Seamos sinceros, la crítica comienza desde lo visual, la primera impresión que se tiene de algo, luego pasamos a otro plano, dejamos de lado un poco lo superficial y empezamos a adentrarnos en su interior, en lo de adentro por decirlo de alguna manera. Esto que podría ser el ABC de las relaciones humanas también se ajusta de manera precisa a la escucha de música, siempre hablando por supuesto en su formato físico. Cuando un disco llega a nuestras manos lo primero que hacemos es apreciar la tapa y de ahí surgen un montón de disparadores que nos pueden llevar a mundos de fantasía, ambientes oscuros, bellos paisajes, arte contemporáneo, o simplemente fotografías de la agrupación por citar solo algunos ejemplos.
Si ya conocemos el historial de la banda y su discografía quizás es más fácil seguir las huellas de su camino en el arte de tapa, sin embargo cuando se nos pone enfrente un grupo novel o viejo aunque desconocido para las masas pero que cuentan con esas pequeñas joyas que la historia se encarga de ocultar como un cofre del tesoro ahí es cuando nuestra cabeza e imaginación puede tomar vuelos inesperados. Una portada puede decir mucho en una primera impresión y después el disco dejar que desear, mientras que en otros casos la sensación que puede despertar una imagen es muy disímil a la música que la acompaña. Como así también puede llevarnos de la mano a adentrarnos en sus sonidos gracias a esas imágenes o fotografías que uno puede disfrutar apreciando los detalles mientras de fondo gira el disco.
Una de esas contradicciones -no siempre disfuncionales o negativas- de arte de tapa-música son las que tiene el primer trabajo de la joven banda de Folk Rock The Lumineers. Bajo una portada quizás más cercana a un espíritu Dark o Post-Punk gracias a ese recuadro en negro el cual enmarca una fotografía antigua en blanco y negro ya nos da un indicio de por donde puede ir la cosa. Sin embargo, el misterio se termina a los pocos segundos de comenzado el disco ya que las primeras notas suenan a un Bluegrass -2.0 por supuesto- con yeites de Folk Rock los cuales echan por tierra esa previa impresión que se había tenido del arte de tapa. De todas maneras, esos sonidos empiezan a ayudar a definir el concepto de la portada ya que en la misma se aprecia a una niña y una mujer y de fondo una especie de granero de pueblo del interior el cual sirve de guiño cómplice al revalorizar o tratar de dejar en claro el fiel apego del grupo por el Bluegrass más tradicional, por lo menos en la imagen, claro.
El primer Lp de nombre homónimo al grupo llamado The Lumineers se editó a comienzos de Abril de 2012 y cosechó buenas críticas apenas lanzado gracias a ese primer caballito de batalla que tienen de nombre “Ho Hey”, que detrás de un título insignificante esconde una canción de desamor.
“-Ho, hey!- -Ho, hey!-” / -Ho!- He estado intentando hacerlo bien, / Hey!- he estado viviendo una vida solitaria. / Ho!- he estado durmiendo aquí en lugar de en otro sitio, / Hey!-he estado durmiendo en mi cama, / Ho!- he estado durmiendo en mi cama -Hey!-”
“-Ho!- Para así mostrarle a mi familia, / Hey!- toda la sangre que sangraría. / Ho!- No sé a dónde pertenezco, / Hey!- no sé dónde me perdí (o equivoqué), / Ho!- pero puedo escribir una canción -Hey!-”
“Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor / Mi lugar está a tu lado, tu lugar está a mi lado, / eres mi dulce amor -Ho!-”
Apoyados por el respectivo videoclip la canción es de una transparencia instrumental y vocal que lo hacen adictivo sostenidos en una melodía de un Neo Folk Rock pero con muchas aristas al Folk más tradicional. Estos jóvenes de Denver, Colorado se suben a esa pequeña y tímida ola que volvió a formarse por estos años de grupos emparentados con el Folk Rock, ya sea tanto en EE.UU como en el Reino Unido, con los Mumford & Sons como los más en boga de este último.
