Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , viernes, 30 de diciembre de 2011 14:22

Los Discos Más Interesantes del 2011. Parte 2

Atlas Sound - Parallax

El alargado y flaco -sufre del Síndrome de Marfán- Bradford Cox, ya hace rato está tomando bastante en serio su alter ego denominado Atlas Sound cuando no está junto a su banda Deerhunter. Lo que empezó siendo casi un pasatiempo y una forma de editar lo que no podía junto a su grupo, cada vez está más firme y establecido. “Parallax” se muestra natural, con transparencias y sin rodeos. A pesar de haberse editado recientemente se abre paso y se destaca por su aire sentimental e introspectivo pero con ganas de mostrarse a la vez.


Beady Eye - Different Gear, Still Speeding

Seamos sinceros, luego de la separación de Oasis el que la tenía más difícil era Liam. Con la disolución de la banda, Noel se llevaba su valija de hits hacia nuevos horizontes y dejaba a su hermano menor a la buena suerte de su voz -de frases estiradas- y su gran bocota llena de escándalos. Con su primer disco Liam nos cierra la nuestra a más de uno y quizás hasta le ganó la pulseada a su hermano -un poco Noel ya nos aburrió con más de lo mismo- porque más allá de no tener grandes novedades sonoras este trabajo de Liam nos hace rockear y eso no está nada mal en estos tiempos modernos.


Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part Two

Después de 7 años de un largo silencio -en el medio transcurrió la recuperación del cáncer de Adam Yauch- volvieron los B-Boys. Este nuevo trabajo de ellos los trae de vuelta al ruedo y de la mejor forma con un álbum ecléctico en su sonido. Desde el Dub Step de “Don´t Play no Game That I Can´t Win” con Santigold, pasando por el Hip Hop furioso de “Say It” -link directo de So What´cha Want-, el Funk con “Nonstop Disco Powerback” y así varios más como el “Make Some Noise” -link a Sure Shot- y si a todo esto le agregamos el corto de veinte minutos de “Fight For Your Right Revisited” se agradece la vuelta de estos Beach Boys recargados.


Danger Mouse & Daniele Luppi - Rome

El cada vez más reconocido productor Danger Mouse (Gorillaz y Gnarls Barkley entre otros) se unió con el compositor italiano Daniele Luppi y juntos crearon esta obra que podría definirse como una Banda de Sonido de película sin film alguno. Inspirado en los Soundtracks de Spaghetti Western de los 60 vía Ennio Morricone, “Rome”, debe su nombre a la ciudad donde fue grabado y cuenta con la colaboración de Norah Jones y Jack White. Un trabajo más que interesante y que no se debe dejar pasar por alto.


Foster The People - Torches

Los Foster The People gracias a su caballito de batalla “Pumped Up Kids”, se hicieron conocidos y la “pegaron” ganándose el lugar de poseer uno de los mejores singles del año. Dejando de lado esto, su disco tiene otras canciones muy interesantes como “Houdini” o “Helena Beat” que hoy por hoy los vuelve adictivos para un sábado por la noche. De todas maneras, su tarea más difícil es conservarse en el tiempo y pasar la complicada prueba de los famosos “quince minutos de fama”.


Girls - Father, Son, Holy Ghost

Todo el Hype que se había formado en torno a ellos con su primer disco no estaba tan errado ya que en este segundo Lp los Girls lo vuelven a hacer. Hay de todo y para todos los gustos en este segundo álbum, desde un guiño gigante a Deep Purple en “Die” hasta el playero Surfer y contagioso “Honey Bunny”. Pero en el medio hay más, el Dream Pop de guitarras en “Alex”, la introspección y delicadeza en “Just a Song”, el romanticismo en “Saying I Love You” y así siguen las canciones y estilos. Un álbum que aunque sea uno de los más interesantes de este año puede pasar desapercibido y sería una lástima.


Iron & Wine - Kiss Each Other Clean

Quizás para la crítica no sea el mejor disco del barbudo Indie Samuel Beam pero siempre es recibida con los brazos abiertos esa delicada forma de componer -con tantos detalles- junto a esa sentimental voz. Para muchos sea más de lo mismo dentro de la discografía suya pero esas canciones de aire primaveral y día soleado nunca fallan ni se deben despreciar.


M83 - Hurry Up, We’re Dreaming

Probablemente los M83 con este disco hayan conseguido gracias a la canción “Midnight City” su tan ansiado Hit luego de tanto tiempo. Sin embargo, el que quiera encontrar un tema similar como este en el siguiente disco se va a decepcionar un poco ya que es doble este álbum y necesita de una escucha más atenta que la de un Hit radial.


Panda Bear - Tomboy

El parate de el colectivo animal de sonidos de Animal Collective -valga la redundancia- tiene a Noah Lennox como uno de los máximos beneficiarios ya que con este nuevo disco puede seguir demostrando toda la mezcla de estilos y sonidos que hay dentro de su cabeza. Para ordenar o desordenar la mente de Lennox el álbum está producido por Sonic Boom (ex Spacemen 3) y con esto deja en claro de que la experimentalidad -un poco más contenida que antes- está a la orden del día.


Real Estate - Days

Lo que tocan los Real Estate lo hacen e hicieron muchos grupos antes que ellos o sea que por el lado de lo novedoso puntos no van a ganar. Sin embargo donde si se llevan los porotos es con su música ya que se termina convirtiendo adictiva y se deja escuchar el disco entero sin sobresaltos. Esos temas cancinos y relajados con aires de verano y esas voces con reverb contagian de inmediato convirtiendo a “Days” en un disco que cuando termine lo vas a poner de nuevo de forma automática.


The Horrors - Skying

¿Los Horrors van a seguir cambiando disco a disco o en algún momento se van a detener y plantar bandera de algún estilo en particular? Esto no es una crítica negativa sino una realidad ya que en su debut hicieron Garage Rock, en el segundo hicieron Shoegaze y ahora con este último es Post Punk y Pop de los ´80. Los Horrors con su música -más allá de su constante mención a grupos pasados- siempre tienen motivos para que se hable de ellos y esto no está mal si lo que hacen está ejecutado con calidad.


