Popcorn

Publicado por Mocker , jueves, 28 de julio de 2011 12:28

Stray Cats: "Rumble in Brixton"

Siempre y en todos los ámbitos de la vida el ser humano compara todo lo que lo rodea, de forma consciente o inconsciente, y por supuesto el rock no es la excepción a la regla. El Revival, es un movimiento artístico que encumbra cualquier tipo de expresión -musical, fílmica, social, etc- y sirve para revalorizar, reflotar e imponer modas o estilos del pasado dentro del presente. Por tal motivo, el Revival siempre corrió y correrá por detrás del prejuicio y la comparación. Siempre caerá -quizás porque en parte fue creado para eso- en la comparación del actual o revisitado con el original y precursor. Para muchos puede ser visto como una falta de ideas volver a “reflotar” conceptos, tendencias, modas, estilos, etc, sin embargo, miremos el vaso medio lleno y se le pueden encontrar muchos aspectos positivos de esto.

Por ejemplo, muchas veces estos Revivals son el disparador para querer conocer, indagar e investigar a los “originales” que sirvieron de inspiración a estos nuevos exponentes. Incluso no hay que quedarse en el mero hecho de copia fiel del original ya que en muchos aspectos toman conceptos de este pero son interpretados con una personalidad y sello propio que los trascienden más allá del homenaje y/o nostalgia que puede despertar ese Revival. Por último y quizás el más importante de todas esas características positivas, sea el simple hecho de disfrutar una vez más tal o cual estilo/tendencia/moda que tanto nos pudo o no haber identificado pero que la recibimos con satisfacción por el sólo factor que nos agrada, sin rodeo alguno y más allá de cualquier connotación negativa que pueda llegar a recibir. Todos estos motivos y algunos más son los que vuelven tan atractivos a los Stray Cats, la banda integrada por Brian Setzer en guitarra y voz líder, Lee Rocker en contrabajo y Slim Jim Phantom en batería, en la cual nos regalaron en todos sus trabajos el más puro amor por el Rockabilly inspirados en los ´50.

Los Stray Cats, incluso redefinieron un nuevo concepto dentro del Rock and Roll, terminaron de redondear una idea y crearon una nueva escena. Sostenidos bajo las características y los parámetros de un estilo ya existente como era el Rockabilly, reforzaron hasta el extremo ciertos detalles, los cuales sirvieron para darle una lavada de cara, aportarle color y características propias a un género clásico. Fue tan fuerte esa imagen reforzada hasta el extremo con la cual se dieron a conocer que hasta el día de hoy cualquier representación artística de esa década está influenciada de forma directa o indirecta bajo las bases que impusieron los Stray Cats al inconsciente colectivo de la sociedad.

Esta imagen se basó en camperas de cuero, jeans, pañuelos, grandes jopos -llevados en algunos casos al extremo total-, instrumentos y forma de tocar clásicos de los ´50 pero ejecutados con un sentimiento más desestructurado, coros femeninos, y las clásicas formas del baile del rock and roll pero con un total desenfreno. Sin embargo, la imagen no se quedo sólo en la banda sino que decidieron encumbrar con su paleta de colores todo lo que los rodeaba, por este motivo aparecieron las clásicas confiterías juveniles, donde estaban las grandes rockolas, los taburetes rojos y las malteadas, como así también las motos, los Hot Rods, los Cadillacs y por supuesto las representaciones de callejones oscuros y peleas de bandas. Dentro de lo musical, más allá de que si el genero es el Rockabilly siempre hay un lugar reservado para Elvis Presley, los Stray Cats se vieron más influenciados por otros artistas contemporáneos al “Rey” pero que los representaba por una cuestión más de rebeldía, estética y cierta marginalidad como sí lo fueron Gene Vincent, Eddie Cochran -de ahí la canción homenaje llamada "Gene & Eddie”-, Johnny Burnette, Carl Perkins y varios otros.

