Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , miércoles, 1 de enero de 2014 18:47

Los Discos Más Interesantes del 2013. Ultima Parte.



Devendra Banhart: “Mala”
Hace ya varios años que Banhart dejó de ser el Hippie sución psicodélico para ser el Hippie freak prolijo y esto queda en claro en “Mala” su octavo y último Lp. Este trabajo que será de las delicias de cualquier Hipster Palermitano recorre sonidos Low-Fi y Folk por partes iguales. Con detalles suaves y seductores como así también pintorescos como en el Bolero “Mi Negrita”, donde Banhart canta en un mal español forzado -recordemos su raíz Venezolana- aunque termina siendo atractivo. De todas maneras, no sólo lo acústico e introspectivo tiene lugar en el disco, sino que también posee partes electrónicas. “Mala” puede ser un buen comienzo para la aceptación masiva de Banhart y no sólo ser escuchado por una minoría ya que quizás sea el disco más accesible para la escucha dentro de su discografía donde lo freak se junta con lo cool y no muere en el intento, o peor aún, en el ridículo. Co-producido junto a Noah Georgeson y con el cada vez más ascendente Rodrigo Amarante en guitarra y hasta con la ayuda en algunos temas de su novia artista y fotógrafa Ana Kras confeccionan 14 canciones que en su mayoría son buenas -“Daniel”, “Fur Hildegard Von Bingen”, “Your Fine Petting Duck” o “Won´t You Come Over”-  y que se gestaron en Los Angeles con una pequeña grabadora. De todas maneras, esto último no indica que el disco suene crudo o minimalista, todo lo contrario esta bien producido y arreglado.

“Mi Negrita”



James Blake: “Overgrown”
Más allá de que su álbum debut haya sido nominado en el 2011 a los Mercury Prize, el mismo era inaudible, inentendible, infumable y varios in mas. Sin embargo, cuando ya empezábamos a tomarle el gustito a darle con un caño a esa pomposidad en la voz de Blake -que de hecho se la afano a Antony and The Johnsons-, este londinense se despacha con un segundo Lp bien respetable dejando de lado esa experimentación del álbum debut. Bajo un ambiente nocturno, solitario y melancólico es donde se para el sonido de este Nuevo Neo Soul -valga la redundancia- ya que estos últimos años, caso Weeknd, o con el mencionado Antony and The Johnsons -aunque haya mil diferencias entre estos- empieza a aparecer un nuevo estilo que mezcla el Soul, el R&B,y el DubStep. Las canciones son tortuosas letras de amor y relaciones de pareja, siendo tan crípticas como siempre, acompañadas de una melodía por momentos asfixiante debido a esos sintetizadores tenebrosos que utiliza, creando un ambiente propicio de soledad. Si superás la voz de Blake luego del primer tema, se puede disfrutar de un disco muy interesante de un estilo musical que aún gatea. Eso sí, no es un disco para cualquier momento del día.    

“Overgrown”



Daughter: “If You Leave”
Vamos con los tapones de punta… Si te gusta el Dream Pop de bandas como XX, los Daughter son la…. hija de estos -cuak-, ya que tienen como voz principal a una mujer -Elena Tonra- y la secundan dos hombres en guitarra y batería al igual que sucede con los XX. Como si fuera poco, su álbum debut “If You Leave” llega bajo la tutela del excelente sello 4AD. El espíritu del Lp es fiel a los mandatos del sello, sentimental, lúgubre, melancólico y dulcemente tortuoso. Los estilos musicales son el Dream Pop y por momentos un sutil Shoegaze, con un minimalismo musical -sostenido por todos lados por la voz de Tonra- que nos hace recordar en todo momento a sus padres XX. Si dejamos de lado las comparaciones -obvias- disfrutaremos de un tercer disco de XX -ehh perdon- de un primer álbum de Daughter, que sirve para encolumnarse como una de las nuevas bandas de este nuevo despertar del Dream Pop -¿cuak de nuevo?-, acompañando a XX, Beach House, y a los también nuevos London Grammar entre otros.  

“Still”



Paul McCartney: “New”
¿Sir Paul McCartney tendrá en el jardín del fondo de su mansión la fuente de la eterna juventud? En el caso de que esto no sea así algún tufillo hay detrás, -¿o estará muerto en serio y este será el doble?- porque más de un purrete quisiera tener la mitad de la energía de él. No se detiene en su composición y como si fuera poco y hasta fácil también, suena tan moderno que sorprende. La tapa del Lp con esas luces de Led que forman la palabra New nos dicen que Macca tiene un departamento creativo genial pero el sonido de su último álbum suena bien fresco también. Rodeado de cuatro productores para la realización de cada tema del álbum -el punto alto y flojo del disco- ya que se puede ver las diferencias musicales entre Mark Ronson -el productor de moda- por sobre el resto -Paul Epworth (Adele), Giles Martin (hijo de George) y Ethan Jones-, pero a la vez atenta contra el hilo conductor del Lp como pieza entera. No faltará algún escéptico que diga que Macca no se puede terminar de despegar de su sonido Betleano en ciertos temas, cosa que es cierta pero el álbum y McCartney principalmente, a sus ¡71 años!, goza de buena salud.

“New”



Parquet Courts: “Light Up Gold”
Si vemos la tapa del álbum debut de los Parquet Courts diremos vamos a escuchar Country o Swamp Rock, grueso error, nada los emparenta con esto sólo el lugar de origen de ellos, Texas. Radicados ahora en Brooklyn -su Lp si suena a este condado de New York-, este cuarteto suena tan viejamente nuevo que resulta atractivo tanto para los old school como para la nueva generación. A ver, las quince canciones del Lp son directas -sólo dura 30 minutos-, un espíritu Ramone por acá, pero su sonido no se parece a ellos sino a The Fall, Wire, Television, Husker Du y varios más -todos con un amor incondicional por el Indie en el más puro sentido de la palabra- para regocijo de la vieja escuela. Cuando salieron los Strokes -también de New York- pasó lo mismo, las odiosas comparaciones, y que su música atrasaba eran algunos de los maliciosos comentarios, y tan mal no les fue. Con los Parquet Courts -¿sucederá lo mismo?-, hasta el momento tienen el mimo por parte de la prensa musical especializada. 

“Master of My Craft”

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , domingo, 29 de diciembre de 2013 13:31

Los Discos Más Interesantes del 2013. Parte 4


Arcade Fire: “Reflektor”
Estamos en el 2013, urgencias y consumismo por doquier, lo que hoy disfrutamos a las horas ya lo estamos dejando de lado y lo tiramos como si fuera un chicle al piso en busca de un nuevo divertimento. Por estos motivos resulta paradójico que uno de los mejores Lp del año sea un álbum doble -el cual lleva más tiempo de escucha- como es “Reflektor”, uno de los discos más esperados y promocionados antes de su lanzamiento de varias formas, todas megalómanas. Para muestra basta un botón y tal cual como sucede con el mito de que si dejamos correr el disco de “The Dark Side of The Moon” con el film de “El Mago de Oz” todas las secuencias musicales coinciden, en “Reflektor” al parecer sucede lo mismo con el film “Orfeo Negro” de Marcel Camus. Ojo, esto último hecho a propósito por parte de la banda. Sin embargo, no nos quedemos sólo con ese dato de color, el álbum es un coctel de sonidos que van desde lo Tribal, pasando por la música Disco, la experimentación, el Funk, la Neo Psicodelia, etc. Sin dudas, es un disco para escuchar atento y cuanto más veces se lo haga mejor ya que se descubrirán nuevos matices. 

