Desempolvando los Archivos

Publicado por Mocker , jueves, 23 de diciembre de 2010 3:51

Jingle Bell Rock

La industria musical siempre se encargó de buscar el rédito económico ante determinados acontecimientos, aniversario de algún artista o disco, álbum tributo, un grandes éxitos luego de alguna separación o muerte, etc. Sin embargo hay una fecha dentro del calendario que siempre se jactó como de buen augurio para la factoría musical, esta se trata de la Navidad. Desde comienzos de la música contemporánea y mucho antes del nacimiento del rock, la industria comenzó a lucrar con las fechas navideñas en pos del rédito económico. De todas maneras, el genio no sale de la lámpara con sólo frotarlo sino que muchas veces hay que saberlo buscar y estos supieron como. Varios y muchos de los grandes cantantes de la historia. grabaron un tema o incluso un disco de concepto navideño. La lista es muy grande pero sólo con mencionar estos nombres, el éxito en las ventas de los discos estaba asegurada. Frank Sinatra, Nat King Cole, Bing Crosby, Tony Bennett, Dean Martin y una larga lista más.

Sin embargo, el reloj de la vida no se detiene y estos cantantes que eran irremplazables terminan cediendo su selecto lugar de intocables a nuevas figuras, solistas o grupos en ascenso por los cambios de la moda. Así empiezan a aparecer nuevos ídolos juveniles, que rápidamente son identificados por la juventud ya que compartían cierta contemporaneidad con ellos hablando el mismo idioma y costumbres, diferenciándolos de inmediato ya que no eran vistos tan demodé como los artistas que escuchaban sus padres. Es por esto que para bien entrados los ´60, editar un Lp de corte navideño era una nueva excusa para seguir vendiendo material de el o los artistas en cuestión. Sin embargo, la industria musical siguió avanzando como así también fueron cambiando los gustos musicales de la juventud, la cual empezó a dejar de lado estos trabajos y no mirarlos con muy buenos ojos.

El disco de villancicos navideños grabado por los artistas de moda fue cada vez más dejado a un lado, aunque siempre en menor o mayor medida pudo subsistir hasta nuestros días. Los cuales al parecer suelen querer volver a reflotar de alguna manera ese nicho de discos que se editaba por estas fechas festivas y que siempre tenía como concepto a la Navidad como motivo principal. Sin ir más lejos, este 2010 se despide con trabajos, en formato de simple, CD o descarga en artistas variados y de renombre como son Coldplay, The Killers o Gorillaz entre otros. Por este motivo, no está de más recordar algunos de esos primeros Lp que marcaron el rumbo dentro de ese género de canciones navideñas que tan vapuleado fue pero que tan bien supo subsistir.



Elvis Presley - "Elvis Christmas Album"

El disco “Elvis Christmas Album” editado a fines de 1957 fue una excusa más para que sus fans consumieran otras canciones de Elvis, sin embargo para las esferas políticas de la sociedad americana significaba un nuevo dolor de cabeza ya que pensaban que una vez más esta música ponía en peligro la moral de la juventud. A ver, que Elvis cantara Rock and Roll ya era bastante urticante para algunos sectores de la sociedad y si ahora encima se disponía a grabar temas del ámbito religioso ya eso era desesperante. De la lista de temas que se incluyen en el Lp, cuatro fueron lanzadas con anterioridad y no tenían nada que ver con el concepto navideño del álbum, pero sí eran de corte religioso. “Peace in The Valley”, “I Believe”, “Take My Hand, Precious Lord” y “It is no Secret” fueron las cuatro pistas. Las otras 8 canciones fueron una muy bella “Silent Night” y “Oh Little Town of Bethlehem”, las cuales fueron grabados de forma tradicional respetando con esto a las canciones originales. De todas maneras, “I´ll Be Home For Christmas” y “Here Comes Santa Claus” a diferencia de las mencionadas anteriormente, rozaron un estilo más R&B que no fue bien visto por semejante “herejía”. Sin embargo, qué decir de las otras 4 canciones restantes, para muchos fueron ofensivas porque Elvis usó el habitual trato sensual que ponía a cada una de sus interpretaciones causando todo un revuelo para una sociedad americana inocente para algunas cosas pero demasiado discriminatoria, autoritaria y persecutoria para otras. Las canciones fueron “Blue Christmas”, “Santa Claus is Back in Town”, “Santa Bring My Baby Back To Me” y “White Christmas”. Sin embargo, los fans del Rey no pensaban como las altas esferas y consumieron el álbum de inmediato. Incluso, hoy a la distancia es un disco totalmente escuchable que soportó dignamente el paso de más de 50 años.