Este DVD llamado “Rumble in Brixton” es el documento fílmico del concierto que dieron en Julio del 2004 en el Brixton Academy de Londres como conmemoración de la reunión de los integrantes originales luego de una separación de muchos años. El concierto esta filmado con una calidad fílmica muy bien cuidada retratando a ellos tres de la mejor manera conjugando incluso con el público y creando un muy buen ambiente de una multitud del publico inglés que le demostró todo su afecto. No está demás mencionar que más allá de que los Stray Cats sean oriundos de EE.UU, es en Inglaterra y en Europa donde jugaban más de locales y fueron siempre recibidos con los brazos abiertos cada uno de sus discos. Este recital fue filmado a siete cámaras y con esto le da un vuelo y una frescura a las imágenes mostrándonos detalles de cada uno de los integrantes sin recaer toda la atención en Setzer y pudiendo ver los clásicos aporreos a la batería de pie de Slim Jim Phantom o los saltos y “subidas” a su contrabajo por parte de Lee Rocker. La puesta en escena es austera, no presenta grandes artilugios pero tampoco quizás haga demasiada falta, ya que la adrenalina que despierta el show de ellos junto con el juego de luces y de cámara es efectivo. El repertorio de canciones abarca todo los hits que tuvo la banda durante su carrera, por eso no faltan temas como “Rock This Town”, “Rumble in Brighton”, “Stray Cat Strut”, “Fishnet Stockings”, “Bring it Back Again”, “Double Talkin Baby”, “Gene & Eddie“, “Runaway Boys”, “Sexy + 17”, “I Won´t Stand in Your Way”, “Good Rockin Tonight” o “18 Miles To Memphis” entre varios más.

Fuera de este concierto el DVD trae además algunos agregados interesantes como una sección llamada Flashback donde nos da una vistazo a las apariciones televisivas durante los comienzos de ellos en cada uno de los muchos programas en los que estuvieron y de las variaciones de jopos de cada integrante. También hay imágenes del Backstage de la grabación del tema “Mystery Train Kept a Rollin”, primer nueva canción desde 1991. Motivos para ver esta reunión de los Stray Cats sobran, primero porque más allá de que existan varias grabaciones de sus conciertos -incluso en su apogeo- ninguno tiene la calidad fílmica de este, sino que todos se tratan de Bootlegs donde el sonido y la imagen en algunos casos es muy deficiente y dejaba bastante que desear. Sin embargo, el motivo principal es poder pasarse un buen rato disfrutando de unos minutos de un muy buen concierto, sin tanta pomposidad o parafernalia yendo al origen primal y austero pero suficiente y de excelente calidad como es un concierto del más puro Rock…… and Roll.


"Rumble in Brighton"


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"Bring It Back Again"

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"Runaway Boys"

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"I Won´t Stand in Your Way"

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"Stray Cat Strut"

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"Good Rockin´ Tonight"

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Made in: Argentina

Publicado por Mocker , jueves, 21 de julio de 2011 3:04

Miguel Cantilo: "Miguel Cantilo y Grupo Sur" (1975)

A comienzos de los ´70 la juventud Argentina vivía cambios políticos, sociales e ideológicos. Eran épocas turbulentas a nivel nacional y por supuesto también en el plano internacional. Como siempre lo fue y lo seguirá siendo el país por ese entonces recibía los coletazos de lo que sucedía en sociedades ya formadas y se amoldaba de la mejor o peor forma a esto. Eran tiempos de ideologías positivas y revolucionarias, todo en pos de cambiar el mundo, así se recibía con satisfacción y esperanza manifestaciones como la del Mayo Francés, la Primavera de Praga, las protestas contra la guerra de Vietnam y cualquier otro suceso de similares características. La sociedad y mucho más la juventud Argentina, no fue indiferente a esto y acá también se vivieron en mayor o menor medida manifestaciones de igual contenido ideológico y/o político. De forma paralela, parte de esa juventud mundial que no estaba de acuerdo con ciertas ideas políticas y que también de alguna forma descreían de cualquier tipo de inclinación, empezaron a formar comunidades bohemias donde practicaban su propia idiosincrasia. Esta juventud que se oponía en un primer lugar a los mandatos y a la forma de vida de sus padres, para luego continuar con una revaloración de la vida en sociedades, amor por la naturaleza y búsqueda interior, se empezó a denominar Hippies, teniendo su mayor promedio de adeptos en los EE.UU.