The Weekend - House of Balloons

Los Weeknd sacaron su primer Lp sólo por internet. El mismo, sólo se puede conseguir así ya que colgaron el álbum en su web y no se encuentra por ninguna disquería. Sin embargo, esto no es un impedimento para ser uno de los discos más interesantes del año. Desde la tapa ya nos muestran de que va su interior, una música nocturna, algo prohibida y por sobre todo sexual. Desde un Neo R&B, Dub Step y algo de Hip Hop son algunos de los estilos que se encuentran en el álbum. Apto para escuchar a oscuras.


TV on The Radio - Nine Types of Light

Que una banda ya transite su quinto disco y que aún no pueda ser encasillado en un estilo en particular puede hablar de ellos muy bien o muy mal. Con los TV on The Radio sucede la primera opción ya que nos habla de una banda inconformista, dispuesta a tomar riesgos sin medir las consecuencias. A pesar de sus diez años de carrera siguen sonando frescos como la primera vez con su expresión de Art-Rock, pero los encontramos más calmos y maduros.


Youth Lagoon - The Year of Hibernation

Cómo cambió el hecho de grabar y producir un álbum. Antes era todo mucho más difícil y no cualquiera tenía acceso a esto. Desde la llegada de lo digital y las computadoras personales todo se hizo más fácil, igual esto no quiere decir que sobre calidad sino que hasta el momento es cantidad. De todas formas quien le quita el mérito a este purrete de veintitantos que ya sacó su disco con influencias de Flaming Lips y Mercury Rev grabado desde su habitación, sino fíjense en el título del mismo.


Yuck - Yuck

Siempre, por más que pasen los años y las modas, van a surgir las bandas de guitarras. Con Yuck y su primer Lp una vez más la teoría esta vigente. Estos londinenses suenan bastantes americanos ya que sus influencias directas en su sonido son los Dinosaur Jr, Pavement, Sonic Youth y Pixies entre varios más. Si tu adolescencia creció con ellos los Yuck son tu nueva banda de sonido para viajar al pasado.


Wilco -The Whole Love

Después de un álbum rendidor y de fácil consumo como fue su anterior trabajo llamado igual que la banda, podía llegar a ser difícil realizar un sucesor que esté a la altura. Los Wilco con este “The Whole Love” hicieron un borrón y cuenta nueva ya que se encontraban agotados en sus casi 20 años de carrera. Que mejor que despacharse con un álbum fresco y directo, que va en piloto automático como es este último Lp de la banda de Jeff Tweedy.

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , lunes, 26 de diciembre de 2011 14:00

Los Discos Más Interesantes del 2011. Parte 1

Ya se acerca fin de año y siempre estas fechas se utilizan como balance para reflexionar en base a lo transcurrido durante ese período. Se trata de rescatar lo mejor y de descartar y/o dejar en el olvido lo peor del mismo. Esto sucede en todos los ámbitos de nuestra vida y por supuesto la música no es la excepción. El 2011 en materia musical había empezado bastante tranquilo, pero con el correr de los meses y ya casi llegando al final del mismo se puso bastante interesante. Justamente esta palabra sería la más adecuada para encolumnar una serie de álbumes de este año, ya que siempre se suele utilizar la denominación de: “Los Mejores Discos del….” o “Las Mejores Canciones del….”, sin embargo esto es muy subjetivo. Por eso el término interesante le estaría quitando cierta pretensión, subjetividad e imparcialidad a una lista que ya de por sí siempre corre bajo la tendencia y/o gusto por parte de quien la confecciona. Por estos motivos, los discos de más abajo se encuentran ubicados en orden alfabético y no por puestos o en orden decreciente como suelen aparecer en muchas listas. Acá va la primera parte de algunos de los Discos más interesantes del 2011:


Arctic Monkeys - Suck It and See

Luego de su oscuro tercer larga duración, los chicos de Sheffield habían despertado cierta inquietud e interés por saber si iban a continuar en esa senda musical o iban a volver al rock directo que tanto éxito y beneficios les trajo. Este 4 Lp es una mezcla de todo lo anterior pero aggiornado, ya que Alex Turner maduró y también lo hicieron sus composiciones aunque se encuentren sostenidas en este caso por el rock de sus primeros discos.


Bill Callahan - Apocalypse

Siempre se dice que el terror de todos los músicos es editar su segundo disco, ya que para su primer álbum tuvieron toda una vida para prepararlo y luego grabarlo, sin embargo para el siguiente sólo tienen unos cuantos meses. Algo de esto le pudo haber sucedido al cantautor Bill Callahan, el cual había logrado muy buena aceptación con su primer disco, pero supo salir airoso del escollo con este reciente Lp el cual continúa lo realizado en el anterior. Sí, quizás unos escalones más abajo, pero no desentona.


Bon Iver - Bon Iver

El segundo trabajo del cantautor Justin Vernon más conocido como Bon Iver continúa por el mismo camino que su primer larga duración. Sin embargo, el primero era bien introspectivo y este se percibe como un poco más sociable. Los arreglos de voces -su falsete-, coros y demás instrumentaciones siguen estando y siempre se destacan por su perfección marcando diferencia con algunos de sus contemporáneos. Qué decir del arte de tapa, esa pintura habla por sí sola de qué va el disco.


Cut Copy - Zonoscope

Parece que el Retro también caló hondo -y ya hace rato- en los grupos de Rock Electrónico más moderno, como es el caso de los australianos Cut Copy. Sin dudas este tercer álbum es el más accesible dentro de su repertorio y mucho de esto se debe a que emparentaron su sonido con ritmos y/o melodías de los ´80 sin sonar Vintage. Indispensable para un sábado a la noche.


Dum Dum Girls - Only in Dreams

Parece que el Pop de los ´60, alguna que otra influencia del Garage Rock y el Dream Pop -vía Mazzy Star- están de moda por estos días ya que una vez más hay otro grupo que tiene esto como faro a seguir. El grupo femenino Dum Dum Girls edita su segundo Lp bajo la producción de Sune Rose Wagner, mitad de los Raveonettes y esto queda en evidencia ya desde la primera escucha. El disco puede llegar a ser lineal, sin muchos arreglos más que la simplicidad de una banda haciendo Pop-Rock, pero… ¿esta mal?.


Elbow - Build a Rocket Boys!

