo vocal, relegando esto último a fragmentos de los temas y utilizándolo como un recurso más dentro de los arreglos.
El Lp arranca bien al frente con sus guitarras y aporreos en la batería junto con voces que van y vienen creando un torbellino de sonidos y ruido pero todo perfectamente sincronizado para no perder nunca la melodía. Por el álbum desfilan temas como “Soundhead”, “Straight To your Heart”, “Too Real To Feel” o “Head on” que son enmarañados sonidos de guitarra, gritos, efectos y voces empapadas en reverb que muestran lo atemporal y lo aún actual que suena el disco más allá de que ya hayan pasado más de 23 años de su edición. El Lp esta saturado en fuzz, flanger y un largo etcétera de pedales de efectos logrando un clima oscuro, asfixiante y denso pero a la vez salvaje, obsesivo y porque no peligroso para el oyente. Un dato saliente y de color: al finalizar las respectivas caras originales del Lp, hoy en CD aun se puede escuchar, cuenta con el sampleo de Hal, la maquiavélica y fría computadora de “2001 Odisea en el Espacio” film de Stanley Kubrick. Un detalle más de lo psicodélico y experimental que podían ser los Loop.



Ride - "Nowhere" 1990

La mayoría de los grupos shoegaze hacían un rock distorsionado y etéreo mientras se mantenían inmóviles en el escenario, quedándose duros y estáticos ejecutando sus instrumentos con la mirada fija en el suelo. Sin embargo los Ride, grupo en el cual se encontraba Andy Bell, futuro integrante de Oasis, hacían un rock que tenía cierta experimentalidad como lo tuvieron -en mayor medida- los Spacemen 3 diferenciándose de sus contemporáneos con sonidos más del ala rockera y no tan etérea. Mas allá que las guitarras sonaban muy filosas con una pedalera de efectos que realzaba las mismas, los Ride eran los mas rockeros y, porque no también, los mas accesibles de la camada de bandas shoegazers. Ya desde la primera canción, “Seagull” y luego “Kaleidoscope” demuestran que son una banda demoledora y no una simple pose en el escenario, aprovechando en su justa medida la distorsión, los acoples y las armonías vocales. Utilizando esto último como un detalle mas dentro de la canción y no como una característica sonora del grupo como sí lo tuvieron otras bandas de este estilo. Ride, abraza con mas cariño y respeto las melodías ya que ese ruido que al parecer va a terminar desbordándolos y saliendo por el disco, está contenido a la perfección. Párrafo aparte merece el tema “Dreams Burn Down” en los cuales los golpes de batería de Loz Colbert junto con la pared de sonido de una guitarra chirriante y los arreglos de otra son el alma del álbum. Lo que caracteriza y diferencia a Ride de otras bandas de la movida shoegaze y que también los emparenta un poco con la escena dream pop son esas emotivas y dolidas voces que junto con los pequeños arreglos de guitarra crean un ambiente y no sólo una pared de ruido como sus contemporáneos. Algunos de esos temas pueden ser “In a Different Place”, “Paralysed” o “Vapour Trail”. Un detalle para nada menor es la imagen de la tapa ya que resumía a la perfección aquellas canciones. Una ola borrosa en un mar verde-azulado, hermosa, armoniosa, pero a la vez amenazante ya que algo se empezaba a despertar dentro de ese tranquilo mar. El disco en su época casi paso desapercibido sin embargo hoy a la distancia es de revisión obligatoria para cualquier chico indie sensible.



My Bloody Valentine - "Loveless" 1991

De la camada de bandas que generó el estilo shoegaze a finales de los 80 y principios de los 90, los My Bloody Valentine son los mas recordados. Si hay que buscar un grupo insignia de este estilo son ellos con su segundo disco, “Loveless” de 1991 los que representaron y marcaron el camino a seguir para toda una camada de bandas del amplio espectro que encumbra al indie rock. El disco navega entre una bruma lánguida y onírica de voces etéreas sostenidas por un enorme estruendo de guitarras distorsionadas y samples que crean un mantra hipnótico. Kevin Shields y cía invirtieron tres años y unas 250 mil libras en “Loveless”, el cual contó con la ayuda de 18 ingenieros de sonido!! y el cual llevó al borde de la bancarrota al sello Creation y a su director Alan McGee a una crisis de nervios que solo se aplacó un poco por el modesto resultado en ventas que tuvo el álbum hasta el relajo definitivo que tuvo el espaldarazo de contratar unos años después a unos ignotos Oasis dispuestos a conquistar Inglaterra. Los sonidos etéreos de las voces de Kevin Shields y Bilinda Butcher contrastaban con los rasgueos enfurecidos de sus guitarras los cuales se podían apreciar en vivo pero también en sus videoclips los cuales tenían la particularidad de estar saturados y reventados en color o enceguecerte con los blancos. El disco transita planos íntimos creando una atmósfera cálida y aniñada al escucharlos con “Sometimes”, “To Here Knows When” o “Blow a Wish” por sus voces ensoñadas y ritmos hipnóticos. Pero también pasa por instancias de ruido melódico y guitarras bien al frente con temas como “Only Shallow”, “Loomer”, “When You Sleep” o “Soon” por citar algunas canciones. El disco aún hoy sigue sonando muy actual y no muestra para nada las arrugas del paso del tiempo y sigue siendo insignia para muchos grupos posteriores. Cuando se realiza una gran obra, que fue vanguardista y el espejo de próximas generaciones de músicos, se le es muy difícil al grupo grabar un próximo trabajo ya que se tienen muchos prejuicios sobre el próximo paso a dar. Esto fue lo que le ocurrió a My Bloody Valentine ya que hasta la fecha no sacaron ningún otro trabajo.



