Revisando los Rincones

Publicado por Mocker , domingo, 29 de agosto de 2010 2:22

Morphine: "Cure For Pain"

“Menos, es Más”. No, no es un slogan de una campaña política o una frase gancho de algún aviso publicitario, en realidad este juego de palabras nos sirve de forma perfecta para graficar que no siempre calidad es igual a cantidad. Así nos encontramos con muchos grupos de rock que no contaban con la típica formación clásica de guitarra-bajo-batería, sino que variando este concepto no contaban con alguno de ellos pero encontraban la forma de reemplazar al mismo logrando un sonido único y original. Uno de los ejemplos más claros es el de The Doors que no contaban con un bajista pero sin embargo el espacio era “llenado” por los teclados de Ray Manzarek. Otro ejemplo, en este caso el que nos compete a la reseña, es el de Morphine, un grupo que contaba entre sus filas con Dana Colley en el saxo, Jerry Deupree en la batería y al vocalista Mark Sandman en el bajo de…. ¡¡2 cuerdas!!. Así nomás, los Morphine no sólo querían romper las reglas del rock y no contar con un guitarrista, sino que la llevaron al extremo al tener un bajo de sólo dos cuerdas.

Para que quede claro, ser pocos integrantes en un grupo no es tarea fácil, ya que hay que saber suplir las falencias de otros instrumentos para que las canciones no queden “desnudas”, y si a toda esta travesía le adicionamos que los Morphine no sólo hacían rock sino que también tenían ciertos cameos con el jazz, ya era demasiado. Para el que no conoce a la banda y su sonido, puede creer que se trata de una banda minimalista más, que sonaban de forma cruda, sin arreglos y directo. Bueno, si esperan eso de los Morphine van a quedar un poco decepcionados, ya que sí sonaban directos, pero para nada de forma cruda y mucho menos sin arreglos. Las armonías que añade el saxo reemplaza de forma perfecta a la guitarra y la base que aporta ese bajo de Sandman hacen creer que si se le agregara algún otro instrumento a las canciones, las mismas se arruinarían.

Los Morphine se gestaron durante el rock alternativo de los ´90 en EE.UU, el cual queda demostrado en la estética del grupo y en la base de las canciones. Sin embargo Sandman y Cía. no se limitaban a ser uno de los tantos grupos que afloraba por esos años, sino que dejaron en claro sus otros gustos musicales, el Jazz y el Blues. Esto significó que los Morphine pasaran a ser una banda de culto dentro de esa movida ya que tenían un vuelo sonoro más allá de las distorsiones y gritos que podría tener la música en boga de esos años. Actualmente a los Morphine se los clasifica, algo que los músicos siempre odian, bajo el rotulo de Low Rock y hasta en algunos casos con el Jazz Rock. La verdad, es difícil clasificarlos ya que tienen un sonido muy de los ´90 pero en todas sus canciones se respira Jazz. Quizás esto se deba a la voz gruesa, seca y raposa que tiene Sandman, quizás tal vez a ese bajo de dos cuerdas armado por él y ejecutado con slide que recrea bases bluseras, quizás sea ese saxo barítono de Colley que le da vuelo a las canciones, o la ejecución y el swing del baterista Deupree, pero porque no suponer también que sea una mezcla de todas estas.

En 1993 Morphine graba su segundo disco, “Cure For Pain”, uno de los mejores, si no es el mejor de su carrera y los posiciona a la distancia como una de las bandas de culto de esos años. El trabajo vende alrededor de 300.000 copias, todo un número ya que estamos hablando de una banda inclasificable, nada comercial y que estaba siendo editada por un sello muy pequeño como Rikodisc.

El álbum comienza con la intro de saxo en “Dawn” para dar comienzo en “Buena”, uno de los highligths en la carrera del grupo, a una línea de bajo demoledora. ¡Un dador de sangre por acá! al que no se le mueva ni un pelo ante esa base entre gamberra, amenazante y rutera que salía del bajo de Sandman para luego unírsele el swing de la batería y la libertad con la que sonaba el saxo de Colley. Sin dudas unos de los momentos más álgidos del álbum. El disco ya desde este tema nos atrapó y nos sumerge en un mundo al cual entramos hipnotizados por la voz de Sandman y ese saxo que no deja de meter armonías en cada uno de los sucesivos temas.

Sigue “I´m Free Now”, un tema más calmo y confesional, porque los Morphine no sólo eran una banda de buenos músicos sino que también contaban con la pluma de Sandman. La idiosincrasia y la forma de vivir de éste se la puede comparar con la de un Beatnik y toda esa generación literaria. El análisis individual y el comportamiento del ser humano ante las vicisitudes de la vida se ve de forma clara que era una de las preocupaciones de Sandman dentro de sus letras. La crítica hacia el modo convencional de la vida y el rechazo a lo masivo, consumista y sin fundamentos, hacía mella en sus letras oscuras y crueles pero seductoras a la vez. El disco prosigue con “All Wrong” en el cual el saxo habla por sí solo, incluso en un fragmento de la canción tiene un efecto de wah-wah!!, ¿que mas se puede pedir después de esta ejecución?

Así van pasando temas tocados con pasión por el Jazz pero todo esto disfrazado bajo el rótulo de rock. Creo que Sandman y cía engañaron de forma perfecta a la industria ya que salvando las distancias no parecían de la década de los ´90 por su profundo amor al Jazz y Blues. La inmediatez sonora de “A Head With Wings”, “Thursday” y “Mary Won´t You Call My Name”, se mezclaban con momentos íntimos, de derrotas personales y sonidos de bares allá Tom Waits como en “In Spite of Me”. Estamos en los ´90, y ¿cual era el sonido de moda en América? Sí, el Grunge y más allá que “Cure For Pain” es excelente y otro de los hits, si se puede decir esa palabra, dentro de la discografía de Morphine, el mismo tiene un tufillo muy conocido en la línea de bajo, en un tempo mas lento, a un tema de una banda muy conocida de ese estilo.