Los Elbow nunca van a ser una banda canchera. Esto no es un ninguneo, todo lo contrario, ellos están para otra cosa. No son una pose y una cara de malo, tampoco su estética y apariencia física los ayuda mucho pero no les importa porque su prioridad es la música, y acá si que ganan tirando lujos. Para este álbum sus letras tratan sobre la adolescencia y el proceso que conduce a la madurez. Su música siempre intensa y con ciertos aires progresivos son la pausa perfecta para detenerse a escuchar un álbum lleno de detalles.


Fleet Foxes - Helplessness Blues

El segundo disco de los Fleet Foxes sirvió para dejar en claro que estos muchachos de Seattle no habían tenido solo suerte con su primer larga duración. En este álbum siguen regalándonos buenas voces, música sentimental y bien ejecutada la cual los posiciona como punta de lanza de esa nueva camada de Neo Folk que se esta dando estos años. Profundo pero ambicioso a la vez.


Justice - Audio, Video, Disco

El dúo francés Justice con este segundo Lp se vuelve más rockero que en el disco anterior. Más allá de que sus bases sean electrónicas en este trabajo tienen más importancia las voces, cosa que no sucedió tanto en “Cross”, su primer álbum. La música de Justice puede quedar con el tiempo como recuerdo de un momento o movimiento que sucedió y sintió los embates del mismo pero hoy por hoy tiene que ser reconocido.


Miles Kane - Colour of The Trap

Hasta la edición de este álbum -y de seguro todavía aún- se conozca a Miles Kane por ser la otra mitad de The Last Shadow Puppets, el dúo que completaba con Alex Turner. Muy poco se sabe que tuvo una banda como The Rascals, la cual paso con más pena que gloria. Sin embargo, para este año, ha decidido “quemar las últimas naves” y jugársela editando un Lp bajo su nombre el cual contiene una colección de temas de rock-pop británico, elegante y simple, retro pero a la vez moderno.


My Morning Jacket - Circuital

Los MMJ llegan a este nuevo trabajo totalmente renovados, manejando un amplio espectro de sonidos los cuales van jugando con nuestras emociones y nos regalan su álbum más variado, deslumbrante y de perfecto consumo a la vez. El arreglo de voces de Jim James, la delicada y sentimental “Wonderful”, el coro femenino de “Holdin on To Black Metal”, el madchesteriano “First Light”, el mid-tempo de “The Day is Coming” y varias cosas más son lo que hacen de “Circuital” la puerta perfecta para entrar al Universo de My Morning Jacket.


Neon Indian - Era Extraña

Con un apellido identificable más con un dibujo animado que con un cantante de rock, este Alan Palomo edita su segundo álbum y en este caso lo hace superando en calidad al primero por varios cuerpos de distancia. Su música de Indie Rock Electrónico se encuentra dentro de lo más novedoso y fresco dentro de ese estilo en los últimos años. Indispensable para los tiempos modernos que corren.


PJ Harvey - Let England Shake

En entrevistas y reportajes el álbum de Polly Jean Harvey se anunciaba que iba a ser sobre la guerra, pero nadie se esperaba que el conflicto bélico iba a resumirse a la mirada crítica de ella sobre la postura de Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial. Las letras, irónicas, sentidas y críticas no sólo hablan del país de la Rosa sino también de la Europa de fin de siglo XX. El mejor trabajo de PJ Harvey en mucho tiempo.


Radiohead - The King of Limbs

Seamos sinceros, siempre que los Radiohead editen un nuevo Lp lo vamos a comparar con “OK Computer”. Bien, si empezamos así vamos mal de movida y negativos porque sabemos que ese trabajo es uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Sin embargo, si nos corremos de ese prejuicio podemos llegar a valorar este “The King of Limbs” que aunque venga con una duración casi de Ep se puede llegar a disfrutar aunque más no sea en cuentagotas del talento de Yorke y Cía.


Ryan Adams - Ashes & Fire

El nuevo disco de Ryan Adams nos deja un sabor más que dulce, ya que sus anteriores trabajos no cumplieron con las expectativas que este cantautor había despertado con su debut. Sin embargo, este nuevo Lp nos muestra al mejor Ryan Adams, con canciones directas al corazón como “Dirty Rain”, “I Love You But I Don't Know What To Say” o “Lucky Now” entre otras. Ojala sea el álbum para el nuevo despegue en la carrera de Adams.


The Decemberists - The King is Dead

Luego de un álbum interesante pero quizás muy jugado para sus fans más acérrimos, los Decemberists vuelven al formato más clásico en ellos, la canción. Este “The King is Dead” no tiene el misterio y la osadía de su trabajo anterior pero eso no es algo negativo ya que vuelven al estilo que mejor les calza, el Alt-Rock. Este disco sirve de link directo para los que gustan de R.E.M, mezclado con Gram Parsons.


The Drums - Portamento

¿Que le paso a The Drums? De repente el día se hizo noche, y esto es literal ya que para su segundo disco cambiaron de forma radical a la playa, el surf y las chicas en bikini de California, por el gris, lluvioso y frío Londres. El cambio no le vino tan mal a Pierce ya que cada vez más sus composiciones tienen esa típica tortura sentimental inglesa y eso no le sienta nada mal.


The Kills - Blood Pressures

La junta que tuvo Alison Mosshart con Jack White en los Dead Weather parece que tuvo sus frutos ya que con este último disco los Kills recuperan su sonido garagero, sucio y crudo con los que se dieron a conocer. Las palabras pueden estar demás para definir este “Blood Presures”, ya que es puro salvajismo pero con cierto halo de misterio cortesía de Mosshart en las voces.


The Pains of Being Pure at Heart - Belong

Este ya es el segundo disco en la carrera de los Pains of Being Pure at Heart, -sin contar su EP “Higher Than The Stars”- y una vez más recurren a esa influencia Shoegaze que no tratan de disimular. Son diez canciones que destilan guitarras de comienzos de los ´90 y un tratamiento vocal digno del mejor Dream Pop. Un disco que se puede convertir en una adicción.


The Strokes - Angles

“Is This It” es su mejor trabajo y punto. Pero estos neoyorkinos no pueden seguir tratando de imitar una y otra vez a su mejor obra, sino repasen su segundo y tercer trabajo. Para seguir, muchas veces hay que saber dar un volantazo y tomar los riesgos de empezar a pisar en suelo no seguro y tratar de expandir su sonido con nuevas instrumentaciones. Con este “Angles” los Strokes salen más airosos de lo que se podía creer ya que la relación entre ellos es más que tirante, sin embargo ante la salida de un nuevo trabajo siempre causan revuelo, y este no es la excepción.


