El Infaltable

Publicado por Mocker , domingo, 30 de mayo de 2010 21:37

The Velvet Underground: "The Velvet Underground & Nico"

Hay discos que son adelantados para su época, revolucionarios, vanguardistas, y luego de algunos años recién son reconocidos, y en el mejor de los casos hasta sirven de inspiración para la creación de otros grupos y hasta de nuevos géneros musicales. Así sucedió con The Velvet Underground, un grupo que en el año de la edición de su primer disco no causo mucho revuelo, pero que con el correr de los tiempos sirvió de influencia en muchos grupos Punk, Post Punk, New Wave, Art Rock, Noise Rock y un largo etcétera. Muchos de los principales referentes de estos estilos musicales son deudores del sonido, las letras, la puesta en escena o el arte de sus discos.

¿Cuáles son las razones del porque se considera a este disco tan vanguardista? Acá van algunas:
El disco de la banana salio en 1967, pleno año del Flower Power y toda la explosión hippie. Mientras que en la soleada California los grupos de onda hablaban sobre viajes psicodélicos ahogados en LSD, paz, amor y una hermandad que los unía y que los hacía juntarse en grupos para vivir en una cofradía, los Velvet estaban en la urbana y gris Nueva York, recluidos en pequeños reductos de la ciudad, hablando sobre dealers, prostitutas, cafishos, sadomasoquismo, etc.
Conclusión N° 1: Estaban en el lugar y momento incorrecto.

Todo el mercado musical estaba inclinado a los grupos folks y psicodélicos, los cuales con sus ropas de colores y pelos al viento hablaban entre otras cosas del “sueño californiano”, mientras que los Velvet enfundados en una vestimenta urbana hablaban de “estoy esperando al dealer”, todo una declaración, ya que por esos días, recordemos que es el año 1967, ninguna persona en su sano juicio iba a decir este y otros mensajes en sus letras. Además, sus composiciones musicales no eran muy radiales para esos tiempos ya que muchas veces eran acoples, ruidos, gritos, etc.
Conclusión N°2: Composiciones de avanzada para el publico y sus contemporáneos.

Por si todo esto fuera poco, la tapa de su primer disco tenia en su frente un dibujo de una banana, un mensaje directo de connotación sexual, y por si fuera poco, la misma se podía pelar!!!, o sea el objeto fálico a su máxima expresión. Por primera vez el publico tomaba contacto e interactuaba, en cierta forma, con la obra del artista y no sólo se limitaba a escuchar su obra. Demás esta decir que todos los grupos de esa época en sus tapas eran una explosión de colores, mientras que los Velvet proponían una respuesta minimalista, solo esta fruta sobre un fondo blanco y letras negras que nombraba al grupo. La autoria de la portada es del diseñador de arte pop Andy Warhol, que vio en el grupo un canal para expresar su arte dentro del panorama del rock, ya que al principio de la carrera del grupo hizo las veces de productor.
Conclusión N°3: Arte de tapa revolucionario en su concepto y mensaje.

Ya aclaradas algunas cuestiones periféricas al disco, el álbum tiene mucho respaldo en su interior, ya que contaba con un muy inspirado Lou Reed, un artista que siempre se caracterizo por tener ese misterio, oscuridad e impronta que lo llevaron a ser uno de los mejores compositores de rock. Aquí Reed deja volar su pluma, contando historias urbanas de perdedores, marginales, olvidados, adictos, fetichistas, etc. Sin embargo, no estaba sólo en la composición de los temas sino que también se encontraba John Cale, músico de formación clásica el cual aportaba todos sus conocimientos musicales y era el que proponía un sonido mas radical, extremo y vanguardista para la época. El mismo, muchas veces se basaba en la repetición constante de una nota o en la incorporación de sonidos no tan habituales para un grupo de rock. Unos pasos mas atrás de estas dos figuras relevantes del grupo se encontraban el guitarrista Sterling Morrison que aportaba texturas musicales interesantes y la baterista Maureen Tucker, la cual en la ejecución de su instrumento no era muy ávida, sino que mas bien era cruda o primal pero para el sonido del grupo era perfecto, ya que no se necesitaba de un virtuoso en los parches. Por último, el quinto integrante y también ultima en incorporarse al grupo fue la modelo y actriz alemana Christa Paffgen, mas conocida como Nico, la cual fue introducida al grupo por Warhol, ya que este no veía a la Velvet como un grupo sino como un engranaje mas dentro de la “Exploding Plastic Inevitable”, un show de música, arte y proyecciones que llevaba a cabo.