Slowdive "Just For a Day" 1991

El grupo oriundo de la ciudad de Reading en Inglaterra es quizás dentro de los grupos de shoegaze, el más deudor de las melodías de dream pop que encumbraba el sello 4AD. Los Slowdive no eran un grupo demoledor de buenas a primeras sino que te iban llevando por un camino ensoñado y etéreo tomando un clima a mitad del disco y explotando al final del mismo. Los Slowdive entienden que la música también es un compendio de sensaciones y sentimientos que afloran y relucen en los sonidos interpretados. Por eso en este primer disco, mas allá que existan algunas canciones que se pueden cortar solas, las mismas son todo un conjunto y funcionan de forma correcta si se reproduce el mismo de forma entera y no por temas. “Just For a Day” conjuga un sonido lleno de largos pasajes ambientales producto de los efectos justos y precisos de la guitarra de Neil Halstead mixturándose con la voz de Rachel Goswell. Ya desde el primer tema “Spanish Air” abren con un sonido hipnótico en su melodía y la voz etérea de Goswell. El tema “Catch The Breeze” tiene un ritmo que va in crescendo y las armonías vocales se funden con la pared de sonido de las guitarras con efectos que ejecutan los tres guitarristas que tiene el grupo. Los temas se suceden uno atrás de otro pasando así “Ballad of Sister Sue”, “Erik´s Song”, “Waves” hasta llegar al final con “Primal” llevando el disco a su apoteosis instrumental. Quizás el Lp más recordado de Slowdive sea el segundo, “Souvlaki” ya que contiene canciones que abrazan un sonido más radial sin embargo es con este disco con el cual se ganan un lugar dentro de la escena shoegaze. Este álbum esconde un sonido perfectamente bello y unos arreglos aún mejores. Muchas veces queremos escuchar un disco para apartarnos de la realidad y que nos lleve a lugares donde realmente queremos estar para encontrarnos a nosotros mismos y “Just For a Day” tiene el pasaje de ida a ese lugar. La vuelta….la vuelta después la vemos.

... y este de donde salió?

Publicado por Mocker , viernes, 23 de julio de 2010 4:05

The Birds (Ron Wood): "The Collectors Guide To Rare British Birds"

Muchos artistas de rock son hoy considerados como grandes estrellas dentro de este ámbito, incluso consagrándose fuera de este mundillo y traspasando esa barrera para estar dentro de las excéntricas personalidades del mundo de los famosos. Existen miles de ejemplos de músicos que ya no sólo pertenecen a las revistas dedicadas al rock sino también a los programas variados de espectáculos, como por ejemplo Mick Jagger, Paul McCartney, Rod Stewart o Sting entre otros. Sin embargo, todos antes de llegar a tocar el cielo con las manos, tuvieron que gastar, algunos más, algunos menos, la suela de sus zapatos en escenarios de toda índole hasta llegar a ser reconocidos por su música. En esta oportunidad, la debutante sección está dedicada a esos músicos que antes de estar dentro de alguna banda estable y consagrada, supieron dar sus primeros pasos con grupos de menor reconocimiento histórico dentro del rock, pero que vistos a la distancia terminan siendo tesoros ocultos para cerrar el círculo de la trayectoria musical de algunos artistas famosos.

Uno de esos músicos, es el hoy segundo guitarrista de los Rolling Stones, Ron Wood. El mismo tuvo una larga recorrida y participó de varios conjuntos antes de llegar a estar dentro de los Stones en el año 1976 haciendo su debut discográfico con el Lp “Black and Blue”. Desde 1969 hasta 1975 y antes de llegar a sus majestades satánicas, fue el guitarrista del grupo Faces, con el que edito 4 discos y en el cual contaba en la voz principal con Rod Stewart y la ex formación de los Small Faces. Unos años antes, formo parte del Jeff Beck Group junto con el guitar hero Jeff Beck y Rod Stewart nuevamente en la voz principal. Bajo las órdenes de Beck formo parte de la realización de los dos primeros álbum de la banda, “Truth” y “Beck-Ola” en los cuales no ejecutaba el instrumento de seis cuerdas -el mismo estaba reservado para Beck- sino que se calzo el bajo demostrando lo versátil que podía ser. Antes de participar de este grupo tuvo una efímera participación, grabando sólo un puñado de singles antes de su separación, en la banda mod The Creation, los cuales ya tenían en su haber un Lp editado.

Ahora sí y ya casi llegando a la recta final en este derrotero de bandas de las que formo parte Ron Wood, llegamos al primer conjunto con el cual supo dar sus primeros rasgueos en la industria del rock y ellos son The Birds. Muchos, pueden llegar a confundir este grupo con la formación del mismo nombre, llamada The Byrds y los cuales fueron los principales referentes del folk rock americano. Sin embargo, la única similitud que tenían estos dos conjuntos era la fonética ya que la escritura del nombre era distinta y la parte musical mucho más. The Birds hacían un r&b furioso, crudo y directo que poco tenía que ver con las melodías folk que su homónimo americano profesaba.

El grupo se originó en Londres a finales del ´64 con los ahora ignotos Tony Munroe, Pete McDaniel, Bob Langham y Ali Mac Kenzie. Los únicos que se abrirían paso y llegarían a ser reconocidos son Ron Wood -sabemos que al nene mal no le fue- y Kim Gardner que tuvo una modesta carrera formando luego The Creation junto con Wood, uno de los grupos referentes de los mods. Como todos los grupos de esa época, luego de presentarse por diversos escenarios, reciben una oferta de una compañía discográfica con el fin de probar suerte lanzando algunos simples y luego si esto iba sobre rieles y vendían tenían la posibilidad de llegar a grabar un Lp. No esta demás recordar que todos los grupos de esa década primero eran “testeados” por la discográfica lanzando sencillos con sus respectivas caras A y B para verificar si seguían apostando a la grabación de próximos temas o no. Esto era algo habitual y muchas bandas sólo llegaron a editar un simple para luego desaparecer en el anonimato. Uno de esos grupos que corrió esa suerte fue The Birds que sólo grabaron tres simples para Decca, la discográfica que entre otros grupos tenía entre sus filas a los Stones.

El primer sencillo que grabaron fue “You´re on my Mind y “You Don´t Love Me” que estaban en la faz Uno y Dos respectivamente. Ambos temas eran decentes canciones de r&b pero que no aportaban demasiado a lo ya hecho por los demás grupos contemporáneos. Las ventas no fueron las esperadas pero sin embargo tuvieron una segunda oportunidad al grabar otro simple con los temas “Leaving Here”, un clásico soul de la Motown convertido en un crudo r&b mientras que en la cara B se encontraba la composición de Wood “Next in Line”.