“Afterlife”



Arctic Monkeys: “AM”
Llegamos al quinto álbum de los AM en menos de una década y la primera palabra que se nos viene a la mente luego de su escucha es, Madurez. Esa palabra resume el crecimiento de ellos como banda pero principalmente el de Alex Turner -¿el nuevo genio musical de esta década?-, ya que como si fuera un alquimista todo lo que toca lo convierte en oro. El sonido de “AM” -nombre homenaje al disco recopilatorio de la Velvet Underground llamado “VU”-, continúa tras los pasos de su Lp anterior donde su sonido transita pasajes Stoner sin llegar a serlo -gracias a la colaboración de Josh Homme-, pero las letras se volvieron más tortuosas -¿experiencias de vida?-, más Souleras en su sentido más profundo de exponer el alma a flor de piel. No hay madurez mental si lo estético no acompaña y esto también se ve en la impronta de Turner -cada vez más parecida a Richard Hawley- donde dejó atrás su imagen de Neo Mod para ser un Neo Teddy Boy. 

“Do I Wanna Know?”



David Bowie: “The Next Day”
Tras diez años de silencio el regreso del Duque Blanco no podría haber sido de una forma más sobresaliente que la que tuvo. A días de su lanzamiento se convirtió en uno de los discos más vendidos del año. “The Next Day” comenzó a ser promocionado con el tema “Where Are We Now?”, una canción que recordaba de forma directa al Bowie de finales de los ´70, de canciones cerradas, algo oscuras pero porque no épicas a la vez. Luego vino “The Stars”, un tema y un videoclip auto referencial en el cual se ve a un actor que interpreta a un Bowie en su etapa más andrógina. Estas pistas despertaron un gran entusiasmo porque Bowie parecía estar de vuelta en su mejor forma, y si aún se necesitaban más pistas, la portada del Lp era una simple intervención de la fotografía de su álbum “Heroes” del ´77 con la salvedad que esa imagen fue tapada por un cuadrado blanco con el nombre del disco. “The Next Day” en primera instancia es lo mejor de su carrera de los últimos 20 años y es sin duda un disco auto referencial que corre con la pesada mochila de que fue hecho por Bowie y el ojo crítico es aún más grande debido a toda su historia detrás. Sin embargo, lo más destacable y más que nada por todos los años de carrera de él es que este Lp suena totalmente actual, y sólo unos pocos -como Paul McCartney con “New”- pueden lograr eso saliendo airosos y no quedar en ridículo. Un buen disco para la generación más joven que quizás nunca lo escucho y el cual puede servir como entrada al recorrido de su larga discografía.

“Valentine's Day”



Foxygen: “We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace And Magic”
Bajo una influencia bien marcada al Pop Psicodélico de los ´60 pero con una impronta bien del nuevo milenio se encuentra el sonido del álbum de este dúo californiano conformado por Sam France y Jonathan Rado. Los cuales ya desde la portada, -un guiñazo al primer Lp de los 13th. Floor Elevators- nos dejan en claro que leyeron una enciclopedia del Rock e hicieron foco en la década de los Beatles, la Velvet, The Doors, las Girl Groups de Phil Sector y varios ejemplos más ya que el manual del buen hipster vintage se lo saben y muy bien. La crítica sobre el disco puede tomar dos caminos totalmente opuestos. Uno, darle con un caño al ser tan obvios en sus influencias musicales, aportando muy poco y jugándosela aún menos. Sin embargo la otra es olvidarse de esto y disfrutar un trabajo de una producción muy buena -cortesía de Richard Swift (The Shins)-, con unas melodías que nos recuerdan a todo -de los ´60-, pero que son atrayentes, contagiosas y muy bien logradas. 

“San Francisco”



Iron and Wine: “Ghost on Ghost”
Escuchar el último disco de Iron and Wine y compararlo con el primero nos da una muestra que uno del otro está a años luz, desde el puramente acústico primer Lp a este hay diferencias por doquier, -¿y eso está mal?-, No, por supuesto que no. Sam Beam -su nombre real- dejó atrás la etiqueta de cantautor Neo Folk hace rato para ponerse el traje de Soulero 2.0, con matices de Smooth Soul, o Soul de Ojos Azules como se dice comúnmente a los blancos que realizan este estilo. Si nos corremos de todo lo realizado por él años anteriores y disfrutamos este nuevo resurgir, realmente apreciaremos de un Lp exquisito, fino y elegante, producido por Brian Deck (Modest Mouse) y arreglado de forma magistral por Rob Burger (Calexico, Rufus Wainwright), cuyos CV son indicios de que podemos pisar sobre suelo firme y seguro al escuchar “Ghost on Ghost”.

“Joy”

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , martes, 24 de diciembre de 2013 16:54

Los Discos Más Interesantes del 2013. Parte 3


Jagwar Ma: “Howlin”
Definitivamente algo esta ocurriendo en Australia, pareciera que hay un amor incondicional por la Psicodelia Betleana. Si los Tame Impala ya llevan dos discos haciendo esa especie de Revival de esos sonidos pero con una impronta bien actual y hasta bailable, los Jagwar Ma -casi nombre de comida- siguen sus pasos. El debut de ellos se presenta aún más bailable, con voces y coros entre ensoñados e hipnóticos influenciados además de los Beatles Psicodélicos, por toda la movida Madchesteriana de principios de los ´90 en UK.    


“The Throw”



King Khan and The Shrines: “Idle No More”
Luego de varias sensaciones y/o expresiones que puede despertar ver por primera vez a King Khan, entre las cuales se cuentan desagrado, burla, incredulidad y varias más, esa Bizarreada que al principio puede no entenderse, luego termina encantando. “Idle No More” se presenta con un Rock bien Garagero, Psicodelía, Soul y Funk bien de los 60-70. Todo esto acompañado además de una muy buena ejecución instrumental y vocal junto a una ironía precisa y sin vergüenza. Todo el álbum es destacable pero no dejar pasar por alto “Born To Die”, “Darkness”, “Bad Boy” o “Bite My Tongue”. King Khan, el nuevo antihéroe del Rock.


“Bite My Tongue”



Manic Street Preachers: “Rewind The Film”
El disco cancionero del 2013 nos lo brindan los Galeses de Manic Street Preachers, casi sin pedirles nada a cambio, ya que nadie esperaba un nuevo álbum por parte de ellos de esta índole, más que nada por lo demostrado en sus últimos Lp. Salvo el alegre y enérgico “Show Me The Wonder” todos los demás temas transitan una vibra melancólica. Mención aparte merece el aporte en las voces de la nueva-vieja joyita que descubrió la industria musical este último tiempo como es Richard Hawley en el título homónimo al Lp. Pensar que los MSP iban a separarse hace dos años, si esto hubiera ocurrido no tendríamos a “Rewind The Film”, lejos lo mejor de sus últimos años.


“Rewind The Film”



Phosphorescent: “Muchacho”
Seamos sinceros, hasta la salida de “Muchacho” el nombre de Phosphorescent no causaba expresión alguna en el gran público -aún no lo hace demasiado- pero ya empieza a perfilarse como el nuevo cantautor. Este Lp tiene una muy buena producción y arreglos que ya desde el primer tema  con “Sun Arise!” -preciosas voces corales- hasta el final con “Sun´s Arising” -con esas mismas voces- cierran el concepto del amanecer al ocaso del Sol y nos dejan con el sabor de haber escuchado a un artista ya maduro, reflexivo y melancólico, que no es lo mismo que triste.