De todas maneras los Lumineers no sólo quieren ser una canción pegadiza sino que quieren demostrar que están para más y eso ya lo dejan en claro desde la primer canción “Flowers in Your Hair”, cuyo nombre sería del encanto y la satisfacción total para cualquier espíritu hippie que se precie de serlo. En menos de 2 minutos que dura el tema la guitarra y voz de Wesley Schultz ya se nos presenta con todo el slang campestre al que luego se unen batería y respectivos coros como carta de presentación. “Classy Girls” por su parte tiene un interesante arreglo de violines mandolinas y aplausos para recrear una canción de espíritu alegre. En “Submarines” dejan de lado a las guitarras y mandolinas para que el piano tenga el protagonismo total. “Dead Sea” y “Slow it Down” son dos canciones interesantes que integran la placa las cuales tiene un aire introspectivo y sentimental. “Stubborn Love” y “Charlie Boy”, tiene en las voces una reverberación que le dan a ese estilo Folk Rock un toque casi más épico a las canciones. Por su parte “Big Parade” continúa con la línea de instrumentación del disco mientras que “Flapper Girl” tiene un aire más de vodevil. Cierra el álbum “Morning Son”, tema con un alto protagonismo en la voz desgarradora, sufrida y sentimental de Schultz que acompañado por una guitarra eléctrica dan el broche final a un disco que tranquilamente puede estar dentro de los mejores del año.
Uno de los lanzamientos más esperados del año -sino el más- era el segundo Lp del grupo XX. Quizás la vigilia era más por parte de la prensa especializada que por el publico en general, pero de todas maneras las expectativas que se tenían con el siguiente trabajo de los XX eran muy altas luego de haber cosechado elogios por doquier con su álbum debut. La expectativa por momentos puede acrecentar y fortalecer una cosa o circunstancia mientras que en otras la misma puede ser tan alta que termina siendo contraproducente. No se la pusieron nada fácil a los XX, sin embargo lo que pudiera haber sido un desgaste natural que hiciera que pierdan la frescura de ese álbum debut en “Coexist” se encargan de demostrar que lejos están de haber tenido sólo quince minutos de gracia. El trío chico-chica-chico inglés continúa en la misma senda de ese Dream Pop que le dio tanto crédito pero quizás perfeccionan un poco más su sonido o mejor dicho lo pulen. Uno de los highlights del año. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.
"Angels"
David Byrne & St. Vincent: “Love This Giant” - 4AD
Vuelve uno de los artistas más inquietos y indescifrables que con el paso del tiempo se va volviendo aún más. Regresa al disco el ex Talking Heads David Byrne pero en este caso en colaboración de la agradable St. Vincent. Hoy ya sabemos que si accedemos a un trabajo de Byrne nos vamos a encontrar con sorpresas varias y nada cercano a lo obvio. La dupla funciona bastante aceitada -ya habían trabajado juntos en el proyecto "Dark Was The Night"-, y cada uno tiene un protagonismo y una figura dentro de cada canción sin pisarse ni sobresalir por encima del otro. Por ejemplo, la voz dulce de St. Vincent se fusiona perfectamente con la experimentalidad de Byrne y sus ritmos bien marcados. Darse cuenta de quien es el autor en cada canción y quien hace las veces de colaborador es una tarea bastante fácil y sencilla de realizar. Temas como “Optimist”, “Lightning” y “Forest Awake” llevan la manufactura de St. Vincent mientras que “I Should Watch TV”, “The One Who Broke Your Heart” o “Dinner for Two” llevan el sello de Byrne. Lo que deja a las claras que se trata de un álbum en conjunto y en colaboración pero que cada uno se destaca por si mismo, un Lp simple pero con alma de “doble”. Lo más cercano -salvando las distancias, diferencias y relaciones personales- al “Double Fantasy” de Lennon-Ono. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.
"Who"
Elbow: “Dead in the Boot” - Polydor
Hace ya unos años los Elbow demostraron que se puede hacer buena música y triunfar sin ser fachero y vendible. Los premios que ganaron por sus dos últimos trabajos, “The Seldom Seen Kid” y “Build a Rocket Boys!” los avalan. En este caso los Manchesterianos de Elbow vuelven al ruedo al editar un nuevo/viejo material. Nuevo porque recopila en un solo disco todos los Lados B que fueron editando en simples a lo largo de toda su carrera y viejo porque son justamente grabaciones hechas años atrás. Siempre se mira con cierta zozobra los compilados de los artistas sin embargo si se trata de un compendio de canciones que no fueron editadas de forma masiva en su momento se celebra con alegría. “Dead in The Boot” -nombre del Lp- sirve también para recorrer junto a la agrupación el cambio y el paso de los años en ellos y la madurez compositiva que fueron logrando a pesar de que el orden de los tracks no es cronológico. Un disco realmente recomendable pero que fiel a toda la discografía de los Elbow, merece de cierto tiempo y adaptación para que termine entrando. Fecha de Lanzamiento: 27 de Agosto.