La Argentina no fue la excepción a este movimiento y también supo tener a sus “propios Hippies” los cuales abría que diferenciarlos en los de “pura cepa”, que vivían y sentían su forma de pensar y ver la vida como algo real, verdadero y no pasajero o de moda como algunos Hippies de “fin de semana” que estaban enfilados más en una tendencia del momento. Si hablamos de Hippies en la Argentina, existe un relato -casi romántico- de esa aventura que fueron a vivir muchos hacia El Bolsón, en pos de vivir sus sueños naturales y huyendo descreídos de los aires consumistas y grises que se vivían en Buenos Aires. Varios de esos jóvenes buscaban una nueva forma de vivir y consigo llevaban una mochila llena de pensamientos de cambio, sueños y valores ideológicos los cuales los unificaba y no los rotulaba como sí lo hacían las funciones que desempeñaban en el día a día en la ciudad. Por este motivo, no es de extrañar que pudieran convivir diferentes personas que escapaban con sus sueños más individuales para convertirlos en colectivos. Por supuesto, también hubo músicos que decidieron emigrar hacia la Patagonia ya que no se encontraban cómodos con lo que sucedía en la ciudad a nivel político.

Uno de ellos fue Miguel Cantilo, antiguo integrante del grupo Pedro y Pablo, que asediado por la censura y persecución artística decide emigrar hacia El Bolsón. No está demás mencionar que el grupo que integraba con Jorge Durietz nunca fue bien visto por su crítica política y su incisivo retrato a la sociedad en discos como “Yo Vivo en esta Ciudad” y con el editado a duras penas “Conesa”. Este último, de alguna forma ya preanunciaba esa búsqueda colectiva y esa experiencia de vivir en comunidad ya que todo el proceso de grabación fue en una casa ubicada en la calle del mismo nombre de la ciudad de Buenos Aires. Este proceso de vivir en grupos no fue un hecho aislado sino que varias otras agrupaciones también lo venían haciendo como fue el caso de Arco Iris y el de La Cofradía de la Flor Solar. De hecho, de esta última banda también decidió emigrar el guitarrista Kubero Díaz junto a Cantilo hacia la Patagonia. De este viaje y posterior residencia en Las Golondrinas, ubicada en el Valle de El Bolsón, surgieron las canciones que formarían parte de este disco llamado “Miguel Cantilo y Grupo Sur”. Los temas que integran este Lp tienen letra de Cantilo mientras que la música es compartida por ambos. El disco que se grabó en 1973 en los estudios ION recién salió a la luz en 1975 por el desaparecido sello Trova, y el cual por el paso de esos años sintió el golpe ya que la difusión del material fue escasa y el panorama musical ya era otro.

El sonido de este Lp estaba muy empapado por el rock anglosajón de esos años, un rock más duro y desenfrenado, que mezclaba baladas con ciertos aires folk junto a experimentaciones psicodélicas. Más allá de que las composiciones fueras compartidas entre Cantilo y Díaz, este último antes de grabar el Lp parte para tocar junto a Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. Un hecho que hoy puede ser no muy bien visto, pero que por aquellos años era de moneda común que cualquiera estuviera con cualquiera ayudando y colaborando con varios músicos a la vez sin pertenecer a algún grupo en particular. Por este motivo, Cantilo decide buscar integrantes para la grabación de este trabajo, encontrando la participación de Willy Pedemonte en guitarra, Alejandro Marassi en bajo, Diego Villanueva en batería, Jorge Pinchevsky -La Pesada del Rock and Roll- en violín y Gastón Cubillas en saxo entre otros.

El Lp abre con “Sur Alabanzas”, un tema que comienza tranquilo, casi pastoral, para luego terminar en un Hard Rock a toda furia, todo esto acompañado por una letra plagada de invocaciones a la naturaleza y a la búsqueda del ser interior. El próximo es “Naturangel”, cuya letra continua en la mención de esa búsqueda interior y existencial del hombre. Esta canción tiene muy buenos riffs de guitarra que la vuelven Hard Rock a pesar de que comienza también de forma tranquila. Los próximos dos temas que cierran la cara A del disco detienen su furia y cambian el ritmo por unas baladas como es el caso de “Musi” -tema dedicado a la madre del hijo de Cantilo-, y termina ese hilo conductor con “Demián”, compuesto para su hijo.

El Lado B, arranca nuevamente bien arriba con “Una Manera de Llegar”, el cual tiene unos arreglos muy interesantes de fondo. “La Leyenda del Retorno”, se aleja un poco de esa evocación a lo natural para politizarse un poco remitiéndonos de forma directa a su grupo anterior, Pedro y Pablo. El tema es un Hard Rock bien enérgico donde la letra hace mención a la expectativa y convulsión popular que se vivía por esos años debido al retorno al país y a la política de Juan Domingo Perón tras 17 años de exilio. Una letra metafórica pero bien punzante e incisiva.