“Let´s Take a Trip Together”, tal cual su nombre lo indica es en su sonido una invitación a un viaje lisérgico y en el cual el comandante de abordo es Sandman y su voz entre ensoñada y misteriosa. Mas arriba hablábamos de la cultura Beatnik de Sandman y porque no creer que “Sheila”, un tema cuya trama transita con el gato de esta chica en cuestión puede ser un paralelismo justo con el felino de Alicia en el País de las Maravillas del escritor Lewis Carroll, una referencia obligatoria para la generación bohemia de los Beatniks.

Cierra el disco el instrumental “Miles Davis Funeral”, un tema que con su título deja en claro las admiraciones y el encanto que tenía Sandman por el Jazz haciendo honor a uno de los más grandes músicos dentro del Jazz y Jazz Rock. Luego de este álbum vendrían dos discos más, y uno post mortem de Sandman, ya que el mismo falleció tocando en el escenario de un festival de rock en Italia, teniendo que suspender el show y dando luego a conocer la triste noticia de su fallecimiento por un ataque al corazón, causando con esto la disolución del grupo. Sin embargo, unos años antes que sucediera este trágico hecho, los Morphine nos dejaron en claro que la cantidad no hace a la calidad, a veces "Menos, es Más".

El Infaltable

Publicado por Mocker , domingo, 22 de agosto de 2010 2:43

The Smiths: "Strangeways, Here We Come"

Existe una frase que dice: “dos cabezas piensan mejor que una”. Más allá de esta frase de color la misma sirve como ejemplo inmediato para graficar que el trabajo en grupo ha logrado grandes aportes, descubrimientos, ideas o producciones en todos los ámbitos. Desde el político y/o social pasando por lo educativo, científico, artístico y deportivo. Una vez más, en lo que a nosotros nos compete que es en el ámbito musical y más precisamente el rock, no a sido la excepción a la regla. En la historia del rock existieron grandes duplas que marcaron, en muchas ocasiones, a generaciones de jóvenes con sus mensajes de cambio, de rebeldía o simplemente con canciones de amor platónico que acompañaron el crecimiento de estos hacia la adultez. Sin volar demasiado encontramos ejemplos de inmediato en las duplas de Lennon-McCartney, Jagger-Richards, Plant-Page, Waters-Gilmour, Mercury-May y la lista sigue hasta llegar al combo que formaron Steven Morrissey junto a Johnny Marr, las cabezas pensantes de The Smiths. Entre todas las duplas que se mencionó anteriormente más allá de que todas nos regalaron grandes momentos y canciones, por supuesto, la relación entre ellos muchas veces no era color de rosa. En la dupla Lennon-McCartney durante buena parte de su existencia la relación compositiva y grupal se baso en un amor-odio que rozó la obsesión. Por el lado de Waters-Gilmour las diferencias personales aún hoy se mantienen en pie imposibilitando una reunión si no es por fines benéficos, mientras que por el lado de Morrissey-Marr no tiene nada que envidiarle a la relación anteriormente mencionada.

La tirantez entre los ex The Smiths siempre estuvo en ebullición por sus diferentes personalidades e inclinaciones artísticas, sin embargo las mismas sirvieron para componer y edificar grandes temas que fueron más allá de la discografía de ellos para estar en el inconsciente de los oyentes. De todas formas, luego de tres discos oficiales y varios simples la dupla hizo implosión en 1987 causando un quiebre en el grupo y una separación definitiva que dividió las aguas y los caminos artísticos de ambos.

Los Smiths venían en alza con su tercer Lp “The Queen is Dead”, el cual los llevo al tándem de clásicos, sin embargo “Strangeways, Here We Come” es el perfecto canto del cisne del grupo y no tiene nada que envidiarle a su predecesor. Tal vez cargado incluso por el sentimentalismo y la visión nostálgica de la definitiva separación. Párrafo aparte, al editarse este disco el grupo de Moz ya había pasado a mejor vida, tal cual lo fue con The Beatles al editar “Let it Be” si continuamos con las similitudes de las anteriormente citadas duplas. El disco a diferencia de sus anteriores trabajos conjuga el pop, sonido característico del grupo, junto con algunas melodías del dream pop, el glam, la psicodelia y arreglos orquestales que refinaron aún más la melodía de la banda.

Con respecto a la unión que formaba la dupla Morrissey-Marr la misma se retroalimentaba de ellos mismos, ya que más allá que en sus respectivas carreras solistas tuvieron grandes trabajos o producciones se nota que siempre faltara en ambos su otra mitad. Las melodías y arreglos de la guitarra -sin punteos- de Marr necesitaba del oxígeno que le aportaban las letras sentimentales y sufridas de Morrissey. Por su parte, esas canciones que apuntaban a un público joven, inseguro, soñador y romántico contando historias que podían graficar con precisión de cirujano las relaciones de amor y desamor pero con un cierto halo de flagelación en las mismas, eran deudoras de la amalgama de sonidos que salía de la guitarra de Marr.

El ultimo disco de The Smiths abre con “A Rush and a Push and The Land is Yours” el cual comienza con la voz empapada en reverb de Morrisey acompañado de unos teclados y arreglos musicales que ya de buenas a primeras nos habla de la producción que hay atrás del mismo. Con el rasgueo de la guitarra con distorsión arranca “I Started Something I Couldn´t Finish”, la cual en su sonido y en la forma de cantar de Morrisey marca la impronta que tendría Moz en sus trabajos solistas. La letra, por su parte, habla sobre una relación en la cual el protagonista no podía y no sabía como ponerle fin a la misma. El próximo tema “Death of a Disco Dancer”, es uno de los más emotivos del disco ya que conlleva en la voz de Morrisey el dramatismo perfecto hasta que llegando al final del tema el mismo se va convirtiendo por su ritmo repetitivo de batería junto con la guitarra de Marr y en los teclados de Moz -única vez que ejecutó un instrumento musical en The Smiths- en un tema casi claustrofóbico.