Con esta última canción parecía que la historia de The Birds se empezaba a encaminar para poder lograr a futuro la grabación de un Lp. Sin embargo uno de los grandes problemas, sino el más importante que tuvo que afrontar el grupo, fue la fama y el reconocimiento mundial que estaban teniendo sus tocayos americanos, el grupo The Byrds. Los mismos habían lanzado una versión del “Mr Tambourine Man” de Bob Dylan que los hizo escalar posiciones de forma meteórica en los charts logrando tener una gira también por Inglaterra, país en el cual también fueron recibidos con los brazos abiertos. Los tironeos legales con respecto al nombre de la banda calaron muy hondo dentro del grupo y mucho más si The Byrds emprendían su camino a la fama, relegando al conjunto ingles a la sombra de éste.

El segundo simple a pesar de que mejoro en ventas todavía no servía para dar el gran salto hacia la grabación de un disco y tener el visto bueno de la discográfica. Sin embargo, sacarían un ultimo sencillo con Decca que tenía “No Good Without You” y “How Can it Be”. Esta fue la última oportunidad que tuvieron sin alcanzar los resultados deseados ya que la discográfica decide dejarlos libres y no seguir con el contrato de grabación. Esto conlleva algunas peleas internas y cambios de manager hasta que Reaction Records, una compañía mucho mas chica que Decca decide contratarlos para lanzar un simple con nuevos temas. El resultado de esto es la grabación de “Say Those Magic Words” y “Daddy Daddy”. El disco, a pesar de ser modesto y no desentonar con lo la escena de r&b que existía en Inglaterra por esa época, no logra los resultados esperados tampoco. La objetividad nos lleva a la sinceridad y nos hace pensar y desear que si estos temas, como los anteriores con la Decca, hubieron sido mejor producidos otra hubiera sido la historia. De todas formas, no hay que ser deshonestos y debemos confesar que la originalidad de las canciones no es de lo mas destacable tampoco.

Llegamos hasta 1966 y con esto al punto final en las ediciones editadas de The Birds, sin embargo el reconocimiento que luego tuvo la carrera de Wood hizo que se rescataran cintas perdidas de sus trabajos anteriores a los Stones y este no fue la excepción. El formato digital, en este caso el CD nos trae la posibilidad de que se haya editado el compilado “The Collectors Guide To Rare British Birds”. El cual además de reunir en orden cronológico lo editado por The Birds, trae todos los temas que fueron descartados de las sesiones de grabación en Reaction y canciones que aparecieron en la película “The Deadly Bees” que cuenta con una pequeña participación de ellos tocando en un estudio de televisión. Con la disolución de The Birds se cierra el primer capitulo en la carrera musical de Ron Wood que iría en continuo ascenso a pesar de comenzar con algunos tropiezos.

Revisando los Rincones

Publicado por Mocker , lunes, 19 de julio de 2010 3:10

Symarip: "Skinhead Moonstomp"

Muchos estilos musicales pertenecen a un país, región, estado o ciudad, como así también a determinadas razas étnicas. Sin embargo, varios de esos estilos nacen en un determinado territorio y luego estos se multiplican hacia distintos lugares adaptándose a las costumbres, culturas e idiosincrasia de cada respectivo sitio. Uno de estos sub-estilos es el Skinhead Reggae. La palabra Skinhead desde hace tiempo esta mal vista dentro de la sociedad ya que siempre se la asocia con grupos neo-fascistas o nazis los cuales discriminan y persiguen, entre otros cosas, a las personas con distintas creencias religiosas, políticas y de raza. Sin embargo muy pocos saben que el gen de este movimiento es todo lo contrario, se concibió en la unión de distintas razas, aceptando su cultura y pensamiento. El disco “Skinhead Moonstomp” de Symarip es uno de los mas fieles exponentes del Skinhead Reggae, estilo nacido en Inglaterra y el cual vamos a detallar un poco para conocer su verdadero origen.

Como toda rama, la misma deviene de un tronco madre y las raíces del mismo hay que buscarlas en la Jamaica de mediados de los ´60, la tierra del Ska, Rocksteady, Dub y Reggae entre otros estilos. El movimiento Skinhead surgió en Inglaterra a finales de los ´60, mas precisamente en el año 1969, como consecuencia de los Mods otro subestilo propio del Reino Unido. Aclaremos que los mods eran jóvenes de clase media trabajadora que tenían gustos bien marcados por la indumentaria -de corte elegante- y la música que escuchaban, el r&b, el soul del sello Motown o Tamla y el jazz entre otros.

Se preguntaran como esa música desde Jamaica se traslado a Inglaterra. Bien, lo que sucedió es que a mediados de los ´60 muchos jamaiquinos emigraron a Inglaterra llevando con ellos su música y estética. Por esa época en la isla el ritmo de moda era el rocksteady, un ritmo a mitad de camino tanto en velocidad como en historia entre el ska y el reggae. Por el lado social existían grupos de jóvenes que se los identificaba bajo el rótulo de Rude Boys los cuales supieron acoplarse de forma inmediata con los Mods ingleses. Esta unión de razas y culturas no fue casualidad ya que ambos tenían pensamientos similares. Los Rude Boys y los Mods provenían de la clase media y existía un orgullo en ambos por su país. Esos grupos de jóvenes ingleses se sintieron atraídos por la música de los jamaiquinos y empezaron a frecuentar sus reductos y juntarse con ellos. Sin embargo, de forma paralela, estaba en su apogeo el movimiento hippie con todas sus ropas de colores y su pensamiento libre de paz y amor. Mas allás de esto, y por si fuera poco, además fue también la época del swinging london convirtiendo a Londres en la capital de la moda y el arte entre otros conceptos.