… / Los falsos dioses de aire, tierra y agua / Vencieron el hechizo que reinaba / El gran cacique vuelve del exilio / Manos al cielo padre de los indios /

/ Traigan al líder! / Traigan al líder! / El pueblo lo quiere vivar” /

/ “Vine ante todo para destapar. La pipa de la paz.” / Un par de recitales voy a dar antes de continuar. / Olvidemos los rencores compañeros y señores / Con el gran jefe del ejército tengo que zapar /


/ La sonrisa serena de los sabios / la fatiga de abuelo entre los labios y muchísimos años más /

/ Convoquen a los ángeles reos / A los cirujas y a los ateos / A las sacerdotisas del puerto / Y al cazador de espíritus muertos /

/ La muchedumbre jubilosa canta / alrededor de la fogata santa / tres guerreros ahumados / manejan el asado /

/ Traigan al líder! / Traigan al líder! / El pueblo lo quiere vivar” /


Continuando con ese análisis de la sociedad sigue el tema “Algo Está por Suceder”, una canción con un espíritu más crítico hacia el hombre en si mismo. Es muy interesante también la progresión de acordes del estribillo durante este tema. Cierra el álbum “Las Imágenes que Ves Entre las Nubes”, que comienza al igual que muchas canciones de este trabajo casi con aires pastorales para terminar a toda furia en un Hard Rock.

Este Lp, debido a la demorada edición y a la poca difusión que obtuvo luego de su salida pasó a ser un objeto de culto dentro de los coleccionistas, sin embargo más allá de esto, sería una pena quedarse en el sólo hecho de “oculto” y no valorar la calidad compositiva e instrumental que tiene en su interior. Para los interesados, hace ya unos años el sello Viajero Inmóvil lanzó una edición especial en digipack el cual respeta el arte de tapa original terminando con esto muchos años de injusticia de un material que se encontraba descatalogado.

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , miércoles, 13 de julio de 2011 22:11

Beirut: "March of The Zapotec" - "Realpeople Holland" (2009)

Beirut además de ser la capital del Líbano es el nombre de una agrupación que hace ya unos años viene de a poco, ganando más adeptos dentro del mercado musical contemporáneo. Las razones pueden ser muchas y acá podemos encontrar algunas, sin embargo antes veamos quien es Beirut. Esto último no es un error, sino que tras ese nombre que podría ser de una agrupación, en realidad es el proyecto de una persona, más precisamente Zach Condon, donde el cual rodeado de algunos músicos decidió dar rienda suelta a su aventura musical. Esto último también no es una palabra elegida al azar, sino que todo lo contrario, es el desenlace de una mente inquieta y un espíritu viajero ya que su música está empapada de sonidos y culturas de varios países.

Ya desde el nombre de la agrupación y pasando por la música que ejecuta la banda de Condon, la cual tiene influencias de los ritmos de países bálticos como así también de México entre otros, sirven para redondear el concepto de World Music para gente indie. Un poco más arriba se menciono que existían varias razones para que la música de Beirut de a poco fuera ganando más adeptos, pero esto no es un ejemplo aislado, sino que varios contemporáneos al grupo de Condon están creando un estilo en sí mismo. Artistas como Manu Chao, Gogol Bordello, Grizzly Bear, Devotchka o A Hawk and a Hacksaw -sólo por nombrar algunas- mezclan ritmos de diferentes culturas y etnias fusionándolo con el rock.

Este encuentro de diversas culturas, la del rock junto con la música tradicional de algunos países logra que ciertos jóvenes empiecen a mirar con otros ojos y salgan de su “aldea individual” y mezclarla con una más global. Los detractores pueden decir que Condon es un nerd indie de los tantos que pueden ir apareciendo año tras año dentro de la música y que capta sólo la atención de una porción de la juventud que siempre busca ser snob. El debate queda abierto de hasta que punto lo tradicional maquillado con un poco de modernidad puede ser vendido como espejitos de colores. Pero sin embargo, no hay que restarle meritos a la búsqueda de viejos/nuevos sonidos, culturas y/o tradiciones, si son ejecutados con pasión y respeto por la música como en este caso lo puede hacer el proyecto de Condon.