El disco abre con la bella y tranquila “Sunday Morning”, sostenida por un piano de Cale y la voz etérea de Reed. Este comienzo, nos engaña y nos hace creer que estamos ante un disco de clima tranquilo, de bellas armonías y de dulces letras, sin embargo nada mas lejos ya que sigue con el paranoico “I´m Waiting For The Man”. El ritmo mantenido de la batería nos despierta del letargo del primer tema y nos traslada directamente a los suburbios de Nueva York en el cual el personaje se mueve bajo las sombras de los edificios esperando al dealer y tratando de no llamar la atención dentro de un ámbito para nada ameno. Para el tercer tema los Velvet nos dan un respiro a nuestro oído con “Femme Fatale”, la cual abre como una chanson francesa y tiene a Nico en la voz principal. Las armonías y los arreglos son fáciles de oír, sin embargo bajo esa música tan dulce se esconde una letra que habla sobre una prostituta y en la cual el personaje de turno se ve enamorado de sus encantos cuando para ella es solo un número más. El próximo tema, “Venus in Furs”, abre con el violín eléctrico de Cale y se sostiene con el ritmo firme y mantenido de la batería de Tucker, creando un sonido de mantra sexual, ya que la letra habla sobre la relación sadomasoquista que están manteniendo dos personas. Luego de pasar por el rock de guitarras de “Run Run Run”, otra vez Nico toma el micrófono principal para cantar en una suerte de declaración con “All Tomorrow Parties”, sobre los excesos de las fiesta de todos los días que mantiene la chica en cuestión y sus consecuencias por los efectos post celebración.

“Heroin” es el próximo tema que en su in crescendo musical, hasta llegar a ser asfixiante en sus acoples, nos habla sobre alguien que no desea mas continuar con su vida y que no le encuentra sentido a la misma, inyectándose Heroína para hacerla en su punto mas llevadera. Los últimos temas del disco van desde el tranquilo “I´ll Be Your Mirror” en la voz de Nico, pasando por el garagero “There she Goes Again”, el folk eléctrico de “The Black Angel´s Death Song” hasta llegar al instrumental, saturado en ruidos, distorsiones y acoples de “European Son” para cerrar un álbum radical, extremo, sugerente y porque no, prohibido.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , viernes, 28 de mayo de 2010 3:09

Los Gatos: "Los Gatos"

Siempre se dijo que existe una trilogía de discos que da comienzo al rock argentino, los cuales son el primero de Almendra, Manal y este de Los Gatos. Todos son distintos en estilo musical, letras y concepto pero sin embargo, cada uno sirvió como cimiento para lo que estaba naciendo, una nueva corriente musical apuntada a un publico joven. Si nos tendríamos que poner aún mas puristas y hurgar para poder decir con exactitud quien fue el primer artista en poner el ladrillo en la creación de nuestro rock, podemos descubrir a Los Beatnicks, grupo conformado por Pajarito Zaguri y Moris que en el ´66 sacaron un simple con el tema “Rebelde” el cual hablaba de pacifismo y libertad, pero no hay que dejar afuera al larga duración de Los Gatos Salvajes lanzado en 1965. Este disco, hoy considerado como un objeto de culto por los coleccionistas, es visto como el precursor de esta incipiente movida, ya que fue el primero en tener letras en español en sus temas, algo que por ese entonces era considerado un suicidio comercial.