Los Mods no vieron con muy buenos ojos el advenimiento, según ellos, de una cultura comercial y “plástica” decidiendo radicalizar sus gustos adoptando una estética más dura y comprometida con sus raíces y escalas sociales. Algunos Mods se raparon el pelo y comenzaron a vestirse con ropa identificada con la clase obrera, botas, tirantes, jeans con la botamanga arremangada y camisas a cuadros entre otras cosas para diferenciarse por completo de los hippies. A partir de ese momento es cuando empiezan a aparecer los primeros skinheads y el nombre de Skinhead Reggae deviene del gusto de esta música por parte de los skins. Algunos sectores, aprovechando el patriotismo que profesaban estos skins empezaron a ver a los mismos como una fuerza de choque en manifestaciones políticas, transformándolos en un objeto de chauvinismo barato formando un grupo al cual solo accedían personas como ellos persiguiendo a los que pensaran distinto. Es por estos skins, que abrazaron la política fascista, los que hicieron ver con malos ojos al movimiento skinhead y desvirtuaron el verdadero origen y causa que ellos tenían.

Lo mencionado anteriormente, sirve como marco de referencia para entender que es y de donde proviene el Skinhead Reggae, estilo que profesaba el grupo Symarip. Mas allá que en la tapa aparezcan 5 skins no crean que estos fueran los integrantes del grupo. Todo lo contrario, los mismos eran de raza negra provenientes de Jamaica pero pusieron en la portada del Lp a estos skins para graficar la escena que se estaba empezando a formar en Inglaterra y lograr conseguir una identificación inmediata con el público y mostrarles que la música del álbum era hecha por y para gente común, de clase obrera. Los Symarip fueron la consecuencia del grupo que tenían estos jamaiquinos en su país natal, en el cual se llamaban The Pyramids. Los mismos fueron contemporáneos y principales referentes del rocksteady junto con grupos como The Maytals, The Upsetters, The Melodians, Desmond Dekker o Derrick Morgan entre otros. Incluso estuvieron los primeros Wailers antes de la explosión mundial de Bob Marley hacia todo el mundo, pero eso ya pertenece a otro tema.

The Pyramids llego al Reino Unido como banda estable y de acompañamiento de Prince Buster, otro referente del rocksteady. Sin embargo cuando la gira finalizó The Pyramids decidió quedarse en Inglaterra y probar suerte ya que vieron que se estaba gestando una nueva corriente musical y decidieron invertir su nombre a Symarip. El Lp original constaba de 12 temas, entre los cuales se encuentran el tema homónimo al disco, “Skinhead Girl”, canción que retrata que el movimiento femenino también tenía su participación y lugar dentro de esta escena o el cover de “These Boots are Made for Walking“ de Nancy Sinatra cuyo título calza perfecto para mencionar parte de la indumentaria clásica de los skins, nada mas y nada menos que las botas o borceguíes. El Lp navega en esos temas por un rocksteady clásico pero bajo una lírica de identificación y representación con orgullo de una escena que estaba amaneciendo en Inglaterra. En los últimos años se edito en formato CD bajo el sello Trojan, el mismo del Lp original, una edición doble de lujo que además de tener los temas originales reúne algunos simples grabados por la formación bajo el nombre The Pyramids e incluso por su grupo anterior, Seven Letters. La diferencia mas notoria de cada grupo y que en este disco doble queda mas que explícita, es que The Pyramids y Seven Letters hacían un rocksteady mas romántico y con armonías vocales un poco mas cuidadas, mientras que los Symarip sonaban más combativos debido al público al cual apuntaban y más comprometidos socialmente.

El disco “Skinhead Moonstomp” del año 1970 es hoy considerado como el testimonio musical mas fiel de una época y de un movimiento social, el cual comenzó con las más puras intenciones, desde valorizar los orígenes, el respeto a las razas diferentes y/o su cultura, como así también el amor por su país, pero fue de a poco desvirtuándose el concepto básico para dejarlo hoy en día ante la vista masiva de las sociedades como violento, discriminatorio, e identificado con una imagen neo fascista, una verdadera lástima.

El Infaltable

Publicado por Mocker , miércoles, 14 de julio de 2010 5:06

Lynyrd Skynyrd: "(Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd)"

Los Lynyrd Skynyrd, -por favor pronunciar Leh-Nerd Skin-Nerd- junto a The Allman Brothers son los dos grupos insignia del denominado rock sureño, estilo en el cual se fusionaba el blues rock junto con el country, boogie, honky tonk y por supuesto el rock and roll junto a una idiosincrasia y una postura cultural y territorial muy arraigada. Lo último mencionado no es un detalle para nada menor ya que estos dos grupos fueron la bandera de una juventud perteneciente a los estados del sur de EE.UU. que mostraban con orgullo y sin tapujos de donde venían. El estilo que interpretaban los Lynyrd Skynyrd muchas veces fue y es denominado “Swamp Rock”, que significa rock de los pantanos, y el mismo se debe a la periferia de los pueblos que rodeaban el Río Misisipi, Alabama o Florida entre otros. Sin irnos de lo mencionado anteriormente, estos grupos abrazaron con fervor tradiciones y costumbres de la época de los Confederados y llevaban con orgullo sus raíces sureñas, muchas veces denostada como pueblerina o de campesinos por algunos sectores de la sociedad americana.

El grupo llevo al máximo el estereotipo (pelos largos, largas patillas y una estética descuidada) que se tenia sobre la figura de las personas del estado del sur, mostrando a flor de piel de donde provenían y representando a esos estados sureños. Mas allá de que el rock sureño nunca haya rebosado de una gran popularidad ni estar bajo los efectos de la moda del momento, este estilo tuvo sus quince minutos de gloria a principios de los 70 con los Lynyrd Skynyrd y los Allman Brothers a la cabeza pero seguidos de cerca por otros grupos que los secundaban como ZZ Top o Little Feat entre otros.
Los Lynyrd Skynyrd, a diferencia de los también excelentes Allman Brothers, basaban su rock en el formato tradicional de canciones cuya lírica se basaba en la valorización de sus tradiciones, costumbres y también en dilemas existencialistas o derrotas amorosas como tenía cualquier otro grupo. Los Allman Brothers exploraban un sonido de blues-rock pero que en algunos discos se convertían en jams eternas bebiendo esto mucho del jazz, sin embargo los Skynyrd eran más directos y más ortodoxos al no mezclar su formato de rock tradicional con otros estilos.
El disco que nos compete en esta sección no se trata de un disco bisagra o revolucionario dentro de la historia del rock, sin embargo es sumamente importante por el valor de ser uno de los baluartes dentro de este estilo y que si uno mira entre líneas también sirvió como espejo en el cual reflejarse para muchos próximos grupos, incluso en la creación y aparición de nuevos estilos musicales.

