Popcorn

Publicado por Mocker , viernes, 24 de febrero de 2012 13:10

Love: "The Forever Changes Concert"

Desde hace ya algunos años se viene imponiendo una cierta tendencia y/o moda de “homenajear” y repasar en vivo algunos de los discos más importantes de un artista o banda en cuestión. Con esto, muchas veces se trata de revivir cierta nostalgia por una época o pasado de beneplácito tratando de ser lo más fiel al espíritu en el que salió a la luz ese Lp, o por el contrario, “reflotar” y promocionar de nuevo un trabajo que en el momento de su edición pasó casi desapercibido pero que con el paso del tiempo fue tomando cierto carácter de álbum de culto hasta convertirse en un clásico. Ejemplos hay muchos y de los más variados, desde la gira megalómana de Roger Waters volviendo a presentar “The Wall” -unos años antes hizo lo mismo con “The Dark Side of The Moon”-, por su parte Lou Reed hizo algo similar pero no de carácter mundial sino más bien local, con su oscura obra “Berlin”, también algo parecido hicieron los escoceses de Primal Scream con su manifiesto de llevar la pista de baile al rock con “Screamadelica”, y la lista sigue.

Uno de esos casos, varios años antes de todos los mencionados anteriormente, es el de Love, la banda comandada por el muy buen compositor, pero inestable mentalmente, Arthur Lee. En el año 2003 Lee decide rearmar su vieja agrupación de los ´60 con motivo de salir a ejecutar en vivo uno de los discos más reconocidos de la banda y también de la historia del Rock como es el “Forever Changes” de 1967. Esta reunión, realizada en el Albert Royal Hall de Londres dejó como consecuencia un disco en vivo llamado “The Forever Changes Concert” y además su correspondiente edición en DVD.

Sin embargo, antes de analizar la presentación de este nuevo trabajo nunca está de más repasar la historia de Love. Ellos serían uno de los primeros grupos musicales multirraciales, un dato para nada menor en una época en la que aún existía la discriminación de razas en algunos sectores de la sociedad americana y por la cual el Hippismo abogaba por erradicar. Los Love comenzaron siendo una banda casi de Garage Rock con ciertas inclinaciones hacia la Psicodelia la cual queda de manifiesto en su primer Lp del mismo nombre que la agrupación. Luego vendría su segundo disco más reconocido en trayectoria que sería “Da Capo”, el cual ya deja de lado esa inclinación hacia el Garage Rock para empezar a mostrar un sonido más personal que sería la carta de presentación de ellos diferenciándolos de todos sus contemporáneos. No está demás mencionar que por esos años en la Costa Oeste de EE.UU. y más precisamente en California o Los Ángeles -de donde son los Love- estaba la meca del Hippismo y el Flower Power, sin embargo ellos más allá de compartir contemporaneidad con grupos como The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Country Joe y un largo etc tenían otra propuesta musical, un híbrido entre el Rock, la Psicodelia, el Jazz y ciertas reminiscencias étnicas latinas.

Ya para el año ´67 lanzan “Forever Changes”, el cual tuvo que salir a competir con los hoy “tanques” de “Sgt. Peppers” de The Beatles, el “Are You Experienced” de Jimi Hendrix, el “The Piper at The Gates of Down” de Pink Floyd y el primer trabajo de The Doors. Justamente esta última banda fue recomendada por Lee para el sello Elektra, para secundar a los Love. Sin embargo, es ya sabidos por todos como termino la historia, la banda de Morrison supero con creces a la de Lee pero sin embargo Jimbo nunca ocultó la admiración que tenía por ellos, incluso en más de una oportunidad indicó que deseaba que los Doors fueran por lo menos la mitad de lo que fueron los Love. Luego de varias idas y vueltas y discusiones por doquier, Bryan MacLean, el otro cerebro de la agrupación, decide abandonar la banda y esto hace que Lee disuelva el grupo continuando con el nombre -el cual con estos hechos de Love no tenían nada- pero secundado por músicos de sesión. Los próximos años de Lee irían en picada en cuanto a materia musical y personal ya que entraría en un ostracismo de violencia que lo llevo a la cárcel hasta su posterior salida de prisión para luego presentar esta gira del “Forever Changes” entre otras cosas hasta que su vida llego a su fin en el 2006 a causa de la leucemia.