“Song For Zula”



Primal Scream: “More Light”
El último disco de Bobby Gillespie y Cía quiere ir tras las huellas de su álbum más notable como es “Screamadelica” y este ya décimo Lp abre con el rockero “2013” y cierra el cansino pero ganchero “It´s Alright, It´s Ok”. ¿En el medio que hay? Temas que no desentonan como “Goodbye Johnny” o “Invisible City” pero que también pueden pasar de largo. Sin dudas uno de los mejores esfuerzos de estos últimos años de la banda tendencia de principios de los 90 pero que cada vez le cuesta más hacer pie dentro de lo novedoso -leer más arriba Jagwar Ma, que los…. ¿homenajean?- cuando ya ellos mismos transitaron esos caminos mucho tiempo atrás.


“It´s Alright, It´s Ok”

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , viernes, 20 de diciembre de 2013 13:26

Los Discos Más Interesantes del 2013. Parte 2


Phoenix: “Bankrupt!”
El nuevo y cada vez más accesible trabajo de los franceses Phoenix deja en claro que lo de ellos -tal cual como el nombre de uno de sus cortes lo indica- es entretener. Ganchos por doquier, sintetizadores a la orden del día, entre otras cosas resumen un disco bien -pero bien eh- actual en cuanto a estética y sonido. Lo que nunca se le va a poder reprimir a los Phoenix es que “se vendieron”, ellos siempre apuntaron a esto. ¿Música para Pasarelas?



“Trying To Be Cool” 



Savages: “Silence Yourself”
Ya desde el primer tema las Savages -más que nada la voz de su líder Jehnny Beth- nos trae a la mente a Patti Smith o Siouxsie Sioux, dos referencias ineludibles dentro del grupo. Pero además también a la impronta y estética de Ian Curtis -el corte de pelo rapado, bien varonil, de Beth ayudan a esto- le suman canciones enérgicas, furiosas y con personalidad -quizás por momentos algo predecibles- pero en su debut sacan un aprobado.



“I Am Here”



The Strokes - “Comedown Machine”
A pesar de los rumores de separación definitiva y de la -ya sabida- poca onda que hay entre sus integrantes, los Strokes aún así consiguen colar su último trabajo dentro de lo más destacado del año. Quizás porque suena distinto a todo lo hecho anteriormente, quizás por el debate que se suscitó cuando lanzaron el corte “One Way Trigger”, quizás por esos falsettes geniales -ayudado por el Vocoder, ¿y cual hay?- de Casablancas, o quizás simplemente porque son los Strokes y ya tienen su prestigio asegurado, pero algo hizo que este trabajo rindiera como uno de los discos del año.


“One Way Trigger”



Waxahatchee: “Cerulean Salt”
Paradojas de la vida se llamaría el caso de Waxahatchee -nombre imposible, ¡por dios!- ya que muchos ven en su disco algo fresco -cosa que lo es- pero también tiene una fórmula ya creada, el Post Grunge de los ´90. El segundo disco de ella -el anterior fue casi íntegramente Low-Fi- se muestra por momentos crudo, minimalista, en otros sutilmente Pop pero siempre con un espíritu -también tan identificado con los ´90- de Riot Grrrl. ¡Kim Deal reclamá tus derechos de autor!


“Coast To Coast” 



Youth Lagoon: “Wondrous Bughouse”
Trevor Powers, más conocido por su alter ego Youth Lagoon, que con unos veintitantos edito en 2011 un excelente disco -“The Year of Hibernation”, título más referencial a realizar un disco en su cuarto imposible- dejo boquiabierto a más de uno y ahora en este 2013 editó su segundo Lp, “Wondrous Bughouse”. Sonidos etéreos -tan de moda-, voces ensoñadas, Psicodelia Pop lisérgica por doquier y por momentos un histrionismo experimental son los sonidos que se encuentran en su segunda placa. 


“Mute”

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , sábado, 14 de diciembre de 2013 13:29

Los Discos Más Interesantes del 2013. Parte 1

¡Hemos vuelto! Sí, cuando el año ya empieza a entregar el equipo pero no podíamos faltar a nuestra cita ineludible como es seleccionar los Discos Más Interesantes del Año que se va yendo. Como siempre, los discos de más abajo se encuentran ubicados en orden alfabético y no por puestos o en orden decreciente como suelen aparecer en muchas listas. Agrupados de a cinco, acá va la primera parte de varias entregas de algunos de los Discos más Interesantes del 2013:


Franz Ferdinand: “Right Thoughts, Right Words, Right Action”
Cuando ya todos pensábamos que los escoceses habían pasado casi al retiro -recordar que su último disco fue del 2009 el cual paso con más pena que gloria- editan en este 2013 un Lp que esta a la altura de su debut. Volvieron los temas pegadizos con “Evil Eye”, “Bullet”, “Love Illumintaion”, “No You Girls” o “Fresh Strawberries” , pero más que nada los temas volvieron a tener espíritu y sonar frescos. La vuelta de Kapranos y Cía esta más vigente que nunca con este disco y van por los laureles del Pop que alguna ignota banda le sacó durante estos años. 

“Love Illumination”



Jacco Gardner: “Cabinet Of Curiosities”
Setas Mágicas y psicodélicas, hongos alucinógenos y mucho pachuli es el espíritu del primer disco de Jacco Gardner. Bajo una -genial- portada, este joven e ignoto holandés se despacha con un álbum que tiene el pasaporte de ida -la vuelta después la vemos- hacia el Pop Barroco y Experimental circa años ´60. En los últimos años aparecieron muchas propuestas de Revival del Pop Psicodélico de esa década pero en este muchacho se nota que hay una pasión por esto y no se pierde en la mera copia.


“Clear The Air”



Steve Mason: “Monkey Minds in The Devil’s Time”
El año pasado tuvimos como uno de los discos del año a los Django Django, banda vinculada de manera familiar con The Beta Band, ahora este 2013 trae el segundo larga duración de Steve Mason, líder de los ya disueltos BB. ¿Tiempos de reivindicaciones?. A diferencia de su debut -disco cancionero-, esta segunda placa se presenta con ¡20 canciones! de duraciones diversas y que buscan ir “más allá” en experimentación, fiel al espíritu de su vieja agrupación. Con ansias ya se espera el -¿congratulatorio?- tercer disco.


“Fight Them Back”



Edward Sharpe & The Magnetic Zeros: “Edward Sharpe & The Magnetic Zeros”
Volvió el colectivo Neo-Hippie de Edward Sharpe and The Magnetic Zeros y para este tercer larga duración no se alejan demasiado de lo ya mostrado en sus entregas anteriores pero le dan una pequeña vuelta de tuerca, se vuelven más -¿espirituales?- y esto queda ya de manifiesto desde la tapa llena de colores con una pequeña silueta de un hombre con los brazos abiertos. El disco es un coctel de estilos, ritmos y sonoridades para todos los gustos, desde el Gospel, Neo Soul, Country, Bluegrass y hasta Ritmos Latinos.


“Better Days”



The Strypes - “Snapshot”
Con ustedes… los Nuevos Arctic Monkeys… Y sí así parece, cuando los AM aún no llegan a los 10 años de su debut parece que ya empiezan a tener sus Salieris -The Strypes, Jake Bugg- y estos purretes -¡por dios la cara del bajista!, hasta ayer se estaba rateando de la clase- son la nueva sensación del rock británico. A fuerza de un puro R&B onda The Yardbirds, The Animals o porque no sus compatriotas Them empezaron a llamar la atención y esto queda plasmado en su debut que ya contiene más de 5 cortes de difusión.  