No esta de más recordar que por esos años, el espejo donde todos estos grupos se miraban era el de Los Beatles, copiándolos tanto en lo musical como en su vestimenta. El ejemplo más claro son los uruguayos Los Shakers, clones perfectos de los Beatles pero con la diferencia de que poseían sus propias composiciones y no sólo versiones de sus temas como varios de sus contemporáneos lo hacían. Volviendo al disco de Los Gatos, estaban entre sus filas dos ex Gatos Salvajes, que decidieron reformular el grupo ante la vuelta de algunos integrantes a Rosario, su ciudad natal. Ellos eran el tecladista Ciro Fogliatta y Litto Nebbia, quizás el pilar principal del naciente rock argentino. Estos dos, consiguen tocar en la Cueva, un reducto donde se encontraba el ambiente bohemio y undergound de la época, reemplazando a músicos de jazz. Sin embargo, cuando no se encontraban en este lugar, varios personajes, como Moris, Javier Martinez de Manal, el periodista Pipo Lernoud, Tanguito, Pajarito Zaguri y hasta un joven Miguel Abuelo se dirigían al Bar La Perla, situado aún hoy en la esquina de la Av. Rivadavia en el barrio porteño de Once. Este lugar es en el cual se despertaron tantos intereses por parte de estos jóvenes para lograr cambiar o conseguir algo con la música, creando a su manera una contracultura. Aquí debatían ideas, creaban canciones y tomaban prestadas algunas otras para hacerlas suyas, como es el famoso caso del tema “La Balsa” que la inspiración para el mismo surgió de una pocas estrofas que estaba cantando Tanguito en el baño del lugar. Al escuchar esto, Nebbia se interesa por estas líneas que cantaba al aire Tanguito y le pregunta si podía apropiarse de las mismas con el fin de terminar de componer en su totalidad el tema. Las letras del mismo hablan sobre “salir a naufragar” una frase utilizada por ellos de forma constante con la cual expresaban sus intensiones de salir de la rutina y las ataduras sociales, en pos de un nuevo lugar, de dejar volar la imaginación y los sueños.


Para el año 1967 la formación de Los Gatos ya estaba consumada con Nebbia en voz, Ciro en teclados, Kay Galiffi en guitarra, Alfredo Toth en bajo y Oscar Moro en batería. Para ese mismo año entran a grabar un par de temas, entre los que se encontraba “Ayer Nomás” otro futuro éxito del grupo, que junto con “La Balsa” salen en formato de simple. Sin embargo, no todas eran rosas, ya que la compañía discográfica se opuso a editar el tema “Ayer Nomás”, ya que tenía un fuerte contenido social y contestatario para la época. Vale recordar que eran años de botas militares en el gobierno nacional y la mayoría de las expresiones eran censuradas o autocensuradas por los mismos compositores para no sufrir cualquier tipo de persecución. Nebbia al enterarse de esto, consulta con Moris y Pipo Lernoud, los dos creadores de este tema para preguntarles sobre la reformulación de la canción, dando estos el visto bueno, ya que entendían además que había que apoyar este incipiente camino que estaban iniciando Los Gatos. La letra cambia completamente y deja de ser contestataria para volverse en su prosa un tema romántico.


Fragmento tema Moris
"Ayer nomás,
en el colegio me enseñaron,
que este país
es grande y tiene libertad.
Hoy desperté
y vi mi cama y vi mi cuarto
en este mes no tuve mucho que comer”.


Fragmento tema Los Gatos
“Ayer nomás,
pensaba yo si algún dia
podría encontrar
alguien que me pudiera amar.
Hoy desperté
pensado en ella y me di cuenta
que estábamos equivocados ninguno ya sabía amar”.