"None One"
The Raveonettes: “The Observator” - Vice Records
Vuelve el dúo Garagero/Surfer más famoso y mainstream de la ultima década. Apoyados durante toda su existencia en sonidos y estéticas bien marcadas en los ´60 pero con una producción 2.0 los daneses de The Raveonettes ahora editan su sexto álbum, “The Observator”. Sin embargo, ya desde la tapa se ve un cambio radical en ellos, una portada fría, desolada y con mucho espíritu dark nos empieza a dar la pauta que hay un cambio en su música. Esto queda en claro ya desde el comienzo del disco en el cual sigue estando la voz etérea de Rose Wagner pero de fondo ya no suena más ese pop sucio pero a la vez contagioso sino que dan paso a melodías más relajadas y ensoñadas. Definitivamente el sonido de los Raveonettes, más allá de conservar sus característicos yeites, con este último Lp da un vuelco definitivo con respecto a todos sus trabajos anteriores. Habrá que ver si sólo se trata de un disco de transición o si ya definitivamente el curso de su camino ha cambiado. -“Love in a Trashcan”, volvé, perdona si alguna vez te dijimos ladri…-. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.
"The Enemy"
Calexico: “Algiers” - ANTI Records
Luego de 4 años vuelven los prolíficos y siempre rendidores de Calexico, banda de muy buena calidad compositiva pero que nunca se animó o pudo llegar a dar el gran salto. El encanto que siempre tuvieron los Calexico fueron esos sonidos fronterizos, de Tex-Mex, que aggiornados con una coqueta producción y un encanto 2.0 para masas los volvían cool y modernos. Sin embargo, hace ya unos años pareciera que un poco perdieron su Norte, sin dejar de lado esos sonidos que los volvieron conocidos, la balanza se inclinó un poco más a lo obvio y común y este “Algiers” más allá de tener la impronta de los Calexico queda un poco domesticado. Incluso pareciera que ellos se quieren despegar de lo que los volvió conocidos, ya que el corte elegido del álbum, “Splitter”, pareciera estar lejos de ser un tema de su factoría, a contramano de este corte en el Lp existen temas como la canción instrumental y de nombre homónimo al disco o también “The Vanishing Mind”, “Sinner in The Sea”, “Better and Better” o el latino “No Te Vayas” que son más cercanos al espíritu de la agrupación. Sin embargo, en su conjunto el Lp está bastante lejos de los mejores momentos del grupo ya que su sonido -por desgracia- perdió personalidad. Fecha de Lanzamiento: 10 de Septiembre.
El calendario de Septiembre se muestra en lo que resta del año, como uno de los meses más calientes en ediciones musicales, más que nada por que es el mes asignado para el lanzamiento de los segundos álbumes de algunas bandas que prometen y que deciden ponerse en juego al demostrar si eran sólo un hype o si tienen con que bancarse la parada. Una de ellas son The Vaccines, la nueva sensación inglesa que lanza “Come of Age”, su segundo Lp luego de haber cosechado elogios por doquier con su primer trabajo. Existe un viejo pero aún vigente mito de que el segundo disco de cualquier grupo siempre es el más difícil de lanzar, más que nada porque tiene que salir a pelear con el duro y difícil rival llamado comparación. Los Vaccines no la tuvieron nada fácil, pero mientras muchos grupos se rompen el marulo buscando un sonido totalmente diferente al del primer álbum para marcar la diferencia y el supuesto “crecimiento”, ellos decidieron pulirse y seguir en la misma senda del anterior Lp. “Come of Age” contiene además de los hasta ahora cortes de “No Hope” y “Teenage Icon”, buenas canciones muy bien producidas, logrando una vibrante continuación que está a la altura de su primer Lp y esto… no es moco de pavo. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.
"No Hope"
Cat Power “Sun” - Matador Records
“Sun” es el primer disco de Cat Power luego de seis años de ausencia no solo de material nuevo -sin contar el álbum de covers “Jukebox”- sino también de los escenarios. Luego de un período de depresiones amorosas y discos olvidables, Chan Marshall, más conocida como Cat Power quiere volver a ocupar el pequeño pero muy defendido -por varios de sus fans- lugar de promesa/realidad femenina dentro del Indie. Ahora bien, el primer indicio de que una mujer quiere terminar con todo lo anterior de su vida y empezar a recorrer un nuevo camino lo deja en claro cuando se corta el cabello y este gesto simbólico pero a la vez psicológico en el sexo femenino fue lo que hizo Marshall. Dejemos de lado el look y pasemos a lo musical, “Sun” es un trabajo que la muestra relajada entre canciones que se dejan escuchar fácilmente como “Ruin”, “Cherokee”, “Always on My Own”, “Real Life” o “Nothing But Time”, el cual cuenta con la colaboración de Iggy Pop. El Lp quizás este unos escaloncitos por debajo de trabajos anteriores de ella sin embargo, no es un para nada desechable relanzamiento de su carrera cuando ya todos creíamos que había perdido la brújula. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.