Apoyado por los muchos viajes realizados a la Europa Oriental, Condon supo plasmar ritmos de música pop junto a sonidos más tradicionales de los países balcánicos. El resultado fue su primer larga duración “Gulag Orkestar” en el cual junto al Ep “Lon Gisland”, nos ofrece un nuevo concepto de World Music. Su siguiente Lp sería “The Flying Club Cup” un trabajo similar pero quizás en una veta más pop. Así llegamos a este “March of The Zapotec” un Ep lanzado en el 2009 que consta de dos partes totalmente diferentes. Una primera muy interesante y similar al sonido étnico de discos anteriores de Beirut y una segunda llamada “Realpeople Holland”, la cual tiene un sonido moderno, muy disímil a todo lo escuchado durante la discografía de la banda de Condon.

Este primer disco ya desde el nombre nos dice de que va la cosa. Zapotec al parecer es el nombre de una antigua civilización precolombina que se situó en la zona de lo que hoy se conoce como México. De todas maneras, si queremos encontrar más pistas las mismas se encuentran tambien desde la tapa, ya que a la izquierda de la silueta de Condon se encuentra una leyenda que dice: Nuevas grabaciones desde el Estado de Oaxaca. Por estos motivos, mucho del sonido que hay en esta primera parte y en esos escasos 6 temas es deudor del país Azteca. El primer tema, que en realidad es una intro, llamada “El Zocalo” es el fade-in de una marcha tradicional llena de instrumentos de viento. Luego de esto viene ahora ya sí el primer tema llamado “La Llorona”, una canción que hace mucho hincapié en las trompetas, tuba y trombones -fiel al sonido Beirut- pero que refleja una alta influencia de la música mexicana. Esta es una de las mejores canciones del álbum, donde la instrumentación y la sufrida voz de Condon le dan un aire de tensión y melancolía por partes iguales. El tercer tema es “My Wife”, donde las trompetas del comienzo pueden trasladarnos en espacio hacia unas corridas de toros. La canción es íntegramente instrumental, pero no necesita de las voces para ganar atractivo, sino todo lo contrario, el arreglo de los instrumentos de viento hablan por si solos y “comentan” mucho más de lo que puede decir una letra.

“The Akara”, comienza también con las trompetas bien al frente para luego darle lugar a un ukelele y a la percusión, los cuales junto a la voz de Condon le dan un ritmo más marchoso a la canción. El próximo tema, “On a Bayonet” también es un instrumental sostenido por trompetas y trombones el cual no aporta demasiado. El final de este primer disco llega con “The Shrew”, otro muy buen tema que también esta muy emparentado con el país de las enchiladas y tacos, el cual llegando al final tiene unos instrumentos de vientos similares a los que se usan en las corridas de toros.

La segunda parte, “Realpeople Holland” está muy lejos del típico sonido Beirut, comienza con el tema “My Night With The Prostitute From Marseille”, una canción de base electrónica, que se encontrará durante toda la segunda parte del disco. Casi como una continuación, “My Wife Lost in The Wild”, es un tema muy similar al primero. “Venice”, es una canción más ambiental y oscura que no aporta demasiado y cierra el disco “No Dice”, un tema electrónico y sin voces que comienza bien pero que con el paso de los minutos se vuelve monótono. Antes de llegar a este último y casi como una canción perdida dentro de esos sonidos electrónicos, aparece “The Concubine”, un tema más cercano al clásico ritmo de Beirut con sus respectivas trompetas.

Este álbum doble, más allá de estar bien delimitado por esos dos discos que sirven para no mezclar ritmos tan disímiles entre sí, nos deja un sabor agridulce. Esto se debe a que todo lo “revolucionario” del clásico sonido Beirut que puede encontrarse en su primera parte, es echado por tierra en la segunda con esa veta electrónica que no aporta nada o casi nada y que sólo logra que siempre estemos escuchando la primera parte de este álbum doble.
Por estos días Zach Condon se encuentra ultimando los detalles del próximo trabajo que tiene fecha de edición para este año y que despierta expectativa de que nuevos pero a la vez tradicionales sonidos nos traerá y que lejos o no pudo haber quedado ese cameo con la electrónica

Revisando los Rincones

Publicado por Mocker , jueves, 7 de julio de 2011 14:51

Nick Cave & The Bad Seeds: "Murder Ballads" (1996) 

Historias siniestras, de crímenes, engaños, tragedias amorosas y psicópatas sueltos. ¿En que cabeza pueden caber todos estos relatos? Sólo en la del siempre oscuro, inquietante y misterioso Nick Cave, el cual durante el año 1996 decide grabar un Lp entero dedicado a estos temas llamado “Murder Ballads”. De todas maneras, alejémonos un poco y miremos con cierta objetividad, el concepto de recopilar historias que ronden los temas necrófilos puede ser interesante como propuesta pero no es para cualquiera, no todos van a salir bien parados de esa aventura.

