... y éste de donde salió?

Publicado por Mocker , lunes, 27 de septiembre de 2010 2:12

Zoot Money´s Big Roll Band: "It Should´ve Been Me"

Detrás de esta foto inocente, la cual pareciera retratar casi a un grupo de “nerds” estudiantiles, se encuentra uno de los guitarristas mas influyentes dentro de la historia del rock y el motor de uno de los tríos mas reconocidos mundialmente. Me estoy refiriendo a ese muchacho con camisa celeste que se encuentra agachado. Si aún no pudieron adivinar a quien me estoy refiriendo -ya que la verdad esta casi irreconocible- les alivio el dolor de cabeza y les cuento que se trata de Andy Summers, futuro guitarrista de The Police.

Se conoce bien toda la carrera y consagración que logro Summers junto a Sting y Copeland con el trío The Police a finales de los ´70 y principios de los ´80, sin embargo la historia de este pequeño rubión ingles no comienza con este grupo, sino mucho antes y muy pocos saben que incursiono en varios géneros musicales además de los ya conocidos con este grupo.

Antes de unirse a The Police, Summers ya tenia un empleo como sesionista y profesor de música y alternaba colaboraciones en discos de Kevin Coyne, como en presentaciones del grupo progresivo Soft Machine o en la nueva encarnación -mas experimental y psicodélica- del grupo de Eric Burdon, The New Animals, con el cual grabo “Love Is” en 1971.
Unos años antes, mas precisamente en el ´67, formo una banda de escasa vida pero que dejo un Lp muy buscado por los coleccionistas llamado “Chariot Rising” que transitaba por la veta de rock psicodélico británico con el grupo Dantalion´s Chariot.

De todas maneras, la vida musical de Somers, así se llamaba al principio de su carrera, comenzaría a principios de los ´60 con el grupo Zoot Money´s Big Roll Band. Un nombre demasiado extenso pero que hacia referencia al líder de dicha agrupación, Zoot Money, un tecladista también con conocimientos musicales de escuela como los de Summers. No esta demás mencionar que el verdadero nombre de Money era George Bruno pero decidió cambiarlo por uno más artístico. ¿Quien es el famoso Zoot que tanto hacemos referencia? Es el de más arriba, el de campera de cuero negra.
Queda demostrado con este racconto que Summers le sacaba a Sting y Copeland casi más de una década de diferencia en edad y que en el momento más álgido de la carrera de The Police él ya se había puesto los pantalones largos hacia rato.

Llegamos al primer grupo con el cual Summers grabo un trabajo de larga duración y esto ocurrió en 1965 con “It Should Have Been Me”. El debut de Zoot Money´s es un fiel reflejo de la invasión británica que fueron los grupos de mediados de los ´60 en el Reino Unido. Sin embargo, ellos no supieron colarse dentro de ese tren cuya locomotora encabezan The Beatles para hacerse conocer fuera de la isla y conquistar el mercado americano. Los Zoot Money´s, junto con el Graham Bond Organization o la Blues Incorporated de Alexis Korner, fueron algunas de esas bandas que por cuestiones de poca difusión, escasas composiciones propias o una reducida imagen que causara el suspiro de la platea femenina, no pudieron explotar en el país del Tío Sam. Sin embargo, a pesar de su escasa “venta”, esta falencia se apaleaba con la buena técnica y profesionalidad que tenían sus integrantes, ya que venían de una escuela de estudios musicales y tenían un gran conocimiento de estilos musicales como el jazz, el blues, r&b, soul etc.

La formación de la Zoot Money´s, tal cual como su nombre lo indicaba, era la de una Big Band, ya que no sólo tenia el típico combo de guitarra (Summers), bajo (Williams) y batería (Allen), sino que además se completaba con los saxos de Clive Burrows y Nick Newall junto con los teclados de Zoot Money.
El grupo se caracterizaba por hacer de sus presentaciones enérgicas ejecuciones de r&b, jazz y soul entre otros estilos, los cuales le sirvieron para ser el grupo estable en algunos clubes como el Flamingo Club y arrastrando consigo adeptos como los Mods.

Analizando el Lp, el mismo arranca con una versión del “I´ll Go Crazy” de James Brown, un tema que era un standard para cualquier grupo de r&b de esa época, el cual esta ejecutado con mucha energía, destacándose la guitarra de Summers y los saxos de Burrows y Newall.
El disco sigue con otro clásico, en este caso de Rufus Thomas, con el tema “Jump Back” el cual es un r&b muy elegante que cuenta en la voz principal con Paul Williams ya que Money sólo se aboco a la ejecución de su teclado. Esto, es otra muestra más que el principal impulso que tenía el grupo era el de tocar, y no existían problemas de “cartel” en cuanto a los egos de cada integrante.
“Along Came John” se desprende como un tema instrumental con ciertos aires jazzeros, en el cual brillan la guitarra de Summers y el teclado de Money. Luego viene la cuota de blues con el tema “Back Door Blues” de Eddie Vinson para dejarnos en la puerta de la próxima pista el cual es uno de los grandes highlight del álbum, “It Should´ve Been Me”. En el mismo retrata una relación entre un muchacho de barrio y una señora casada con todas las vicisitudes que causa esta relación. El saxo barítono de Burrows le aporta frescura a la ejecución y a la historia que cuenta el relato de Money.