Phil Spector - "A Christmas Gift For You From Phil Spector"

Si tendríamos que elegir un disco “navideño” o de villancicos por sobre todos ese sería sin ninguna duda “Christmas Gift For You From Phil Spector”, un Lp que reunió en 1963 a todo el personal de su propia factoría, incluyendo solistas y grupos vocales femeninos, para recrear clásicos navideños. Así desfilaron The Ronettes, The Crystals, Bob B. Soxx & The Blue Jeans o Darlene Love entre otros. Los cuales interpretaron las versiones de “White Christmas”, “Santa Claus is Coming To Town” o “Sleigh Ride”. Todo esto sostenido con las ampulosas orquestas de fondo tan típicas del sonido Spectoriano y su famosa “Wall of Sound”. Incluso se dio el lujo de crear una canción de villancicos de su propia producción como fue “Christmas (Baby Please Come Home)” interpretado por Darlene Love. Dada la fama de productor que tenía Spector por esos días era casi un hecho que el disco iba a funcionar, sin embargo, el destino quiso que se viera opacado ya que en la misma fecha de su edición, 22 de Noviembre de 1963, ocurrió el asesinato de John F. Kennedy el cual quedó en la historia de EE.UU como uno de los más tristes de su historia socio-política. La sociedad americana acuso el golpe durante mucho tiempo dadas las circunstancias de cómo se dio el hecho y porque la figura de Kennedy fue una de las más carismáticas dentro de la historia de ese país. Fue tanta la conmoción y el tiempo que se llamó a luto la sociedad, que las emisoras de radio y TV decidieron no emitir canciones navideñas durante las siguientes semanas causando esto un fracaso total para el disco de Spector que no pudo ver como su obra alcanzaba los primeros puestos del ranking. De todas maneras, la historia suele hacer redenciones y también reediciones en su veta musical logrando posicionar a este disco como el único de su género que figura dentro de los mejores álbums de la Historia del Rock. Incluso, para algunos, adelantándose a la idea de discos conceptúales que luego comenzarían a aparecer, sin embargo esto puede abrir el debate ya que es demasiado subjetivo.



The Beach Boys - "The Beach Boys Christmas Album"

Parece que la Navidad y los grupos vocales siempre fueron de la mano, mucho más si se trataba de uno de los grupos pop de los ´60 por excelencia, The Beach Boys. Mucho antes de su obra cumbre, “Pet Sounds”, el inconcluso “Smile” y toda la obsesión por encontrar el sonido y la melodía perfecta por parte de Brian Wilson, los Beach Boys sólo hablaban de surf, chicas y autos en sus letras. Sin embargo, para 1964 deciden abrirse de ésa triada y realizan un disco que no se encuentra dentro de su discografía oficial pero que es ineludible como uno de los discos de rock clásico para la navidad. El Lp se llamó “The Beach Boys Christmas Album” y contenía 5 canciones compuestas por ellos y siete villancicos. Las más sobresalientes del álbum son “Little Saint Nick” y “The Man With All The Toys”, dos temas que fueron lanzados como sencillos. También aquí se encuentra la primer canción en la cual Al Jardine, guitarrista del grupo, puede tener la voz principal relegando a Mike Love y Brian Wilson a los coros. El disco no sólo estuvo producido por Wilson sino también por Dick Reynolds, famoso por ser el arreglador de The Four Freshmen, grupo del cual Brian era fanático. De más esta decir que el que espera encontrarse con unas melodías tipo “Surfin USA” va a quedar decepcionado pero el que este interesado en dar un vuelta de tuerca y escuchar a uno de los mejores grupos vocales de la historia interpretando canciones navideñas y conocer con esto un disco de rarezas, se sentirá a gusto.