Sigue uno de los hits mas inmediatos que tuvo la discografía de ellos y el cual fue el primer sencillo que lanzo el álbum. “Girlfriend in a Coma”, es también la gota que rebalsó el vaso en la relación compositiva de Morrissey y Marr. Sin embargo la misma se empezó a resquebrajar mucho antes, ya que Morrissey no miraba con buenos ojos que Marr trabaje o produzca a otros artistas que no fueran The Smiths y a éste por su parte le molestaba que Moz se encasillara en realizar versiones de artistas de los años ´60 como sucedió en la grabación de los lados B que acompañarían la edición de “Girlfriend in a Coma”. Morrissey decidió incluir una versión del tema “Work is a Four Letter Word” de Cilla Black, vocalista femenina de los ´60 causando el enojo y distanciamiento de Marr del grupo. Volviendo a “Girlfriend in a Coma” la letra habla sobre la obsesión de una persona por su enamorada, deseándola al extremo causándole dolor, sufrimiento y porque no la muerte, pero este no ve que le está causando esa tortura sino todo lo contrario. La melodía, tierna y alegre por cierto, se contrapone con el tema trágico que retrata la letra. Morrissey, una vez más, y quizás este sea uno de los ejemplos más claros, se lleva los laureles de compositor sobre tragedias y desamores, contando y detallando a la perfección papeles tortuosos, romances obsesivos o personas solitarias. ¿De que va la letra? Acá una parte:



Una novia en coma , lo se
Lo se - es serio
una novia en coma, lo se
lo se - es realmente serio

Hubieron momentos en los cuales podría
haberla asesinado
(pero sabes que odiaría
que algo le pasara)

Crees realmente
que se va a reponer?
Crees realmente
que se va a reponer?
Crees…

hubieron momentos en los cuales podría
haberla estrangulado
(pero sabes que odiaría
que le pasara algo)



El próximo tema es “Stop Me If You Think You´ve Heard This One Before”, que en una primera instancia iba a editarse como segundo sencillo, pero tuvo que ser cancelado y editarse como tercero -y sólo en algunos países- ya que decidieron censurarlo por un fragmento de la letra, que según algunas radios, resultaba inapropiada debido a una tragedia que estaba muy fresca en la memoria de la sociedad inglesa. Párrafo aparte merece la pena mencionar que el videoclip de dicho tema lo tiene a Morrissey y a un séquito de dobles suyos recorriendo los suburbios en bicicleta.
Sigue “Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me” que arranca con un teclado y unos murmullos de fondo que se estiran hasta casi los dos minutos, arrancando luego con la emotiva voz de Morrissey y todo el grupo en conjunto. Acá nos encontramos con otra bella prosa de Morrissey y sus eternas disyuntivas amorosas acompañadas por los sutiles arreglos en guitarra de Johnny Marr.



Anoche soñé
que alguien me amaba
no hay esperanza , no hay daño
solo otra falsa alarma

La noche anterior sentí
Brazos reales alrededor Mio
no hay esperanza , no hay daño
solo otra falsa alarma

Así que dime cuanto falta
antes que llegue el último?
y dime cuanto falta
para la indicada?



La revancha y el deseo malvado pero inocente a la vez de desear un infeliz cumpleaños a esa persona que te hizo sufrir , se vuelve realidad con la canción “Unhappy Birthday”. La misma tiene la clásica melodía de The Smiths con una letra que roza lo trágico y cómico a la vez.
El Lp sigue con “Paint a Vulgar Picture”, una canción que resulta ser profética y no sólo con la discografía de The Smiths, sino con cualquier grupo o solista que se ve “usado, manipulado y reinventado” por las compañías de discos editando una y otra vez su material. Con distintas tapas, diferentes packaging y formatos usan y vuelven a usar la canción de un artista, incluso después de muerto.



En la reunión de la compañía de discos
en sus manos - una estrella muerta
Y oh, los planes que ellos entretejieron
Y oh, la enfermiza avaricia

En la fiesta de la compañía de discos
En sus manos - una estrella muerta
Las sicopáticas escorias todas decían:
“lo conocí primero, y lo conocí bien”

re-emisión! re-empaque! re-empaque!
Re-evalúen las canciones
Doble pack con una fotografía
Tema extra (y un pin interesante)



“Death At One´s Elbow”, por su parte no aporta demasiado en cuanto a la lírica sin embargo es un tema que no desentona en lo musical dentro del disco para luego cerrar el mismo con el frágil y emotivo “I Won´t Share You”, en la cual una vez más habla sobre una relación obsesiva y enfermiza entre dos personas. La melodía, gracias a la voz de Morrissey tiene ese halo de misterio y romanticismo prohibido que junto a la mandolina de Johnny Marr le dan el cierre perfecto no sólo al disco sino a la discografía oficial editada por The Smiths.



no quiero compartirte, no
no quiero compartirte
con el empuje
y la ambición
el entusiasmo que siento
este es mi tiempo

la nota que escribí
mientras ella leía, ella decía:
“La botella de Perrier ha ido
directo hacia mi cabeza
o es la vida enferma y cruel, en lugar de eso?”

No quiero compartirte, no
No quiero compartirte
Con el empuje
Y los sueños dentro
Este es mi tiempo

La vida tiende a ir y venir
Esta bien
mientras que sepas
La vida tiende a ir y venir
Mientras que sepas
Sepas, sepas, sepas, sepas, sepas
Sepas, sepas, sepas, sepas
Oh…



Por el lado del arte de tapa, The Smiths, y puntualmente Morrissey, siempre se caracterizó por poner en la portada de los discos del grupo y en sus sencillos, fotos de estrellas del cine, como Alain Delon o James Dean, músicos como Elvis Presley o Billy Fury, y escritores como Shelagh Delaney o Truman Capote, entre otros. Para “Strangeways Here We Come”, esta no fue la excepción contando con la fotografía de Richard Davalos, el cual actuó en la película “Al Este del Edén” de James Dean.
Muchos tienen a “The Queen is Dead” como el disco clásico de The Smiths, y esto puede ser cierto, sin embargo este último Lp es la muestra musical que la dupla Morrissey-Marr, más allá de sus diferencias artísticas y musicales funcionaron de forma perfecta incluso en la etapa más beligerante del grupo.