The Vaccines - What Did You Expect From The Vaccines

Todos los meses la revista New Musical Express se embandera con un grupo que va a ser la sensación no sólo del año sino de toda la música a futuro. Esta vez el Hype puede estar en lo cierto, pero sólo como sensación para este año, todavía a los Vaccines le falta mucha pista por recorrer. De todas formas, ya despegaron y llevan un vuelo muy estable con su música fresca y descontracturada con influencias varias, entre ellos los Ramones y Jesus and Mary Chain.

Popcorn

Publicado por Mocker , lunes, 19 de diciembre de 2011 12:57

The Rolling Stones: "Some Girls-Live in Texas ´78"

Sin dudas el 2010-2011 fueron dos años Stone por donde se los mire y no porque Nuestras Majestades Satánicas hayan editado nuevo material o estén una vez más de gira por el Mundo, sino que esto se debe a la cantidad de material lanzado de su vasto catalogo. Empecemos, el año pasado reeditaron en formato Deluxe su disco “Exile on Main Street” y además de estar remasterizado y haber “limpiado” con esto su sonido, la sorpresa la traía la edición de un disco Bonus que lo acompañaba. Pero en este caso no se trataba de la típica jugarreta por parte de la discográfica de poner Demos, Fueras de Toma y demás recursos engañosos sino que se trataba de un disco con material “nuevo” descartado de la edición original y como si fuera poco esos temas estaban más que a la altura de las circunstancias. De forma paralela lanzan el documental “Stones in Exile” que mostraba con entrevistas y material de archivo como fue la grabación en Francia de ese disco. Meses más tarde lanzan un DVD indispensable como es “Ladies and Gentleman” grabado en 1972 el cual fue presentado años más tarde en las salas de cine pero que se perdió un poco en el olvido hasta la edición del año pasado.

Si te quedaste con ganas de más material por parte de los Stones, el 2011 también los tuvo de regreso con material visual como es el caso del DVD doble llamado “6 Ed Sullivan Shows Starring The Rolling Stones” el cual recopila -al igual que lo hicieron anteriormente con los Beatles- los seis programas enteros donde los Stones se presentaron para el programa de Tv de Ed Sullivan. Hace unos meses reeditaron en formato Deluxe el disco “Some Girls”, quizás el mejor de la etapa de Ron Wood como guitarrista de los Stones. Pero al igual que con el “Exile on Main Street” además de remasterizar el álbum pusieron como Bonus otro CD con temas que fueron descartados de la edición original, pero los cuales tienen una muy buena calidad compositiva los cuales tranquilamente podrían haber estado en cualquier álbum oficial de los Stones.

No está demás recordar que para el año 1978, los Stones, al igual que la mayoría de grupos longevos, empezó a sentir los embates y cimbronazos de una industria musical que estaba cambiando. Para esos años, ya estaba establecido el Punk -tanto en UK como en EE.UU- mostrando toda su actitud rebelde y juvenil la cual hacía ver a los grupos de décadas pasadas como una fotografía en color sepia. A su vez -esto ya en EE.UU- la música Disco empezó a dejar sus reductos exclusivos para codearse dentro de lo popular y tuvo con la explosión mundial del film “Fiebre de Sábado por la Noche” a su exclusiva vedette. Los Stones, con “Some Girls” dieron su manotazo de ahogado y termino siendo ya en ese momento y hoy a la distancia una brazada perfecta más que un simple chapoteo ya que lograron juntar estos estilos disímiles sin perder la esencia Stone en sus canciones. El Punk tenía sus representantes en “Shattered”, “Respectable” o “Lies”, mientras que el Disco le correspondía a “Miss You” y el Soul a “Beast of Burden” o “Just My Imagination” de los Temptations. El disco Bonus trae temas como “Do You Think I Really Care”, “Tallahassee Lassie”, “Don´t Be a Stranger” o “No Spare Parts” que son tesoros que más allá de que hayan sido editados en versiones Bootlegs recién ahora tuvieron su tratamiento adecuado con la remasterización. La buena repercusión de estos dos relanzamientos de discos alentaron a la discográfica a buscar nuevos-viejos tesoros así que no es de extrañar que en años venideros no salgan nuevas ediciones del “Beggars Banquet” o “Sticky Fingers” por nombrar sólo algunos.

¡Pero esto no es todo amigos! sino que también y ya como corolario de este año, editaron por primera vez de forma oficial un recital de 1978 grabado el 18 de Julio de ese año en el Will Rogers Memorial Center de Fort Worth, Texas. Bajo el nombre de “The Rolling Stones: Some Girls - Live in Texas ´78” editan en DVD un film rodado en 16 mm. el cual fue remasterizado en alta definición y con sonido digital. La industria musical, para soportar los duros embates de la descarga o la piratería cada vez se esfuerza más para poner en el mercado un producto interesante y que tenga gran variedad de opciones y ofertas. Por ejemplo, en esta edición se puede adquirir el DVD sólo o junto al CD del mismo recital, además de otras opciones pero que suben en cuanto cotización.

De entrada ya el recital nos muestra a unos Stones decididos a “volver a sus fuentes”, ganando más crudeza y siendo más directos en su performance. Esto se debe a que ellos -hábiles de reflejos para captar lo que sucedía a su alrededor- vieron que el Punk con su actitud desafiante, directa y despojada de toda parafernalia ganaba en popularidad, motivo que los llevó a seguir esta propuesta. Además de repasar casi todo el disco “Some Girls” con temas como “Miss You”, “Respectable”, “Beast of Burden”, “Shattered”, “Just My Imagination” o “When The Whip Comes Down”, también ejecutan clásicos como “Tumbling Dice”, “Jumpin Jack Flash”, “Brown Sugar”, “Honky Tonk Women” “Love in Vain” o “Happy” entre otros. Claramente la selección de temas esta radicada en los ´70 y muy poco de la década de los ´60.