Sólo Cave, apoyado por el clima que edifica su voz, entre melancólica, prohibida y a la vez elegante, puede salir airoso de este proyecto y no morir en la sola buena intención. Este proyecto fue la consecuencia de la admiración por parte de Cave hacia todas esas historias antiguas y populares de crímenes, las cuales en formato de baladas son relatadas como un melodrama. Ya desde su portada, en la cual se aprecia una pequeña casa de madera con chimenea encendida incluida, que se encuentra dentro de un frondoso bosque nevado, nos abre el juego de la intriga de que cosas ocultas pueden estar sucediéndose allí, contrastando con la quietud y la calma del paisaje que lo rodea.

Sin embargo, el contenido del Lp no tiene nada que envidiarle a la misteriosa tapa, ya desde su primer tema “Song of Joy” nos relata en primera persona la historia de un viajero que recorre los pueblos contando cuentos de misterio y en uno de sus tantos viajes detiene su marcha para resguardarse de la tormenta justificándose luego por la tragedia que contará. La historia de Joy, es sobre una mujer con la que este narrador se casó 10 años atrás y la cual de un día a otro, sin explicación alguna, perdió su alegría. Su marido médico un día sale de su casa para visitar a un paciente enfermo dejando a Joy y sus tres hijos en su hogar, sin saber que durante su ausencia recibirían la visita de un desconocido. Al volver, sus ojos comprueban que su vida había sido destrozada, su mujer e hijos habían sido muertos a puñaladas y la policía sólo es capaz de decirle que el “método de la muerte de los niños es el mismo que el de su esposa”. El asesino nunca fue hallado y él viaja errante pueblo por pueblo contando su trágica historia. El comienzo del Lp no puede ser más lúgubre y misterioso y esto es apoyado por la voz emotiva de Cave que narra este relato poniendo en varios momentos de la canción los pelos de punta. El arreglo del tema es magistral, tiene un teclado de fondo inquietante, unos platillos estridentes y el zumbido de un viento aullante que transita toda la canción como un mal presagio, creando a la vez una angustia que va in crescendo, la cual llegando casi al final se mezcla con la furia contenida de la voz de Cave y unos coros apocalípticos de fondo.

Esta canción es sólo el comienzo de un viaje hacia lo más oscuro el cual tiene su próxima parada en la violenta “Stagger Lee”. Esta es la historia de un matón que se teje sobre una leyenda popular de que existió en la vida real y que esta acostumbrado a solucionar sus asuntos por medio de la violencia y la vía rápida. Corre el año 1932 y la mujer de Stagger Lee lo hecha de su casa y él se lanza al mundo armado con su revolver y toda su prepotencia. El relato de Cave va contando la historia de Lee mientras recita de forma textual las palabras, de no muy buena educación, de nuestro antihéroe. Una vez más Cave se las ingenia para transgredir, en este caso, por todas las injurias que escupe en su relato. Al igual que en el tema anterior, la clave está en la interpretación de Cave, el rango de voz que va adoptando en los diferentes papeles que representa, mientras de fondo suena la precisión de los Bad Seeds a la vez de que se suceden ruidos que acompañan un relato que encajaría perfecto en cualquier película de Quentin Tarantino.

/ Fue en el 32 cuando los tiempos eran duros. / El tenía un colt 45 y una baraja de cartas./ Stagger Lee /

/ Llevaba zapatos de piel de rata y un viejo sombrero Stetson / Tenía un Ford del 28 y letras a pagar por el / Stagger Lee /

/ Su esposa le echó fuera al hielo y la nieve / y le dijo "No vuelvas nunca más"/ Stagger Lee /

/ Así que ando cruzando la lluvia y ando cruzando el barro / hasta que llegó a un lugar llamado el Cubo de Sangre / Stagger Lee /


/ Dijo: "Señor Hijo de Puta, ¿sabes quién soy?" / El encargado del bar dijo: "No, y me importa un carajo" / a Stagger Lee. /

/ Dijo: "Bueno, camarero, es fácil ver / que soy ese hijo de puta malvado llamado Stagger Lee" / El señor Stagger Lee. /

/ El encargado dijo: "Sí, he oído tu nombre en el camino. / Yo pateo culos de hijos de puta como el tuyo todos los días." / Señor Stagger Lee. /