Volviendo a este “The Forever Changes Concert”, nos muestra a un Lee que a pesar de haber sentido el paso de los años, su prolongada lucha contra esa enfermedad y los cambios de tendencias musicales, se encontraba aún vigente en su performance personal ejecutando un repertorio que no perdió el encanto de su época aún en estos tiempos modernos. Lee ponía una vez más a la maquinaria de Love en funcionamiento y la misma estaba más que aceitada, rodeado de jóvenes músicos decide salir a “girar” su disco más reconocido con el fin de salir un poco del status de culto y ser reconocido por el público masivo. El DVD comienza con “Alone Again Or” con ese sonido de guitarras flamencas y cierta fanfarria mariachi, para luego dejar paso a la sección de cuerdas y vientos que al instante nos hipnotizan por su in crescendo emocional y musical. Luego el recital continua repasando en el mismo orden que el álbum canción por canción como es “A House is Not a Motel”, “Andmoreagain”, “Old Man”, “The Red Telephone”, “Maybe The People Would be The Times Or Between Clark and Hilldale” o “You Set The Scene” entre otras.

Para muchos -y en algunos casos están en lo cierto- salir a girar un Lp es un poco una jugarreta para lucrar con la nostalgia de algunos, la curiosidad para otros de saber como sonaba tal o cual artista en la ejecución de su máxima obra, como así también poder facturar todo lo que no pudieron hacer en su momento. Sin embargo, y aún quizás con todos estos factores implicados, siempre es bien recibido si se lleva la presentación de la obra en cuestión con el máximo de los respetos en su puesta en escena, desde lo visual hasta lo auditivo, como es el caso de este “The Forever Changes Concert”.


"Alone Again Or"




"Andmoreagain"




"Maybe The People Would Be The Times or Between Clack and Hilldale"


Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , jueves, 16 de febrero de 2012 13:48

5 Discos de Punk Americano que no hay que dejar de tener

The Ramones - "The Ramones" 1976

El primer disco de los Ramones, editado en 1976, fue el puntapié inicial que dio comienzo a toda la escena del Punk en New York. Como hervidero empezarían a aparecer bandas que con similares propuestas o por el contrario, muy diferentes, formarían parte de una escena que sirvió como disparador hacia el Reino Unido y luego hacia todo el mundo. La influencia de los Ramones es muy clara, New York Dolls y The Stooges pero además miraban con muy buenos ojos toda la música que se había gestado en los ´60. Haciendo hincapié en el Bubblegum, el Surf Rock y el Garage Rock hasta llegar a los grupos de chicas producidas por Spector, como The Ronettes y todos sus derivados. El sonido de los Ramones muchas veces fue cuestionado de facilista y hasta de “cuadrado”, sin embargo, ¿cuantos grupos intentaron sonar como ellos y perecieron en el intento? y ni que hablar de que su sonido, a pesar de que en estructura sea el mismo, ha ido variando con el correr de los años. Hoy por hoy, ver a cuatro tipos parados con pose desganada pero a la vez provocadora no nos causaría ninguna impresión, pero para 1976 editar una tapa de esta índole era toda una declaración de principios. Esa tapa, hoy ya ultra comercializada, mostraba a los Ramones tal cual eran, unos flacos que de la no estética hicieron su propia moda, y de su música hicieron su propio manifiesto. Grabado en tan sólo dos días, los Ramones volvieron al rock a su ABC, a sus raíces, sin solos de guitarra ni sobreproducciones de fantasía, sólo impulsados por la guitarra furiosa de tres acordes de Johnny Ramone, la batería Surfer de Tommy, la energía de Dee Dee y la voz tan característica de Joey. Las 14 canciones que integran el álbum, en su mayoría, no superan los dos minutos de duración, pero sin embargo son directas, concretas y transmiten su mensaje en ese tiempo exacto, sin necesitar nada más. Las letras, por su parte son sencillas, contaban lo que les sucedía en el día a día como en “I Don't Wanna Walk Around With You”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “53rd & 3rd”, declaraciones amorosas como “I Wanna Be Your Boyfriend”, “Today Your Love, Tomorrow The World”, cosas más banales y típicas de adolescente como “Let´s Dance” o la fascinación por el cine de Terror clase B en “I Don't Wanna Go Down To The Basement”, además de encontrarse la canción más emblemática de ellos como es “Blitzkrieg Bop” y otras como “Havana Affair”, “Beat on The Brat” o “Judy is a Punk”. Hablar de Punk Rock es hablar de los Ramones.