El show es muy directo ya desde la estética. Jagger y cía están despojados de cualquier parafernalia y/o arreglos que podían tener antes. Incluso como banda de acompañamiento además de ellos cinco sólo se encontraban el siempre fiel Ian Stewart en el piano, el ex Small Faces Ian McLagan en teclados y el agregado de Doug Kershaw en violín. Incluso la vestimenta de los Stones también marca una pose despojada del glam de años anteriores, así podemos ver a un Jagger vestido con un saco y una remera bien New Wave debajo.

El show comienza con el cover de Chuck Berry “Let it Rock”, y siguen luego con sus temas propios como “All Down The Line”, “Honky Tonk Women” y Starfucker”. El comienzo no da respiro y no bajan la adrenalina para nada, meta palo y a la bolsa. Recién en su quinto tema, comienzan a presentar las canciones de “Some Girls” como son “When The Whip Comes Down”. Al finalizar este tema bajan las luces y el escenario se transforma en una pista de baile con “Beast of Burden”, “Miss You” y “Just My Imagination”. Luego de esa excelente versión del tema de los Temps vuelven al rock visceral de “Shattered” y “Respectable”. Los Stones fiel a sus gustos por el Honky Tonk y el Blues Rural -algo ya sabido por todos- ejecutan “Far Away Eyes” y su versión de “Love in Vain” de Robert Johnson. Los últimos temas están reservados para el repertorio de principio de los ´70 con “Tumbling Dice”, “Happy”, “Brown Sugar” y cierran con el enérgico “Jumpin Jack Flash”.

Pero esto no es todo porque la frutilla del postre la pone el Bonus que hay en el DVD con la presentación de los Stones en el programa de TV “Saturday Night Live” en el que tocan “Beast of Burden”, “Respectable” y “Shattered” previa parodia del actor Dan Aykroyd imitando al conductor Tom Snyder.
Sin dudas este “Live in Texas” es uno de los mejores registros de los Stones en vivo y se celebra que haya sido “rescatado” del gran arcón de tesoros que tiene el catalogo de Sus Majestades Satánicas.


"Trailer"


"Miss You"


"Shattered"


"Beast of Burden"

Rompé el Chanchito!

Publicado por Mocker , sábado, 10 de diciembre de 2011 20:58

5 Discos de Folk Rock Británico que no hay que dejar de tener

Fairport Convention - "Liege & Lief" (1969)

Los Fairport Convention sin duda pueden ser considerados los puntales del Folk Rock Británico, ese estilo que mezcla por partes iguales el Folk -en este caso de raíces más emparentadas a la música Celta- y el Rock tradicional con instrumentos no tan comunes para una banda de rock como son violines, mandolinas, etc. Estas características son las que lo diferencian del Folk que provenía desde EE.UU la cual tenía una veta más Hippie, ácida y colorida. Los Fairport llegan a su cuarto Lp, “Liege & Lief”, un poco golpeados por la reciente tragedia que sufrieron al perder al baterista Martin Lamble en un accidente cuando la camioneta que los transportaba volcó en la ruta. Reagrupados, y con nuevo integrante en los parches, a los que se le unió también Dave Swarbrick en el violín y mandolina, deciden editar un disco que deja un poco de lado su costado más tradicional y Folk para acercarse más al Rock. Grabado en una casa de campo cerca de Winchester, Hampshire, el disco causó cierto revuelo para los fans más puristas de la banda como así también dentro del mismo seno del grupo que se encontraba divido en sus gustos musicales. Algo de esto ya se estaba vivenciando con su anterior trabajo -muy bueno también- “Unhalfbricking”. Los Fairport tocaban ahora las mismas canciones tradicionales pero con un pulso más rock sin perder su costado Folk. A fin de cuentas, se pusieron más eléctricos. El Lp consta de 8 temas, los cuales 5 son canciones tradicionales arregladas para el oído contemporáneo, destacándose “Matty Groves” la cual cuenta una historia de adulterio, la bella “Tam Lin”, el Medley de “The Lark in the Morning/Rakish Paddy/The Foxhunter's Jig/Toss T” y “The Deserter”. De todas formas, los temas originales como “Come All Ye” o el cierre instrumental con “Crazy Man Michael” son más que destacables. Este trabajo es uno de los más emblemáticos dentro de esa discografía indispensable que son sus primeros cuatro discos, sin embargo, también es un álbum de inflexión ya que marca una bisagra en el futuro de la banda. El bajista Ashley Hutchings quería ejecutar música más tradicional, lo cual hace que se aleje del grupo y forme a los Steelye Span, Sandy Denny por su parte luego formaría a los Fotheringay y Richard Thompson luego de “Full House” continuaría con una carrera solista bastante auspiciosa.


The Incredible String Band - "The Hangman´s Beautiful Daughter" (1968)

Los Incredible String Band de todos los enumerados en esta lista pueden llegar a ser “los diferentes”, esto no quiere decir que sean mejores o peores que sus contemporáneos, sólo diferentes. Esa distancia que había entre esta agrupación formada por Mike Heron y Robin Williamson se debía más que nada a que su música tenía inclinaciones hacia el Folk, sin embargo no desde un lado tan tradicional sino más bien desde algo más experimental o psicodélico. Discos como “The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” o su tercer Lp este “The Hangman's Beautiful Daughter” estaban empapados en ácido y podrían estar emparentados con la Psicodelia Americana. Sin embargo la tapa de ese tercer disco deja de manifiesto sus orígenes británicos. El colorido rural, donde se encuentran los integrantes de ISB junto a algunos amigos y sus hijos mostró al típico inglés del interior de su país a comienzos de los ´70 viviendo en comunidades. La diferencia con sus contemporáneos ingleses eran que los ISB eran los británicos -de Escocia- más americanos y no ocultaban o renegaban de esa postura “Hippie”. Ayudados por el productor Joe Boyd los ISB realizan un Lp cuyos temas no tienen la típica estructura o formato de canción y juegan con diversos estilos musicales, desde el Folk, la música Celta, armonías de cantos gregorianos, música hindú y hasta Africana entre otras. Instrumentos ejecutados por dos excelentes músicos que parecía que podían tocar cualquiera de ellos como sitares, flautas, clavicordios, varias percusiones y cualquier instrumento de cuerda entre otros. Las letras de sus canciones eran historias de viejas leyendas escocesas, cantos a la naturaleza, historias mitológicas o cuentos sobre brujas. En este Lp, se desprenden temas como “The Witches Hat”, “A Very Cellular Song” -¡que habla sobre una célula!-, “Waltz of New Moon”, “There is a Green Crown” o “The Minotaur´s Song” entre otras. Los ISB también son puntales dentro del denominado Folk Británico de los ´70, sin embargo pueden no ser de una digestión inmediata para el oído debido a sus experimentaciones sonoras.