“You Can't Judge A Book By The Cover”

Yo Te Avisé

Publicado por Mocker , jueves, 8 de agosto de 2013 15:03

Yo Te Avisé: "Lanzamientos Discográficos"

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros: “Edward Sharpe & The Magnetic Zeros” 
Vuelve el colectivo Neo-Hippie de Edward Sharpe and The Magnetic Zeros y para este tercer larga duración no se alejan demasiado de lo ya mostrado en sus entregas anteriores pero le dan una pequeña vuelta de tuerca, se vuelven más -¿espirituales?-, y esto queda ya de manifiesto desde la tapa llena de colores con una pequeña silueta de un hombre con los brazos abiertos. El mensaje es muy claro, la música de los Magnetic Zeros es sensitiva y sensorial apta para cualquier ser humano que quiera conectarse consigo mismo -no, no viene con pachuli el disco- esa sensación se genera de forma natural al dejar correr el Lp. Ya desde el primer corte “Better Days” con video retro bailable deja en claro que lo que quieren es la expresión en todas sus formas, conectarse con lo natural y salir de la rigidez, dejarse llevar por la música, algo tan simple pero cada vez más complicado de llevar a cabo, ¿no?. El título del álbum llamado de forma homónima al grupo es otro indicio, es un nuevo lanzamiento del grupo y porque no un volver a las fuentes. El disco es un coctel de estilos, ritmos y sonoridades para todos los gustos, desde el Gospel de “Let´s Get High” o “This Life”, el Neo Soul hippon de “Better Days” o “They´re Were Wrong”, los ritmos latinos de “Two”, el Country y Bluegrass de “Country Calling” o “In The Lion”. Lo destacable es que la voz líder además de pasar por Alexander Elbert deja lugar para la voz femenina de Jade Castrinos la cual le aporta otras texturas al álbum. Una vez más Elbert ubica con comodidad junto a su tropa de músicos -10-, a su nuevo lanzamiento, como uno de los mejores discos del año . 

"Better Days"




The Polyphonic Spree: “Yes It's True”
Más arriba se menciono un colectivo grupal como era el de Edward Sharpe y ahora hacemos mención de otro que lanza un nuevo disco luego de 6 años de ausencia desde su “The Fragile Army” del 2007 como son los Polyphonic Spree. Estos texanos que hoy a la distancia tan lejos están no sólo en años sino también en estética desde su aparición por allá a principios del siglo XXI con una freakeada absoluta al presentarse con togas blancas y un tufillo espiritual manufacturando un Pop exquisito deudor de los mejores Flaming Lips o Mercury Rev, vuelven con melodías épicas y esos entramados Pop, quizás eso si no tan experimentales o porque no jugados como en sus primeros trabajos. El Lp arranca bien con el corte “You Don´t Know Me” y sigue con los posibles simples como “Popular by Design” y “Hold Yourself Up”, sin embargo promediando el disco ya empiezan a aflojar sin embargo salen bien parados aunque por momentos. Los Polyphonic Spree tienen mejores trabajos sin duda alguna y quizás no sea el disco adecuado para el oyente no habitual de ellos.

"You Don´t Know Me"



Deap Vally: “Sistrionix”  
Tuvimos al dúo chico-chica (White Stripes), tenemos al dúo chico-chico (Black Keys) y ahora la industria musical va por más parece, tenemos al dúo chica-chica en clave rocker, apto para saciar tus gustos musicales y por que no fetiches también con las Deap Vally. ¿De que va la cosa? Nada demasiado novedoso pero al parecer rendidor, sonidos bluseros y de Hard Rock con toques Garageros. Lindsey Troy, cantante y guitarrista tiene una voz muy parecida a la cantante de The Kills (otro dúo chico-chica y van..) y por supuesto también Dead Weather, bandas similares en cuanto a sonido. El yeite del grupo radica claro está en explotar el lado estético rockero femenino de ellas con un sonido bien fuerte, áspero y básico. Su primer Lp “Sistrionix” ya tiene cuatro cortes -“End Of The World”, “Lies”,  “Gonna Make My Own Money” o “Baby I Call Hell”- y en cada uno se encargan de acentuar esa imagen mencionada anteriormente. En un principio pueden llamar la atención sin embargo, con el correr del tiempo y del disco, claro, la gracia que despertaron en un primer momento ya va perdiendo eficacia y terminan diluyéndose repitiéndose una y otra vez. El arte de tapa del álbum merece una mención especial, queda bien de manifiesto el plagio sin ningún reparo al Lp “Dreamboat Annie” de otro dúo femenino pero de los ´70 como eran las Heart. En definitiva, como simples aislados las Deap Vally tienen material pero terminan cayendo en los clichés típicos del género. Chau, me voy a escuchar a las Runaways con “Cherry Bomb”.

“End Of The World”

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , miércoles, 12 de junio de 2013 15:24

Wild Belle: "Isles" (2013)

Los melómanos y coleccionistas de discos, porque no también investigadores de lo musical, son -¿somos?- una especie jodida. Hay un punto en que son -¿somos?- una mezcla de nerds y de me las se todas que resulta pedante para algunos y hasta resulta perjudicial para uno mismo ya que por temor a admitir que pueda llegar a gustarte algo que entre dentro de lo mainstream te ubica casi al instante en un escalón por debajo de Judas dentro de la cofradía de nerds también melómanos. Los coleccionistas de discos y/o investigadores de la música -continuando con ese término- son tipos reacios que nada les viene bien y critican todo, un ejemplo claro sucede en la película “Punk´s Not Dead” donde sucede una contradicción en la que el ojo crítico analiza una remera de los Ramones donde dice el nombre de Marky y no el de Tommy -baterista de la formación original- restándole meritos y mirando por sobre el hombro en una especie de “no vas a ser nunca uno de los nuestros porque no tenes el nombre de los primeros primerísimos Ramones”. ¡Vamos! Es Punk!!! Acaban de matar al espíritu del Punk y se convirtieron en esos viejitos del Rock Progresivo a los que tanto criticaban. Más ejemplos existen en el libro/film “Alta Fidelidad” donde el protagonista-vendedor de discos ningunea a todo el comprador no habitual de su tienda gastándolo o sobrándolo por sus gustos musicales.

Así podríamos continuar eternamente pero esta introducción -quizás un poco extensa- es para dejar en claro que pueden haber nuevos artistas que entren dentro de lo mainstream o estén dentro de lo llamado comercial y que puedan llegar a gustarte y no por esto vas a ser un traidor a tus ideales musicales. Ejemplos hay muchos donde nuevos artistas, miran mucho, demasiado quizás, hacia el pasado pero le dan un pequeño toque de producción actual donde saben reunir de forma precisa lo mejor de varios estilos y lo mejor de alguna época o movimiento cultural. Por esto hay una nueva corriente de Soul, R&B y varios estilos más donde la producción suena anclada en los ´60 pero con un sonido bien nítido del nuevo milenio que resulta atractivo al oído del aficionado casual. Justamente esto último es quizás lo que hace retorcer a los puristas y/o ortodoxos de lo musical donde critican ferozmente a estos nuevos artistas calificándolos de una mera copia del original. 