El álbum “(Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd)” de 1973 arranca con “I Ain´t The One”, y un riff de guitarra que al instante te hace mover la cabeza de arriba-abajo al ritmo de la canción y que a mitad de la misma se debaten a duelo de solos la guitarra líder de Allen Collins junto con las de Gary Rossington y Ed King.
El segundo tema “Tuesday´s Gone” es la clásica “balada de bar” del grupo y es una desgarradora canción de desamor y de pérdida, todo esto orquestado con unos slides y solos de la guitarra de Rossington que junto con la voz de Ronnie Van Zant transluce todo el dolor de la misma.“Gimme Three Steps” arranca con las guitarras bien al frente, algo habitual en el disco, y posee un riff bien marcado, pegadizo y desafiante que junto con los fraseos y pronunciaciones de “chico de pueblo” de Van Zant colocan a este tema como uno de los mejores del álbum. El Lp cierra su cara A con “Simple Man”, una balada exquisita que arranca con una suave guitarra de Rossington que va subiendo en distorsión junto a la emotiva voz de Van Zant y nos hace de puente en la conexión con el grupo Pearl Jam y nos grafica lo deudoras que fueron algunas bandas del grunge de los ´90 de este rock sureño. La prosa del tema es una pincelada a apreciar las cosas simples de la vida, en la cual una madre le da sabios consejos a su hijo para enfrentar la vida. Esta canción es junto con “Free Bird”, el alma del álbum, ya que desnuda los sentimientos de Van Zant y también sirvió como identificación para muchos jóvenes americanos que por venir del campo o pueblos eran sorprendidos por la vorágine de la ciudad. Aquí van algunos fragmentos de la letra:



“Mamá me dijo cuando era joven
Ven a sentarte a mi lado, mi único hijo
Y escucha atentamente lo que voy a decir
Y si tú haces esto
Te ayudara algún día soleado.
Tomate tu tiempo, no vivas demasiado deprisa,
Los problemas vendrán y se irán.
Ve a encontrar una mujer y encontraras el amor,
Y no olvides hijo,
Hay alguien por encima de todo.”

“Olvida tus ansias por ser rico
Todo lo que necesites esta en tu alma,
Y puedes hacer esto si lo intentas.
Todo lo que quiero para ti, mi hijo,
Es que estés satisfecho
Chico, no te preocupes…te encontraras a ti mismo.
Sigue tu corazón y nada más.
Y puedes hacer esto si lo intentas.
Todo lo que quiero para ti, mi hijo,
Es que estés satisfecho.”



“Things Goin On” combina el country y el blues unido por un piano de salón que nos trae la imagen vía cine de un bar del lejano oeste en donde en cualquier momento se revolea alguna silla por los aires y empiezan los tiros. El próximo tema es “Mississippi Kid”, un boggie cuyas raíces hay que buscarlas en el Delta a orillas del Río. La canción tiene todos los tintes del blues rural, la armónica, el rasgueo de una guitarra y el slide de otra junto con la voz campesina de Van Zant rinden tributo a los primeros bluesmen del país. Ya estamos llegando al final del disco y nos esperan dos temas, primero el rock de “Poison Whiskey” y para finalizar el tema mas emblemático del grupo, “Free Bird”.
Muchos habrán escuchado, quizás sin saber el nombre del grupo, “Sweet Home Alabama” canción que se encuentra en el segundo larga duración de los Skynyrd, pero es “Free Bird” el tema insignia de la agrupación. El mismo fue compuesto como homenaje a Duane Allman, guitarrista de The Allman Brothers el cual murió por un accidente en moto en el momento más álgido del grupo. Aquí van algunos fragmentos de la letra:



“Si me fuera mañana,
¿me recordarías?
Tengo que partir ahora
porque hay muchos sitios que debo ver.
Y si estuviera aquí contigo nena,
las cosas no serían las mismas.
Porque soy un pájaro libre
y no me puedes cambiar
El Señor lo sabe, no puedo cambiar.”

“Adiós, pequeña, ha sido un dulce amor, sí,
Suplicarás y yo no puedo cambiar.
Pero, por favor, no te lo tomes a mal.
Porque el Señor sabe que no tengo la culpa.
Pero si me quedara aquí contigo
las cosas no sería igual.
Porque ahora soy un pájaro libre
y a este pájaro no lo puedes cambiar.”



Sin embargo, algunos críticos le ponen un tinte de romanticismo a la historia de este tema ya que también lo emparentan o asocian en su significado, a la futura tragedia que tendrían los Lynyrd Skynyrd. La misma fue una caída del avión en el que viajaban los integrantes del grupo el cual le costo la vida a tres de ellos y a parte de los managers. Luego el grupo volvió a reunirse por un par de años mas pero ya sin la formación original. Días antes de la tragedia sufrida por la banda habían sacado el Lp “Street Survivors” cuya tapa los mostraba por delante de un fuego que los bordeaba y la misma fue retirada de circulación siendo reemplazada de forma inmediata por otra. Sin irnos de la canción, la misma arranca como una balada pero a la mitad Van Zant cede el protagonismo vocal, cambia por completo el ritmo y se convierte en un frenético duelo de guitarras.
El rock sureño al igual que la historia de sus estados esta dominado por tragedias y golpes duros, sin embargo supo ponerse de pie enfrentando, aceptando y valorizando sus raíces dejándonos el mensaje que a pesar de todo debemos levantarnos y enfrentarnos a la vida por la vida.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , jueves, 8 de julio de 2010 15:21

Los Shakers: "Los Shakers"

Sí ya se, más de uno podrá decir de buenas a primeras que Los Shakers son uruguayos y que no tendrían que estar en esta sección dedicada a los álbumes de factoría nacional. Esto es correcto, sin embargo los hechos no se suceden de forma mágica e impredecible, por el contrario, estos últimos terminan siendo la consecuencia de otros que marcaron el camino. Por eso creo que no es un detalle menor adjudicarle la importancia que tuvo para el rock argentino la edición del primer disco de estos hermanos rioplatenses. Sin ir más lejos, la trilogía de grupos que conforman Manal, Almendra y Los Gatos, no sería la misma si antes no hubieran existido Los Shakers. No sólo por su aporte musical sino también por el camino que fueron forjando en la comercialización de los discos para que las discográficas le empiecen a prestar atención al incipiente mercado del rock argentino.