"Ruin"
Animal Collective: “Centipede Hz” - Domino Records
Vuelven los Animal Collective con su noveno disco de estudio, “Centipede Hz”. Luego del hypeado “Merriweather Post Pavilion” el grupo experimental lanza nuevo material bajo el sello Domino Records. Los de Baltimore se quieren despegar un poco de la gema Art Rock Experimental para periodistas como fue el anterior trabajo y acá deciden experimentar aún más. Sin abandonar del todo la estructura Pop el sonido se volvió más indescifrable. Explosiones de sonidos por todos lados, las canciones más allá de estar divididas, casi forman parte de una misma de larga duración. El álbum no es de fácil consumo, esto ya queda en evidencia desde la portada, en la cual sólo se percibe con seguridad la silueta de una boca, mientras que lo demás es casi indescifrable pero sirve como preaviso de lo que contiene en su interior, un cóctel de experimentaciones varias. Quizás lo disfruten los más fieles fans de la agrupación, pero para un oyente casual pueden resultarle molestos e indescifrables los sonidos que se producen por momentos. No hay hits inmediatos, salvo el corte que lejos esta de ser un tema radial, pero claro, si eso es lo que buscan siempre los Animal Collective, ser los más correctamente incorrectos y freaks de la escena musical. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.
"Today's Supernatural"
Two Door Cinema Club: “Beacon” - Glass Note
Vuelven los irlandeses de Two Door Cinema Club, luego de un rendidor primer Lp como fue “Tourist History” editan “Beacon”. Ya de movida, nos damos cuenta que la línea de su anterior trabajo sigue vigente pero a contramano de este no hay uno o dos temas realmente “gancheros” como en su primera placa. Esto no es un punto negativo sino más bien una realidad, pero que queda solapada por el alto nivel de energía que desprenden siempre sus canciones. La formula hasta ahora es la misma, canciones alegres con punzantes y veloces riffs de guitarra sostenidas por una base de bajo y batería en constante sintonía. Algo cada vez más común dentro de las nuevas bandas que aparecen bajo el eterno brazo acogedor del Indie. Se esperaba un poco más de estos jovencitos luego de un grato primer álbum, de todas formas el Indie Pop para Discotecas lo tenés asegurado. Fecha de Lanzamiento: 3 de Septiembre.
"Sleep Alone"
Wild Nothing: “Nocturne” - Captured Tracks
Dos años después de su debut con “Gemini”, el cual le trajo un reconocimiento bastante auspicio por parte de la prensa especializada, Jack Tatum, el cerebro de Wild Nothing edita su segundo trabajo con “Nocturne”. Este nuevo álbum es muy deudor del Jangle Pop de esa mítica pero efímera movida musical llamada C-86, teniendo por supuesto mucha relevancia y protagonismo el rasgueo típico de ese estilo en las guitarras. Rodeado también bajo unas atmósferas de Dream Pop el Lp se deja escuchar de forma amena y fácil. Otros grupos también contemporáneos a ellos como DIIV o los Beach Fossils -salvando las distancias en que cada uno tiene su propio estilo- parecieran ser parte de una pequeña movida muy identificada con el Jangle pero también de las atmósferas oníricas y de ensueño que parecieran estar algo de moda. Canciones cristalinas, sensibles y puras es lo que se puede encontrar en “Nocturne”, un disco que se deja escuchar pero que quizás para algunos pueda despertar la frase desganada de “-se,…lindo-”. Fecha de Lanzamiento: 28 de Agosto.
La pregunta podría ser: ¿Cuál es el siguiente paso de una banda de rock luego de haber editado su disco más vendedor, popular y que contiene canciones que se metieron en el inconciente de las personas? La respuesta tiene dos opciones, tratar de seguir el camino ya cimentado por ese trabajo y seguir “facturando” repitiendo una y otra vez lo mismo para obtener resultados satisfactorios y económicos o darle la espalda a ese éxito y realizar un trabajo totalmente diferente. Dentro del Rock, algunos grupos decidieron elegir el atajo de la primera opción mientras que otros decidieron inclinarse por la segunda, ejemplos sobran en ambos casos.