Hay un grupo de nombre Wild Belle, formado por los hermanos Bergman -nada que ver con Ingmar y/o Ingrid- el cual es un combo de ritmos Reggae, Calypso, Rocksteady y varios estilos más identificados con el Caribe -ellos provienen de Chicago, EE.UU- donde la imagen de estos puede despertar enfurecidas críticas por parte de los puristas. Elliot Bergman tiene la típica imagen hipster de Neo Hippie -estilo Devendra Banhart- mientras que Natalie es la típica imagen de chica también hipster-freak onda modelito. Claro, son unos impuros absolutos para el ojo ortodoxo de los puristas y mucho más si ellos hacen Reggae, unos auténticos herejes. 

Ahora bien, si somos objetivos, la propuesta de los Wild Belle es interesante, descontracturada y divertida por partes iguales. Y por si fuera poco están muy bien producidos y tienen gancho por todos lados. Imposible que no puedan llegar a divertirte y o gustarte al menos durante lo que gira el disco. Claro, no inventaron nada ni cerca están de hacerlo pero no por eso hay que dejar de apreciar lo bueno que pueden ofrecernos. El año pasado habían lanzado su primer simple con el Reggae 2.0 de “Keep You”, canción que los catapulto a que se empezara a hablar de ellos al menos en la Web con comentarios muy positivos, algunos algo desmesurados ubicándolos como la nueva salvación del Reggae-Dub, pero dejaban un sabor dulce de lo que podría llegar a ser futuro Lp. 

Ese larga duración ya llego y esta entre nosotros bajo el nombre de “Isles” y no es un trabajo que haya que descartar, sino todo lo contrario, ya desde una primera escucha resulta atractivo y con las siguientes ya estas bailándolo. La voz principal está bajo el mando de Natalie, sostenida por los variados instrumentos que ejecuta su hermano (teclados-saxos-hammonds-congas, etc.). El buen gusto y las armonías ideales, justas y precisas están por doquier en el disco. Ritmos de Calypso, Dub, Dancehall y Rocksteady es lo que abunda en el Lp, sin embargo también se hacen cita el Soul y hasta el R&B. Además del Reggae de “Keep You”, también se encuentra el Rocksteady de “It´s Too Late” -con unos bronces excelentes-, el Dancehall se hace presente con “Love Like This”, mientras el Pop de “Shine” se mezcla con el Neo Soul de “Another Girl”. 

Luego esta el Indie Pop de “Twisted” el -¿Neo Calypso?- de “Backslider”, mientras que como contracara esta “Happy Home” -su cuarto corte además de “Keep You”, “It´s Too Late” y “Backslider”- donde bajan el ritmo con esta canción pero además es la más diferente dentro del conjunto que conforma el Lp. Los tres últimos temas son “When It´s Over” cuya voz principal ahora esta al mando de Elliot conformando un tema más Indie Pop que los estilos anteriormente citados, mientras que por su parte “June” no aporta demasiado y cierra el álbum “Take Me Away” donde quizás se note que la inspiración de las primeras canciones empezó a aflojar. 

Qué vendrá o que será de la carrera de los Wild Belle después de “Isles” es un misterio, quizás puedan realizar un muy buen trabajo como este o quizás sean solo la flor de un día pero porque no disfrutar a pleno ese día y relajarnos mientras la música nos guía, si al fin de cuenta de eso se trata todo esto, ¿no?.

"Keep You"


"Backslider"

Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , miércoles, 22 de mayo de 2013 14:56

5 Discos de Dream Pop que no hay que dejar de tener

Cocteau Twins - “Treasure” 1984
Dream Pop, bajo este rótulo se encuentran varios artistas que ya a comienzos de los ´80 -siempre entre las sombras- edificaron un género que hace honor a su nombre, Pop de ensueño, y no precisamente porque sus melodías sean soporíferas y/o aburridas, sino todo lo contrario porque creaban un ambiente entre voces e instrumentaciones que volvían etéreos a sus sonidos. Sin dudas, esta música no es para cualquier momento, es intimista y hasta solitaria y no es para cualquier estación del año y hasta es precisa si se quiere para la temporada Otoño-Invierno. El Dream Pop tiene un hermano que lo acompañó y lo suele acompañar casi siempre ya que son contemporáneos en su nacimiento y gestación como es el Shoegaze. Muchas bandas tienen una mezcla de estos dos estilos pero por supuesto algunos inclinan más la balanza para uno de los dos. Si hay un grupo insignia que podría ser uno de los principales ejemplos del Dream Pop esos son los escoceses de Cocteau Twins. Liderados por la sensitiva y dulce voz de Elizabeth  Fraser y por los precisos y puntuales arreglos de guitarra de Robin Guthrie crearon un sonido que apoyados en melodías etéreas y oníricas fueron y son aún las delicias de cualquier habitación de un adolescente sensible. Su tercer Lp “Treasure” (1984) -ya con su formación más clásica: Fraser, Guthrie y Raymonde- es quizás su mejor trabajo donde la voz de Fraser toma un claro protagonismo y pasa a ser casi un instrumento más. No está demás recordar, que en muchas ocasiones, en estos tipos de grupos quizás la letra de una canción no sea un punto tan importante, ya que muchas veces se mencionan palabras o expresiones sin significado alguno pero que sirven para adornar al tema. El disco abre con “Ivo”, una canción dedicada a Ivo Watts, uno de los fundadores del excelente sello 4AD, principal artífice de la generación de este estilo y muchas  exquisitas cosas más de los ´80 que aún hoy sigue en vigencia editando artistas muy interesantes, casi sin moverse de su ideología fundacional. Luego vendría “Lorelei” el pequeñito hit del álbum y digo esta palabra porque no tuvo las repercusiones radiales que correspondían pero al instante se percibe la joyita Pop que es. Luego vendrán temas más oscuros y atmosféricos como “Beatrix” o algunos más Post Punk-Dark bien edulcorados con “Persephone” y “Cicely”. La belleza y el entramado Pop de melodías se hacen presentes de nuevo en “Pandora” o “Amelia”. El final esta reservado para “Domino”, una larga canción que resume la propuesta del grupo, sonidos oníricos y ensoñados y esos porque no cantos de sirena en la voz de Fraser. Sin dudas si se escucha “Treasure” en el tiempo y espacio adecuado puede llegar a ser un viaje sensorial.

“Lorelei”


This Mortal Coil - “It'll End in Tears” 1984
Los This Mortal Coil fueron el proyecto musical y el -¿Supergrupo?- del sello 4AD, donde el fundador Ivo Watts reunió a los mejores y más conocidos artistas de su discográfica para su creación. Por supuesto pasaron por las filas de This Mortal Coil músicos de otros sellos que veían con agrado participar de este proyecto. Algunos de los tantos que colaboraron en esta aventura fueron los Colourbox, Dead Can Dance, Wolfgang Press, Cindytalk, Howard Devoto (Buzzcoks-Magazine) y los más participativos y casi columna vertebral, Cocteau Twins. Su existencia dejo tres discos desde 1984 hasta 1991 pero es quizás el primero “It´ll End in Tears”, uno de los más llamativos. Quizás favorecido porque su lanzamiento fue durante el momento más álgido, si se quiere, del género Dream Pop. La premisa de This Mortal Coil era realizar además de canciones originales, covers de artistas varios como hicieron con los Big Star, Roy Harper, Gene Clark y Tim Buckley entre varios otros más. Justamente la versión de este último en la canción “Song To The Siren”, tema que se encuentra en este Lp, es quizás la más recordada o sobresaliente de los This Mortal Coil. Liderados por la voz encantadora de Elizabeth Fraser y por esos arreglos de guitarra etéreos magnifican un tema introspectivo y/o sensitivo que en su original dista mucho de esta versión. Sin dudas uno de los mejores highlights, no sólo del grupo, sino ya del sello 4AD. Otra versión es la del tema que abre el álbum, “Kangaroo” -original del tercer álbum de los Big Star- donde Gordon Sharp, vocalista de Cindytalk, comanda la voz principal de otra canción suave y delicada. Además de estos dos temas anteriores que fueron lanzados como simples teniendo ambos incluso sus respectivos videos, los otros covers más sobresalientes son “Holocaust” de los Big Star de nuevo, “Another Day” de Roy Harper o el más roquero de todas las canciones del Lp “Not Me” de Colin Newman. Los This Mortal Coil sin llegar a ser un grupo regular ya que no nos olvidemos que se trata de un proyecto y de un ensamble de varios artistas termina siendo otro de los pilares del Dream Pop. 