Television - "Marquee Moon" 1977

Los Television no entrarían dentro de las pautas básica del Punk Rock, letras simples, acordes básicos y velocidad en los temas, sin embargo ellos fueron parte del caldo de cultivo que se gestó desde el CBGB hacia el exterior. Muchos grupos que al principio se los denominó Punk y que integraron ese primer movimiento no pertenecen directamente a ese estilo musical caso Talking Heads, Patti Smith o Blondie, sin embargo se los suele ubicar dentro de esa primera camada de bandas Punk porque de alguna manera lo fueron al “plantarse” con su propuesta y sus ideas. Algo de esto sucedió con los Television, banda emblemática de ese local y la cual no entraría dentro de los cánones o estereotipos del Punk pero su propuesta musical y artística sí tiene el espíritu del Punk. Television firma para Elektra en 1976 y saca su primer Lp un año después llamado “Marquee Moon”. La convulsionada formación de Television contó con el inquieto Richard Hell -luego integrante de Heartbreakers y más adelante solista-, el versátil Tom Verlaine y el preciso Richard Lloyd. El Huracán de personalidades de estos últimos se refleja al instante en los “duelos” de guitarra de ellos. Esto último ya marca un punto de inflexión y diferencia al instante con respecto a los demás grupos Punk a los cuales no se les caía muy seguido un solo de guitarra. La música de Television es indescifrable, asfixiante y enigmática, no puede ser definida bajo un estilo ya que es una especie de Jam de Free Rock y Punk. El disco comienza de menor a mayor con los interesantes “See No Evil” y “Venus”, pero termina de despertarse en “Friction” con esas inquietantes guitarras y explota en “Marquee Moon”, un tema de… ¡11 minutos!, esto hecho por una banda a la que se la proclamaba Punk ya era muy radical. “Elevation” ya era Post Punk antes de que llegue este y “Guilding Light”, “Prove It” y “Ton Curtain” seguían con esas filosas guitarras. Incluso esa música tan personal que crearon los Television no sería la misma sin la desgarrada y sufrida voz de Tom Verlaine. Luego de este disco ellos editarían un segundo Lp -muy interesante también- llamado “Adventure”, el cual siempre va a estar a la sombra de “Marquee Moon” y un tercero y definitivo llamado igual que la agrupación en 1992. El Art Punk de los Television fue único en la escena del CBGB y sus guitarras son la influencia directa de muchas bandas de este nuevo milenio.