The Ventures - "The Ventures´ Christmas Album"

Surf + Nieve en 1965 resultaba una formula impensada, sin embargo Surf Rock + Navidad daría otros resultados. El Surf Rock es un genero que nació puramente instrumental y luego fue adoptando variantes vocales con The Beach Boys o Jan and Dean, pero sin embargo siempre se alimento de sol, playa y olas, estando muy pero muy lejos de Santa Claus, Rudolph - el reno, por si no soy claro- y la nieve. Sin embargo, uno de los grupos más importantes dentro del Surf Rock como fueron The Ventures, se animaron a conjugar villancicos con el sonido surfer. The Ventures cuando realizaron “The Ventures´ Christmas Album” ya venían de varios años de ruedo en la industria musical. Sin embargo para 1965 decidieron despacharse con un disco enteramente dedicado a la Navidad dejando de lado la temática playera. En el Lp se pueden encontrar con la versión Surf de “Jingle Bell Rock”, “Santa Claus is Coming To Town”, “Rudolph, The Red-Nosed Reindeer” o “Frosty The Snowman”, todos clásicos temas de los villancicos navideños. Si no querés escuchar los clásicos temas de navidad donde te aburre la parte vocal, The Ventures te regala esta vuelta de tuerca de esas canciones para las fiestas.

Revisando los Rincones

Publicado por Mocker , domingo, 12 de diciembre de 2010 13:43

Screaming Lord Sutch: "Lord Sutch and Heavy Friends" (1970)

Rock y Horror, son dos palabras que en algún punto se pueden encontrar. Desde los comienzos de la historia del rock el mismo fue catalogado por sectores ultra conservadores como “la música del diablo”, que corrompía con la imagen y los buenos pensamientos de la juventud. Por estos y otros motivos se empezó a tratar de censurar desde estos sectores sociales, políticos y eclesiásticos a cualquier tipo de expresión que no estuviera dentro de los cánones establecidos. Ejemplos hay muchos y variados, desde que una cámara de TV sólo enfoque de la cintura para arriba a Elvis Presley en pos de no mostrar sus movimientos pélvicos hasta los gimoteos de Little Richard y un sinfín más. No dejemos de lado que el origen del Rock and Roll proviene del Blues, cuyas letras además de contar las plegarias y sueños del afro también hace mención al demonio y vender su alma a él. Claro, para una sociedad americana que aun seguía dividiendo los baños según el color de las personas esta influencia de la música negra dentro de la juventud era más que una amenaza.

De todas maneras volvamos al concepto inicial, el horror y el rock, o mejor dicho la teatralidad y el rock, ya que de eso se trata también, un artista esta brindando con su cuerpo e instrumentos un espectáculo. Esta liberando sus sentimientos y expresiones a través de la música. Uno de los primeros que prendió la mecha del luego denominado Rock Teatral fue el ahora artista de culto Screamin Jay Hawkins que con su simple “I Put a Spell on You” llevó al púber Rock and Roll de mediados de los ´50 a otro nivel. Este tema tiene ese halo de misterio, ritual vudú y cosa prohibida que llamó la atención de algunos jóvenes que empezaron a investigar el verdadero comienzo de esa música que tanto les gustaba. Sin embargo este artista no sólo baso su fama en hacer un tema que hablara sobre hacer un hechizo en vos, sino también en su imagen ya que en sus presentaciones se vestía como un drácula vudú, portaba calaveras, se colgaba huesos y colmillos y cualquier tipo de objeto necrófilo que se le pudiera cruzar.Esta huella no pasó desapercibida y con el correr de los años la misma hizo mella en algunos próximos artistas como Arthur Brown y toda su pirotecnia, el ocultismo de los primeros Black Sabbath, la teatralidad llevada a su extremo con Alice Cooper hasta finalizar con la estética de cómic de White Zombie. Incluso pueden encontrar muchos artistas más que en mayor o menor medida vieron que el Rock y el Horror pueden convivir sin problemas.