El 3 de Julio se edita “La Balsa” y “Ayer Nomas”, convirtiéndose en un éxito total al vender 200.000 copias, todo un record para esos años, marcando con esto que el joven rock argentino sea escuchado por todos y no sólo por una minoría. Mas allá de estos dos grandes temas que se incluyeron en el primer larga duración se encuentran otros temas, todos encumbrados bajo un ritmo Beat y unas letras directas y romanticas aportadas por Nebbia. Como el errante pero liberal “El Vagabundo”, la plegaria de “Madre Escuchame”, o el amor no correspondido de “Lo olvidaras”. Sin embargo no solo se quedaban en el ritmo Beat sino que investigaban otros estilos como con la vodevil “Mi Ciudad” que hace recordar tanto a algunos temas de grupos como Los Beatles o Los Kinks, que coqueteaban también con estos ritmos o también la canción que cerraba el disco “Que Piensas Tu de Mí”, que traía un aire de la Tropicalia que estaba también despertándose en el Brasil con Caetano Veloso y Os Mutantes, entre otros. Por último, también hay que mencionar al segundo simple que editaron y que se encuentra en este primer disco, “El Rey Lloró”. Una fábula, que no estaba muy lejos de una posible realidad, la cual hablaba sobre un rey que con todos sus lujos y riquezas no podía ser feliz y llamo a un humilde campesino para que este le enseñase a vivir, recibiendo como respuesta que aunque tuviera todo ese dinero igual no podría ser feliz.
Todos estos temas, que tenían un gran compromiso con la poesía, a la vista de hoy pueden ser considerados inocentes o naif en sus letras, pero sin embargo no hay que quitarle merito a la obra ya que sirvió como punta de lanza para que otros grupos quisieran seguir el camino que comenzaron Los Gatos para crear las raíces del rock Argentino.

El Infaltable

Publicado por Mocker , lunes, 24 de mayo de 2010 16:55

The Clash: "London Calling"

Los discos dobles siempre abren el debate entre los oyentes. Los bandos se dividen en dos, una parte que defiende al artista porque intenta superarse dando lo mejor de si al dedicarse por completo a un trabajo con gran cantidad de temas, mientras que el otro siempre es mas escéptico y desconfía del artista porque cree que su ego se hizo tan grande que no puede discernir en la selección de temas para confeccionar un álbum simple.

Partamos de la base que escuchar un disco doble no es una tarea fácil, porque puede resultar agotador para el oyente ya que también es difícil mantener el interés del escucha en una obra que quizás tenga temas muy buenos, otros decentes, algunos malos y otros en los cuales hasta el propio reproductor esta pidiendo a gritos pasar de tema. “London Calling” no fue el primer disco doble que se editó, esos laureles le corresponden a “Blonde on Blonde” de Bob Dylan, sin embargo el tercer larga duración de los Clash es considerado uno de los mejores discos de la historia y uno de los pocos grandes discos dobles. Si hay que buscar paralelismos, “London Calling” es el “Sgt Peppers” del punk ya que fue una bisagra no sólo para los Clash sino también para el punk y el rock en general con su mezcla de estilos musicales.

Para el año 1979, fecha en la cual salió el disco, los Clash ya estaban consolidados dentro de la escena punk inglesa junto con los contemporáneos Sex Pistols, Buzzcocks, Damned etc, sin embargo lo que los diferenciaba de estos era un espíritu mas combativo en sus letras. Las mismas no solo eran quejarse y criticar a la sociedad inglesa, junto con el No Future que proponían los Pistols, sino que despertaban conciencia dentro sus seguidores con letras más sociales, hablando de derechos y de ideas políticas, como son “Career Opportunities” que habla sobre el desempleo y la falta de recursos laborales, el capitalismo radical de “I´m so bored with the USA”, la lucha por los derechos civiles y raciales de “White Riot”, etc.