Johnny Thunders and The Heartbreakers - "L.A.M.F" 1977

Todos los estilos musicales tienen su mártir, y el Punk Rock puede ser el que posea la lista más larga de exponentes, entre los cuales se encuentra el caso de Johnny Thunders. Luego de haber editado dos discos con los New York Dolls y ser uno de los guitarristas más influyentes para la naciente movida Punk en America, Thunders se separa de ellos y forma a The Heartbreakers junto a Jerry Nolan de los Dolls y Richard Hell de Television. Esta formación no sería la definitiva ya que Hell decide luego lanzarse como solista. Los Heartbreakers tenían la mística, el nombre y la actitud correcta para triunfar, pero además tenían todos los excesos para que su carrera no llegara demasiado lejos. Algo de esto último sucedió ya que en su corta existencia sólo editaron un disco lanzado en el ´77 -plena efervescencia del Punk-, bajo el nombre de “L.A.M.F” (Like a Mother Fucker). El álbum es pleno Punk Rock sucio, thrasher, furioso y veloz, nada de sobreproducciones, todo meta palo y a la bolsa. El disco comienza con su tema más conocido, “Born To Lose”, el cual de alguna manera ya desde el título y por su energía termina convirtiéndose en una referencia básica del espíritu Punk de esa época. “Baby Talk”, “I Wanna Be Loved” o “One Track Mind”, tienen ese espíritu Dolls pero más desprolijo. La referencia a un amigo de Thunders como es el caso de Dee Dee Ramone se encuentra en la versión de “Chinese Rocks”. Las baladas -siempre en tono Punk- se hacen presente con la stoniana y garagera “It´s Not Enough”, o con “I Love You”. En “Pirate Love” una vez más revisitan un rock sucio y gamberro mientras que en “All By Myself” tiene algunas influencias de los Ramones en las voces. Los Heartbreakers eran una bomba de tiempo y era cuestión de esperar para que haga explosión, cosa que sucedió en muy poco tiempo de vida. Luego Thunders continuaría con una irregular carrera solista -como consecuencia de su adicción a la Heroína- de la cual se destacan algunos Lp´s como puede ser su debut en solitario, “So Alone“. Los ´80 no fueron la mejor década para Thunders, entró en una serie de adicciones sin fin, ingresando a los estudios de grabación sólo para algunas colaboraciones con otras bandas, hasta que en 1991 es encontrado muerto por sobredosis.


Richard Hell and The Voidoids - "Blank Generation" 1977

Richard Hell se lanzo como solista luego de abandonar a los Heartbreakers y mucho antes a los Television. Hell lanzó su disco debut llamado “Blank Generation” en 1977 contando como banda soporte a The Voidoids con la participación de Marc Bell en batería, quien en un futuro cercano sería Marky Ramone, segundo baterista de los Ramones. El estilo de Hell no estaba muy lejos de lo que había hecho con su banda anterior, un sonido sucio, crudo y directo. El tema que da título al álbum, es una de las mejores canciones del Lp y es además de ser la más reconocida de Hell, un tema de referencia básica del Punk neoyorquino, desde la letra que resumía la sensación de esa juventud hasta ese sonido altamente adictivo. De su paso por Television se llevó varias experiencias pero además muchos recursos también, los cuales quedan de manifiesto en temas como “Love Comes in Spurts” o “Liars Beware” en el cual se aprecia la “guerra” de guitarras de Robert Quine y Ivan Julian. El ritmo baja en “Betrayal Takes Two”, una balada que podría estar en cualquier banda de Garage Rock de los ´60. El cover se hace presente con “Walking on The Water”, un tema de los Creedence Clearwater Revival cuando se hacían llamar The Golliwogs, el cual esta un poco lejos de pisarle aunque sea los talones a la banda de John Fogerty. Lo de Hell y sus Voidoids no era todo urgencia, gritos y velocidad sino que también tenían sus temas largos y extensos como en “Another World”, una muestra de Art-Punk. “The Plan”, “New Pleasure”, “Down At The Rock And Roll Club” y “Who Says?” completan un álbum que resume el espíritu de esa juventud Punk americana de esos últimos años ´70. Muchas veces, se asigna a Hell como influencia básica en estética para los venideros grupos ingleses como The Sex Pistols. Esta teoría esta sostenida en que Malcolm McLaren, tomo “prestada” esa estética de remeras rotas, pintadas y emparchadas con alfileres y ganchos de la vestimenta de Hell. “Blank Generation” no fue un disco que haya marcado una bisagra dentro del panorama del Punk Rock, sin embargo sirve para definir la escena Punk del CBGB. Luego de este Lp, Hell editaría “Destiny Street” en 1982 pero ya el mercado musical había cambiado por completo y la sociedad de consumo también.