A comienzos de los ´60 en Inglaterra, David Sutch, luego más conocido como Screamin Lord Sutch, también se vio influenciado por esa teatralidad de lo macabro de Jay Hawkins y decidió emprender su propia carrera solista. Los primeros simples de Sutch serían producidos por un por entonces afamado productor de música de Inglaterra llamado Joe Meek, que salvando las distancias podría ser considerado el Phil Spector inglés, por su aporte -en algunos casos subvalorado- a la música de Inglaterra de comienzos de los ´60. No está de mas recordar que a comienzos de esa década en el Reino Unido estaban de moda los grupos instrumentales como The Shadows, The Tornados etc y cantantes que imitaban a Elvis como Billy Fury y Cliff Richard entre otros. Aún faltaban unos años para la Beatlemanía que conquisto el mundo. Joe Meek, entre otros, fue el productor encargado de fabricar música y entre sus filas contó, junto a otros grupos, con Lord Sutch. Los simples de éste en los títulos de sus temas siempre corría la temática del terror o lo macabro como por ejemplo “Murder in The Graveyard”, “She's Fallen In Love With A Monster Man”, “Dracula´s Daughter”, “'Til The Following Night” o el más conocido dentro de su repertorio, “Jack The Ripper”. Justamente el título de este último tema, Jack el Destripador, fue la imagen que empezó a adoptar en sus presentaciones y con la que se hizo conocido dentro de la escena de rock. Vestido de galera, con capa, portando un hacha, un cuchillo o incluso saliendo de adentro de un ataúd fue la imagen habitual con la que se presentaba en sus shows. De todas maneras, recaer sólo en lo estético no sería justo ya que sus temas eran muy pegadizos y cómicos ya que llevaba el terror a lo bizarro, todo esto sostenido por una muy buena producción por parte de Meek y por la voz aguardentosa de Sutch. Durante buena parte de los ´60, Sutch sólo grabo simples, recordemos que el concepto del Lp -disco de larga duración- se empezó a imponer con fuerza recién cerca del ´67, ya que hasta ese entonces el álbum era visto como un compilado de simples. Sin embargo, llega a su primer Lp recién en 1970 con el álbum llamado “Lord Sutch and Heavy Friends”.

De todas maneras, esa pequeña ayudita de mis amigos -como cantaba Ringo- no se trataba de la colaboración de cualquier hijo de vecino sino de gente muy importante dentro de la escena de rock contemporánea. Repasemos, Jimmy Page y John Bonham (Led Zeppelin) en la guitarra y batería, Noel Redding (Jimi Hendrix Experience) en el bajo, Jeff Beck en guitarra, Nicky Hopkins en piano y la lista sigue. Por si todo esto fuera poco, Page, además fue el productor del álbum. La colaboración de estos músicos en el Lp de un artista que hoy a la distancia es de culto no se trató de mera casualidad ya que varios de los que se nombró en esa lista fueron compañeros de él como sesionistas cuando se desempeñaban como tal bajo la producción de Joe Meek, para hacer de soporte dentro de la grabación de temas. Incluso, también supo codearse con Ritchie Blackmore, futuro Deep Purple, ya que este también en sus comienzos era un músico de sesión.

El Lp comienza bien arriba, con el rock gamberro de “Wailing Sounds” que si uno lo escucha detenidamente puede apreciar al instante la producción de Page, ya que huele muy a Zepp el uso de las guitarras y la estructura de la canción en si misma. Sigue con “Cause I Love You”, un riff muy parecido a “All Day and All of The Night” de The Kinks, sin embargo esto no le quita mérito ya que no defrauda para nada si queres tener una buena dosis de rock. “Flashing Lights”, por su parte, tiene un ritmo muy pegadizo hasta bailable impulsado por un estribillo reiterativo y un arreglo de guitarra muy interesante, todo esto encumbrado una vez más por la producción de Page. “Gutty Guitar”, producida por Sutch, se encuentra a medio camino, se nota al instante que falta pulirlo. “Would You Believe” tiene algunos destellos de Psicodelia en su estructura de rock mientras que “Smoke and Fire” tiene un arreglo vocal y una estructura rítmica muy similar a Sabbath, recordemos que para el año de la edición de este Lp, el Hard Rock de Zeppelin, Sabbath y Deep Purple estaba en la punta de la lanza. Llegando a la segunda mitad del disco los temas siguientes son puramente de rock con mas Hard o mas Roll según corresponda en cada caso, así van pasando “Thumping Beat”, “Union Jack Car”, “One For You, Baby” o “L-O-N-D-O-N”. El final esta reservado para “Baby, Come Back” otro guiño a los Kinks y su “You Really Got Me”, en este caso capitaneado por la voz ronca de Sutch y su pedido entre desesperado y furioso de Nena Volvé.