Si los Pistols tiraban manotazos al aire para golpear por entonces a la monarquía inglesa, los Clash era una trompada bien puesta, ya que no eran el descontrol o el desorden musical que proponían los primeros. La banda de Joe Strummer siempre coqueteo con la mezcla de estilos y esto queda mas que claro ya en el primer disco, donde introducen un tema de base reggae en versión punk bailable de “Police and Thieves” de Junior Marvin. Sin embargo, toda esta mezcla cultural de estilos no deviene porque si, hay que saber que unos años antes existió un gran exilio de la población jamaiquina hacia el Reino Unido trayendo no solo sus costumbres sino también su música, la cual encontró en la juventud inglesa de los finales de los 70 un receptor para la aceptación. Los Rude Boys, pandilleros jamaiquinos, crearon una estrecha amistad con los Mods, y los primeros Punk, alimentando todo esto a una escena que empezaba a florecer con el Punk, la New Wave y el Ska inglés.

"London Calling" contaba con estilos musicales que iban desde el mencionado reggae hasta el rockabilly, pasando por el ska, el R&B, el pop y hasta un coqueteo con el jazz. Las letras no están ligadas a una temática específica, sin embargo muchas hacen hincapié en lo explícitamente social o político, como en la revolución de la clase trabajadora y la lucha anti-establishment. Analizando los temas mas trascendentes del disco, el trabajo de los Clash abre con el marchoso y machacante “London Calling”, una llamada a todos los punks de alistarse a sus filas. Sigue con “Brand New Cadillac”, un viejo tema de rockabilly de los ´50 de Vince Taylor, luego viene el turno de la jazzie “Jimmy Jazz”, otro tema del lado A del primer disco es “Rudie Can´t Fail”, un tema ska que habla sobre los Rude Boys. El disco prosigue con la pegadiza “Spanish Bombs” que desde su letra rinde homenaje a la revolución española. “Lost in the Supermarket” es el pop perfecto de la factoria de Mick Jones, en el cual la letra critica a la sociedad consumista y las obsesiones por lo material. Luego se encuentra “Guns of Brixton” un tema con tintes Dub, otro estilo made in Jamaica, en este caso aportado por el bajista Paul Simonon, pegado a este y para no irse de la isla centroamericana el disco sigue con el ska de “Wrong em Boyo”. Mas adelante sigue “Death or Glory” que suena a una confesión de principios, para continuar luego de otros temas como el New Wave de “The Card Cheat” con el Ska de “Revolution Rock”, tema también interpretado por los primeros Fabulosos Cadillacs, mientras que la frutilla final del disco esta reservada para la bailable “Train in Vain”. La tapa de “London Calling” también habla por si misma, ya que esta inspirada en el primer álbum de Elvis Presley, en el cual se encuentran las letras en rosa y verde y el tocando la guitarra. Sin embargo aquí hay una pequeña variación ya que se encuentra Paul Simonon, durante un recital en el Palladium de Nueva York, estrellando su bajo Fender Precision contra el escenario, una postal muy punk.


Rompe el Chanchito!

Publicado por Mocker , jueves, 20 de mayo de 2010 1:23

5 Discos de Britpop que no hay que dejar de tener


Blur - "Parklife" 1994
Sin duda alguna este disco, el tercer larga duración de Blur, confirma a Damon Albarn como el sucesor perfecto a la figura de Ray Davies líder de The Kinks, como el mejor analista y critico de la sociedad británica. Este disco es una radiografía del espíritu de toda una juventud inglesa por querer revalorizar su propia cultura ante el advenimiento cada vez mas radical de America. Este Lp junto con otros de esos años fueron la respuesta inglesa al grunge y al rock alternativo de EE.UU. “Parklife” posiciono a Blur como los deudores claves de toda la cultura pop de los ´60, dando los primeros pasos para que Inglaterra fuera nuevamente la meca de lo que fue durante el Swinging London. Este es un disco mucho mas directo que sus anteriores trabajos en el cual la pluma de Albarn escribe libremente sobre el advenimiento del fin de siglo en “End of a Century”, la sátira a la aristocracia inglesa en “Tracy Jacks”, el himno Neo-Mod y canto a la sociedad media inglesa en “Parklife” y por supuesto el hit inmediato y bailable “Girls and Boys”.