The Pentangle - "Basket of Light" (1969)

Los guitarristas Folk Británicos Bert Jansch y John Renbourn luego de haber sacado discos de forma solista o en conjunto, como es el caso del Lp “Bert and John”, deciden seguir colaborando de forma conjunta, en este caso formando la agrupación Pentangle. Para esto buscan colaboración en Danny Thompson (bajo), Terry Cox (batería) y Jacqui McShee en la voz y salir a tocar interpretando temas Folk con aires Celtas pero con cierto vuelo más elaborado instrumentalmente. Esto se debía en parte a que cada integrante tenía sus propios gustos musicales, la cantante McShee por el Folk tradicional, Jansch por el Blues, Cox y Thompson por el Jazz mientras que Renbourn por la música gregoriana. Por estos motivos la música de Pentangle también marca ciertas diferencias con sus contemporáneos, ya que sus canciones tenían arreglos quizás más emparentados con una orquesta. De la discografía de los Pentangle quizás el álbum más reconocido sea “Basket of Light” tanto por calidad como de éxito comercial. En el disco se encuentran sus canciones más reconocidas como la bella “Once I Had a Sweetheart”, “Hunting Song”, “House Carpenter”, “Sally Go Round The Roses” y su tema más famoso “Light Flight”. Los Pentangle luego de este disco proseguirían editando trabajos interesantes pero ninguno con el éxito comercial de este “Basket of Light” -alcanzó el puesto N° 5 en Inglaterra-, lo cual llevo a que el último álbum editado bajo la formación original sea “Solomon´s Seal” de 1972. La “coqueta” tapa del Lp es la foto de la agrupación tocando en el Royal Albert Hall de Londres.


Richard Thompson - "I Want To See The Bright Lights Tonight" (1974)

De la separación de una de las bandas puntales del Folk Británico como fueron los Fairport Convention se ramificó en varios grupos o solistas. Uno de estos últimos fue el guitarrista Richard Thompson el cual junto a la ayuda de su esposa Linda lanzaron un primer Lp llamado “Henry The Human Fly” el cual no gozó de una buena repercusión. Sin embargo, para su segundo trabajo el destino sería todo lo contrario ya que este “I Want to See the Bright Lights Tonight” de 1974 es considerado uno de los mejores discos no sólo del Folk Británico sino de la Historia del Rock. A pesar de que el dúo marido-mujer no tenga un panorama muy auspicioso dentro del rock, esta pareja ha logrado revertir un poco esta tendencia. El álbum tiene unas letras que hablan -a diferencia de lo que se solía mencionar el Folk Británico- sobre la indigencia, los marginales, la melancolía y una oscura visión del Mundo. El Lp fue grabado en 1973 pero tardo en editarse debido a la crisis petrolera de esa década la cual mermó la tirada de varios trabajos lanzados en el formato amo y señor de esa época, el vinilo. Más allá de que las letras trataran sobre temas de desesperanza, la música por el contrario era más que alegre. El costado Folk con inclinaciones Celtas hacía que esas oscuras letras tomaran otro color como por el ejemplo en el tema homónimo al Lp el cual se refería a ahogar las penas en alcohol tomando todo lo que esté al alcance pero la música de fondo iba para el otro sentido. Bajo esta misma premisa está “When I Get to the Border”, “The Calvary Cross” o “Withered and Died”, mientras que existen otras canciones como “We Sing Hallelujah” donde la temática es más esperanzadora. Los músicos que participaron de este trabajo fueron algunos integrantes de los Fairport Convention, los Fotheringay -la nueva banda de Sandy Denny-, Gryphon -interesante agrupación de Rock Progresivo- y el excéntrico Roy Wood. El Lp se convirtió en un objeto de culto y es hoy a la distancia mencionado como un álbum de referencia ineludible.


Sandy Denny - "Sandy" (1972)

Muchos pueden conocer a la cantante Sandy Denny por ser la reemplazante de Judy Dyble para el segundo Lp de Fairport Convention, dando comienzo a la etapa más reconocida del grupo. Otros quizás, la pueden haber escuchado en el tema “The Battle of Evermore” de Led Zeppelin, pero muy pocos conocen la carrera solista de ella luego de disolver su otra banda, Fotheringay. “Sandy” es el segundo Lp solista de ella y es un trabajo que para cualquier fan del Folk Británico merece ser escuchado, incluso el Lp se encuentra injustamente a las sombras de otros trabajos inferiores a este. El espíritu del disco junto a la instrumentación y la voz de Denny nos regalan calidez, apto para ser escuchado durante un tranquilo atardecer ya que su ritmo pastoral nos invita a eso. Las canciones se van sucediendo una tras otra conformando una propia unidad y no sobresaliendo un hit por si sólo. Temas como “For Nobody to Hear”, “Tomorrow Is a Long Time” -de Bob Dylan-, “The Quiet Joys of Brotherhood”, “Sweet Rosemary”, “The Music Weaver” o “Listen, Listen” son algunas de las canciones que integran el álbum. El Lp contó con la colaboración de antiguos miembros de los Fairport Convention como Richard Thompson junto a su esposa, o Dave Swarbrick que aportó su violín. Muchas veces, y mucho más en estos tiempos en lo que todo se consume de forma inmediata, siempre acudimos a la obra más conocida de tal o cual artista, puede ser un éxitos o lo que aportó dentro de una agrupación, pero nos olvidamos o le restamos importancia a trabajos que quizás no hayan gozado de buena aceptación comercial pero que sin embargo tienen mucho para decir o mostrar como este “Sandy” de Sandy Denny, la voz del Folk Británico.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , miércoles, 30 de noviembre de 2011 14:28

Raúl Porchetto: "Cristo Rock" (1972)