... y éste de donde salió?

Publicado por Mocker , domingo, 15 de agosto de 2010 23:28

The Yardbirds (Eric Clapton): "Five Live Yardbirds"

“Mano lenta”. Bajo ese apodo se conoce a uno de los mas grandes y reconocidos guitarristas del planeta, que sin estar dentro del tándem de típico guitar hero velocista/virtuoso, sí se coloca con total comodidad dentro del grupo de los precisos, emotivos y con brillo propio de los ejecutores de las seis cuerdas del rock. Me refiero a Eric Clapton. Dicho sobrenombre se lo supo ganar a comienzos de la década del ´60 cuando él junto con Pete Townshead de The Who y Keith Richards de The Rolling Stones formaban la trilogía perfecta de grandes guitarristas. Luego el arribo de Jimi Hendrix creó una nueva escuela dentro del rock pateando todos los cánones del manual del buen guitarrista. Sin embargo sería muy injusto calificar de menor todo lo cosechado por Clapton hasta la disputa de la corona por parte de Hendrix ya que cada uno fue de lo mejor en distintos estilos.

Eric Clapton es un referente ineludible del movimiento de Blues Blanco o Blues Británico que tuvo su apogeo en la década de los ´60. Dicho movimiento fue la respuesta inglesa al rock and roll y r&b americano. De esta forma se crearon varios grupos que fascinados por esa música que venía desde el otro continente, comenzaron a dar sus primeros pasos para luego sólo algunos de ellos salir a conquistar el mercado del cual supieron inspirarse. Para ser más gráficos, más allá de la fama y reconocimiento que tuvieron Little Richard o Chuck Berry dentro de las listas americanas, había un sinfín de nombres como Muddy Waters, Howlin Wolf, Sonny Boy Williamson o incluso anteriores como Robert Johnson o Blind Lemon Jefferson entre otros, que por ser de raza negra no contaron con la repercusión esperada. Mientras la idiosincrasia americana sólo “aceptaba” cantantes blancos, la juventud inglesa vio a estos cantantes de color como sus héroes. No por nada los Rolling Stones se llaman como un tema de Muddy Waters, o The Yardbirds -grupo del que vamos a hablar- grabaron un disco con Sonny Boy Williamson.

Muchos han oído hablar de The Yardbirds por el hecho que contó en su corta existencia con tres de los mejores guitarristas, Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Sin embargo, algunos otros pueden haberlos sentido escuchar porque de las cenizas de ellos se gestó lo que luego sería Led Zeppelin ya que Page fue el último guitarrista de esa trilogía. Repasemos, Clapton ya había migrado hace rato hacia nuevos horizontes, Beck formo su grupo junto a Rod Stewart y Ron Wood, mientras que el cantante Keith Relf, por su parte armó Renaissance. De todas maneras, reducirse sólo a estos datos que sirven sólo para la fría enciclopedia es ser injustos. Los Yardbirds fueron uno de los grupos que mejor captó e interpretó el mensaje del r&b en Inglaterra. Fueron considerados en su momento como uno de los grupos más ardientes y salvajes arriba del escenario, no por nada su primer disco “Five Live Yardbirds” de 1964 fue grabado en vivo durante una actuación en el Marquee Club. Esto, que por nuestros días puede ser visto como la forma más aceptable que tiene el artista de sacar un nuevo disco cuando en realidad no tiene material nuevo para editar, en ese momento no estaba en la cabeza de nadie que un grupo lance su primer Lp en vivo, contando además con la precariedad de los aparatos de sonido que había en esa época. Es el primer disco a nivel mundial en donde una banda debuta con un trabajo en directo. Sin dudas una demencia total. Como la sección, más allá de hablar sobre el primer grupo de un artista ya reconocido se basa en la trayectoria de éste, empecemos entonces de adelante para atrás.

El camino de la vida de Clapton no fue para nada color de rosa ya que tuvo que soportar muchas tragedias familiares, su hijo murió a la edad de cuatro años en un accidente, como así también tuvo que soportar el deceso en un trágico choque de Duane Allman, uno de sus mejores amigos. Como si todo esto fuera poco, tuvo que convivir durante mucho tiempo con un secreto que lo mortificaba y que iba en aumento, se había enamorado de la esposa de su mejor amigo, George Harrison. Durante mucho tiempo lo mantuvo oculto hasta que debido a la mala relación que llevaba Harrison con su esposa decide contárselo a ella empezando así una relación prohibida que tendría fin -y casamiento- después de la separación del ex Beatle. Un muy digno guión de cualquier novela de la tarde, pero esto no termina acá, además le compuso el tema “Layla” - gran tema con un aún mejor solo de guitarra- que se encuentra dentro del único Lp del grupo Derek and The Dominos, banda que formo a la par de su carrera como solista en 1970.

La carrera solista de Clapton contó con grandes y recordados discos como es el álbum que lleva su nombre, “461 Ocean Boulevard”, “Slowhand” y “Journeyman”, mientras que por otro lado algunos Lp no contaron con la calidad y las ventas esperadas. Incluso y quizás como parte de esa irregularidad artística debió afrontar momentos de profundo desconcierto personal a los que hay que sumarle su adicción a las drogas poniendo en jaque más de una vez su vida. Antes de formar Derek and The Dominos, integro dos grupos que fueron los que sirvieron para fundar el mote de supergrupo cuando al mismo lo integraban reconocidos músicos. Uno de ellos fue Blind Faith con Ginger Baker y Steve Winwood como caras reconocidas junto con la de Clapton, mientras que la otra agrupación fue Cream, banda que tal cual como su nombre lo indica, fue la crema del rock y blues británico. Sin embargo, y como otra apostilla más del espíritu inquieto de Clapton, antes de formar éste último grupo fue parte de los Bluesbreakers de John Mayall, grabando sólo un disco con ellos, pero ¡qué disco!.