Oasis - "(What´s the Story) Morning Glory ?" 1995
El segundo disco de Oasis fue sin duda alguna el consagratorio para los hermanos Gallagher, tanto en ventas como en materia musical, ya que aquí confirman toda esa adrenalina de querer mostrarse y de llevarse el mundo por delante con esa locomotora de rock que fue “Definitely Maybe”. Por si fuera poco, además de la calidad del disco, la expectativa que se creo en torno al mismo en Inglaterra fue demasiada ya que por ese entonces, el periodismo de rock creo la rivalidad entre el grupo de Manchester y Blur. Cabe destacar que la rivalidad mas allá de los musical fue también vista como una competencia social y económica, ya que se identifico a Oasis como el grupo de la clase humilde y trabajadora mientras que al grupo de Colchester le toco el rotulo de “niños bien” para la gente de clase media acomodada. Por supuesto hubo vencedores y vencidos pero sin duda alguna los grandes beneficiados con esto fueron las compañias discográficas. Volviendo al disco, Noel Gallagher, una vez mas, es el artífice creativo del álbum y aporta dos canciones “de estadio” como son “Wonderwall” y “Don´t Look Back in Anger” para ser cantadas en los festivales mas por su público, que por el mismo grupo. Sin embargo no se olvida del rock y aporta dos temas como “Roll With It” y “Somemight Say” que junto con la ascendente “Champagne Supernova” dejan en claro que quieren conquistar no sólo el mercado británico sino también entrar por la puerta grande a America.


Pulp - "Different Class" 1995
Pulp, luego de transitar varios años de oscuridad a finales de los ´80 encuentra en este disco el trampolín perfecto para saltar a la fama en Inglaterra a mediados de los ´90, todo esto catapultado por las buenas críticas de su anterior trabajo. La figura del desgarbado Jarvis Cocker fue vista como la cara opuesta de lo que mostraban las dos grandes bandas de Inglaterra de los ´90, Oasis y Blur. Cocker, mas allá de coquetear siempre con esa fama lograda siempre se mantuvo al margen conservando el espíritu “art” y refinado y no de un rockero convencial, imponiendo su sello distintivo tanto en la forma de vestir como en sus letras. Estas apuntaban a un público mas adulto ya que hablaban de personas comunes, perdedoras, anti-heroes que luchan por sobresalir de la monotonía habitual como en la cancion “Common People” en la que el personaje en cuestión conoce una chica acomodada que quiere vivir sus vacaciones como la gente común haciendo cosas de gente común. También habla de cosas mas banales y hasta fetichistas como espiar por la cerradura de una puerta la habitación en la que se encuentra una pareja. El álbum se sostiene entre temas apuntados al sexo y las relaciones entre estos como tambien su crítica a la clase social. La pluma de Cocker detalla con presicion de cirujano el comportamiento de sus personajes, captando su lenguaje y retratando una historia y vida que puede ser identificada como propia por cualquier oyente. Por último no hay que dejar de lado su máximo hit “Disco 2000” un tema muy bailable sostenido por unos riffs de guitarras pegadizos y que llevo a Cocker a ser parodiado por sus pasos de baile en la televisión de su país.