El rock n´ roll no es indiferente en este disco y aparece con un tema de Chuck Berry como es “Sweet Little Rock and Roller”. Luego viene toda una declaración de derechos masculinos con “My Wife Can´t Cook”, un tema muy pedido dentro de los shows del grupo, el cual conlleva toda la ironía y humorada bien explícita en el relato de Money como “mi mujer no puede ni hervir el agua….”.
Luego de esa inyección de testosterona en formato de canción, el disco prosigue con “Rags and Old Iron”, otro tema interpretado en la voz principal de Paul Williams, el cual era un clásico en los shows de Nina Simone. “The Cat” es el otro tema instrumental del Lp, el cual fue escrito por el director de orquesta Lalo Schifrin, conocido mundialmente por el tema de “Mission Imposible”.
Llegando casi al final del disco nos encontramos con “Feelin Sad” un tema muy allá Ray Charles, seguido por el jazzero “Bright Lights Big City”, mientras que el Lp cierra con “Fina”, el tercer y ultimo instrumental del trabajo, el cual retrata al grupo como una verdadera Big Band.

Con este Lp podemos poner fin a los prejuicios de que los artistas y músicos sólo pueden realizar en su carrera un solo genero musical ya que sino serían tildados de vendidos. Andy Summers como tantos otros que analizamos en esta sección tienen un pasado antes de ser reconocidos mundialmente, algunos siguieron transitando en mayor o menor medida estilos similares durante toda su carrera, otros como en este caso Summers, tomaron diversos caminos encontrando en cada uno de ellos un paisaje diferente.

El Infaltable

Publicado por Mocker , martes, 21 de septiembre de 2010 2:49

Isaac Hayes - "Shaft"

La Blaxploitation fue un movimiento artístico, tanto a nivel cinematográfico como musical, que supo tener su momento más álgido a principios de los ´70, y el cual tenia a la comunidad afroamericana como protagonista principal de sus Films. Hoy muchas de ésas películas son de culto graficando una escena y un momento en la historia de la América de los ´70. Fueron productos hechos por y para negros creando así un movimiento único y propio para su comunidad. Fueron años dorados para la raza afroamericana, sin embargo no todo surge de la noche a la mañana, ya que este fruto nace de varios años de una lucha continua por ser aceptados no sólo socialmente sino también por su cultura.

El primero en subir el escalón hacia el reconocimiento fue el actor Sidney Poitier con papeles protagónicos que causaron gran revuelo como “¿Sabes Quien Viene a Cenar?”, cuya historia se basa en la presentación y aceptación de él hacia la familia de su novia que provenía de un clase alta acomodada y encima era blanca. Años más tarde, en la década del ´60, se crean Las Panteras Negras, una fuerza político y social pro defensora de los derechos sociales y civiles de la raza de color. Algunos sectores sociales criticarían más adelante a este movimiento como una fuerza de choque, violenta y combativa, que de a poco fue perdiendo los cimientos básicos por los cuales fue creado. De más esta decir y citar a los dos máximos exponentes políticos de ésa década que sirvieron, cada uno a su forma, a despertar ese orgullo por ser afroamericanos y la futura cultura de la Blaxploitation, me refiero a Martin Luther King y Malcom X.

Bajo esta lucha de derechos, a principios de los ´70 aparece una historia ambientada en el Harlem, protagonizada por actores negros y con una banda de sonido de funk y soul creada por uno de los artistas más representativos de este género, Isaac Hayes. El film se llamó “Shaft” al igual que el disco doble que contenía la banda de sonido de dicha película. Más allá de ser la patada inicial para dar a conocer de forma mundial la Blaxploitation, el disco de Hayes fue también precursor en el mercado musical ya que marcó de ahí en más la importancia que se le tenía que dar a los ahora conocidos “Soundtracks” de los venideros Films. Creó un nuevo subgénero que luego, como sucede siempre, sería explotado hasta el hartazgo.

La trama del film comprendía la historia de un detective, que recorre las calles del Harlem buscando a la hija de un capo maffia local, empleando para esto métodos violentos y viscerales amalgamados por escenas de una impronta bien viril y sexual. Estas características, con sus respectivos estereotipos, peinados afros, pantalones acampanados, persecuciones en automóviles, juegos de cámara, y una estética muy marcada serían los máximos exponentes del género.
Volviendo al tema musical, que es el ámbito que nos compete, luego de “Shaft” aparecerían otros artistas afroamericanos que también colaborarían con la industria del cine como Curtis Mayfield o Roy Ayers entre otros.

Más arriba mencionamos que esta banda de sonido fue una bisagra para la industria musical y esto se vio reflejado en los 3 premios Grammy que gano Hayes por su creación, entre lo cuales se destacaba el de “Mejor banda de Sonido”. Además también alcanzó el puesto N° 1 de mejor Álbum y single por “Theme From Shaft” en la lista de los Billboard de 1971.
El sello Stax, gran competidora de la Motown, fue el encargado de editar el disco doble de “Shaft”, el cual estaba compuesto en su gran mayoría por temas instrumentales que servían como ambientación durante las escenas del film. Sin embargo, tiene tres temas vocales como son “Soulsville”, “Do You Thing” y el tema principal del Lp, “Theme From Shaft”.