Llegamos a la recta final y nos topamos con The Yardbirds, el primer grupo con el que Clapton graba material, ya que antes de ellos formo otras bandas pero no editaron nada. Con los Yardbirds sólo graba el primer Lp y algunos simples ya que decide abandonar el grupo cuando estos acercan su sonido un poco más a los cánones del pop al grabar el tema “For Your Love”. Bien como se detalló más arriba, The Yardbirds eran uno de los grupos más salvajes dentro del escenario, incluso reemplazaron a los Rolling Stones en el Crawdaddy Club lugar en el cual los Stones eran la banda estable antes de su meteórico ascenso.

El Disco “Five Live Yardbirds” y el concierto donde lo graban, comienza con el presentador anunciando a cada uno de los integrantes del grupo con sus respectivos aplausos, demás esta decir que cuando presenta a Eric “Mano Lenta” Clapton se escuchan los aplausos mas fuertes. La formación se completaba con Jim McCarthty en batería, Chris Dreja en guitarra rítmica, Paul Samwell en bajo y Keith Relf en voz y armónica. “Too Much Monkey Business” de Chuck Berry es el tema que abre el disco y ya de movida salen a comerse crudo al público. La versión de ellos es mucho más rápida y feroz que la de Berry, pero si no te hace mover el piecito realmente por tu cuerpo no pasa sangre. Esta versión del tema sería copiada luego por un sinfín de grupos de rock de garage, de freakbeat y r&b. El tema siguiente es “Got Love If You Want It”, canción que no aporta demasiado sino que sirve en realidad para bajar los decibeles de la primera, sin embargo nos muestra a Relf como un armoniquista más respetable.Vamos con “Smokestack Lighting” de Howlin’ Wolf, donde Clapton se luce con los arreglos de guitarra y que le dan un aire cadencioso, lento y amenazante al tema. El solo de armónica de Relf es del más puro r&b para que luego llegue el brillo de los platos en la batería de McCarthy, y a medida que avanza la canción te va metiendo cada vez más en clima. Después llega “Good Morning Schoolgirl”, un rock and roll ejecutado de forma muy rápida en el cual una vez más se luce la armónica de Relf.

El próximo es “Respectable” de los Isley Brothers, un tema con cierto aire festivo y el cual es un fiel exponente del típico material de los Isley. Al minuto de la canción Clapton se lanza con un solo de su factoría que muestra lo contradictorio del apodo que lleva, ya que de esos dedos sale fuego. A segundos de finalizar la canción, los Yardbirds improvisan ya que “pegan” este tema con “Humpty Dumpty Sat on a Wall”, un tema infantil pero que a medida que avenza va subiendo en tempo y se convierte en un salvaje final. “Five Long Years” es Clapton puro, un tema de blues clásico que entre la guitarra de éste y la armónica se enlazan de forma perfecta regalándonos un muestra del mas fino y puro blues.

El Lp sigue con “Pretty Girl” un crudo r&b de Bo Diddley que tiene una linda base de bajo y en la que sobresalen los gritos de los coros. Estamos llegando al final del disco pero antes vamos con “Louise” un original de John Lee Hooker, donde los arreglos de Clapton nuevamente están dentro de lo mejor del tema. Sin embargo el solo de la guitarra de éste se bate a duelo con la armónica de Relf. Acá no hay ganadores, sólo tu oído sale vencedor dentro de esta disputa, convirtiéndolo en uno de los temas más logrados del disco. Luego siguen con otro tema de Bo Diddley, en este caso “I´m a Man”, otra canción dentro del ABC que ejecutaban los grupos ingleses de esa época. Hagamos un paréntesis y dejemos en claro que los grupos ingleses en sus primeros discos contaban con más temas que eran covers de sus ídolos americanos que canciones propias, sin embargo está muy lejos de que esto sea considerado como una mediocridad ya que por esos momentos eso era lo que se grababa.

El disco cierra con “Here ‘Tis”, otra canción de Bo Diddley, y van…. El tema se basa en un ritmo sostenido mientras que Clapton le agrega algunos rasgueos de guitarra mientras se escuchan unos gritos de Relf que sirven como corolario final al álbum, sin embargo no aporta demasiado ya que en realidad -y con sinceridad absoluta- arruinan un poco al Lp convirtiéndose en una jam demasiado larga.Como dato final agrego que existe una versión en CD que trae todo el disco entero y le suma unos bonus tracks de canciones captadas de otros recitales.
Ah…. me olvidaba, por si no lo reconociste te digo que Clapton es ese muchachito que aparece en el medio de los cinco detrás de las rejas.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , lunes, 9 de agosto de 2010 4:10

Sui Generis: "Pequeñas Anecdotas Sobre las Instituciones"

Madurez significa cuando el ser humano alcanza su momento de máximo desarrollo intelectual y emocional. Ahora bien, si esto lo llevamos al mundo del rock, esto significa el momento clave donde un artista o grupo deja esas composiciones inocentes o poco comprometidas por otras más profundas o adultas, como así también mejora su performance instrumental. Existen muchos grupos que luego de ir ganando experiencia en el ambiente y aumentando años en su almanaque dan un vuelco compositivo y dejan de lado sus temáticas adolescentes que tantos fans les hicieron ganar cambiando la fórmula del éxito en pos de su crecimiento personal. El ejemplo más conocido y además bisagra es el de los Beatles con su “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” el cual no sólo mostró el crecimiento y madurez compositiva de los Fab Four sino que también fue el momento en el cual el rock se puso los pantalones largos lavándole la cara a todos los fundamentos y conceptos que se tenía de dicha industria. A partir de ese momento todos los grupos de todo el mundo querían hacer su Sargento Pimienta. Algunos lo lograron, otros estuvieron cerca y a otros no les salió ni por las tapas.