No esta de más indicar que por esos días, casi principios de los ´60, los estudios de grabación no sabían como grabar a una banda de rock y mucho menos le daban el espacio y la importancia que se merecían. De a poco, gracias al advenimiento de la Beatlemanía y el surgimiento de grupos similares en todo el mundo, posibilitó que los directivos de los sellos grabadores empezaran a prestar mas atención a esa música creada por y para jóvenes. Pero no nos vayamos por las ramas, si bien el primer larga duración de Los Shakers es una piedra fundamental para el rock de estas pampas, en cualquier revisión musical del rock nacional nunca se lo detalla como el primer disco de rock argentino. Esto último tiene sus fundamentos, primero porque esta cantando de forma integra en ingles y segundo porque no son de este país, sin embargo no hay que restarle importancia al impacto que fue para la futura generación de roqueros el valor que tuvieron esos temas para la creación e identificación de esos jóvenes.

Esa fue la palabra, identificación, ya que estos 4 uruguayos fueron el espejo mas cercano que tuvo el público, debido a que a los grupos ingleses y americanos se los veía lejanos e inalcanzables en una época en la cual las noticias no tenían el ritmo ni la inmediatez de nuestros días. Los Beatles comandaban una movida que desde lo musical remodelaba el papel de la juventud y creaba un brecha entre los padres y sus hijos, los cuales empezaban a tener sus propias ideas, gustos, ámbitos sociales, etc. Este impacto que causaron los cuatro de Liverpool se vio reproducido en cada rincón del planeta, apareciendo grupos que los clonaban o que se identificaban con ellos. El Río de la Plata tuvo “sus Beatles” y ellos fueron Los Shakers. Sin embargo, apuntalar a estos últimos como una mera copia de los ingleses sería muy injusto ya que muy a diferencia de otros grupos contemporáneos ellos tocaban muy bien sus instrumentos y tenían sus propias composiciones, un detalle para nada menor. Los Shakers fueron los precursores de la movida Beat nacional, un estilo proveniente de Inglaterra en el cual se encuadraban a todos los grupos similares a los Beatles.

Los integrantes de Los Shakers, los hermanos Hugo y Osvaldo Fatorusso, Roberto "Pelín" Capobianco y Carlos “Caio” Vila, eran prestigiosos músicos de jazz en su Montevideo natal. Sin embargo, como tantos otros, cayeron presas del ritmo de los Fab Four y decidieron probar suerte formando un grupo similar. Cabe destacar, que mas allá de lo musical, Los Shakers también se preocuparon por la estética del grupo y la moda por esos días dejándose el flequillo y utilizando trajes al igual que el conjunto ingles. Mas allá de que en ciertos fragmentos de sus canciones se les escapara algún termino mas de la escuela del spanglish, debido a que aún por estas tierras no se tenía un gran conocimiento del idioma ingles y tampoco era tan obligatorio saber el mismo, Los Shakers utilizaban una fonética que acompañada de una notable ejecución de sus instrumentos podrían a mas de uno confundirlo con cualquier conjunto ingles de moda. Esto junto con la calidad de grabación del disco, tanto en producción como en el incipiente marketing que hubo detrás de ellos, eran los mas dignos rivales por estas latitudes de los conjuntos anglosajones. No vamos a mencionar todos los exponentes que se vieron influenciados por los Beatles en cada país sudamericano porque son demasiados pero si podemos decir con total seguridad que Los Shakers eran uno de los grupos mas serios, respetables y de calidad que tuvimos en el continente. No esta de mas indicar que incluso luego de grabar su primer Lp fueron invitados a EE.UU. para grabar un larga duración para el país americano. Sin embargo dada la inexperiencia de ellos y la inseguridad que despertaba encontrarse en tierras lejanas imposibilito que explotaran como lo merecían.

Los Shakers, como se dijo mas arriba, comenzaron en Uruguay pero es en Argentina donde explotan y son reconocidos grabando en nuestro país su primer Lp en 1965. El mismo arranca con “Break it All” mas conocido como “Rompan Todo” el hit máximo que tuvieron y que reproduce de forma exacta, con una precisión de cirujano todo el espíritu beatle. Las armonías vocales y la forma de tocar sus instrumentos son una fiel reproducción de las canciones de los flequilludos originales y las cuales te hacen pensar que si estos uruguayos hubieran nacido en cualquier ciudad inglesa hubieran sido mas reconocidos de lo que fueron haciéndole el mano a mano con total dignidad a cualquier grupo de esas tierras. Este tema también tuvo su “videoclip”, un formato de comercialización que aún no tenía el peso como tal. En el mismo Los Shakers, al igual que The Beatles en su film “A Hard Day´s Night” se muestran divertidos y haciendo bromas. ¿Quieren mas similitudes con los Fab Four? Bien, Los Shakers también estuvieron en la pantalla grande, salvando las diferencias de que no era un film solo de ellos ya que se trataba de la película nacional “Escala Musical”, basada en el programa de TV del mismo nombre y en la cual además estaban todos los cantantes y grupos de moda de esa época. El Lp sigue con temas que no varían demasiado en el estilo beat o como ellos lo querían llamar, el estilo “Shake”. De esta manera desfilan canciones como “What a Love”, “Nena Si Sí”, “Nos Fuimos”, “Corran Todos” “I´m Thinking” o “It´s my Party” para cerrar la faz A del álbum contando con una interpretación vocal e instrumental que para cualquier amante de la música de esa época y de Los Beatles tiene que ser de revisión obligatoria.