Supergrass - "I Should Coco" 1995
El debut de Supergrass sin dudas es un disco que habla de una banda joven, dispuesta a reírse de si mismos mostrando su desfachatez, desenfreno, energía y humor. Justamente, esto último, es una de las cartas de presentación de la banda en todos sus discos, pero en ninguno tan marcado como en este. Llegaron a lograr esto quizás un lado por la edad temprana de sus tres integrantes que acababan de salir de su adolescencia cuando grabaron el disco, mientras que por otro lado el disco aportaba toda esa frescura de ser la banda nueva, justo en el momento de un supuesto resurgimiento tanto social como económico en la Inglaterra de los ´90. Por si no quedara en claro que eran la voz de una juventud y la música de una adolescencia sin preocupaciones el tema “Alright” en su letra dice:


“somos jóvenes, nos arreglamos,
no nos molestamos, no tenemos tiempo,
dormimos por ahí, si queremos.
Pero estamos bien”


El disco es una amalgama de estilos que va desde el punk de los Buzzcoks, pasando por el glam de David Bowie, hasta llegar al mod de los Small Faces, como se ve en el tema “Time”. Esta mezcla de estilos se demuestra en el pulso nervioso y en la energía desenfrenada de “Caught by the Fuzz”, “Mansize Rooster”, “Lenny” o “Lose It”. Sin descuidar el toque trippy o psicodélico del tema “Sofa (of my lethargy)”, una descripción de estar tirado y relajado en el sofá, sin preocupación alguna, antes o después de “comenzar un viaje”.


The Verve - "Urban Hymns" 1997
Ya para principios del ´97, todo ese sueño y esperanza inglesa de ese nuevo despertar que fue la década de los 90, con el fin de revalorizar sus culturas y tradiciones, se empezaba a romper. Ese caballito de batalla en lo musical llamado Britpop, con el que muchos políticos coquetearon con el fin de conseguir votos y adeptos entre los más jóvenes, se empezaba a desmoronar. Sin embargo, para esto aún faltarían unos años más pero el grupo que ya empezó a bajar la cortina fue The Verve. Este disco, ya desde el soberbio y majestuoso “Bittersweet Symphony”, con el que se hicieron conocer no sólo en el Reino Unido, sino en todo el mundo, deja en claro que puede ser considerado como una visagra dentro del Britpop antes de su ocaso. Por si fuera poco el tercer Lp de The Verve marca la separación de la banda tanto en lo personal como en lo musical, ya que muchos de los temas son de la autoria individual de Richard Ashcroft. Muchos de esas canciones que aparecen en el disco tienen un aire de oscuridad, desolación y desamor como “Sonnet”, “Lucky Man” o “Velvet Morning”. No hay que dejar de lado “The Drugs Don´t Work”, tema compuesto a la perfección con ese arreglo de cuerdas de fondo y una letra que puede significar demasiado para los excesos de una estrella de rock durante la “fiesta” que fue Inglaterra por esos años. Los otros temas, compuestos por el grupo en su totalidad son de un pulso mas rockero dejando en claro para que lado apuntaba cada integrante en el desmembramiento del grupo.

Desempolvando los Archivos

Publicado por Mocker , domingo, 16 de mayo de 2010 18:11

Las Peliculas de Los Beatles

Cuando un grupo de rock llega a la pantalla grande quiere decir que este a marcado todo un suceso en la música. Los Beatles así lo hicieron y en nada menos que en cinco oportunidades. La patada inicial para sobresalir de la chatez cinematográfica musical que existía en los primeros años de la década del ´60, fue con “A Hard Day´s Night”. Esta película, a diferencia de lo que se venía haciendo con cantantes famosos luego devenidos en actores de Hollywood, como el caso de Elvis Presley, fue una combinación de documental y comedia anárquica en blanco y negro. Empezó a rodarse en 1964 y su titulo deviene, según dicen, de una frase dicha por Ringo Starr luego de finalizar un duro día de trabajo. Los Beatles querían mostrar su ironía de sí mismos, describiendo un día común en sus vidas, sin dejar de lado las actuaciones, las presentaciones y por supuesto las corridas escapándose de sus enérgicas fans. El film, además tenia muchas similitudes de gags como en las películas de los hermanos Marx. La película sirvió de trampolín perfecto para el tercer LP ya que este contaba con 7 de los 13 temas incluidos.