Si miramos nuestro ombligo, más allá que el golpe del cambio musical lo acusamos unos años mas tarde, también hubo intentos en Argentina por querer reproducir o imitar la obra de los ingleses. Almendra, Vox Dei, Raúl Porchetto, Los Abuelos de La Nada o Arco Iris entre otros, entendieron que la música estaba cambiando y cada uno a su manera puso su granito de arena en pos de seguir avanzando en la búsqueda de nuevos horizontes musicales. Algunos trabajos quedaron truncos, otros tuvieron muy poca difusión y sólo “La Biblia” de Vox Dei quedó marcado a fuego como el Lp conceptual argentino por excelencia.

Un grupo aún novel como lo fue Sui Generis el cual fue recibido en sus comienzos por un público joven o estudiantil no quiso ser menos y quedo en la antesala de discos conceptuales por el sólo hecho de que sufrió la censura en algunos temas los cuales le quitaron el peso necesario a esta gran obra. Sin embargo, aún con esto el tercer Lp de ellos además de estar dentro de los mejores discos del rock nacional, se une al reducido pelotón de álbumes conceptúales que tuvimos por nuestras pampas.

A mediados de la década del ´70 dentro de una bruma de inestabilidad político y social que atravesaba la Argentina, el dúo Sui Generis, integrado por Charly García y Nito Mestre, decide componer un disco que confronte directamente a las tan vapuleadas y sometidas instituciones. Sin embargo, esto no fue un trabajo fácil por dos cuestiones: primero porque los nuevos temas tenían una crítica social mucho más directa que en sus trabajos anteriores, graficando el momento convulsionado por el que atravesaba el país pero siempre siendo observados por el ojo censor de las más altas esferas políticas del país que veía como revolucionario a todo aquel que pensara distinto. Segundo venía la poca aceptación por parte del público juvenil que aún disfrutaba con las canciones románticas o de fogón, a las cuales estaban acostumbrados por sus dos primeros trabajos. Tanto García como Mestre ya habían aprendido a ser formal y cortés alejándose de esa visión naif y juvenil que apuntaban las letras de sus primeras composiciones encontrando, bien como se comentaba al principio de la nota, la madurez como artistas. Además, a este cambio en la composición hay que agregarle la modificación en su formación ya que dejan de ser un dúo -más allá que las caras visibles siempre sean Charly y Nito- para ser un grupo con la incorporación de Rinaldo Rafanelli en guitarra y bajo y Juan Rodríguez en batería.

Recogiendo el guante que se arrojo más arriba sobre la censura que sufrió el álbum, existe la historia que cuenta que la prohibición durante la mezcla del disco venía de un cargo tan importante que podían llegar a cerrar Microfon, sello en el cual se estaba grabando el trabajo. Por este motivo, tuvieron que “limpiar” las letras de algunos temas, utilizando metáforas que pasaron desapercibidas por los censores mientras que algunas canciones fueron reemplazadas por otras ya que no se podía ocultar los contenidos con eufemismos. Con esto el Lp perdió gran parte del mensaje global del álbum como así también el hilo conductor de la historia que contaba.

El álbum comienza con “Instituciones” un tema que instrumentalmente ya marca una diferencia con respecto a las canciones anteriores de ellos. Tiene un sonido más cercano al rock progresivo, estilo que por esos años gozaba de una gran popularidad en Inglaterra, mientras que en Argentina sería recibido con los brazos abiertos hasta principios de los ´80. El aporte de los punteos de la guitarra eléctrica apoyada por el piano y el melotron usado por Charly junto con el dúo de voces de éste y Nito le dan un cierto aire épico al tema. Luego tendría que venir la canción “Juan Represión” pero la misma fue reemplazada por “Tango en Segunda”, la cual fue compuesta de apuro a último momento. Dicho tema, apoyado en el uso de sintetizadores, también se desprende como una canción de raíz sinfónica pero no aporta demasiado al concepto del disco. En cambio “Juan Represión” tenía una melodía que se emparentaba más al Sui Generis de discos anteriores. Acá van algunos de los fragmentos de la letra:


Esta es la historia de un hombre
que quiso ser sobrehumano
y la realidad entonces
se le escapó de las manos.

Pobre Juan, qué lástima me da,
Todos los reprimidos
seremos tus amigos
Cuando tires al suelo tu disfraz


Sigue “El Show de los Muertos” un tema que hoy visto a la distancia no se entiende cómo pudo eludir la censura ya que su mensaje es mucho más explícito que otras canciones que no corrieron con esa suerte. Acá van algunos de sus fragmentos:


Tengo los muertos todos aquí
¿Quién quiere que se los muestre?
Unos hincados, otros de pie
Todos muertos para siempre
Elija usted en cual de todas ellas
Se puso a pensar

Bailen las viudas, vuelen los velos negros
Al infinito
Caigan las balas sanas aquí
que las sombras se hagan gritos.
Algo anda mal señor
¿Qué es eso rojo en su pantalón?


Luego de este tema que tiene una melodía con cierto halo de misterio el Lp sigue con otra canción la cual estaba apuntada sin ninguna metáfora a Miguel Paulino Tato, interventor del Ente de Calificación Cinematográfica, el cual se “cargo” varias películas censurándolas o “cortándolas” a la conveniencia política de turno. “Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras” más allá de su mensaje directo tiene una instrumentación sinfónica y vocal extraordinaria la cual apoyada en sus letras va aumentando el suspenso de la historia, convirtiéndose en uno de los temas mas destacados del disco.


Entra en el microcine y toma ubicación
hace gestos y habla sin definición,
se va con la película hasta su hogar,
le da un beso a su esposa y se vuelve a encerrar
a oscuras y en su sala
de cuidar la moral.