“Shaft” fue grabado de forma integra en los estudios de Stax y se convirtió en el disco vendido de manera más rápida en la historia de este sello discográfico. Para esta aventura musical, Hayes canta, toca el órgano y el piano eléctrico entre otras cosas pero esta acompañado por los Bar-Kays y The Memphis Strings and Horns.
El disco abre con “Theme From Shaft” cuyo ritmo arranca con unos platillos bien ceceantes y unos rasgueos de guitarra con wah wah. El sonido fácilmente nos lleva a la urbanidad del Harlem y muestra toda la virilidad e impronta del protagonista al recorrer esas calles. Así uno a uno van pasando los temas del Lp, los cuales muchas veces nos pueden graficar desde una escena bien hot en algún dormitorio, pasando por pequeños cameos en una boite o hasta incluso ser el fondo perfecto para una persecución entre corridas, disparos y golpes de puño. Otro de los temas vocales es “Soulsville” la cual es una balada triste, bien característica del repertorio de Hayes. La voz sensual y viril de éste sirven para crear el ambiente perfecto. Por su parte, los Bar-Kays convierten “Do Your Thing” en un tema con pulso Funk de 20 minutos de duración convirtiéndose en un excelente jam. El resto del álbum bucea dentro de la música ambiental abarcando el Soul, el Funk y el R&B.

“Shaft”, visto hoy a la distancia, esta en su sonido muy anclado en los ´70, sin embargo, esta ejecutado con un gran amor por la música y los arreglos de Funk y Soul, que nos transportan raudamente a los suburbios del Harlem y hacen que estos nos parezcan familiares y cercanos incluso sin haber visitado nunca el mismo. Este disco, junto con “Superfly”de Curtis Mayfield graficaron de forma perfecta y exacta la incipiente escena de la Blaxploitation.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , miércoles, 15 de septiembre de 2010 14:56

Luis Alberto Spinetta: "Artaud"

Maldito. Bajo esta palabra se lo conoció durante mucho tiempo a “Artaud”, el segundo disco solista de Luis Alberto Spinetta, que por cuestiones contractuales tuvo que ser editado con el nombre de su banda anterior, Pescado Rabioso.

Maldito. Esa seguro fue la palabra que expresaba la disconformidad por parte de los vendedores de las tiendas de discos cuando tenían que tratar de acomodar en las bateas este Lp. Es que el flaco ideó, junto con Juan Gatti, un formato para el arte de tapa que no era el común denominador de la mayoría de los discos. El formato común era cuadrangular, sin embargo este tenía una forma de estrella con cuatro bordes en punta, los cuales impedían que no pueda ser ubicado junto con la mayoría de los discos. Fue el primer trabajo de un artista nacional que rompió los moldes convencionales en el diseño de álbumes, ganándose el odio de todos los vendedores de discos. Con el correr de los años el formato fue perdiendo el diseño original convirtiéndose y adaptándose al modelo común, por estas razones hacen que el Lp original tenga un valor muy alto en el mercado del coleccionismo de discos.

Maldito. Antonin Artaud fue un poeta, dramaturgo y novelista entre otras cosas, y se lo considera como un escritor oscuro y se lo encasilla de forma habitual dentro de los “poetas malditos”, ya que su prosa es violenta, cruda, real y cruel, quizás llevado al extremo por los años de reclusión que vivió, los cuales acrecentaron su odio y aumentaron su desvío psíquico. Quizás alguna parte de esta vida curtida por la soledad y la locura fue lo que llamó la atención de Spinetta para que éste llamara con el apellido del artista a su disco. Sin embargo, no sería descabellado pensar que también lo llevo a poner ese nombre para dar a conocer este autor a toda una generación interesada por la contracultura ávida en la lectura Beatnik.

Maldito. Quizás sea la expresión de muchos de nosotros cuando escuchamos las letras de Spinetta y tenemos una mezcla de sensaciones entre una envidia sana y admiración por una prosa abstracta pero tan sentimental. Muchas veces el flaco deja en evidencia lo que quiere expresar, mientras que en otras lo encripta de tal forma -casi como un juego para él- que no podemos comprender con exactitud lo que nos quiere decir. En este disco él se encuentra en un momento muy álgido y puro de su carrera, en el cual deja en evidencia que existe en él una búsqueda interior cuya sensibilidad se muestra a flor de piel. “Artaud”, tiene una serie de canciones con un tono de profunda indignación existencial, en el cual ya se puede apreciar su madurez compositiva como personal.

El Lp abre con la frágil, sentimental y confesional “Todas Las Hojas Son del Viento”, canción dedicada a la madre de sus hijos, que para ese entonces estaba embarazada. La letra del tema es muy explícita dentro del repertorio que nos tiene acostumbrados el flaco, regalándonos una viñeta de la vida al comparar las hojas con las personas y las libertades de los individuos como así también la pureza de la vida y los peligros de la misma.


“Cuida bien al niño / Cuida bien su mente / Dale el sol de Enero / Dale un vientre blanco / Dale tibia leche de tu cuerpo // Todas las hojas son del viento / ya que él las mueve hasta en la muerte / Todas las hojas son del viento / menos la luz del sol // Hoy que un hijo hiciste / Cambia ya tu mente / Cuídalo de drogas / nunca lo reprimas / Dale el áurea misma de tu sexo/”.


El disco prosigue con “Cementerio Club”, un tema que en su melodía comienza con ciertos aires jazzeros, que luego serían analizados en profundidad por Spinetta en trabajos posteriores solistas como así también con Jade. Esta canción junto con “Bajan” tiene el aporte de su hermano, Gustavo Spinetta en batería y la participación de Emilio Del Guercio en bajo. El tema va in crescendo y ese dejo jazzero se va corriendo para mostrarse como un sentido blues, con unos punteos precisos que salen de la guitarra del flaco. La letra transita la separación de una pareja con su respectivo duelo pero también mostrando todo el orgullo por no mostrar su dolor y dejándole en claro que sin la frialdad de ella la puede pasar mejor.