El lado B abre con “Keep Searching” un cover de Del Shannon y el cual fue el segundo simple editado por ellos luego del “Rompan Todo” con el que se dieron a conocer. El mismo esta a la altura de este último y es una fiel reproducción del sonido MerseyBeat, estilo en el cual se encuadra a todos los grupos nacidos a orillas del río Mersey en Inglaterra y que sonaban de esta forma. La segunda cara del álbum sigue con los mismos ritmos tanto en baladas como “For You and Me” “La Larga Noche” y “Dame” como los temas movidos de “Corro por las Calles” “Nena Baila Shake” o “Don´t Ask Me Love”.
Para los interesados les digo que se edito hace algunos años una edición en CD que trae los temas originales y algunos Bonus que incluyen los primeros temas que grabaron antes de su primer Lp junto con algunas rarezas como el cover de “Ticket To Ride” de los Beatles cantado en castellano, como así también “Sólo Quiero Estar Contigo” en francés!! y algunos temas de su autoria pero interpretados en nuestra lengua a diferencia de lo editado en el Lp original.

Los Shakers fueron mucho más que unos imitadores de los Beatles, fueron una adaptación de ese sonido a esta parte del planeta. Esto último se ve reflejado en sus temas, ya que se puede distinguir con total claridad un sonido que respira el aire rioplatense mezclado con ritmos extranjeros para darle forma a un disco auténtico, propio y nacional.

Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , sábado, 3 de julio de 2010 18:36

5 Discos de Proto Punk que no hay que dejar de tener

El término Proto Punk sirve para definir a una camada de grupos que sin siquiera saberlo y mucho tiempo antes, crearon los cimientos para el punk que luego explotaría a finales de los ´70 tanto en EE.UU. como Inglaterra. Las bandas que se encuadran dentro de éste estilo son en su totalidad americanas y se las encasilla bajo este término por la simple razón de ser los pioneros dentro del punk. Acá van cinco discos:


The Stooges - "The Stooges" 1969

Hasta la salida del primer larga duración de The Stooges, Detroit era sinónimo del soul perfecto en armonías de la Motown, el sello de Berry Gordy. Sin embargo, todo esto cambio con el disco de la banda de Iggy Pop del año 1969. Hasta ese momento ningún grupo había sonado tan crudo, directo y primal como The Stooges. No hay que ser injustos con la historia, antes el grupo de garage rock The Sonics editó un disco a mediados de los ´60 que fue lo mas radical para la época, sin embargo el Lp de los Stooges bajo la producción del ex Velvet Underground John Cale, reúne un rock primitivo, crudo y directo con un sonido muy pulido y limpio. Mas allá de esto, el grupo contaba con uno de los mejores showman del rock que realmente entiende y vive el rock como debe ser. Con una entrega total en el escenario Iggy Pop se mete en el bolsillo al oyente. Los shows en vivo de la banda son incendiarios por la alta performance de éste, sus bailoteos, gritos y hasta flagelaciones -existe una performance en la cual se corta el pecho con un vidrio y termina ensangrentado-, empiezan a llamar la atención del público y productores. Si de coincidencias se trata, luego de una actuación demoledora del grupo, un productor decide ficharlos para el sello Elektra, oh casualidad el mismo que contrato a The Doors y que tenia a Jim Morrison como frontman, el cual fue una gran influencia para Iggy Pop.
A su vez, Pop fue y es una gran influencia para el punk que vendría mas adelante, no por nada es considerado el padrino de este estilo. El disco patea el tablero con el tema “1969”, desde lo sonoro por el fuzz de la guitarra y desde su letra, porque hablaba de no sentirse identificado con los tiempos y las modas que corrían. Luego prosigue con el machacante ritmo y letra sadomasoquista de “I Wanna Be Your Dog” y unos pasos mas adelante viene el clásico del grupo “No Fun”, otra oda al “no pertenecemos a estos tiempos ni al lugar donde vivimos”. El disco varía entre temas totalmente punks con otros mas ambientales o psicodélicos si se quiere, estos últimos influenciados por Cale. Hoy el disco es de revisión obligatoria para entender el punk, sin embargo, en su época no fue tenido en cuenta y lo llevo al fracaso comercial.



MC5 - "Back in The USA" 1970

Cuando hablamos de Proto Punk, la trilogía de grupos de este estilo se cierra con los MC5 uniéndoseles los Stooges y los New York Dolls. La imagen del grupo era la de unos hippies descarriados, herejes dentro de la cofradía de estos. Lo único que les interesaba de la idiosincrasia hippie era el sexo libre y drogarse. El mensaje de ellos muy a contrapartida del “Paz y Amor”, proponía una violencia que hasta resultaba cómica con el tema “Kick Out The Jams” de su primer disco, que traducido sería un…. patea a los jamaiquinos, expresando el disconformismo del advenimiento de gente de este país a tierras yanquis. La estética del grupo también era una contradicción ya que era un mezcla de neo hippies con ribetes Glam y si a todo esto le adicionamos el peinado afro del vocalista Rob Tyner ya es demasiado. Si bien el segundo disco de los MC5 no tiene la furia e inmediatez del primer álbum que fue grabado totalmente en vivo en una de sus actuaciones, el mismo define el sonido del punk que vendría. El disco es un homenaje al rock de los comienzos, al de los ´50, y para muestra basta un botón, abren el álbum con el cover “Tutti Frutti”, el cual es tocado a una velocidad extrema llegando a durar solo minuto y medio y cierran con “Back in The USA” de Chuck Berry. La temática del Lp ronda siempre el espíritu juvenil y la rebeldía adolescente con temas como “Tonight”, “Teenage Lust”, “High School” o Shakin Street”. Sin embargo, toda la furia del disco baja con el tema “Let me Try”, una balada con buenas armonías vocales en coros y unos teclados que aportan emotividad a la canción. El Lp logra conseguir toda la energía que tenían los MC5 en vivo pero grabado en condiciones óptimas las cuales se reflejan en el sonido del álbum, muy a diferencia del primer trabajo de ellos el cual es mas directo pero mas ruidoso.