Dead Boys - "Young, Loud and Snotty" 1977

Los Dead Boys fueron la otra cara de la moneda al separarse la banda Rocket From The Tombs, de la cual surgieron dos agrupaciones, Pere Ubu -más inclinados hacia un Punk experimental o Art Punk- y los otros fueron los Dead Boys, cuya impronta fue bien Punk, enérgica y furiosa diferenciándolos de los mencionados anteriormente. Si Inglaterra tenía a Johnny Rotten como la cara visible de la actitud y pose Punk, los americanos tenían a Stiv Bators, cantante de los Dead Boys, como su estandarte. Su primer larga duración editado en el ´77 y llamado “Young, Loud and Snotty” es una muestra del Punk inicial, del más crudo y radical de esos años. Incluso para muchos, este disco dado la velocidad de su ejecución y violencia musical puede ser uno de los referentes para la posterior escena Hardcore. El álbum comienza con el tema más conocido de ellos como es “Sonic Reducer”, el cual podría ser considerado su pequeño Hit. Luego continúan con “All This and More”, un tema más inclinado a un sucio Rock and Roll como en “Ain´t Nothin´ to Do” los cuales son canciones influenciadas de forma directa por el Proto Punk de los New York Dolls o el Garage Rock de los ´60, el cual transitan con “Hey Little Girl” de la banda Syndicate of Sound. El álbum suda sexualidad en sus letras pero desde un lado casi misógino como en el tema “Caught With The Meat in Your Mouth” (Atrapada con la carne en tu boca), canción que sufrió censura ya que su título era bien explícito, mientras que otro eludió la censura en su título pero el mensaje estaba entre sus líneas como en “I Need Lunch” donde la letra dice: “Bebé, yo no necesito el romance, ya sabés nena, yo sólo quiero estar entre tus pantalones, Yo dije, necesito el almuerzo, aliméntame”. Los Dead Boys luego editarían un segundo álbum para más tarde separarse. Stiv Bators continuaría con la música editando un disco solista y formando otra muy buena banda como es The Lords of the New Church ya en una veta más Goth Punk. La vida de excesos de Bators lo llevo a que en 1990 sufriera una conmoción cerebral luego de haber sido atropellado por un auto. El mito o misterio en torno al posterior hecho con su cuerpo es aún incierto, porque algunos aseguran que sus cenizas fueron aspiradas por su novia alimentando con esto el estereotipo de reviente en torno a la estrella de Rock. Los Dead Boys nunca alcanzaron la fama de los Ramones y todos los contemporáneos de la escena del CBGB -entre los cuales no sólo había punks sino también algunos más inclinados hacia el Pop o la venidera New Wave- pero sin embargo, son un fiel ejemplo del Punk Rock de esos primeros años y nunca está demás correrse un poco e investigar a grupos como ellos que también fueron tan importantes para la gestación del Punk Americano.