“Oye dime nena / ¿adónde ves ahora algo en mí que no detestes? / Que solo y triste voy a estar / en este cementerio / que calor hará sin vos, en verano…/”


El siguiente tema, “Por”, es casi un anagrama musical, Spinetta forma una canción con sólo palabras sueltas, sin ninguna unión de verbos o conjunciones gramaticales pero cada una termina siendo la continuación de la anterior encadenadas una con otra.
“Superchería” es una canción que ya desde su sonido fácilmente podría haber estado dentro del repertorio de Pescado Rabioso. Esas transiciones de ritmos “pesados”, como se conocía a la música en esa época cuando se interpretaba un Hard Rock, hacia pulsos más tranquilos e introspectivos son sonidos característicos de la banda anterior que tuvo Spinetta, dejándonos en claro que algunos temas que no pudieron entrar en la placa anterior aquí si lo hicieron. Este tema junto con el que cierra el disco, cuenta con Emilio del Guercio en bajo y Rodolfo García en batería que junto con el flaco forman la ¾ parte de Almendra, casi completa en su totalidad si no fuera por la ausencia de Edelmiro Molinari.
“La Sed Verdadera” es un tema acústico con sólo la guitarra de Spinetta como instrumento musical en el cual ya se puede apreciar como serán las futuras letras y composiciones del flaco.


“Sé muy bien que has oído hablar de mí / y hoy nos vemos aquí / pero la paz / en mí nunca la encontrarás / si no es en vos / en mí nunca la encontrarás…/”.


Llegando al final del tema se empiezan a escuchar murmullos, sonidos de platos, tazas, dándonos a entender que nos transportamos hacia un bar, hasta que de pronto irrumpe un estruendo y sonidos de viento para dejarnos en la puerta de la canción quizás mas recordada del disco, “Cantata de Puentes Amarillos”.
Juan Carlos Diez, autor del libro “Martropía”, la define como “una canción hecha de pequeñas canciones”. El tema visto hoy a la distancia puede ser definido como una mini-ópera de nueve minutos, en el cual se conjugan diferentes ritmos, desde el pastoral y confesional comienzo hasta el roce con el rock sinfónico del final. En esta canción se puede ver, ya desde el título, lo que estaba leyendo Spinetta por esos momentos, como por ejemplo “Las Cartas a Theo” del pintor Vincent Van Gogh.

Luego de la aventura musical que fue “Cantata de Puentes Amarillos”, Spinetta nos regala un rock puro e inmediato con “Bajan”, canción que luego seria versionada por Gustavo Cerati en “Amor Amarillo” uniendo con esto dos generaciones, la de los ´70 con la de los ´90. “Bajan”, en su composición se aprecia como un rock directo en su formación instrumental pero la lírica de Spinetta le da un vuelo onírico y de fantasía al tema.


“…/ Viejo roble / del camino / Tus hojas siempre se agitan algo / Nena nena / que bien te ves / cuando en tus ojos no importa si las horas / bajan, el día se sienta a morir / bajan la noche / se nubla sin fin / y además vos sos el sol / despacio también podés ser la luna.”


“A Starosta, el idiota”, es un tema que apoyado sobre una melodía de piano, Spinetta deja fluir una vez más su poesía hasta que es interrumpida por unos llantos y de fondo, pero muy de fondo se puede apreciar el “She Loves You” de The Beatles. Esta experimentación de mezclar sonidos, cortarlos o pasarlos al revés entre otras cosas, ya se venía haciendo en el mercado anglosajón pero en Argentina estaba dando sus primeros pasos.
El Lp cierra con “Las Habladurías del Mundo”, otro tema que lleva la ejecución de los ex Almendra y en cual se le puede apreciar un dejo de rock latino muy a lo Santana, grupo que abrió las puertas del mercado latino en EE.UU. tanto por las maracas como por los punteos de la guitarra de Spinetta. Esta canción tiene un swing hermoso en su composición muy diferente a todo lo que venía haciendo el flaco, incluso también con lo que realizaría en el futuro coqueteando con esos ritmos latinos, sin embargo la lírica del tema es 100% Spinetta.


“…/ Veo las palabras nunca son / lo mejor para estar desnudos / ni la anaconda es como el buey / ya no hay más, reyes de la selva / Toda la ternura me darás, si te ofrezco ser / parte de tu cuerpo / No estoy atado a ningún sueño ya / las habladurías del mundo / no pueden atraparnos…/”


Maldito, maldito Spinetta. No, ¿a quien queremos engañar? Cambiemos esa connotación tan negativa por un gracias, gracias Spinetta por ese diamante en forma de disco que se encuentra dentro de los más grandes del rock nacional, cuya fecha de elaboración es de 1973, pero el cual no tiene fecha de vencimiento.

Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , viernes, 10 de septiembre de 2010 14:21

5 Discos de Garage Rock que no hay que dejar de tener

El Garage Rock es un estilo que nació a principios de los ´60, pero que tuvo su momento álgido a mediados de esa década. Se le llama así porque nació del amateurismo de algunos grupos de EE.UU. que ensayaban en los garages de sus casas y que fascinados con la invasión británica que tuvo a The Beatles y The Rolling Stones como máximos exponentes trataban de emularlos. Sin embargo estos grupos, tomaron como referentes además de los Stones a bandas como The Animals, The Yardbirds y The Who entre otros, por su sonido más crudo, radical y potente. Un dato saliente y que los diferencia de sus contemporáneos ingleses es que la precariedad en cuanto a amplificadores hizo que muchos grupos tocaran sus guitarras en notas octavas y quintas. De todas formas hay que dejar en claro que los grupos de este estilo no eran una mera copia de menor relevancia de sus ídolos, sino que por lo contrario pudieron crear un sonido y una estética propia. Sin ir más lejos, las guitarras modelo Phantom o Teardrop junto con el teclado Farfisa, típicos instrumentos de estos grupos, son utilizados hoy por las bandas de Garage Revival como objeto de culto y fascinación por esa escena de los ´60.


The Sonics - "Here Are The Sonics" 1965

The Sonics son los héroes del Garage Rock si es que esta palabra se puede aplicar a este estilo tan vilipendiado. Los Sonics surgieron durante el furor que se despertó en la juventud de EE.UU. a mediados de los ´60 por los grupos de la llamada invasión británica a los cuales se quería imitar, tanto en estética como en sonido. Se considera a The Sonics como los pioneros del punk por su forma de tocar, la cual era muy cruda, brutal y radical. Mucho mas visceral que la de cualquier otro grupo contemporáneo y mucho mas que la de los grupos ingleses. Las letras de The Sonics, al igual que la de otros grupos de garage, hablaban sobre la cultura adolescente de esos años, pero también tocaban temáticas más oscuras, bizarras y de terror, como “The Witch (La Bruja)” o “Psycho (Psicópata)”, que luego serían revalorizados y utilizados como estética y de forma conceptual por los grupos de Garage Revival, Psychobilly, etc. Sin embargo, el sonido de ellos era un rock primal, con una formación básica de guitarra-bajo-batería a la que hay que agregarle un saxo y gritos salvajes. Hasta la salida del primer Lp “Here Are The Sonics” de 1965, ningún grupo había sonado tan crudo y potente. Utilizaban el efecto de fuzz en la guitarra como arma letal en sus canciones junto con una batería muy estridente, un saxo muy al frente y los gritos de Gerry Roslie que le aportaban urgencia y velocidad a la ejecución de los temas. El disco arranca con “The Witch”, un tema %100 garage, con unos riffs de guitarras muy ásperos y en la que la desgarrada voz de Roslie le canta con resentimiento a una chica que la ve inalcanzable. El otro simple que se desprende del álbum es “Psycho”, un tema similar en cuanto a energía e instrumentación pero que hoy a la distancia es un inoxidable para cualquier grupo de este estilo. Además de estas canciones el disco contiene temas firmados por el grupo como “Boss Hoss” o “Strychnine” y otros standards de r&b y rock and roll ejecutados velozmente y de forma radical, como por ejemplo “Do You Love Me”, “Roll Over Beethoven”, “Money” o “Walking The Dog”.


The Music Machine - "Turn On" 1966

Los Music Machine se presentaban vestidos de negro, con un casi “reglamentario” mismo peinado para todos los integrantes -el conocido corte taza, estética típica de grupos de garage-, y además con la particularidad de cada miembro del grupo llevaba un guante negro en la mano derecha. ¿Conceptuales?, No, simplemente supieron formar y definir una estética propia para diferenciarse de los demás grupos de garage que abundaban, esa era la carta de presentación de los Music Machine a mediados de los ´60. Esta idea fue llevada a cabo por su líder, Thomas Bonniwell, el cual además llevaba colgado un collar dando una imagen de ocultismo, y decidió también plasmar su aire de misterio y oscuridad que quería transmitir con el grupo al pintar los amplificadores y la batería de negro. Sin embargo, los Music Machine no sólo llamaron la atención por su estética, ya que sería injusto sólo mencionarlos por esto, sino también por su música. El disco “Turn On” de 1966, que tiene una magistral portada que muestra el típico guante de la banda encendiendo un interruptor análogo trae el tema “Talk Talk”, canción que escalo posiciones en el ranking y los hizo codearse con los máximos grupos de aquel entonces. El tema gracias a la voz desafiante de Bonniwell marca la impronta del grupo con su sonido machacante en los riffs de guitarra y los gritos de éste. Siempre suele clasificarse esta canción como uno de los grandes temas de garage de los ´60. El Lp, intercala temas de la autoria de Bonniwell con algunos standards de garage y r&b. Sin embargo, y muy a diferencia de otros grupos contemporáneos, los temas propios son muy buenos y tienen consistencia dándonos pena que la totalidad de los temas del disco no sea de la firma del grupo. Así pasan temas como “Trouble”, con un chillón teclado farfisa, típico de los grupos de garage, la inmediatez de “Wrong” y “Masculine Intuition” y algunas pistas introspectivas y sentimentales como “Some Other Drum” o “Come On In”, que los muestra en una faceta más vocal y en la cual se le puede apreciar a Bonniwell como un buen arreglador de temas. Los otros temas que completan el álbum son “Taxman”, de The Beatles, tocado en un pulso más rápido, el r&b de “See See Rider” muy similar a The Animals, “Cherry Cherry”, de Neil Diamond en la cual dejan la imagen de chicos malos para enfundarse trajes de colores y nos regalan un tema allá The Association y “96 Tears”, otro básico de cualquier grupo de garage cuya firma es de… ¡otro grupo de garage! como eran los Question Mark and The Mysterians. El único traje que les queda grande, ¿y a quien no?, es cuando hacen la interpretación de “Hey Joe” de Jimi Hendrix, en este caso se salvan del fracaso porque lo tocan bajo un ritmo misterioso e introspectivo.