The New York Dolls - "The New York Dolls" 1973

Con solo mirar la tapa del disco ya nos podemos dar cuenta que el contenido del mismo es radical en cuanto a estética. La irreverencia y desparpajo de esa portada era muy provocativa para esos tiempos. No se sabía si eran travestis, drag queens o que….incluso la misma genera una contradicción de sensaciones, ya que no sabes si creerles la pose o reírte por lo bizarro de la misma. Los Dolls, además son los precursores de la incipiente escena punk neoyorkina, que luego explotaría con los Ramones, Television, Talking Heads, etc. El primer disco de ellos estaba influenciado por la estética Glam de David Bowie y Marc Bolan junto con el sonido garagero, sucio y primitivo de los Stooges o MC5 que incendiaron la escena americana a finales de los ´60. Muchos comparan a los Dolls como el lado B - mas reventados, extremos y crudos- de los Rolling Stones con su disco “Exile on Main Street”. El álbum suena como si Jagger y Cía. hubieran tenido una descarga eléctrica al ser enchufados a 380v haciéndolos tocar a un ritmo mas acelerado y visceral. El Lp esta producido por Todd Rundgren el cual supo llevar a buen puerto dos personalidades muy explosivas como eran el cantante David Johansen y el guitarrista Johnny Thunders. El estilo bien guarro, agresivo y filoso de Thunders para tocar la guitarra se complementaba de forma perfecta con la voz saturada de gritos de Johansen. Toda la adrenalina, furia, gritos y enojos se ven reflejados en los 11 temas que contiene el disco en el cual conviven una actitud provocativa y desafiante que junto con ese look femenino, crean un shock al espectador mas desprevenido. En el Lp sobresale la crisis de personalidad de “Personality Crisis”, lo andrógino de “Looking for a Kiss”, la balada decadente de “Lonely Planet Boy”, el primer grito del punk con “Trash”, la paranoia de las drogas con “Pills” o el festivo “Jet Boy”. No esta demás recordar que este disco sirvió como espejo de toda la futura escena del CBGB y también del punk británico, copiándolos en lo provocativo de su música y estética.



The Dictators - "Go Girl Crazy" 1975

La tapa del primer disco de The Dictators nada tiene que ver la clásica pose punk de chicos rudos sino mas bien termina siendo cómica y ridícula. Esos dos adjetivos se propuso ser Dick Manitoba al posar como un luchador de catch, el pelo afro y esa sonrisa socarrona. Sin embargo, y al igual que los New York Dolls pero con otro concepto, llevaron esa imagen de desfachatez a ser uno de los cimientos del punk que estaba naciendo. Muy a contrapartida de los Dolls en su estética los Dictators vestían como lo hacían a diario mostrando sin misterios los orígenes de clase trabajadora de los cuales provenían. Se considera a este disco como uno de los primeros en marcar el camino del punk, sin embargo también es un gran deudor de ritmos y sonidos que le deben mucho al power pop, estilo muy en boga por esos días. Siendo puristas el disco hoy suena mas a este último estilo mencionado que al típico sonido punk. Sin embargo el concepto del Lp junto con la temática de sus letras y la mención del mismo dentro del CBGB de los grupos estables de este local como Ramones o Dead Boys lo transforman en esencial para entender el punk neoyorquino. El álbum tiene dos covers que hacen un puente directo con el sonido de los ´60. The Dictators versionan a su manera el tema “I Got You Babe” de Sonny and Cher y el surf de “California Sun” de The Rivieras. Los otros temas son de la autoria del grupo y la temática ronda la salida nocturna, el salir a emborracharse, los autos y las chicas entre otras cosas, como son “Weekend”, “Teengenerate, “Master Race Rock” o “Cars and Girls” El álbum no se vendió tal cual como se esperaba y empezaron a crearse tensiones dentro del grupo para luego tener la salida del mismo el guitarrista Ross Funichello y formar la banda de heavy metal Manowar. Sin embargo algunas veces el tiempo le da el lugar que se merecen a algunas obras musicales y en este caso el disco “Go Girl Crazy” tiene un lugar reservado dentro de los puntales del proto punk.



Death - "For The Whole World To See" 2009

El disco que se va a mencionar a continuación no salio a la luz hasta el 2009. Ahora bien, podrán decir como un disco de reciente edición puede haber sido influencia para el punk de finales de los ´70. En nada, pero sirve para poder entender como sonaba un grupo de Detroit - sí, otra vez una banda de este estado al igual que los Stooges y los MC5- para redondear y darle forma al sonido del proto punk. Las cintas fueron rescatas de un demo que grabaron en el año 1973 y las mismas crean un marco perfecto para poder definir este estilo en una banda para nada conocida y mucho menos consagrada. ¿Quieren otro dato sobresaliente? Bien, cualquier bienaventurado puede decir con total seguridad que el punk es un estilo creado por y para gente de raza blanca. El grupo Death le pone una mancha de color a todo esto ya que sus tres integrantes son de raza negra y muy a contrapartida de lo que estaban realizando “sus hermanos de color”, los cuales preferían el soul o el funk ellos se volcaron al rock mas garagero y primal. Si hay que buscar una similitud en el sonido de los Death, ellos son muy deudores de los MC5 en cuanto al ritmo y sus letras ya que mas allá de la furia al tocar sus instrumentos la temática de las canciones rondan el mensaje contestatario en lo político, social y en la lucha por la igualdad de derechos. Algunas canciones de esta índole son "Politians in my Eyes", "You´re a Prisoner" "Keep on Knocking" o "Rock n Roll Victim". Sorprende la calidad del disco y suena muy actual, haciéndole un mano a mano a cualquier grupo contemporáneo y dejándolos K.O sin despeinarse. Este álbum es el eslabón perdido del punk y es la conexión perfecta para lo que luego harían en los ´80 la banda hardcore-punk Bad Brains, los cuales también se abrieron paso en un estilo por y para blancos siendo estos últimos también de raza negra.