Sin embargo, el film que si daría un cambio en como filmar películas de rock seria “Help”. Con sólo un año de diferencia, Richard Lester decide reunirlos nuevamente y esta vez bajo un guión que incluya una historia como núcleo a diferencia de la primera. La trama del film, en el que querían duplicar el primer éxito que habían logrado con "Anochecer de un dia Agitado", título en español del primer fílmico, se desarrolla en torno a Ringo, el cual se hace poseedor de un anillo deseado por una banda de hindúes dispuesta a realizar sacrificios humanos!!. La película que al principio se iba a llamar “Eight arms to hold you” (ocho brazos para abrazarte), sirvió nuevamente para promocionar un disco de la banda. En este caso, se trato del quinto larga duración y se llamo igual que el film. Hoy se considera a esta película como el puntapié inicial de lo que mas adelante fueron los videoclips ya que cada canción fue montada en distintos escenarios, con distintos vestuarios y con juegos de cámara muy novedosos para la época. Hay que dejar en claro, que en esos tiempos no existían los videos promocionales y ver a tus ídolos de rock a color en la pantalla grande era lo mas cercano al hoy ya tan conocido videoclip.

El gran fracaso vendría dos años después con “The Magical Mystery Tour”, la cual fue guionada y dirigida por Paul McCartney. La idea, bastante rebuscada y abstracta, era la de reflejar la aventura de Los Beatles en un autobús con un grupo de Hippies. Este trabajo fue hecho para la televisión y por supuesto también fue acompañado por el disco homónimo del cual solo se pueden rescatar algunos momentos psicodélicos del film, y por supuesto las grandes canciones del mismo, como por ejemplo “Strawberry Fields Forever”, “Penny Lane” o “The Fool on the Hill”.

Luego de este traspié en la industria fílmica, los Beatles se despachan con una obra maestra del cine de animación, “Yellow Submarine”. Revolucionó el cine de dibujos animados con imágenes surrealistas y psicodélicas ya que por esos días, lo único en materia de dibujos provenía de la mano de Walt Disney. La temática, una vez mas, tiene a Los Beatles como protagonistas, pero en este caso tienen que salvar Pepperland, una tierra de fantasía en la cual los Blue Meanies, pequeños personajes azules quieren acabar con la música. El disco constaba de 13 temas, entre los cuales, 7 eran interpretaciones instrumentales del productor George Martin.

La quinta, y última película oficial fue el documental “Let it Be”, el cual los mostraba entre ensayos, grabaciones y entrevistas. La película fue pensada para mostrar como trabajaban en el próximo disco, pero sin embargo fue mas que nada una radiografía de las distancias insoslayables de personalidad, los egos y las diferencias musicales que existian entre ellos en esos momentos. Hoy es visto como la crónica de una muerte anunciada ya que mostraba la desintegración por parte del grupo. Las relaciones de la banda son mostradas en el film sin ninguna anestesia, ya que se veía como irritaba la presencia de Yoko Ono durante las grabaciones, la actitud de Lennon, cada vez mas comprometido con los conflictos sociales del mundo, el poco lugar que le cedían a Harrison en la composición y la actitud autoritaria de Paul con respecto a los arreglos musicales, ocasionando mas de una discusión. La perla de la película es el mini recital que dieron los Beatles en la terraza del edificio Apple, en el que tocan temas del disco y luego son retirados amablemente por la policía. Por el lado musical, las cintas del Lp fueron entregadas al productor Phil Spector para que pueda “salvar y rescatar” lo que grabaron en esas sesiones teniendo la libertad para añadir o quitar lo que él crea conveniente. Mas adelante en el tiempo, cada integrante realizaría diversos proyectos artísticos, pero esto ya pertenece a otro tema.