The Blues Magoos - "Psychedelic Lollipop" 1966

Los Blues Magoos se formaron en 1964 en la zona del Bronx de New York y se los considera como uno de los grupos fundamentales del Garage Rock. Sin embargo, los Blues Magoos hacían un garage con una vertiente algo psicodélica. Ya desde el título de su primer Lp de 1966 “Psychedelic Lollipop”, nos dice de que va ese trabajo. La portada los muestra encumbrados en una densa y espesa nube de vaya uno a saber que lugar luego de consumir esa paleta psicodélica. El disco abre con “We Ain´t Got Nothin´ Yet”, un tema clásico dentro de la discografía de ellos y que se supo ubicar en el puesto N° 5 de las listas americanas codeándose con grupos de mayor renombre. Otro de los temas de la autoria del grupo es “One By One”, canción apoyada en una magistral melodía pop con lindos arreglos de voces. El tercer y último tema de su propia firma es la balada “Love Seems Doomed”, cuyas iniciales formaban la palabra LSD en una supuesta clara alusión a la droga. Los Blues Magoos tuvieron que dar explicaciones del título aunque en menor medida, por obvias razones, al igual que los Beatles con su “Lucy in The Sky With Diamonds”. En todos los discos de esta época entre los temas propios de la banda se mezclaban algunos estándares y los Blues Magoos con este Lp no fueron la excepción. “Tobacco Road”, hasta ese momento un tema insignia como podía ser “Gloria”, “Louie Louie” o “96 Tears” dentro del repertorio de los grupos de garage, fue grabado para su primer larga duración. Sin embargo, el tema a diferencia de otras interpretaciones tiene una jam instrumental en el medio de la canción y un explosivo final. Otra balada aparece en el Lp como es “Queen Of My Nights” que en su comienzo es muy similar al “Love is All Around” que luego harían The Troggs. También se encuentra “Ill Go Crazy” de James Brown en ritmo de garage que es una muestra de cortesía a los grupos Mods de Inglaterra que amaban al sonido de la Motown. Antes de que llegue el final del Lp nos topamos con dos temas importantes como es “Sometimes I Think About”, un blues crudo, carnal y desgarrador para la joven voz de Emil Thielhelm que contaba con tan solo 16 años en el momento de la grabación, y la canción “Gotta Get Away” que tiene unos coros casi primitivos y toscos que le sientan perfecto al estilo garage.


Count Five - "Psychotic Reaction" 1966

Los Count Five eran oriundos de la ciudad californiana de San José y luego de grabar lo que sería su primer sencillo entraron al estudio para sacar su Lp. Este suceso tan rápido y repentino se debe a que el primer simple fue “Psychotic Reaction” el tema más conocido de ellos que los posicionó en los primeros puestos de las listas. Este título al igual que “Psycho” de The Sonics hacía clara alusión a esa enfermedad mental, sin embargo lo que quisieron representar estos grupos con esto es una devoción por el cine de terror y lo bizarro entre otras cosas, creando una escena y un lenguaje propio. Sin ir mas lejos, los Count Five en muchas actuaciones en vivo se presentaban con capas que mostraban su impronta y porte elegante como si fueran unos jóvenes “Dráculas”. El disco “Psychotic Reaction” de 1966 esta repleto del más crudo r&b y rock and roll, pasando así temas tocados con fervor y pasión. Párrafo aparte merece la armónica de Ken Ellner que le da otro aire a los temas como "Double Decker Bus" o el tema homónimo al disco. Sólo dos temas no son de la propia autoria del grupo, “My Generation” de The Who del cual no salen muy bien parados y quizás sea su punto más flojo pero es que no cualquiera puede estar a la altura de Townshend, Moon y Entwistle. El segundo cover también es de The Who -sí, parece que estaban encaprichados estos chicos- el cual termina siendo una versión discreta a mediocre. Sacando estos dos traspiés, el álbum es de lo mejor del Garage Rock, esto es avalado por las canciones que llevan la firma del grupo. Los temas como “They´re Gonna Get You” o “She´s Fine” que tienen un ritmo divertido, transitan la temática adolescente, mientras que otros como de “The Morning After” o “The World”, hablan sobre las vicisitudes cotidianas de los jóvenes por esos años. A diferencia de los demás grupos de garage, los Count Five en su sonido eran más “limpios” y no tan crudos o salvajes, inclinándose a melodías un poco más amables al oído y porque no también rozando un costado un poco más pop pero sin dejar de lado su gusto por el r&b.