A comienzos de la década del ´70, empezó a ser de moneda común la creación de discos conceptuales, muchas veces llamados álbumes de Ópera Rock. El mercado anglosajón, una vez más, marcó el camino a seguir para que luego en cada país hubiera una respuesta a esta propuesta. Muchos indican que el primer Lp que comenzó esa travesía fue “Tommy” de los Who, sin embargo meses antes había salido al mercado el álbum “S.F. Sorrow” de los ingleses The Pretty Things, pero el cual no tuvo su merecido reconocimiento en el momento de su edición. A pesar de esto, el tiempo y la historia lo revalorizó dándole su merecido lugar. Incluso, algunos indicios de que el rock empezó a cambiar para ponerse más “serio” se vio con la edición del “Sgt. Peppers” de los Beatles. Esto fue el disparador para que varios grupos contemporáneos quisieran ir en busca de su propio Sgt. Peppers. Así empezaron a aparecer Lp´s como “Village Green” o “Arthur” de los Kinks, “The Story of Simon Simopath” de los Nirvana UK, “Ogdens' Nut Gone Flake” de los Small Faces o los mencionados en primer lugar entre varios más. Sin embargo, este concepto se vio fortalecido por los grupos de Rock Progresivo, los cuales vieron en esta propuesta la vía correcta para contar historias que tuvieran un comienzo, un desarrollo y un final relatando las vivencias de un personaje en cuestión, de un movimiento cultural o una historia de fantasía/mitología.

La respuesta a tal formato no tardo en llegar por nuestras tierras y tuvo a Vox Dei como máximo referente en la creación de un álbum conceptual, es más, a la edición de “La Biblia” en 1971 se la considera como el primer Lp de Opera Rock cantado en español. Por supuesto que hubo grupos anteriores a Vox Dei que trataron de plasmar esa idea musical años anteriores como por ejemplo Almendra con su segundo álbum, pero el mismo quedó trunco porque la agrupación sintió el desgaste causando entre otras cosas la disolución de la banda. Vox Dei realizó un Lp entero dedicado a La Biblia, contando desde el Génesis hasta el Apocalipsis, pasando por Moisés, las Profecías, el nacimiento de Cristo, su muerte y resurrección. El álbum, contó con el visto bueno de la Iglesia Argentina y tuvo una respuesta más que favorable dentro de la opinión pública.

Tanto es así, que tuvo sus consecuentes interpretaciones en varias ocasiones entre ellas el álbum dirigido por Billy Bond con el Ensamble Musical de Buenos Aires, un Lp en el que trabajaron a la par músicos de orquesta junto a los artistas más reconocidos de esa época como Charly García, Nito Mestre, David Lebón, Miguel Cantilo, Claudio Gabis, Oscar Moro y Raúl Porchetto entre varios más. Este último, justamente, fue también el hacedor de un disco de corte conceptual, que también tenía como tema principal a la iglesia y la fe en Cristo. Sin embargo, muy a diferencia de lo que sucedió con “La Biblia”, no tuvo tanta repercusión, convirtiéndolo en álbum de culto. Uno de los motivos por los cuales quizás no alcanzó calar hondo dentro de lo popular fue que tuvo una crítica a la Iglesia como institución.

/ “Donde esta mi Iglesia? / Donde esta mi Iglesia? / Quién la deformó? / Nunca hablé de riquezas / Ni Imperios de religión / Sólo quise templos llenos de mi amor / Abran ya sus mentes, abran ya su corazón / No quiero pseudos amantes de mi amor” /

Reivindica la figura de Jesús, mientras realiza una critica mordaz a la Iglesia. Una vez más el encono que rodea a la Iglesia y al cristianismo es analizado por el Rock.

/ “Con qué tapa las palabras / Sobre la farsa de este mundo / Dónde esconde a los muertos / Dígame querido Papa / Dónde guarda todo el hambre / Y la angustia de esta gente / como logra su silencio, dígame querido Papa” /

Es llamativo como la música y la religión se buscan de forma constante, generándose de esta unión una urticaria bastante molesta para algunos sectores, ya sea eclesiásticos, como sociales. No nos olvidemos que el Rock and Roll en sus comienzos era visto como la música del demonio, la cual para algunos sectores ortodoxos llevaba a la juventud americana hacia la perdición. Sin embargo, también es llamativo como la figura de Jesús y todo lo que lo rodea, es revisitado de forma constante -casi siempre desde un lado crítico- por el Rock, como por ejemplo en el musical y posterior film Jesucristo Superstar u obras como “Tommy” donde el personaje principal encarnó a una especie de “Mesías”, y así se van sucediendo los casos donde en mayor o menor medida hay un guiño hacia la figura religiosa.

Volviendo a Porchetto, él edita “Cristo Rock”, su primer larga duración, en 1972 aprovechando y subiéndose al envión que habían dejado los Vox Dei con su segundo disco. Sin embargo, el trabajo de Porchetto, muy a diferencia de “La Biblia”, tenía un mensaje de protesta y crítica hacia el poder que tenía la Iglesia como Institución.
El Rock Argentino, a comienzos de los ´70, tuvo dos bandos, los Pesados y/o eléctricos, mientras que los otros eran los Blandos y/o acústicos. Estos términos nunca fueron muy bien recibidos por los integrantes de cada grupo pero sirvió para “catalogar” a algunos artistas. Dentro de los últimos mencionados se encontraba Raúl Porchetto el cual decide cambiar ese rótulo de cantautor “blando” con esta Opera Rock.

En 1972, el sello Microfon contrata a Porchetto para grabar su primer Lp y este se despacha con “Cristo Rock”, el cual contó con una instrumentación y una banda de apoyo netamente rockera, muy a diferencia de cómo se venía presentando anteriormente. La grabación de este disco contó con la producción de Billy Bond y varios músicos de La Pesada del Rock and Roll, como fueron Jorge Pinchevsky, o Alejandro Medina y Claudio Gabis -también miembros de Manal-, Oscar Moro -ex baterista de los Gatos entre otros grupos-, Kubero Díaz -de La Cofradía de la Flor Solar- y un muy joven Charly García en teclados dejando para la efemérides a esta grabación como la primera que realizo de forma oficial, incluso antes de su debut con Sui Generis.
Las canciones que conforman el Lp están enumeradas como “Canción I” hasta “Canción VIII” contando como preludio una “Obertura” a cargo Charly García en los teclados, a Medina en el bajo, Gabis en la guitarra, y a Porchetto ejecutando un órgano de Iglesia. Luego de esa introducción instrumental el pulso rítmico del disco transita entre el Hard Rock y el Folk sostenidos por unas instrumentaciones no tan convencionales para un grupo de rock como violín, a cargo de Pinchevsky, flautas y un grupo de coro.