Sin embargo -el que avisa no traiciona- el que esté interesado en encontrarse con un Screaming Lord Sutch haciendo alarde de su lírica e imaginería macabra, de terror y de cine clase B va a sentirse defraudado. En este Lp Sutch deja por un instante esa representación de Jack el Destripador con la cual supo ganar su incipiente fama para vestirse sólo como un excéntrico músico de principios de los ´70. Esto queda más que en evidencia en la portada del Lp. De todas maneras, la apariencia de aristocrático del rock no le dura demasiado y decide retomar su personaje de Jack en su segundo larga duración también con invitados de la talla del primero. Luego de esto vendrían más discos pero de menor relevancia o reversiones de temas antiguos, presentaciones en programas de TV en una suerte de revival de los ´60, postulaciones políticas hasta que llega el final de sus días el 16 de Junio de 1999 al tomar la decisión de suicidarse por continuas depresiones. ¿Cómo fue su final? La ironía del destino hizo que fuera ahorcado, justo él… que tanto jugaba en sus shows con las decapitaciones.

Made in: Argentina

Publicado por Mocker , lunes, 6 de diciembre de 2010 1:23

Riff: "Contenidos" (1982)

Los dos grandes mercados de la industria musical como son EE.UU. e Inglaterra tienen sus varios y bien diferenciados “Héroes de la Guitarra”, como son Jimi Hendrix, B.B King, Duane Allman y Stevie Ray Vaughan por el lado americano o Eric Clapton, Jimmy Page, Keith Richards y Pete Townshend por el lado inglés. Hagamos una pausa, esto es sólo una lista arrojada de apuro, faltan aún muchos más, no quiero despertar susceptibilidades. Sin embargo, si llevamos esta sana competencia de guitar heroes a nuestro ámbito nacional, sin lugar a dudas hay una figura vernácula que le saca varios cuerpos de ventaja a cualquier otro compatriota, me estoy refiriendo a Pappo.

Su grandeza en las seis cuerdas no sólo se debe a su muy buena técnica en la ejecución de su instrumento sino también por la figura que acompañaba ese buen desempeño en la guitarra. Me estoy refiriendo a su personalidad, su impronta, esa imagen de hombre rudo, reacio, malo pero que en el fondo guardaba un espíritu infantil, barrial y familiar. De todas maneras, hagamos un parate a esta descripción ya que la siguiente entrada no se trata sólo de Pappo o de Pappo´s Blues sino de su otro grupo de mayor relevancia, Riff. Decir que un solo grupo marcó el puntapié inicial de un estilo algunas veces puede ser muy exagerado, pero en este caso Riff fue el grupo que abrió el juego para las futuras bandas Heavy de nuestro rock argentino. A la distancia, el sonido de Riff puede no sonar tan pesado como otras bandas posteriores dentro del rock argentino, sea V8 o Hermetica pero hasta esa época, comienzos de los ´80 -aún gobernados por botas militares- Pappo y Cía fueron los encargados de ser los más radicales y furiosos dentro del rock nacional.

De todas maneras, ser el primer exponente de un estilo no garantiza ser considerado bueno, esto se gana con buenas canciones, una buena estética y un mensaje que capte la atención del público. Tres ítems que Riff supo tener, ya que la imagen, con sus camperas y pantalones de cuero o sus cadenas y tachas marcaron la diferencia de forma inmediata con todos sus contemporáneos. De todas maneras, esto no surge por propia inspiración sino por el reciente viaje que había tenido Pappo a Inglaterra escapándose de cierta monotonía que le había causado su anterior grupo, Pappo´s Blues, la cual se puede apreciar en los últimos trabajos de menor relevancia. De regreso en Argentina y luego de haberse empapado con la segunda ola de Hard Rock Británico vuelve con la idea de formar un grupo de similares características en su país, no sólo en lo musical sino también en lo estético. No está demás recordar que las noticias, a diferencia de estos tiempos, no eran contadas en tiempo real, y para muestra basta un botón ya que el Punk a principios de los ´80 ya había mutado en otros estilos y en Argentina todavía aún se seguía escuchando Rock Progresivo. Parte de este atraso musical sirvió para que Riff sea considerado una brisa de aire fresco para nuestro rock ya que marcó la diferencia de inmediato.