DISCO BONUS

Plasmatics - "New Hope For The Wretched" 1980

Los Plasmatics, y más precisamente su cantante, Wendy O. Williams eran una banda con un alto impacto visual y sonoro. Esto último sostenido por sus furiosas presentaciones en vivo que incluían explosiones, fuego, una estética Punk apocalíptica -muy emparentada con el film Mad Max- y una alta dosis de erotismo y sexualidad Sado que despertaba la impronta de Williams la cual en más de una vez la vio enredada en conflictos por sus actuaciones en el escenario. Las presentaciones de Plasmatics siempre fueron teatrales ya que en más de una ocasión terminaban sus actos rompiendo un auto a mazazos, volándolo por los aires o chocándolo contra una pared entre varias cosas más. Inclusive la estética de ellos causaba más de una urticaria para algunos, el peinado “mohicano” de Williams, y la vestimenta de cuero transmitían temor pero a la vez sexualidad por parte de ella, la cual en algunas ocasiones terminaba con el pecho descubierto. El primer Lp de Plasmatics, “New Hope For The Wretched”, editado en 1980 aparece varios años después de toda la explosión mundial que fue el Punk manteniendo de forma fiel su espíritu pero emparentándose ya con otros sonidos como el Hardcore o el Metal. De todas maneras, el espíritu del grupo y de Williams representan de forma fiel la esencia Punk de esos primeros años. El disco contiene doce temas en los que se destaca la agresiva y potente voz de Williams acompañada por un Punk visceral, rápido y furioso en canciones como “Tight Black Pants”, “Monkey Suit”, “Living Dead”, “Test Tube Babies”, “Want You Baby”, “Sometimes I…” o “Corruption” entre otros. Luego de este disco, continuarían editando otros inclinándose un poco más hacia el Metal pero sin abandonar esa estética apocalíptica. Más adelante Williams se cortaría sola separándose del grupo. Coquetearía también un poco con el entretenimiento pornográfico en algunas incursiones posteriores, hasta que sus días llegaron a fin con su suicidio el 6 de Abril de 1998. De todas maneras, la impronta, el espíritu y la estética de Williams aún la mantienen como una de las mujeres más influyentes y radicales dentro del Rock.

Obituario

Publicado por Mocker , jueves, 9 de febrero de 2012 12:38

Al Flaco... Dale Gracias

1950-2012


Spinetta y Las Bandas Eternas / Almendra - Muchacha (Ojos de Papel)

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , martes, 7 de febrero de 2012 14:55

Los Encargados: "Silencio" (1986)

Muchas veces un artista queda vinculado con un rol o papel si es un actor, o con un estilo de música en particular si es un músico. Esto que puede ser en algún punto algo beneficioso ya que lo encuadra dentro de un estilo para tratar de “explicar” lo que hace, en otras puede resultar hasta perjudicial ya que no se termina de “despegar” de ese rótulo y si lo hiciera puede generar malestar o incomprensión. Uno de estos casos puede ser el de Daniel Melero, aunque este tenga ciertas particularidades como por ejemplo el de que nunca se propuso, ni llego a ser de consumo masivo, obteniendo con esto la tranquilidad de que nadie pudiera reprocharle el ir cambiando de estilo. Sin embargo, y como paradoja, es aún hoy considerado por ese mismo público que a grosso modo lo reconoce como un artista “Tecno”. Esta palabra que allá por los ´80 estaba de moda y que encuadraba todo lo moderno y con maquinitas, hoy ya es en la electrónica la prehistoria de ese movimiento. Volviendo a Melero, más allá de que haya editado discos acompañado sólo por un piano, algunos en un plan más acústico o de canción, u otros simplemente pop, el mote de artista “Tecno” no se lo puede sacar y lo llevará por siempre porque esta dentro del imaginario popular. De todas maneras y como dice el refrán: “hazte fama y échate a dormir”, este rótulo no le cae porque si ya que desde sus inicios siempre estuvo interesado por la música de vanguardia, experimental o electrónica. Incluso esto es tan así que hasta quizás jugando con ese apodo de artista "Tecno" edita un álbum bajo ese nombre en el año 2000.