“Song To The Siren”


Mazzy Star - “So Tonight That I Might See” 1993
Que lástima que los Mazzy Star sean para muchos sólo los creadores del excelente tema “Fade Into You”. El tema más reconocido por todos, ese del cual todos lo habrán escuchado alguna vez sin saber incluso de quien se trataba, perdiéndose sólo sin dejar rastro de su paso pero dejando esa sensación de satisfacción durante los minutos que dura la canción. “Fade Into You” es el track que inicia el segundo larga duración de los Mazzy Star, “So Tonight That I Might See” (1993), Lp que continúa pero en mejor calidad lo realizado en “She Hangs Brightly” (1990), ese entramado melancólico y nostálgico Pop de ensueño. Disco exacto para una fría y solitaria tarde lluviosa. Sin embargo los Mazzy Star son mucho más que un tema, y esto se debe a la misteriosa voz de Hope Sandoval. Desde el desgano exacto al cantar para crear un clima perfecto en “Bells Ring” a la pureza de “Into Dust”, pasando por la oscura “Mary of Silence”, la introspección de “Five String Serenade” y “Blue Light” entre otras. Promediando el final del disco decae o quizás ya se vuelve un poco reiterativa la propuesta pero “So Tonight That I Might See”, es un disco que a pesar de ya tener más de veinte pirulos encima aún suena muy actual, aunque siempre sobrevuele ese típico sonido de los ´90. El último Lp de la banda vendría tres años después donde la escena ya había cambiado varias veces, el Grunge ya estaba de vuelta dándole paso a la fiesta inglesa llamada Brit-Pop, hizo que “Among My Swan” (1996) pasara con más pena que gloria, también en parte porque no estuvo nunca a la altura de sus anteriores trabajos. 

“Fade Into You”


Mojave 3 - “Ask Me Tomorrow” 1996
El Dream Pop tuvo un hermano directo que fue y es el Shoegaze y para muestra basta un botón, el muy buen grupo Shoegaze Slowdive siempre se movió en el filo de estos dos estilos, haciendo más hincapié en el genero de los grupos que miran hacia sus pies, inmersos en la música, en vez de la típica mirada de frente al público, de ahí el nombre Shoegazer. Sin embargo, luego de haber disuelto la agrupación al haber lanzado su último Lp, “Pygmalion” (1995), -de corte más enigmático y algo electrónico- deciden reunirse ese mismo año y comenzar un nuevo proyecto, en este caso más emparentado al Dream Pop, llamado Mojave 3. Para la edición de su primer Lp, “Ask Me Tomorrow”, ¿donde fue que cayeron? y sí claro en el sello 4AD como debía ser, la cuna del Dream Pop. Sin embargo, el estilo de Mojave 3 no sólo se reduce a este genero sino que también más adelante en su discografía su sonido tiene retazos de un Alt-Country, bien British por supuesto, una suerte de Spaguetti Western de algo bien Americano si lo comparamos con el Cine. Las voces son bien claras, quizás no tan ensoñadas como es habitual en el Dream Pop pero si cancinas, aletargadas y melosas. La música ya desde el primer tema y simple del disco como es “Love Songs On The Radio” con la dulce voz de Rachel Goswell bien al frente y acompañada por los arreglos etéreos de guitarra de Neil Halstead nos adelantan con lo que nos vamos a encontrar a lo largo del Lp. Sonidos simples, naturales, con muy pocos o quizás precisos efectos es la propuesta de Mojave 3 en “Ask Me Tomorrow”, un disco que se deja escuchar de forma lineal donde temas como “Sarah”, “Tomorrow's Taken”, “After All”, “Where Is the Love” o “Mercy” entre otros, forman parte de un conjunto. Luego de este disco los Mojave 3 torcerían un poco el rumbo, su sonido ya no sería tan Dream Pop, y esto queda en evidencia en su segundo larga duración, “Out of Tune” (1998), pero esto ya es otra historia.

“Love Songs on The Radio”


Beach House - “Teen Dream” 2010
El Dream Pop es un estilo que se acuño a mediados de los ´80, sin embargo, hace ya un par de años, pareciera haber una suerte de llamémoslo Revival ya que empezaron a aparecer muchos grupos deudores de ese sonido etéreo y ensoñado, mezclado también con ciertos retazos de Shoegaze. De todas maneras, no llega a ser un Revival en su forma más pura ya que la propuesta de estos grupos, algunos muy buenos, otros muy obvios, suele ser renovada en cuanto a imagen y no una pose nostálgica de un tiempo pasado. Uno de esos grupos muy recomendables es el dúo de Baltimore que integran Alex Scally y Victoria Legrand llamado Beach House. Sin dudas, de todos los mencionados anteriormente son los más actuales y se ganaron un lugar de respeto no sólo dentro del género sino también del rock actual con su tercer Lp “Teen Dream” (2010). Este disco se ubico en muchas listas de rock internacional como el mejor álbum de ese año y bien merecido lo tiene. Por supuesto, ese salto de calidad fue progresivo tan es así que para este Lp firmaron con el sello Sub Pop, dejando atrás al modesto, pequeño y bien Indie Carpark con el cual editaron su dos primeros trabajos. Ese Dream-Folk-Pop ensoñado y de dormitorio salió de la habitación con “Teen Dream”, cuyo titulo deja en claro las referencias al ensueño adolescente que hace tanta mella al género. Ya desde el comienzo con “Zebra”, ponen sobre el tapete que su sonido por más que siga por el mismo camino, ya es my diferente en cuanto a calidad que en su anterior Lp, “Devotion” (2008), razones puede haber muchas, maduración compositiva e instrumental, haber abandonado las cajas de ritmos por batería y percusiones reales, voces nítidas y una producción más profesional. La voz de Legrand -y no es la chiqui- es excelente, logrando pasar del susurro al desgarro sin perder la intensidad y la confianza en si misma logrando clímax que antes no lograba redondear. Los temas van pasando desde “Silver Soul”, “Norway”, “Walk in The Park”, “Real Love” y “Take Care” entre otras donde el detalle y los precisos arreglos nos van entrando en nuestros sentidos, conquistándonos y haciéndonos caer rendidos a ese Pop ambiental y de melodías ensoñadas. “Teen Dream” es la consolidación del sonido de Beach House, cosa que demostraron en su más reciente álbum ,“Bloom” (2012), el cual podría ser visto como una continuación del que por ahora es quizás su mejor obra.