Chocolate Watchband - "No Way Out" 1967

Todos los grupos de Garage Rock tenían como espejo a las bandas del Reino Unido, sin embargo algunos miraban con más contemplación a éstos y uno de esos grupos pueden ser los Chocolate Watchband. Tanto en su faceta más garagera como en la psicodélica, su sonido era similar a los grupos ingleses como los Stones o los Yardbirds entre otros. El primer disco de ellos, “No Way Out” editado en 1967, tiene como base un r&b primal pero también se desprenden temas con una veta más psicodélica, acorde a lo que ya se empezaba a componer por esa época. Por estas razones sería injusto encasillar a los Chocolate Watchband como sólo una banda de Garage. La estética del grupo, quizás catapultada por ser de San Francisco, conservaba una vestimenta más psicodélica acorde a los grupos de esa zona. El disco comienza con “Let´s Talk About Girls”, un tema que luego sería también interpretado por la banda punk irlandesa The Undertones en una muestra más de que el Garage Rock es el padrino del Punk. El Lp transita, como la mayoría de estos grupos, standards de r&b y rock and roll, como “In The Midnight Hour” de Pickett, “Come On”, que fácilmente puede ser confundido como un tema de los Stones por lo parecida que es la voz del líder David Aguilar a la de Jagger. Así van pasando temas de gran interpretación garagera y vocal como “Are You Gonna Be There”, “Hot Dusty Road” y “Gone and Passes By”, de la autoría de ellos en la que se puede apreciar un sitar mostrándonos su cara más psicodélica y trip. También tiene lugar tres temas instrumentales de corte también psicodélico como “Dark Side of The Mushroom” con tintes de misterio y muchos hongos alucinógenos tal cual lo indica su nombre, “No Way Out” en el que utilizan el efecto de pasar la cinta al revés cuando llega el final del tema, y “Expo 2000”, una canción como su nombre lo indicaba, con aires de futurismo, una temática que a mediados de los ´60 era muy recurrente en muchos grupos.

Desempolvando los Archivos

Publicado por Mocker , sábado, 4 de septiembre de 2010 14:03

Tu nombre me sabe a.... ¿otro grupo?

Empecemos a derribar mitos, Nirvana no fue el ícono del grunge, ellos hacían Pop Psicodélico. Los Wailers, en cambio hacían Rock de Garage y no fueron el grupo punta de lanza del Reggae. Los Charlatans, por su parte, no eran esa banda que supo iniciarse en los albores de la movida Madchester y luego colarse en el envión del Brit Pop, sino que eran en realidad de San Francisco, y hacían Folk Rock. Los americanos de The Knack no hacían Power Pop, ni tenían un caballito de batalla llamado “My Sharona”, en realidad eran mods de Inglaterra, o de….. ¿Argentina?. Para el que piensa que este escriba se ha vuelto loco y no esta en sus cabales al poner en tela de juicio semejantes verdades deseo alegar que lo que se expreso anteriormente también es real. Siendo más directos, Nirvana tuvo a Kurt Cobain como el mesías de los ´90 en América, pero sin embargo también existió un grupo en Inglaterra a mediados de los ´60 que no tuvo nada que ver con el primer mencionado y que se ubica siempre a las sombras de éste. Es rescatado como un grupo de culto, sólo conocido por los aficionados al coleccionismo y a la melomanía. Vamos a describir y descubrir, porque no también, grupos con los mismos nombres que conviven dentro del universo del rock, con la única salvedad que uno de ellos se llevo todos los laureles de la fama, mientras que al otro sólo le toco la porción mas pequeña de la torta.


Nirvana UK

Esta agrupación nació durante el convulsionado Swinging London, el cual era la meca de todo el arte, desde el cinematográfico hasta el musical. Por esa época la psicodelia y los trips con LSD estaban a la orden del día para los músicos contemporáneos. Así, bajo este coctel de sustancias y colores nació el grupo Nirvana, que tenía a dos de sus integrantes, el griego Alex Spyropoulos y el irlandés Patrick Campbell-Lyons, como los máximos baluartes en la composición. Ellos pudieron grabar varios discos desde el ´67 al ´73, pero los más reconocidos, si es que esta palabra aplica para ellos, fueron los dos primeros, “The Story of Simon Simopath” de 1967 y “All of Us” de 1968. Al primer mencionado se lo considera como uno de los primeros discos de rock conceptual que se estaba gestando por esos años ya que el “Tommy” de The Who y el “S.F. Sorrow” de The Pretty Things” vendrían años más tarde. El concepto y la historia de ese primer Lp gira en torno a Simon Simopath, un niño que quería volar y al que le terminan creciendo alas que le sirven para recorrer el vasto Universo. ¿Una historia bastante trillada y fantasiosa no? ¡Pero vamos, estamos hablando de los ´60, no nos olvidemos del alto consumo en estupefacientes que había en esa época! El sonido de Nirvana UK, así se lo conoce hoy en día ya que su homónimo americano no necesita ser ubicado geográficamente, era de un Pop Psicodélico con ribetes barrocos, sostenido todo esto por magistrales arreglos de orquesta -violines, clavicordios, chelos y harpas entre otros- dándole un tinte naif o de fábula a las canciones. Por esos años los grupos ingleses hacían mucho hincapié al arreglo vocal y todos esas bandas querían grabar su “Pet Sounds” o “Sgt. Peppers” y los Nirvana UK no fueron la excepción.