Dentro de esa explosión de artistas, estilos y ganas de mostrarse como fueron los ´80 en el ámbito musical, Melero fue el líder de una banda que estaría dentro de los puntales de esa movida electrónica-pop en nuestro país. Dicho esto último más que nada porque no se puede precisar con exactitud que un artista haya sido el faro a seguir ya que por ejemplo Charly García a principios de esa década editaba “Clics Modernos” un disco de avanzada para nuestras tierras trayendo consigo toda la movida New Wave americana, y ni hablar de la banda por excelencia de ese estilo como fueron los Virus. Sin embargo, la banda de Melero, Los Encargados, se encontraban haciendo un estilo distinto a ellos pero también emparentado no sólo por ser contemporáneos sino también por compartir una forma de producir canciones con un sonido típico de esa década. Los Encargados sólo editaron un Lp llamado “Silencio” de 1986, sin embargo pudo haberse editado mucho antes, ya que fue grabado allá por el 82-83 pero no vio la luz hasta el año en el que Maradona y cía ganaban el Mundial de fútbol. Esta demora atento contra el grupo ya que el disco se había quedado un par de cuerpos por detrás con respecto al sonido de otras agrupaciones que seguían apareciendo los cuales estaban con otra movida musical o habían pulido su sonido. Definitivamente el mercado musical estaba cambiando incluso dentro de esa misma década. Un detalle para nada menor es que para ese entonces, la vuelta de la democracia trajo consigo una inyección de ánimo y festividad a la sociedad y dentro de la música esto se palpaba de inmediato.

Hoy por hoy, el respeto musical está casi establecido, un artista puede pararse sobre un escenario con su propuesta siendo “respetado” por un público totalmente opuesto que fue a ver a otra agrupación dentro de un mismo festival. Sin embargo, en los ´80 esto aún estaba muy lejos de que eso suceda y grupos como Los Encargados o Virus sólo por citar algunos no eran muy bien vistos ganándose en las presentaciones masivas más de algún naranjazo o monedazo por la cabeza.

Los Encargados contó con la colaboración, ya desde sus comienzos, de Mario Siperman -futuro tecladista de Los Fabulosos Cadillacs- y la participación esporádica de Richard Coleman -Fricción/7 Delfines-, Ulises Butrón -Metrópoli/Zas- y Willy Crook -Redonditos de Ricota-, pero la formación definitiva sería la de Alejandro Fiori en guitarras y Hugo Foigelman en batería electrónica y sintetizadores además de por supuesto Daniel Melero en voz y teclados.

Debido a la falta de edición de material grabado, Melero empieza a dedicarse a una función que hasta el día de la fecha es la que realiza además de músico, como es la de productor. Sin embargo, para el año ´86 se edita el demorado “Silencio” el cual además de contar con una foto de tapa bien artística jugando con claroscuros cuenta con varias canciones interesantes. Acá se encuentra la versión original de “Trátame Suavemente”, popularizada tres años antes por Soda Stereo, la cual hace que más de uno crea que la de Los Encargados es un cover. Esta versión a diferencia de la de Cerati y cía quizás no tenga el “gancho” de éxito que la de Soda pero a la vez tiene unos arreglos más sofisticados que la anterior y por supuesto teniendo ese sonido bien típico de los ´80. Fuera de esta perlita para detallistas, se encuentran temas interesantes como “Orbitando”, “Sangre en el Volcán” y “Creo que Estamos Bailando”, más inclinados hacia el Pop o el Synth Pop, mientras que también tiene canciones más emparentadas a grupos como Devo o Human League en “Un Disparo de Luz”, “Ni un Minuto Más” o “Región”. También hay lugar para algunos más introspectivos en “Líneas” o “Planeta Agua”, pero también hubo más de un resbalón en “Le Caine”, “Vida Vacía” o “Villegas”, ya que su experimentalidad no termina de comprenderse. Sin embargo, más allá de esos posibles traspiés, “Silencio” es hoy considerado un disco de culto no sólo a nivel nacional sino también de forma internacional ya que representa una muestra auditiva de esos primeros trazos de un Synth Pop argentino que nunca terminó de explotar o que fue muy poco comprendido.