/ Bueno, esas fueron las últimas palabras que dijo el encargado / porque Stag puso cuatro agujeros en su cabeza de hijo de puta /…


Para aquietar toda la violencia del tema anterior, Cave se despacha con la dulce balada llamada “Henry Lee”. Cuando digo dulce me refiero a la interpretación musical por parte de los Bad Seeds que acompañan de fondo la voz de Cave junto a la de PJ Harvey que aparece como invitada ya que una vez más -como en todo el disco- la historia lleva tintes trágicos. Este Henry Lee, no es el victimario, sino todo lo contrario, es la presa de una malvada mujer que lo seduce para terminar apuñalándolo y luego arrojarlo a un pozo. El fetiche de esta canción lo pone la supuesta relación -nunca admitida- entre Cave y Harvey que se tejió por esos años y que sirvió para alimentar el espíritu prohibido de esta canción.

/ Acuéstate, acuéstate, pequeño Henry Lee / Y quédate toda la noche conmigo / No encontrarás a otra chica en este maldito mundo / Que se pueda comparar conmigo / Y el viento aulló y el viento sopló /

/ Un pájaro pequeño se posó sobre Henry Lee / Ella se apoyó contra una valla / Sólo para recibir un beso o dos / Y con una pequeña navaja que sostenía en su mano / Lo apuñaló una y otra vez / Y el viento rugió y el viento gimió /…


“Lovely Creature”, se abre un poco de tanta tragedia y nos cuenta el encuentro que tienen en un sueño un hombre con una criatura mitológica. El ritmo es marchoso y se van conjugando los acordes de la guitarra junto a un sonido de viento que crean un ambiente de tormenta en ese relato onírico que es endulzado por los coros femeninos de fondo que suenan como musas encantadoras. Luego, vendría otra balada certera como es “Where The Wild Roses Grow”, uno de los mejores temas del disco, el cual tiene -dejemos de lado los prejuicios- la colaboración de Kylie Minogue. La interpretación y el aporte misterioso que le da Minogue al tema sorprende a propios y extraños cerrándole la boca a más de uno. Aquí ella juega el papel de una Elisa Day, que confía en su amante y lo acompaña junto al Río. Cave le ofrece unas rosas, luego la besa y termina por sorpresa golpeándola con una piedra causándole la muerte. El arreglo orquestal de fondo, y el clima melancólico y triste es magnificado por la narración a dos voces de Cave y Minogue.

Luego de esta balada, Cave y sus Bad Seeds le ponen un poco de ritmo al disco con “The Curse of Millhaven”, un tema marchoso con ciertos aires de Polca donde relata la historia de una ciudad maldita donde todos los niños están destinados a morir. De todas maneras, ese ritmo trepidante es pausado con la canción “The Kindness of Strangers”. Una balada que cuenta la historia de una joven llamada Mary Bellows, la cual dejó su hogar en Arkansas escapándole a la pobreza para terminar su aventura encontrándose con un hombre de nombre Richard Slade que termina pegándole un tiro en la cabeza y abandonando su cuerpo maniatada a los barrotes de una cama. El clima triste de la canción es sostenido por el sonido del piano de fondo mientras la voz de Cave va relatando la historia y de fondo va apareciendo una voz femenina -Anita Lane- la cual es reforzada por un llanto que termina en sollozo agregándole una textura más al tema.

Los próximos dos temas no son tan interesantes como la mayoría de las canciones que integran en álbum, sin embargo sirven para redondear el concepto de historias oscuras. Uno de esos es “Crow Jane” el cual está inspirado en un Blues tradicional y “O´ Malley´s Bar”, un tema de catorce minutos que transita varios climas en su relato y que sirve para contar la matanza que causó un psicópata dentro de una taberna. De todas maneras, la duración excesiva le quitan el dramatismo que supo ganar con temas anteriores.

El final esta reservado para “Death is Not The End”, una canción de Bob Dylan, en la cual a diferencia de todo el disco, no habla nada sobre hechos violentos. La canción tiene cierto aire navideño contando con la colaboración de Shane McGowan de The Pogues, y una vez más PJ Harvey, Kylie Minogue y Anita Lane en cada estrofa para terminar al unísono en un “sólo recuerda que la muerte no es final”, una frase que puede ser un guiño curioso y hasta irónico luego de habernos contado con lujo y precisión esas historias tan siniestras.