The Wailers

Estos Wailers no contaron con la máxima figura de rock salida de un país del tercer mundo, no provenían de una isla de centro América, estaban muy lejos de sonar reggae y mucho más de ser devotos de la cultura rastafari. Estos Wailers provenían de Tacoma, EE.UU. hacían garage rock y su cultura era… bueno su cultura era la de cualquier chico que sólo quería divertirse con un instrumento musical. Estos Wailers, estaban muy lejos de sospechar que casi de forma contemporánea existía un grupo de nombre similar en Jamaica haciendo rocksteady.
El grupo americano es, sin proponérselo, considerado como una de las primeras agrupaciones en ejecutar rock de garage, estilo que era interpretado por grupos aficionados, casi amateurs pero que emulaban a los grupos ingleses de mediados de los ´60. La diferencia en su sonido era que sonaban de forma más cruda, chillona y con mucho efecto de fuzz en la guitarra a diferencia de los grupos británicos. Sin embargo, sería injusto mencionar a The Wailers como un grupo sólo de rock de garage, ya que su primer disco, de finales de los ´50 “The Fabulous Wailers” es casi en su totalidad un álbum de rock instrumental. Esto, que hoy puede ser considerado como un suicidio comercial a principios de los ´60 estaba en pleno auge, solo cabe mencionar a grupos como The Shadows o The Tornados como los referentes de este estilo instrumental. Sin embargo, quizás el mejor disco de ellos sea “In The Castle”, grabado en vivo en un ¡castillo!. Más allá que históricamente fueran uno de los pioneros del rock de garage, muy lejos están de ser dignos competidores de The Sonics, Blues Magoos o The Seeds entre otros. El advenimiento de nuevas corrientes musicales, nuevas bandas, y también mejores técnicas musicales atentaron contra el grupo que se termino disolviendo a mediados de los ´60.


The Charlatans

Muy lejos de la fría y gris Manchester y muchos años antes de que Tim Burgess sea la voz principal de The Charlatans UK, existía en San Francisco un grupo bajo el mismo nombre que los ingleses. A mediados de la década de los ´60 existió un grupo de Folk Rock, que se encontraba en el lugar y tiempo exacto, San Francisco. Por esos años si tenías un grupo y querías ser reconocido por toda la comunidad hippie tenías que estar ahí y los Charlatans, como tantos otros, no fueron la excepción. Sin embargo, estar en el espacio-tiempo correcto no garantiza que todo sea fácil y de buen gusto. Muchos grupos son hoy recordados dentro la psicodelia americana/folk rock como Jefferson Airplane, Grateful Dead, etc, sin embargo muy pocos se detienen en la estación de The Charlatans. Estos hacían un Folk Rock similar a lo que venían realizando grupos contemporáneos sin salirse demasiado del libreto jugando en contra suyo ya que uno de los tips que caracterizaba a la psicodélica americana eran las largas jams en busca de nuevos sonidos, experimentaciones y sensaciones. Por otra parte, quizás también atento la escasa duración del grupo, en la cual solo pudieron grabar un modesto Lp llamado igual que la banda.


The Knack

Antes de que exista un grupo de Power Pop de finales de los ´70 que escalo posiciones en el ranking gracias a su hit “My Sharona”, y mucho antes de que la película “Reality Bites” con el protagónico de Winona Ryder hiciera mundialmente famosa esa misma canción, existió en grupo en Inglaterra a mediados de los ´60 que también se llamó The Knack. Este último mencionado no tuvo una larga vida, solo duró alrededor de 3 años en los cuales sólo pudieron grabar un par de simples y no mucho más, relegándolos a ese gran tándem de grupos que por esos años no “convencieron” quedándose sin grabar un Lp. ¿Qué estilo tenia el grupo? Bien, se podría enmarcar en mod/r&b/freakbeat, pero si buscamos nombres de grupos contemporáneos para que sea más fácil la interpretación, ellos miraban con buenos ojos a The Kinks -de hecho grabaron un cover de ellos-, The Who y cualquier otra agrupación similar a estos. Sin embargo, no sólo se quedaban con la música que venía del Reino Unido, sino que también paraban sus orejas hacia EE.UU. y de allí hacen un cover de los Lovin Spoonful de “Did You Ever Have to Make Up Your Mind”, un tema que calza perfecto en la estética de estos muchachos ingleses. Actualmente se editó en formato de CD un recopilatorio que trae todos los simples editados por ellos. Para finalizar, el líder del grupo, Paul Gurvitz's, luego formaría el grupo Gun, con el cual obtuvo un poco mas de repercusión.


The Knacks

Al comienzo de la nota, cuando hablábamos sobre The Knack, también expresamos, en tono de interrogación, si no eran argentinos. Bien, en realidad y como ya se aclaró, existieron los Knack de EE.UU, que son los mas famosos dentro de estos homónimos, mientras que antes estuvieron los ingleses en los ´60. Sin embargo, también por esa década y casi de forma contemporánea a estos, en Argentina hubo un grupo llamado The Knacks. Haciendo la salvedad que el nombre de estos es en plural, esta nota sirve como rescate para mencionar también a un grupo que injustamente la historia de nuestro rock no le dio el lugar que se mereció. The Knacks hacían freakbeat cantando en ingles e interpretando sus propios temas. Recordemos que antes de la salida de Los Gatos, hubo muchos grupos, algunos rescatables otros no tanto, que grabaron discos bajo el rotulo de Beat y que cantaban en ingles, ya que por esos años se debía emular lo máximo posible a la música anglosajona. The Knacks solo grabo un par de simples, pero que hoy se encuentran reunidos en un compilado en formato de CD que trae además de covers algunos temas cantados en castellano como “Sí, Quiero Vivir (Tema de Cronopios)”, un lindo tema garagero que es entre los coleccionistas uno de los mas recordados de la agrupación. ¿A que sonaban The Knacks? Se puede decir que su sonido debía mucho a los primeros Stones, Them o The Animals pero en una veta mas cruda y garage.

Estos, son sólo algunos de los tantos grupos que comparten el nombre con otros, algunos son mundialmente famosos, otros tienen un cierto reconocimiento y a otros también los hermana la escasa difusión y/o reconocimiento como…. no, mejor me lo guardo para otra entrada.