Se contiene, suda y después,
con sus tijeras plateadas, recorta su cuerpo,
le corta su pelo, deforma su cara,
y así rutilada la lleva cargada hasta la pantalla
justo a la mañana.

No conozco tu nombre ni se más quien sos,
vi tu nombre en el diario y nadie te vio,
la pantalla que sangra ya nos dice adiós.
Te veré en 20 años en televisión, cortada y aburrida,
a todo color.


“Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal” grafica de una forma abstracta lo cotidiano y mundano de la vida matrimonial, un mensaje que ya había sido abordado en “Mr. Jones” de su segundo álbum “Confesiones de Invierno”. Luego el Lp sigue con “El Tuerto y los Ciegos” que tiene un cierto aire en su melodía a un Hillbilly, apoyado esto por el violín de Jorge Pinchevsky. Sin embargo, originalmente este lugar estaba asignado al tema “Botas Locas” el cual tuvo que ser reemplazado. La letra era muy directa y contenía estas estrofas:


Yo formé parte de un ejército loco
Tenía veinte años y el pelo muy corto,
Pero mi amigo, hubo una confusión
Porque para ellos el loco era yo


Los intolerantes no entendieron nada
Ellos decían “guerra”, yo decía no gracias
Amar a la patria bien nos exigieron
Si ellos son la patria yo soy extranjero


“Música de Fondo para Cualquier Fiesta Animada” también tuvo retoques en su prosa y retoma el camino de rock progresivo con el que había comenzado el disco. Prosigue el álbum con el sinfónico e instrumental “Tema de Natalio” en el cual se luce el Hammond de Carlos Cutaia, la flauta dulce de Mestre y el violín de Pinchevsky. El Lp cierra con el pastoral “Para Quien Canto Yo Entonces”, el cual tiene un arreglo en piano de Charly que junto con la dulce voz de Nito y el aporte de León Gieco como invitado en la armónica se enlazan de forma perfecta. Por otra parte, y una vez más como en todo el disco, este tema también sufrió un corte en las estrofas finales.


Para quien canto yo entonces
si los humildes nunca me entienden,
si los hermanos se cansan
de oír las palabras que oyeron siempre.
Si los que saben no necesitan que les enseñen
si el que yo quiero todavía está dentro de tu vientre

Yo canto para la gente
porque también soy uno de ellos.
Ellos escriben las cosas
y yo les pongo melodía y verso.
Si cuando gritan vienen los otros
y entonces callan.
Si sólo puedo ser más honesto que mi guitarra.

Y yo canto para usted,
el que atrasa los relojes,
el que ya jamás podrá cambiar
y no se dio cuenta nunca
que su casa se derrumba.
Para quién canto!

Y yo canto para usted,
señor del reloj de oro,
se que a usted nada lo hará cambiar,
pero quiero que se entere
que su hijo no lo quiere.


Todo gran disco tiene que ser acompañado por un no menor arte de tapa y esta no fue la excepción. Juan Gatti fue el creador de la portada, el cual escucho los temas y graficó los personajes que aparecen en la portada del Lp. Los dibujos en blanco y negro le daban ese halo de misterio y frialdad a la obra representando los títulos de los temas del álbum. Luego de éste disco vendría el “Adiós Sui Generis” con tres Lp´s grabados en los shows del Luna Park y el respectivo film de esos recitales, el cual corrió la suerte de ser prohibido para menores de 18 años, la edad promedio del público con el cual contaba el grupo, pero esa ya es otra historia.

Revisando los Rincones

Publicado por Mocker , martes, 3 de agosto de 2010 4:22

X-Ray Spex: "Germ Free Adolescents"

Con lo que se va a mencionar a continuación, de seguro no se va a sorprender a nadie ya que es una cuestión lógica y “cae de maduro”. En el rock, como en cualquier tipo de arte, existieron estilos que tuvieron y tienen a sus grandes figuras, todas de primera línea, las cuales son los puntos de referencia básica para catalogar un movimiento y/o escena. Detrás de ellos, muchas veces relegadas a una segunda línea por diversos motivos, poca difusión, mala venta de discos, escasa actitud, mediocre estética o menor capacidad compositiva e instrumental entre otros, aparecen otros grupos que cierran el círculo de ese estilo y amplían el concepto del mismo. Sin embargo, esto no finaliza acá ya que existen grupos que pertenecen a una tercera o cuarta posición dentro de un género, los cuales son de culto y llegan a la luz sólo por el hecho de la búsqueda de ellos por ese nicho de melómanos, coleccionistas, curiosos y/o inquietos en busca de más y más información como material para escuchar. Partamos de la base que todo lo que está en esa tercera escala no siempre es de lo mas destacable, uno suele encontrarse con algunos fiascos, trabajos que no estuvieron nunca a la altura de las circunstancias y por eso no llegaron al reconocimiento, sin embargo en otras oportunidades el buscador de esos tesoros suele encontrarse con material de muy buena calidad logrando con esto conquistar el oído, y porque no el corazón del escucha ya que el mismo se siente orgulloso de aquel descubrimiento en su buceo dentro del rock.

Todo lo mencionado anteriormente sirve como marco para graficar el lugar que, muchas veces de forma injusta, queda reservado para algunos grupos de rock, subvalorándolos y quitándoles el crédito que se merecen. El grupo X-Ray Spex del cual vamos a hablar a continuación, entra como tantos otros, dentro de esa definición. Repasemos, dentro del punk británico de finales del ´70 los principales exponentes de este estilo eran The Sex Pistols y The Clash a la cabeza, seguidos de cerca por The Buzzcocks, Damned, The Stranglers, Wire, XTC y una larga lista de etcéteras. Dentro de esa lista sábana estaban, no importa en que orden, los X-Ray Spex, un grupo distinto a todos los demás dentro del punk. La diferencia mas notable es que contaba en su formación con un saxo, el cual le daba al grupo un vuelo sonoro que no tenían sus contemporáneos.