Para esta aventura musical Pappo se rodeó de Vitico Bericiartúa, antiguo rockero que supo estar en algunos grupos de los ´70 y que esconde un pasado incluso en una banda Beat como lo fue La Joven Guardia, de Boff Serafine en la guitarra y Michel Peyronel -el más joven del grupo- en la batería. Sin embargo Pappo no quería lidiar más con la imagen de líder de grupo y sólo quería abocarse a tocar la guitarra, y para eso ubica a Juan García Haymmes en la voz principal. De todas maneras, la historia y el público se encargaron de poner las cosas en su lugar ya que Haymmes no contó con el visto bueno de la gente en las primeras presentaciones del grupo ya que ellos querían ver y escuchar a Pappo, el cual tuvo que una vez más adueñarse del micrófono. A partir de esto Riff se convierte en un cuarteto.

Comentar un disco de Riff y no hablar de sus presentaciones sería como ver una película y perderse el final ya que a medida que iban ganando en audiencia también iba en aumento el mal comportamiento del público, atentando esto contra la banda ya que comenzaba a no ser bien vista porque en sus recitales siempre se desataba la violencia. Una vez más, no está de más indicar que los tres primeros discos de Riff, “Ruedas de Metal”, “Macadam 3,2,1,0” y “Contenidos” salieron durante los últimos años de un gobierno militar que estaba perdiendo poder, que dejaba en evidencia sus muy malos manejos políticos -Guerra de Malvinas- pero que aún todavía infringía a la sociedad cierto temor. Los recitales o festivales siempre fueron el ámbito de reunión de esa resistencia, marcados por una contracultura que tenía muchas cosas por decir pero que eran callados. Parte de esa resistencia contenida explotó -quizás por haber entendido mal el mensaje- en algunos recitales de Riff, volviéndose incluso totalmente negativa ya que se empezó a rivalizar a los grupos nacionales entre sí.

Utilicemos de hilo conductor el título del tercer Lp, “Contenidos”, para graficar y hacer referencia al clima social que se vivía en 1982 año en que se edita el álbum. De los tres primeros trabajos de Riff es el que mejor ventas tuvo y el que aumentó su popularidad y convocatoria. Todo esto a raíz de varios temas que luego serían considerados clásicos dentro de su repertorio como son “Susy Cadillac”, “Pantalla del Mundo Nuevo” o “Mal Romance”. El disco es presentado en el Festival B.A. Rock en las canchas de Rugby de Obras Sanitarias donde participaron varios grupos más dejando como registro un Lp y una película de ese acontecimiento. Volvamos a “Contenidos”, el mismo arranca bien al frente -como se espera de Riff- con “Susy Cadillac”, tema que marca de forma directa los principios básicos del grupo: coches, chicas y diversión. El próximo es “Mal Romance”, un tema también muy directo, sin vueltas o rodeos en el cual nos habla de una mala relación amorosa cuyo ritmo es un rock, ninguna balada de golpe bajo, vamos es Riff, ¿que esperaban?. Siguen con “Hoy No Hago Nada”, una oda a la fiaca mientras que por el contrario, el mensaje de “Lo Que Quieras Hacer” nos dice que las decisiones debemos tomarlas por uno mismo. “Pantalla del Mundo Nuevo” es un tema con un mensaje casi apocalíptico, que habla sobre un futuro tenebroso pero que si miramos entre líneas representaba fielmente lo que pasaba socialmente por esos años. Este, como otros temas, son los que sirven para mostrarnos que Pappo más allá de ser un gran guitarrista, fue de forma injusta muy subvalorado en sus letras. Luego el disco sigue con “Fuera de Mí” y “Héroes del Asfalto”, otro tema que menciona el amor por la ruta y los “fierros”, como así también “Duro Invierno” que repasa el espíritu errante de los metaleros que caminan por una senda casi de la incomprensión por parte de la sociedad. Los últimos temas son “Maquinación” que retoma el mensaje de alienación de “Pantalla del Mundo Nuevo” y “Tiempo Distante” que no aporta demasiado al Lp.

Luego de la edición de “Contenidos”, Riff seguiría presentándose ganando cada vez más adeptos al igual que cosechaban cada vez más actos de violencia en sus recitales hasta el desenlace de esta primera y original formación en 1984. Por último y un detalle para nada menor, más allá que Riff haya sido el puntapié inicial del Hard Rock o Heavy Metal nacional, no hay que serle indiferente al sentido de identidad que despertó este grupo en un sector de la sociedad siempre oprimido, como lo es la clase trabajadora y barrial, convirtiéndolos en los héroes de esa juventud que se sintió identificada y que vió en ellos un grupo que los representaba.