“Walk in The Park”

Obituario

Publicado por Mocker , martes, 21 de mayo de 2013 13:34

Adiós al "Jinete en la Tormenta"

Ray Manzarek
1939-2013


El Infaltable

Publicado por Mocker , miércoles, 8 de mayo de 2013 15:26

Alice Cooper: "Love It To Death" (1971)

El rock, como tantas otras expresiones artísticas, se disfruta también desde lo visual, desde los ojos. Se dice, y esto es un gran acierto, que todo lo que ve nuestra retina queda grabado en nuestro subconsciente, y una sensación o sentimiento que nos puede producir algo, se magnifica o por el contrario se reduce en nuestro concepto o idea que se tenía sobre algo. Lo visual, en este caso las presentaciones del o los artistas siempre fueron una pata importante del sostén musical en la venta de una canción, Lp etc. Incluso el arte de tapa como concepto ya casi a finales de los ´60 se imponía como una garantía de venta de un producto, pero eso ya es otra historia. Las presentaciones en vivo en muchos casos terminaban siendo más importante que el mismo disco que se ejecutaba. Presentaciones incendiarias como las de Arthur Brown, rompedoras de instrumentos como las de The Who, psicodélicas como las de The Move o con ambientaciones de terror de cine clase B como las de Screaming Lord Sutch son sólo algunos primeros ejemplos de artistas que llevaban a la máxima expresión la ejecución de sus temas sobre el escenario. 

Entender que las presentaciones en vivo de un artista de rock es dar un espectáculo y entretener al público fue una premisa que fue tomando cada vez más fuerza dentro de algunos grupos y en muchas ocasiones esto fue casi el leitmotiv de ellos que hicieron o encaminaron su carrera en base a esto. Poder definir con ciencia cierta quien fue el primero en traspasar la barrera de lo meramente musical y unirlo con lo visual sería una tarea casi quijotesca y hasta innecesaria. Lo que si se puede asegurar es quienes fueron esos primeros y/o más importantes grupos de este género. 

A fines de los ´60 hubo una agrupación comandada por el ignoto Vincent Damon Furnier, más conocido luego bajo el pseudónimo de Alice Cooper -tomando el nombre de su grupo como propio- que hoy a la distancia se la ubica como los más fieles exponentes del ¿¡Shock Rock!?. Este genero más allá del nombre sirve para ejemplificar que su sonido estaba bien marcado por un sentido teatral, ya que se subían al escenario maquillados bajo un aspecto siniestro -hoy serían casi unos bebes de pecho- y unas presentaciones muy provocativas que incluían ejecuciones con guillotina, sillas eléctricas, serpientes, cuchillos, sangre artificial y fuego por doquier. Alice Cooper quería personificar o rendir un tributo a sus gustos no sólo musicales sino de cine o literatura oscura y de terror, casi como una visión romántica del asunto en lo más puro de la palabra.

Sin embargo, el personaje de Alice Cooper no nació de la noche a la mañana o mejor dicho de la noche a la noche sino que se fue forjando con el correr de los años, las estéticas contemporáneas que lo rodeaban -el Glam Rock- y los sonidos o estilos musicales que empezaban a aparecer -el Hard Rock-, fueron algunos de los ítems que forjaron su personalidad que aún hoy mantiene vigente. Los dos primeros Lp´s del grupo cuando el nombre de Alice Cooper aún encumbraba a la agrupación y no al personaje, son dos trabajos que los encontraba erráticos, sin poder hacer pie de forma precisa ya que su estilo musical era un híbrido de la Psicodelia y la música Experimental circa Frank Zappa -esos álbumes se grabaron en el estudio de él- y aún los encontraba bien lejos del típico sonido que los volvió famosos. De todas maneras, ya la personalidad y la estética de Furnier comenzaba a mutar al igual que el sonido de la agrupación y se podría indicar que el puntapié inicial de esa transformación es en su tercer larga duración llamado “Love It To Death” (1971). Luego vendrían discos con una estética cada vez más marcada -maquillajes incluidos- como en “Killer” (1971), “School´s Out” (1972) o “Billion Dollar Babies” (1973), pero el punto de inflexión de su carrera es con su tercer Lp.   

En “Love It To Death”, Alice Cooper abrazó con fervor el Glam Rock que estaba en etapa de pleno ascenso y algo del Hard Rock que ya a fines de los ´60 se hacía sentir en agrupaciones como Led Zeppelin o Black Sabbath. Ya desde el comienzo, con “Caught in a Dream” -uno de los temas más queridos dentro de su discografía-, abre un Lp que se distancia ya desde su riff inicial con todo lo realizado anteriormente. Con una estructura bien de rock and roll, muy emparentada con el venidero “Sticky Fingers” (1971) de los Rolling Stones abre un nuevo espectro sonoro dentro de la banda, algo más bailable si se quiere, con más actitud y diversión alejándolos de la experimentalidad de sus primeros Lp´s. El siguiente tema es uno de los clásicos por excelencia dentro del repertorio de Cooper, “I´m Eighteen”, una oda a la adolescencia donde todos pensábamos que nos podíamos comer al Mundo pero con miedos y dudas existenciales por doquier. Una edad límite donde abríamos la puerta a una incipiente adultez empezando a dejar atrás al niño. Este tema junto con el venidero “School´s Out”, nombre del disco homónimo -incluyendo en su portada un viejo pupitre escolar de madera-, fueron dos de los mejores ejemplos que tuvo Cooper para graficar cierta reminiscencia romántica a una etapa de la vida, donde nos podíamos sentir libres de hacer lo que quisiéramos sin tener que cargar con la pesada mochila de la adultez.   


/ Tengo dieciocho / y no sé lo que quiero / dieciocho / simplemente no se lo que quiero / 
/ Tengo un cerebro de bebé y el corazón de un viejo / me tomo 18 años llegar tan lejos /
/ No siempre se de lo que estoy hablando / se siente como si estuviera viviendo en medio de la duda / 

/ Se delinean formas en mi cara y manos / se delinean formas en la izquierda y la derecha / estoy en el medio / al medio de la vida / soy un chico y soy un hombre / tengo dieciocho y me gusta / si me gusta /

“Long Way To Go”, levanta de nuevo el ritmo bien arriba con un rock de guitarras que es pura adrenalina y energía. Luego de esa tríada de temas casi unidos en concepto viene el oscuro, experimental y tribal “Black Juju” que comienza con un juego de percusiones que dan paso a unos teclados hipnóticos. Alice Cooper deja en claro lo fuerte que fue Jim Morrison -The Doors- como influencia ya que en esta canción y en venideras tienen cierta reminiscencia a canciones como “The End” o “When The Music is Over” al crear cierto relato con suspenso incluido. 

En “Is It My Body” vuelven los riffs accesibles y contagiosos convirtiendo un tema de estructura simple en una linda canción con un estribillo y unas guitarras irresistibles. “Hallowed Be My Name” no desentona dentro del disco aportando un poco más esa cuota de misterio y terror en la forma de cantar de Cooper, sin embargo funciona más como un relleno. El final son tres canciones que podrían -de hecho lo están- unidas entre sí. La primera es “Second Coming”. Con aires de misterio comienza la canción dando paso a una voz de Cooper desgarradora para culminar con un ritmo militar aportando una ambientación solemne que finaliza con un solo de piano y que abre con una melodía infantil y una voz de niño incluida el siguiente “Ballad of Dwight Fry”. Una balada de larga duración con varios cambios de ritmo y una interpretación vocal dramática excelente, cuya letra tiene esos ribetes clásicos de la prosa de Cooper donde un hombre es encerrado en un manicomio viviendo en contra de su voluntad entre cuatro paredes vestido sólo con su chaleco de fuerza blanco. El cover del tema “Sun Arise” cierra el Lp con un juego de voces y una actitud más roquera y de conjunto de grupo que la canción original.