El mencionar que un grupo de punk contaba con un saxo, ya desde un primer momento llama la atención, ya que siempre corremos atrás del preconcepto de la “clásica formación” guitarra, bajo y batería, y mucho más si se trata de un estilo al cual se lo acusa de ser cuadrado y de tres simples tonos. Sin embargo, si rascamos con el dedo un poco sobre ese clásico fundamento podemos ver que muchas veces, y quizás de forma inconsciente, escuchamos una banda punk con saxo sin pensar específicamente en esto. Sin ir más lejos, Sumo, más allá de todos los estilos que fusionó, contaba con el saxo de Roberto Pettinato y ningún punk se cortó las venas por esto. Volviendo a los X-Ray Spex no sólo su marca distintiva pasaba en la escena por un instrumento, sino también por la personalidad y la impronta de su cantante Poly Styrene. Las actuaciones y performances que tenía ella sobre el escenario eran radicales por la entrega y energía que mostraba en los shows. Pero esto no se terminaba acá sino que ella, junto con otras mujeres, integraban bandas punk como Siouxsie and The Banshees, The Plasmatics o The Slits, las cuales además de darle otro color a la escena aportando su perfume de mujer, eran la bandera del feminismo y la lucha por hacer respetar sus derechos ante la sociedad y también ante los prejuicios del rock. La voz contestataria de Poly Styrene esta cargada de rebeldía, ira y resentimiento pero amalgamada por una pose y una estética aniñada o adolescente que disminuye y aplaca las letras punzantes de sus canciones. Para muestra basta un botón y esto queda claro en la vestimenta que llevaba Poly, ya que se vestía como se le daba la gana y ni conservaba una estética o producción femenina, usaba aparatos dentales, escaso maquillaje y un pelo ensortijado, por no decir desprolijo, pero sin embargo se mostraba muy orgullosa de no representar el ideal de belleza.

El grupo se forma en Londres en 1976, con Marion Elliot -luego adoptaría el apodo de Poly Styrene- en la voz y la saxofonista Lora Logic de 16 años!!, la cual luego de grabar un simple se iría para formar su propia agrupación, Essential Logic. Ambas tenían una personalidad bien marcada y explosiva las cuales no pudieron congeniar de forma correcta provocando una implosión dentro del grupo alejando a una de ellas del mismo. La agrupación se completaba con Jack Airport en guitarra, Paul Dean en bajo y B. P. Hurdin en batería, mientras que el sustituto de Logic fue Rudie Thompson con el que grabaron la totalidad del Lp “Germ Free Adolescents”, su primer y único disco si no se tiene en cuenta el paso fallido del álbum de 1995 que se lanzó con motivo de una reunión de ex integrantes. El simple en cuestión que lanzaron junto con Logic no se trata de un tema menor en la historia de la banda ya que se lo considera uno de los caballitos de batalla del grupo. “Oh! Bondage Up Yours” y “I´m a Cliché” son los temas en cuestión que salieron en el simple. Al primero de ellos se lo considera como una respuesta feminista al maltrato y al abuso que sufren a diario algunas mujeres y a la esclavitud por parte del capitalismo, mientras que el segundo acusa como su título lo indica a la repetición del día a día, la rutina y a lo ya sabido de antemano.

Luego de la grabación de este simple, los X-Ray Spex entran a grabar el disco “Germ Free Adolescents” de 1978, que se podría traducir como adolescentes libres de gérmenes haciéndole un guiño al título y entendiendo que los enfermos son los jóvenes que consumen masivamente lo que le impone la sociedad. La tapa del Lp es una de las más interesantes del rock ya que se puede apreciar al grupo dentro de unas probetas de laboratorio haciendo fuerza por romper las mismas y salir al exterior. El disco comienza con una temática que va a sobrevolar todo el Lp, atacar al consumo, a lo artificial, a las pocas ideas de cambio, etcétera. Así el primer tema arranca con “Art-I-Ficial”, una crítica a la valoración de las cosas materiales, sigue con el punk de “Obsessed With You” y la tercera canción esta reservada para “Warrior in Woolworths” cuyos arreglos son muy interesantes en el uso del saxo y la primer guitarra. Otros temas que tienen un gran aporte en los “bronces” de Thompson, que dicho sea de paso reemplazo de forma magistral a Logic en el saxo, son “Let´s Submerge”, “I Can´t do Anything” o “Identity” para cerrar la cara A del Lp original. El lado B es similar en cuanto al ritmo y las letras, arrancan esa cara con “Genetic Engineering” para seguir con “I Live Off You” y “I am a Poseur” los cuales, una vez más y van…, tienen un aporte fundamental en el saxo de Thompson.

Toda la urgencia y frenesí que tiene el disco se ve aplacada con el tema de título homónimo al Lp, el cual critica a la obsesión de algunas personas por la pulcritud y el orden, mostrando sus fobias y miedos. Esta calma de un solo tema se ve eclipsada por “Plastic Bag”, canción que juega con los tiempos de la melodía ya que en fragmentos se presenta calma y apacible mientras que en otros explota la furia contenida en la voz de Styrene. El álbum cierra con “The Day The World Turned Dayglo” un tema con un riff de guitarras demoledor y un saxo tajante y filoso que te dejan pidiendo más y el cual nos grafica lo incendiaria que podía sonar la banda en vivo. Por último cabe destacar que existe una edición en CD que además de tener el Lp completo trae el simple de “Oh! Bondage up Yours” junto con otros bonus tracks que no son para nada descartables.

El Lp “Germ Free Adolescents” junto con algunos otros trabajos de esos años sirven para graficar que el concepto del No Future y su actitud de autodestrucción estaba muy lejos de ser la verdadera cara de la moneda del punk. Si querés entender la escena del punk en Inglaterra y no sólo encasillarte a las bandas consagradas, este álbum es de audición obligatoria.