Uno de esos grupos que dejó todas las luces del éxito -o lo encaminó en otra dirección- fueron los Electric Light Orchestra, más conocidos como la ELO, cuando después de editar el ultra vendedor “Discovery”, el cual contenía los hits rendidores -en cualquier fiesta que se precie- como “Shine a Little Love”, “Last Train To London” o “Don´t Bring Me down”, sin dejar de lado incluso hits radiales como “Confusion” o “Midnight Blue” editan el álbum conceptual “Time”. Hagamos una regresión y situémonos en 1979, en materia musical el estilo que era la vedette era la música Disco y muy pocos grupos hicieron la vista gorda a este movimiento y tuvieron sus quince minutos -para algunos se convirtió en mucho más- de coqueteo y affaire con el Disco. Incluso algunos grupos quedaron encasillados injustamente dentro de este movimiento como los Bee Gees y hasta por ahí nomás la misma ELO. Los Kiss y los Stones tampoco se salvaron y estuvieron a la orden del día con sus respectivas canciones Disco, por supuesto no todos quedaron tan en ridículo con el paso del tiempo y en algunos casos esas canciones se convirtieron en un clásico de su discografía.
Ya para comienzos de los ´80 una vez más la industria musical estaba en constante cambio y Jeff Lyne, siempre comandando a la ELO, decide dar una vuelta de timón de 360 grados al editar “Time”, un álbum conceptual que recoge el guante que había hecho con el Lp “Eldorado” a comienzos de los ´70. Esta nueva aventura musical de Lyne fue bastante “jugada” ya que para esa década los discos conceptuales estaban de vuelta ya hace rato porque su época de gracia había culminado hace tiempo. Sin embargo la mente siempre hábil de Lyne no iba a pecar de tan obvia e ingenua, no realizaría un Lp medio densón, largo y con una trama tirando a aburrida como en el mayor de los casos tienen los álbumes conceptuales, sino todo lo contrario, se trata de una gema Pop, bien moderna, que incluso hoy a la distancia suena contemporáneo. Con unas cuidadas voces -siempre presentes como en todos sus trabajos- vuelven a transitar en algunas canciones ese fiel apego por esos sonidos comúnmente catalogados como Beatlesque, que en más de una vez los comparó con los fabulosos cuatro. Incluso, el desapego de Lyne por todo su anterior trabajo queda en claro ya desde la portada del disco. Es la primera de los nuevos Lp´s que no cuenta con el típico logo del grupo, toda una declaración de un nuevo comienzo para la ELO.
Si “Time” es un álbum conceptual tiene que tener una trama y la misma relata la historia de un hombre que es transportado en el tiempo hasta finales del Siglo XXI. En ese espacio-tiempo queda fascinado por todo lo que lo rodea pero a contramano de esta alegría se siente en desgracia por haber dejado en este viaje a la mujer que ama. Para suplir esto se lo ha dejado con una mujer-robot pero por supuesto no puede reemplazarla porque ella no puede amar y el tampoco puede hacer lo mismo con un robot. Decide terminar con todo esto y pide volver a su tiempo, deseo que le es negado. Como consecuencia de esto emprende una huida con vicisitudes varias hasta que al final es devuelto a su año de origen.
“Time” abre con “Prologue”, una voz robotizada que ya nos avisa del viaje a una nueva dimensión, la cual sigue con “Twilight” una canción Pop perfecta, con voces bien cuidadas y un ritmo contagioso y alegre. Por su parte “Yours Truly, 2095”, “From The End of The World”, “Here is The News” o “Another Hearts Breaks” exploran los sonidos de moda como la New Wave o el Synth Pop. Sin embargo, el regreso a esas melodías cuasi progresivas y de voces perfectas, lo encontramos en los excelentes “Ticket To The Moon”, “Rain is Falling” o “21st. Century Man”. Otros ritmos que se encuentran en “Time” pueden ser el Reggae Blanco -también explotado por esos años- de “The Lights Go Down”, o el Pop Radial de “The Way Life´s Meant To Be” y el Rockabilly de “Hold on Tight”, temas más emparentados al sonido que haría en años venideros con el mega grupo The Travelling Wilburys.
Jeff Lyne, a la distancia, siempre miro de reojo los últimos trabajos de la ELO, discos buenos pero menores comparados con la discografía de la banda. Sin embargo, es injusto que “Time” sea posicionado en este escalafón, un Lp que tuvo que lidiar con la sombra del exitoso “Discovery” pero que en materia musical ofrece mucho sin pedir nada a cambio. Un álbum injustamente subvalorado y pasado siempre por alto dentro de la discografía de ellos y mucho más si hablamos del gusto popular. Sin embargo nunca es tarde para redescubrirlo.