“Love It To Death” sin dudas es uno de los mejores discos de rock de los ´70 y además fue el puntapié inicial para toda la parafernalia e imaginería de terror llevada a un escenario que serían la marca registrada de Alice Cooper y que provocaría tanta influencia en futuras agrupaciones. 

Revisando los Rinconces

Publicado por Mocker , miércoles, 1 de mayo de 2013 15:18

Mick Ronson: "Slaughter on 10th Avenue" (1974)

No hay con que darle, hay algunos que nacen con estrella y otros estrellados. Sin embargo, también están los que acompañan a esas estrellas, los actores de reparto o el partenaire si se quiere que complementan de forma perfecta y ayudan a magnificar al primero. En grandes ocasiones estos segundos tienen una gran calidad artística igual o mejor que la estrella en cuestión pero que si se fueran del ala protectora de este no podrían volar por si solos. Esto no es desmerecerlos sino todo lo contrario, reconocer el aporte y/o valor que tienen, ese trabajo muchas veces silencioso o poco explotado que se pierde tras los flashes hacia la estrella en cuestión. 

Uno de esos casos en los cuales sucede esto, es en la primer etapa de David Bowie donde él comenzó a dar sus primeros pasos que luego lo convertirían en una estrella mundial. Su partenaire que lo acompañaría incluso en quizás la etapa más recordada de él, la Glam del personaje Ziggy Stardust fue Mick Ronson. El blondo guitarrista lo secundo desde “Space Oddity” (1969) hasta el disco de covers “Pin-Ups” (1973), colaborando y siendo una pieza muy importante del sonido de discos excelentes como “Hunky Dory” (1971), “The Rise and Fall of Ziggy Stardust” (1972) y “Aladdin Sane” (1973). Ronson le debe tanto reconocimiento a Bowie por ubicarlo dentro de uno de los mejores guitarristas del Rock de los ´70, como así también Bowie le debe a Ronson haber comprendido al detalle lo que este quería personificar con Ziggy, toda la parafernalia y sonido en cuestión conformando una dupla de área letal. 

En casi un lustro, esta dupla cotizaba bien alto no sólo como hacedora de grandes temas dentro la carrera solista de Bowie sino también con otros artistas contemporáneos que los rodeaban. Se podría decir que todo lo que tocaba esta dupla lo convertía casi en oro. Además de facturar los excelentes discos mencionados, también trabajaron en conjunto en el Lp “Transformer” (1972) de Lou Reed, el cual se encuentra dentro de los mejores discos de la historia del Rock. Pero esto no es todo, también ayudaron a levantar a una banda que por ese entonces venía haciendo bastante agua y que no causaba sensación alguna como eran los Mott The Hoople. Bowie y Ronson les entregaron el simple “All The Young Dudes” luego nombre del Lp que llevaba esa canción la cual catapultó la carrera de los Hoople y los ubicó como una de las bandas más interesantes del Glam Rock.

Sin embargo, -“todo concluye al fin, nada puede escapar…”- y esa dupla hacedora de éxitos se disuelve rompiendo amistosamente una relación profesional más que fructífera la cual ya desde el siguiente disco de Bowie, “Diamond Dogs” (1974), ya no contaba con los servicios de Ronson. Este último decidió emprender una carrera como solista ya que tenía en una primera instancia todas las de ganar, se había hecho de un nombre como guitarrista de Bowie, era muy buen arreglador musical y además tenía un CV más que envidiable por haber sido participe de algunos de los mejores discos de esa época. Sin embargo, no todos pueden ser estrellas no por falta de calidad sino muchas veces por falta de suerte, y esas cosas de la vida que agregan y quitan matices dentro de una carrera. 

El debut en Lp de Ronson fue en 1974 bajo el nombre “Slaughter on 10th Avenue” el cual contó con la colaboración como productor de Bowie -repito se separaron amistosamente-, y algunos músicos que acompañaron a Bowie como solista que por supuesto también lo hicieron durante mucho tiempo con Ronson en esos años. El debut de Ronson es un muy buen disco que aún hoy esta bastante subvalorado, más de lo que corresponde, pero que se ubica como una pieza faltante para terminar de redondear el sonido Glam de esa época. Ya desde la estética “Slaughter on 10th Avenue” se desprende cómo una suerte de hijo directo o continuación del “Ziggy Stardust” de Bowie y esto queda de manifiesto en la contratapa del Lp, una escenografía muy similar al anterior mencionado.

Ya desde el comienzo y revisando la lista de temas que integran la placa nos podemos dar cuenta que el fuerte de Ronson no era la composición. De los siete temas, sólo dos son de su autoría pero incluso esos tuvieron colaboraciones como en “Only After Dark” -junto a Scott Richardson- o en “Pleasure Man/Hey Ma Get Papa”, junto a David Bowie. Esa falencia la suple de maravillas con su punto más fuerte, el buen arreglista y músico que era. El tema “Love Me Tender”, muy conocido por la versión que hiciera Elvis Presley es el que comienza el álbum y ya desde acá se puede apreciar que Ronson tomo hasta el mínimo detalle para parecerse a su ex jefe, como la forma de cantar, sin embargo no esta demás recordar que Ronson hacía las segundas voces en los discos de Bowie. El tema sirve como presentación en un tono bien teatral y esto es una particularidad que se va escuchar a lo largo de todo el disco. Incluso en partes tiene ciertas similitudes al Queen más operístico. El segundo tema es un aporte de Bowie y es tema con un gancho genial llamado “Growing Up and I´m Fine” el cual pareciera haber sido extraído de algún descarte del “Ziggy Stardust”. El Glam Rock allá T-Rex se hace presente en “Only After Dark”. 

El siguiente “Music is Lethal” es una canción de arreglos elaborados que en tono de balada pareciera tener mucha influencia de Scott Walker, ese Pop Barroco de arreglos orquestales que siempre fue su marca registrada. El difícil de clasificar “I´m The One” repasa varios estilos dentro de una misma canción y el cual sirve para certificar la calidad musical y artística de Ronson. El siguiente “Pleasure Man/Hey Ma Get Papa” de casi 9 minutos de duración en su primera parte roza la Fusión Rock mientras que en la segunda da paso a una canción Pop. Cierra el Lp el teatral e instrumental “Slaughter on 10th Avenue”, donde la guitarra y más precisamente el punteo de Ronson se llevan los laureles de un tema excelentemente arreglado el cual fuera compuesto por los surfers de The Ventures, pero que el ex guitarrista de Bowie llevó al extremo al convertirlo en una especie de mini-ópera.

Luego de este Lp vendría un segundo llamado “Play Don´t Worry” al siguiente año el cual pasó de forma más solapada que el primero. La industria musical luego tendría cambios radicales y Ronson ya no encajaría dentro de los cánones que imponía el mercado o quizás mejor dicho no supo como adaptarse. De todas maneras, tanto Mick Ronson, como su aporte musical en varios discos de principios de los ´70 y sus dos largas duración como solista son ejemplos insoslayables para entender lo que fue un movimiento y una estética como es el Glam Rock. Definitivamente “Slaughter on 10th Avenue” es un disco de culto, un tesoro para las grandes masas que merece ser redescubierto.