Como dato de color, la tapa -a pesar de lo que muchos creen- no es la silueta desnuda de Porchetto tocando la guitarra, sino que es la de un modelo contratado para tal foto. Sin embargo, la siguiente portada no fue la que se barajó desde un primer momento, ya que Porchetto tenía otra idea, un concepto un poco más rebuscado. Quería que la misma sea totalmente blanca y que el Lp viniera acompañado con un lápiz para que cada uno al escuchar el disco “hiciera” su propia tapa. Sin embargo, los de la discográfica pensaron que era una idea demasiado rebuscada y para nada comercial optando por editar el disco con una portada más tradicional.

El disco no rindió los frutos esperados en cuanto a popularidad, incluso en cuanto a obra conceptual siempre se mantendrá a la sombra de “La Biblia” pero va ganando cada vez más el rótulo de álbum de culto. De todas formas, más allá de esto, es un trabajo que sirve para definir el espíritu inquieto, de búsqueda y desafíos que se proponía la generación de músicos argentinos en los ´70.

Pará las Orejas!

Publicado por Mocker , martes, 22 de noviembre de 2011 12:09

Ryan Adams: "Ashes & Fire" (2011)

Todos los estilos musicales tienen a su figura autodestructiva, ya sea impuesta por la sobre exigencia de la industria musical, por algún pequeño desequilibrio psicológico que se ve a agravado con el paso del tiempo, excesos de drogas y/o alcohol o porque no también la sumatoria de todas las partes. Así podemos encolumnar dentro de esa lista a algunos músicos de los últimos año como Kurt Cobain, Elliott Smith o la reciente Amy Winehouse a los cuales no se les auguraba un final feliz de acuerdo a la desenfrenada vida que llevaban. El Alt-Country, estilo bien americano, que mezcla las raíces del Country tradicional con una postura y una instrumentación del rock alternativo de los ´90, tuvo y tiene a Ryan Adams como una de las figuras más renombradas de ese género, el cual también supo tocar las puertas del infierno pero llegó a sacar el pasaje de vuelta justo a tiempo.

Adams luego de liderar una de las bandas más conocidas de ese género como fue Whiskeytown decide largarse como solista teniendo una carrera más que auguriosa con su primer Lp llamado “Heartbreaker” del año 2000 hasta llegar a este último “Ashes & Fire” de este año. Sin embargo, en el medio hubo de todo, álbumes rendidores que continuaban bajo la senda de ese primer Lp, otros discos totalmente “bajoneros”, muchos de ellos debido al alto consumo de sustancias que estaban destruyéndolo, o también trabajos que se abrían del estilo que supo abrazar desde siempre para pasarse a un rock más duro. Aún así, con todo esto, la carrera musical de Ryan Adams es más que destacable y su lugar de niño prodigio del Alt-Country no fue tocado. Mucho de esto último se debió a que ya hace un par de años supo dar un golpe de timón a su vida y dejar de jugar ese papel de Rock Star autodestructivo. Este “Ashes & Fire”, sin ser uno de sus mejores trabajos tiene que ser recibido por los seguidores de su carrera más que con beneplácito ya que al parecer marca el regreso del Adams más prolífico. Este trabajo es el primero ya sin The Cardinals, la banda que supo cobijarlo durante los últimos años y nos muestra a un Adams con ganas de seguir emocionándonos con su música.

El Lp fue grabado en los estudios Sunset Sound Factory de Hollywood y contó con la producción a cargo de un grosso como es Glyn Johns (The Who, Faces, Bob Dylan) y la colaboración en piano de Norah Jones, lo que nos da la pauta que hablando en números comerciales el disco no podía fallar. En la gran mayoría de los casos los artistas que ya tiene varias décadas musicales encima con sus respectivos altibajos en su carrera, siempre llegan a un momento que deciden pisar sobre seguro y volver a lo que tan bien les salía y que les rindió sus frutos. Por ese motivo, este “Ashes & Fire” es un regreso al Adams introspectivo, de baladas certeras, de arreglos country-folk edulcorados con “ganchos” de lo alternativo. Esto no es mirar el vaso medio lleno sino que es resaltar el bueno tino que tuvo Adams para volver a lo que mejor sabe hacer.

El álbum comienza con la apacible “Dirty Rain” y ya de entrada nos da la pauta del espíritu que rodea al Lp. La voz de Adams, sigue intacta y emotiva como siempre. La gran mayoría de las canciones cuenta con la colaboración de Norah Jones en piano pero acá también, al igual que en algunas otras, se encuentra ejecutando el piano eléctrico Benmont Tench, uno de los Heartbreakers de Tom Petty. Con esto marca una pauta que Adams además de saber componer, también sabe de quien rodearse. La siguiente es la vigorosa canción homónima al disco y se presenta como un tema del más puro Alt-Country. Las siguientes “Come Home” -una de las mejores canciones del Lp-, “Rocks” o “Do I Wait” vuelven al cantautor el ritmo pausado e introspectivo que domina el disco. “Chains of Love”, en cambio se desprende cómo una canción para ser cantada a coro en vivo por su estribillo pegadizo. Las últimas 5 canciones, “Invisible Riverside”, “Save Me”, “Kindness”, “Lucky Now” y la excelente “I Love You But I Don´t Know What To Say”, reforzada por su arreglo de cuerdas de fondo, nos muestran al Adams más terrenal, sencillo pero a la vez efectivo, de dulce voz pero a su vez crudo y emotivo que supo alumbrar en sus comienzos.

Quizás Adams haya alcanzado su madurez compositiva, la cual tanto se le exigía, y por la que a falta de ella empezábamos a perder la esperanza de toparnos con el buen cantautor que supo ser. Este “Ashes & Fire” nos deja contentos y esperanzados que lo mejor de Adams aún se encuentra en él y que no ha perdido el pulso de facturar canciones apuntadas al corazón aunque sea en cuentagotas.